设计艺术论文

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的1篇设计艺术论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

设计艺术论文:论谈初中数学教学板书的设计艺术

【摘 要】板书是任何一门课的课堂教学活动中的精华，也是知识点的凝缩部分。缺少了板书的课堂不能称之为完整的课堂，面对初中数学教学，我们的教师也要在日常的教学活动中思考板书的设计，把板书作为一门艺术来设计，进而有效提高我们的初中数学课的教学效果。

【关键词】初中数学 板书 设计艺术

针对于我们的数学课，尤其是初中阶段的数学课，板书主要是由线条、数字、字母、图形等形式组成的，是帮助我们的教师进行有效教学的工具，也是指导学生进行知识点的系统掌握的重要形式。面对数学课程，我们的教师在日常的教学活动中，也要深入思考教学板书的设计理念，将教学板书设计成有价值的教学指挥棒，也可以为我们的学生今后的学习需要提供有益的帮助。针对数学这门学科的特点，我们可以发现在日常的数学课堂教学过程中，我们的板书的主要组成部分是几何图形、定理的证明或者推导、函数曲线等，很少出现文字类的板书，这就是数学这门课的独特的形式。面对数学板书的特点，我们的教师在日常的备课过程中就要深入考虑到这一因素，进而设计有效的板书内容，帮助我们的教学活动的顺利开展以及为学生的学习活动的顺利进行提供帮助。那么，怎样才可以将板书设计的既有利于教师的教学活动，又使我们的学生可以一目了然地知道我们的具体教学内容呢？笔者认为这是需要一个长时间的经验的总结的，教师只有在日常的教学活动中善于总结和提高，才可以设计出符合师生双方需求，又能够有效帮助学生进行整体学习和提高的教学板书。下面，笔者就结合自己多年来的教学经验来谈一谈在初中数学课程的教学过程中设计教学板书需要注意的问题。希望可以给广大的数学教师带来一些有益的帮助。

首先，我们要把知识点做到心中有数，在此基础上，注重数学知识点的整体性和系统性，使板书内容明了，易于教师进行教学参考以及学生进行课堂知识内容的复习巩固。

板书作为教师进行课堂教学活动的简易教案，要具有严密的整体性，有头有尾，整体规范是我们对教学板书的一大要求。针对初中数学这门学科，知识点的连贯性比较强，这就要求我们的教师在设计板书的过程中考虑到知识点之间的系统联系，将各个知识点和内容有机结合起来，进而帮助我们的教学活动得以顺利开展。同时，我们还要考虑到新旧知识之间的紧密联系，在教学活动开展之前，让学生对以往的知识内容进行复习巩固，以帮助学生顺利地进入到所要学习的知识中，这也是对教师的教学活动起铺垫作用的有益之处。此外，我们的教师在日常的初中数学课的教学过程中，要注意明确知识点的脉络，注意知识的连贯性和统一性。每一堂数学课的教学活动开展之前，我们都要首先将课题板书出来，要注意课题的新意，也要准确反映一节课的教学内容，以便引起学生的注意。在讲解新课的过程中，针对引入的新概念，教师可以将这个概念的关键词板书在黑板上，或者告诉学生在书本上具体的某一页，并引导学生进行分析和掌握。针对于数学习题的讲解，需要我们耐心地将解题过程板书下来，对于难懂的地方，要向学生进行透彻的讲解，以帮助学生在学习的过程中真正地理解其中的知识点，进而掌握那些知识点。

然后，在设计日常的教学板书的过程中，我们教师本人要在头脑中有一个清晰的思路，针对具体的教学内容，要进行有层次的划分，进而有效地为我们的课堂教学活动服务，也可以帮助学生在学习的过程中理清思路。

教师的教学板书是学生学习的重要参考，很多学生会把教师的板书认真地摘抄下来，以便课下进行再次学习和复习。因此，我们可以把板书看作教与学的媒介。作为媒介的教学板书，就需要清晰、完整、有条理。在日常的初中数学教学中我们可以发现一些教师不注重自己的书写字体、也不善于规划黑板的版块，导致板书的呈现过于杂乱，学生面对教师的这种板书也很难提起学习的兴趣，更不用说去抄录下来了。这种情况下，我们的教学活动就已经失败了一半，纵使教师的教学手段怎么高深，也无法取得预期的效果了。因此，作为一名教师，我们就要首先严格要求自己，在日常的教学活动中努力训练自己的粉笔字，对板书的设计也要事先有一个清晰的概念，不要随意而为，这是不负责任的表现，也不是一位好的初中数学教师该有的教学态度。思路清晰、

干净整洁的教学板书会在无形中加深学生对教师的敬佩之意，这样也就很容易实现我们的教学目的了。如果一个教师拥有高深的专业知识，但是在教学的过程中不注重提高自己的教学能力，就很难博得学生的喜爱了。由此可见，教学是一门高深的艺术，需要我们在实际的教学过程中不断地积累经验。

最后，教学板书的样式不是固定不变的，我们的教师在日常的初中数学课的教学过程中，要结合具体的教学内容对教学板书进行合理的设计，可以采取灵活多变的形式，使得我们的教学充满趣味性，这样也就可以很好地促进我们的教学活动的顺利展开。

初中生面临着严重的升学压力，一方面课程类型多；另一方面，作业量大。这就导致学生容易在日常的学习中产生疲倦。因此，设计灵活多样的教学板书也是提高学生学习兴趣、活跃学生的思维的有效方式。数学这门课在初中阶段与其他的学科相比有一定的难度，学生又面临着巨大的升学压力，因此，学习数学的过程中就有一定的畏难的情绪，这也是很普遍的现象。笔者想我们的教师在日常的教学活动中就要积极地帮助我们的学生克服这种情绪，进而帮助他们在今后的学习中对数学学习感兴趣。这不是一件简单的事情，需要一步一步地去努力改变，希望我们的教师可以在日常的教学过程中考虑到这一点。在课堂教学的过程中，开动思维的步伐，为我们的教学板书的设计多进行一些有益的尝试，争取最大限度地活跃我们的课堂，为学生的学习带去一些活力。

总之，教学板书对我们的整个课堂来说是意义重大的。教师要在这个过程中深入思考其中的艺术，争取设计出合理、高效的板书样式，为个人的教学活动以及学生的学习活动都提供一定的指导性帮助。同时，教师也要明确教无定式，学无定法，教师一定要在教学的过程中积极思考、善于创新，提高自己的教学能力和教学水平，帮助学生在今后的学习过程中获得有益的启示，这也是对教师工作负责任的表现。希望在今后的教学中，我们的教师可以继续努力，为促进我们整体的初中课堂教学活动的高效而不断思索。

设计艺术论文:数学开放题的教育价值与设计艺术

摘 要：数学开放题有利于学生根据自己的认知结构对问题作出解释，实现对知识的主动建构，获得认知结构的改造和重组。由于数学开放题强调了学生获得解答的过程，体现了学生在教学活动中的真正主体地位，从而极大地提高了学生的学习积极性，是克服“灌输式”教学倾向的解药。因此，对广大数学教师的教学经验进行总结，主动接受建构主义教学理论的指导，构建中国式的数学开放题及其教学模式是对学生进行素质教育的一种有效途径。

关键词：数学；数学开放题；开放题的研究；教育价值与设计艺术。

传统的教师中心“遗传”基因，直到今天依然存在，而且严重地影响着数学教师的教

学观念，影响着数学教育的发展。

近年来，数学开放题作为一个具有时代特色的数学教育改革的亮点，已日益引起我国数学教育界的注意，逐渐形成为数学教学改革的一个热点。1998年的全国高等学校招生统一考试数学试题里“开放题”居然也堂皇入室。

一、何谓开放题？

（1）开放题是指那些答案不唯一，并在设问方式上要求学生进行多方面、多角度、多层次探索的问题。 （2）开放题并不是普通的数学问题，而是为了达到一定的教育目的而精心编制设计的数学问题。

一道数学题的开放性（开放度）在很大程度上取决于这道题采用何种设问方式。即使是一道传统的封闭性数学题，也可以通过改变其设问方式而将其改编为具有开放性的习题。要求学生进行多方面、多角度、多层次探索是一种“开放性的解题要求”，通常使用“试尽可能多地……”一类的词语来提出，它对学生具有“鼓励参与，激励优化，追 求卓越”的作用。

二、为何研究开放题

目前人们普遍认为素质教育的核心是培养创新精神和创造能力，而开放题教学是推进数学素质教育的一个切入点和突破口。开放题给学生进行创造性学习提供了宽松、自由的环境，它的作用体现在以下几个方面：

1、开放题的教育作用：

① 发散性 学生必须打破原有的思维模式，展开联想和想象的翅膀，从多角度、多方位、多层次进行探讨，其思维方向和模式的发散性有利于创造性能力的形成。

② 探索性 因为开放题易使学生形成原有认知结构和新认知结构的冲突，学生必须通过顺应来主动建构新的认知结构，因而有利于培养他们的探索意识和创新精神。

③ 趣味性 开放题独特的叙述方式、宽松的解题环境和极富挑战性的解题策略，为学生在迫切要求下进行数学学习创造了条件，有利于激发学生的好奇心和好胜心，增强了学习的内驱力，对数学探索产生浓厚兴趣。

④ 多样性 在开放题教学中，既要有学生独立思考的个体活动，还需有师生之间、学生之间的合作、讨论、交流的群体活动。开放题答案的多样性，使得其最终的解决只靠个人的力量在有限的时间内难以完成，需要依靠集体的智慧和群体的力量。

⑤ 主体性 开放题教学是以学生为中心，有利于保障学生的主体地位，使学生真正成为学习的主人。

⑥ 竞争性 开放题解答的多样性和差异性，使其有了优与劣、多与少、简与繁的区别。也正是这种差异的存在，激发了学生的好胜心，使竞争意识悄然地渗入学生的头脑，把竞争机制引入开放题的课堂教学。

⑦ 创造性 在开放题的解答过程中，没有固定的、现成的模式可循，靠死记硬背、机械模仿找不到问题的解答，学生必须充分调动自己的知识储备，积极开展智力活动，用多种思维方法（如联想、猜测、直觉、类比，等等）进行思考和探索，因而开放题是提高学生创造能力的有效工具，是培养创造人才的摇篮。

2、开放题的转化作用：

（1）开放题对教师观念的转变： 开放题的出现以及对其教育功能的肯定，一方面反映了人们数学教育观念的转变；另一方面适应了飞速发展的时代的需要。实际上反映了人们对于数学教学新模式的追求，是人们站在新时代历史的高度上对数学教育改革的新探索。

① 观念转变的原因：

a.当技术的发展已使社会数学化，数学的应用已渗透到开放社会的各个方面的时候，我们不应满足于陈旧的、封闭的教学方法。

b.数学不能仅仅理解为一门演绎科学，数学还有其更重要的一面，即它是一门非逻辑的、生动的、有丰富创造力的科学。

c.数学教学是学生创新活动的过程，仅仅靠教师的传授，不能使学生获得真正的数学知识。

d.在数学教学活动中，学生是教学认知的主体，没有学生的积极参与就没有名副其实的教学活动，教师的作用主要体现在他是教学活动的组织者、指导者和鼓励者。

② 观念转变的内容：

a.我国教育部基础教育司明确指出：“课程是一个历史范畴，课程目标、课程结构、课程内容都将随着时代的发展而变革。”“教科书”应体现科学性、基础性和开放性。

b.开放题课堂教学中的数学观即对数学本质的认识，教师的数学观直接影响着他的教学观。如果教师能用动态的、全面的观点来理解数学，那么他所采用的教学方法就会是启发式的，其教学观就是以学生为中心。

（2）开放题对教师角色的转变： 在开放题教学中，教师的角色定位，即在教学过程中，教师不是教学活动的主角，而是“编剧”和“导演”；不是知识的传授者，而是教学内容和教学活动的设计者、促进者、示范者、组织者、调控者。

在开放题教学中，应特别强调的是教师除要具备传统意义上的那些专业素质外，还应具有创造能力（尤其是进行创造教学的能力）和自觉反省自身数学观、教育价值观和教学观的意识。

三、开放题的特点

① 问题的条件常常是不完备的；

② 问题的答案是不确定的，具有层次性。

③ 问题的解决策略具有非常规性、发散性和创新性。

④ 问题的研究具有探索性和发展性。

⑤ 问题的教学具有参与性和学生主体性。由于开放题没有固定的标准答案，这就使教师在课堂教学中难以使用“灌输式”的教学方法，学生主动参与解题活动不但成为可能，而且是非常自然和必要的。一些学生希望老师与学生一起来分享这种成功的喜悦，任何一个好教师都不会压制学生的这种愿望，这就使课堂教学自然地走向了以学生主动参与为主要特征的开放式的教学。案例：设计花坛。

四、开放题的分类

（1）设计条件的开放 传统的答题模式多数是条件与结论——对应的定式训练，解题时不必考虑条件的由来。然而现实生活中人们得到的信息对于某个具体问题而言绝大多数是无用的，必须善于从大量信息中筛选出有用的信息。因此有意设计一些条件过剩或不足的开放题会更好地完善学生的认知结构。若设计成求一个三角形面积（单位：分米），则效果不大一样。

（2）设计结论的开放 这类题的条件和问题都很明确，而结论却不惟一，具有发散性和多面性。例如：将“如一把木块平均分成三块完全一样的长方体后表面积增加了多少（单位：厘米）”的常规题去掉图中虚线，则成结论开放题。

（3）设计策略的开放 这类题解题思路多种多样。教学时应充分利用其开放功能，引导学生多角度地进行分析思考，以培养学生思维的发散性和灵活性。

五、开放题的功能

美国加里福尼亚教育部指出了开放性问题的五个功能：

1、开放性问题为学生提供了自己进行思考并用他们自己的数学观念来表达的机会，这和他们在数学学习中的发展是一致的。

2、开放性的问题要求学生构建他们自己的反映而不是选择一个简单的答案。

3、开放性问题允许学生表达他们对问题的深层次的理解，这在多项选择中是无法做到的。

4、开放性问题鼓励学生用不同的方法去解决问题，反过来要求老师用不同的方法解释数学概念。

5、开放性问题的模式是数学课堂教学的基本成份。

六、开放题的教育价值观

开放题作为一种具有特殊形式的数学问题，与一般的数学问题一样,也具有知识教育价值。开放题最突出的、人们谈论最多的是：它有利于培养学生发散思维和创造能力。这也是开放题教育价值最核心的内容和最主要的体现。目前人们普遍认为素质教育的核心是培养创新精神和创造能力，而开放题教学是推进数学素质教育的一个切 入点和突破口。这从一个侧面反映了开放题在培养创造能力方面所具有的巨大教育价值。

从结构形式上看，开放题具有组成要素的非完备性和解题答案的不确定性；从解答过程和解题策略看，开放题具有发散性、探究性、层次性、发展性、创新性等特性。开放题的特性决定了开放题教学的开放性，因而在这种教学环境中，学生是以知识的主动发现者、探索者和研究者的身份出现，学生不再是“装”数学，而是“搞”数学，这就可以使他们在一定程度上去体验数学家进行数学研究的活动过程，深切领会数学的实质，有利于形成正确的数学观念和数学意识，掌握数学的灵魂——思想方法，为今后的学习以及成人后用数学的思想方法、思维方式来解决问题做准备。

开放题在激发学生学习的兴趣，树立学习的自信心，凸现学生的主体意识，形成独立的人格和克服困难、勇于探索的意志品质，培养群体意识和合作精神，增强竞争机制，培养探索意识和创新意识，形成正确的科学态度等方面，具有极大的优势。可见开放题的人文教育价值也很大。

七、开放题的设计艺术：

数学开放题的教学需要开放和设计大量的开放性问题，与当前的数学教学实际密切相关且被广大数学教师认可的开放性问题。 开放题设计模型的优点和误区可由下面的框图描述：

开放题的优点 开放题认识误区

① 开放题顺应开放化的社会需要 ②开放题教学可以使全体学生主动参与，符合素质教育面向全体学生的要求③开放题可以使学生更全面地理解数学的本质，体会数学的美感④开放题可以给予学生更多的体验成功的机会，增强学习自信心，激发学生学习数学的兴趣 ⑤开放题有助于培养学生的创造意识和创新能力⑥开放题追求卓越，有助于培养学生的优化意识，提高解决问题的能力 ⑦开放题教学是以学生为中心，有利于实现教学民主，建立新型的师生关系⑧学生解答开放题时不但要综合运用、重组已学的知识，而且时常需考虑问题解决的策略，对自己的解题活动进行认识、评价和监控，这有助于发展学生的元认知⑨教师在研究开放题的过程中，可以在教学观念、解题能力、扩大知识面等多方面得到提高，这有利于提高教师素质 ①开放题在单一的技能训练、知识学习上费时费力，效率较低 ②开放题教学易受课时的制约，在课堂上常常出现学生的思维在低层次上重复，不易进行深入的研究 ③开放题教学对教师的要求较高，不易推广 ④对有些开放题很难制定出客观公正的评分标准，故在用开放题作考试题时困难重重 ⑤现有的适合教学使用的开放题数量太少，开发和设计更多的数学开放题又面临较多困难 ⑥受考试文化的影响，要使更多的教师重视、认识、接受开放题，还有一段艰巨漫长的道路要走

在开放题的编制、开发中，要十分重视开放题的设问方式。语言的暗示性要恰当，防止将思维导入歧途；要把握问题的开放度，不同水平的学生应采用不同的设问方式，提出不同的解题要求；开放题中所包含的事件应为学生所熟悉，其内容是有趣的，是学生所愿意研究的，是通过学生现有的知识能够解决的可行的问题；要注意问题的可发展性，给学生一个提问题的机会，也许比解题本身更重要。

八、开放题的解题艺术：

1、传统教学法解题摸式

这种解题模式，学生在得出结论后没有自我反馈的过程，去发现总练习题的内在联系，总结经验，找出规律，举一反三，因而浪费了大量的宝贵信息。

2、反馈教学法的解题模式

在反馈教学法解题模式中特别注重解题后的自我反馈和自我小结。引导学生去发现习题中潜在的知识信息，去联想、归纳、类比，以寻找知识间的联系、巩固和发展教学思想方法和处理技巧，重视培养学生的独立思维与创造思维能力。

结束语

数学开放题不应该排斥传统教学，它是传统教学的一种补充。通过教学开放题实践体会到：数学开放题只是为学生高层次思维的发展提供了一种可能性；数学开放题对学生的要求很高，不仅要求学生有较高认知水平，还要有较强的主动参与意识，才能有开放的气氛；在教学过程中，不仅要求教师能放开，还要求教师收得回来，这样才能收放自如。只有在教学实践中逐步摸索经验，才能真正有效地体现数学开放题的教育价值。

设计艺术论文:浅析河南省高等职业院校设计艺术教育在文化创意产业人才培养中的作用及提供的有效支撑

论文关键词：文化创意 设计艺术 教育

论文摘要：河南作为中华文明的发祥地，具有悠久历史，拥有众多的文化资源和遗产。河南省文化创意产业规模化发展迅速，其关键是人才，本文论述了高等职业院校的设计艺术教育对人才的培养，为河南省文化创意产业的健康发展积蓄力量，并对文化创意产业的可持续发展提供了重要保障和支撑。

河南省文化创意产业人才的培养是一个系统的工程，涵盖了文化创意产业链条上所有从业人员的学历教育，再教育，技能培训以及自我完善能力的培养。高等职业设计艺术教育处于这个产业链的高端，有着不可替代的主导地位，但对其作用机制的研究不能从其学科体系中割裂出来，必须在河南省地域文化、经济发展水平的大背景下针对文化创意产业人才培养的特点及要求，依托大的学科体系展开全面的比较分析。

一、文化创意产业人才培养的特点及要求

文化创意产业属于知识密集型新兴产业，具有高知识性、高附加值、强融合性的特征。[1]文化创意产业人才可以根据在产业链上的作用和分工的不同，分为文化创意人才、文化创意活动的组织人才和文化创意成果的经营人才。而文化创意人才能够位于创意产业价值链的高端，是因为创意产品的主要增值部分就在其原创性的知识含量中。文化创意人才所从事的创造价值的这种活动，改变了过去必须要有实体生产才能成为产业与创造价值的观念，而将抽象的、无形的创意活动当作产业链的一环。

1.文化创意产业的个性与共性

创意产业规模化发展的关键是人才，创造性人才需要个性的自由发挥,而创造性产业在一定程度上要考虑共性,产业机制是规模化的,需要有制度和协调。[2]所以这样一种个性和共性的结合,就是创造性人才的培养和创造性产业的发展之间的矛盾和协调问题。

高等设计艺术教育在文化创意产业人才培养中最根本的作用就是解决了以上两个问题，即文化创意增值和个性与共性的矛盾调和。高等职业设计艺术教育首先是文化创意专业人才的培养，同时它的基本培养模式是通过科学的方法批量为社会输送创造性的人才。此时创造性人才的个性表达是基于一个系统科学的创新体系之上的，最终的教育成果表现为文化创意产业规模化发展的人才储备。

2.国际文化创意产业形势

目前国际上文化创意产业主要有三种表现形式，一是以英国政府定义为基础的“ 创意型”，主要依托工业设计和艺术设计领域；二是以美国界定为代表的“版权型”，即生产和分销知识产权的产业；三是中日韩等国的“文化型”，不论哪一种产业形式，文化创意人才的培养都是以高等设计艺术教育作为中坚力量。[3]仅以游戏产业为例，在2003年，美国设有游戏专业的大学（学院）有540所，日本有200所大学设有游戏（开发、设计、管理、运营）专业，韩国有288所大学或学院设有相关专业。

二、河南省高等艺术教育的比较分析

河南省高等艺术教育主要包括：普通高等院校的艺术普及教育、高等师范院校的艺术教育方向、高等职业应用型的设计艺术教育、纯艺术教育。其中普通高等院校的艺术普及教育和高等职业应用型设计艺术教育是河南艺术教育的重点。

（1）普通高等院校的艺术普及教育

在大学生全面素质教育中人文素质教育占基础性地位,而艺术素质教育又是人文素质教育的基础。没有艺术教育是不完整的教育,高等学校需要艺术教育,实施艺术教育是适应现代社会发展的需要,是时展对高等教育提出的新要求,是深化高等教育改革、推进素质教育的切入点,是提高学生审美能力、表现能力、创新能力的根本途径，是大学生全面素质教育的重要组成部分。

（2）高等师范院校的艺术教育方向

高等师范院校的艺术教育应该是以培养从事普及艺术教育为目标的教育人才为核心的。培养讲方法、知识渊博、长于引导，有较高的艺术鉴赏、艺术批评、艺术教育理论研究能力的高水平教师。

（3）高等职业院校应的用型设计艺术教育

高等职业设计艺术教育是我国艺术教育领域发展教晚，但规模最大，分类最细，教育目标最明确的类别。高等职业设计艺术教育的办学目的是培养祖国现代化建设中迫切需要的行业内专业人才，与行业相关技术、工程紧密结合，能够快速学以致用；培养学生继续学习持续发展的能力，在熟练掌握专业基础同时具备日后深入学习的能力。

（4）纯艺术教育

纯艺术的概念最早被赋予的意义是反艺术实践中任何的功利性目的，是为了“艺术而艺术”的一种很纯粹的，重精神体验的艺术活动。因其被定义了本质的非功利性，自然而然的与应用型的各艺术设计专业相距日远。

我们看到艺术普及教育很大程度上得益于应用型设计艺术教育的快速壮大，学历培养和就业优势两把利器完成了对整个文化创意产业链的支持和提升。伴随着我国经济的高歌猛进，社会对应用型设计人才呈现出很大的刚性需求，高就业率、高收入带动了艺术教育市场整体的繁荣。

三、高等职业设计艺术教育在河南省文化创意产业中的重要作用及有效支撑

高等职业设计艺术教育，是指高等职业学校主体有计划发掘、培养与完善学生的设计艺术创造素质与能力的行为及其体制，是专门的以职业教育和职业技能目标为导向的设计艺术文化创造能力教育，其终极性目的是为了促进人类实现意义化生存和可持续发展的梦想。[4]高等职业设计艺术教育，在本质上是在高层面上的发掘、促进学习者的设计文化素养、创意创造与传播能力的形成与提高。

创新思维的培养是职业设计艺术教育的核心问题，设计艺术的发展在很大程度上就是创新思维的发展。设计艺术的创新思维实质是指以辩证的逻辑性思维为基础，以敏锐性、独创性以及批判性为特征来体现形象的一种思维活动。所以在设计艺术的教学中，要培养学生的创新思维能力，在教育教学过程中注重培养学生的批判精神，培养学生丰富的想象力和善于捕捉创造灵感思维的能力。高等职业设计艺术教育的核心作用就是培养创意型、素质型、可持续发展型的人才，这也正是文化创意产业所需的人才。

文化创意产业的可持续发展会受到消费者文化层次、审美取向、价值观念等软因素的制约，一个具备较高文化艺术素养的受众市场无疑是文化创意产业蓬勃发展的最强有力的保证。在高等职业艺术教育大框架下，通过高等艺术教育四个层次的比较分析，可以看到高等职业院校的艺术教育在为文化创意产业的健康发展积蓄力量，为河南省文化创意产业可持续发展提供重要保障。

综上所述，虽然文化创意产业的发展仍处在起步阶段，但其强劲的发展势头，必定会成为我国未来的朝阳产业，前景不可估量。文化创意人才是河南发展文化创意产业的第一文化资源，在大力引进人才的同时，高等应用型设计艺术教育必须完全融入文化创意产业这一新兴的经济力量，将文化创意与艺术感染力和科学技术生产力更为紧密的结合起来，携手纯艺术发展的力量，高度重视高等职业设计艺术教育，充分利用现有设计艺术教育资源和优势，才能为河南培养更强更多本土化的文化创意人才，以促进和满足河南文化创意产业的快速和持续发展。

设计艺术论文:试析对高职设计艺术专业教学质量评价体系建设的探究

论文摘要：教学质量是衡量高等院校办学水平的重要指标。与其他专业不同，设计艺术专业由多个学科复合而成，其专业对设计意识与职业技能的高要求突出了针对设计艺术专业的教学质量评价体系的构建问题。根据高职高专院校职业教育的特点,结合高职高专艺术设计教学质量监控与评价体系的现状及存在问题，从实际有效的立场出发，对其教学质量评价体系的建设进行探究，提出科学合理的建设方案。

论文关键词：高职高专；设计艺术；教学质量；评价体系

随着我国教育改革的不断深入，高职高专院校教育也取得了长足的发展。其中，设计艺术专业质量与规模也在不断地发展壮大。而任何一个专业和学科的发展都需要兼顾规模与质量，而当前，很多高等院校的教学评价体系尤其是在设计艺术这类专业方面的评价体系，有许多的突出问题有待解决。所以，要实现高职高专设计艺术教育的可持续发展，就应该重视教学质量的提升，加快教学质量评价体系的改革和构建。通过科学有效的教学质量评价体系，推动高职高专院校教学系统的高效运行，获取最佳的教学质量。

一、高职高专院校设计艺术专业教学现状

（一）设计艺术专业办学规模的不断扩大

随着时代的发展进步，各行各业都在迅猛的发展，对人才类型的需求也更加地宽泛。尤其是在设计艺术行业发展势头强劲的今天，社会对设计艺术型的人才需求也在不断地扩大。于是，各地高校都开设了设计艺术专业以适应发展需求，在几年的发展中，设计艺术专业不断地扩招，规模迅速扩大。至今，设计艺术专业的招生人数已经达到了全国各专业招生人数的前5位。迅猛发展的大趋势驱动下，越来越多的高校开始开设此专业，有些高校甚至并不具备开设的条件。尤其是很多高职高专院校的设计艺术教育教学上存在着很多突出的问题，如:缺乏设备、师资力量不足、缺乏学科教学经验以及生源质量低等等。

我国很多的高等院校在招收艺术型学生的时候，强调的是艺术专业的特长，而忽视了对文化素质的要求。所以很多艺术系的学生在中学学习阶段都是紧紧抓住艺术专业的学习而几乎放弃了对文化专业的学习，因此这类学生的人文素养都不高。而艺术与文化是不可分离的，设计艺术的理论掌握也离不开较高的文化素养。还有很多考生都是原本文化成绩不理想，因为设计艺术专业文化课的录取分数线要低很多，所以这类学生为了考上大学，很多都选择可能并不适合自己的艺术专业学习。而这类学生也是问题最突出的，他们不仅文化课成绩不理想，而且在艺术特长上也没有大好基础，只是为了应付考试而强攻。可见，在设计艺术教育蓬勃发展的势头背后，还存在各种需要解决的问题。

（二）设计艺术专业教学质量现状

学校的职责是教育，主要服务对象就是学生。学校的各项工作终极目的就是为学生创造提供更好的教育服务，营造良好的学习环境。教学质量是重中之重，质量的提升要落实到全体教职工，只有做好每一部分工作，才能充分发挥团队的凝聚力。具体地说就要注重教学内容、方式方法以及教学理念的建设和完善，高效地进行人才培养。作为设计艺术专业，其教学应遵循专业固有的特点，不是简单地按照教学大纲进行。很多艺术系的教师为了方便教学，就机械地遵循学校整体教学大纲，按照规定课时授课，教案一成不变，更有老师并不设计教案，教学随意性强。这种按照教师自身特点喜好教学而不依靠教案的教学方式存在极大的不规范性。

随着设计艺术专业的发展和扩招，生源越来越多，面对庞大的学生军队，尤其是很多都是文化素质偏低的学生，教师的负担和压力越来越重，学校师资力量不足，教师只能超负荷地工作，这样的教学状态，极大地影响了教学效率。

（三）目前教学评价体系存在的主要问题

当前，我国的高职高专院校设计艺术专业教学普遍是运用传统的教学模式，对学生学习成绩的及教师工作效率的评定都缺乏规范性，相比其他专业而言，设计艺术专业的教学质量评价体系几乎是一个盲区。普遍的观点都认为艺术专业与文化专业不同，不应该套用文化专业的教学质量评价体系，而又不知道应该以怎样的标准去衡量和评价教学成效。现实的情况是，大多数学校对设计艺术专业的教学质量评价工作都不够重视，虽然会进行相关评价工作，但也只是走形式，例行常规罢了。所以整个评价过程都缺乏规范性和科学性。评价的方式方法也不能及时地得到更新，实施起来，效果不大。例行公事的评价往往是评价多，但却缺乏作为评价基础的有效监控。监控的不到位使得信息的收集难度增大，信息的处理和反馈时间拉长，最终导致评价工作变得繁琐、杂乱。

除了教学质量评价观念的落后，具体的评价机制和目标也不明确。以评价为主的评价体系中，各部门各行其是，没有协调统一好。对教师的评价也常常忽略教师的主体地位，一味的考察学生的意见。这种偏见的不科学的评价方式必然影响教师工作的积极性，原本以促进教学为目的的评价工作却取得适得其反的效果。教学评价机制并没有很好的规范起来，实施过程中存在着很大的随意性和主观性，过多的主观因素严重地影响了评价结构的公正性。比如：对某个教师的教学工作进行评价，就通过选择一两节课听课来判定，这种判定难免存在片面性。

就目前各高职高专设计艺术教学评价体系看，其评价则取的标准范围都过于狭隘。范围的不广一是由于学校教学条件及教学设备有限，二是评价往往采取随堂听课、考试成绩和学生对教师的评价来确定结果。这种力求简单的操作过程遗漏了很多重要的考察因素，也必然影响评价的全面、深入和科学性。

二、构建科学合理的高职高专设计艺术专业教学质量评价体系

根据以上关于高职高专设计艺术教学质量评价体系的现状及问题的分析，可以看出，设计艺术评价体系最关键的问题就在于缺乏规范和系统。笔者认为，要促进设计艺术专业的发展和高职高专院校的建设，就必须加快构建完整、系统、科学、有效的教学质量评价体系。在科学的评价体系运作下，促进提升教学质量，需要做到以下几点。

（一）明确教学质量评价体系的基本内容和要点

根据高职高专院校教育的内在规律，结合设计艺术专业的固有特点，首先需要明确教学质量评价的基本内容和要点应从专业教育、课堂教育、实践教育及学生素质四方面着手。专业建设是学校发展的重中之重，专业师资队伍要雄厚，要注重对优质师资的吸收。课程的设置也要突出反映专业的发展需求，注意对学生操作能力与专业技能的培养，使学生在课程的学习中能够有效地提升自己的能力和素质。作为教学质量的核心，课程教学是各环节中最重要的，从备课到授课再到解答疑难、批改作业和成绩考核，每个过程都需要规范起来，需要有计划有秩序地进行。课堂教学要努力做到生动、全面，取得最佳效果。对应理论教学，实践教学的进行也十分重要，设计艺术人才的培养，实践是最重要的。课程的开设中，实践课程必须作为必修课得到强化和重视，学校的各项实践设备也需要跟上，数量和质量都必须得到保障。最后，学生的素质是学校服务的终极目标，设计艺术专业教学中不仅要发展学生的专业素质，也要重视包括文化、道德、身心健康在内的各项综合素质的培养和提高。

（二）规范设计艺术专业教学评价标准

教师是学校教学的主力军，教师的教学能力和水平的高低直接影响到课程教学质量和学校的办学水平。要促进设计艺术专业教学质量的发展就需要规范专业教师教学绩效的评价方案与标准。方案的制定必须遵循科学、合理、可行、系统的原则，实施过程中，力避生硬的例行常规，尽可能地用心投入。当然，在评价中，也要避免主观感情的过多涉入，力求评价的公正客观。规范系统的评价标准应包括以下几个方面。首先，教学效果是最直观最实际的教师教学质量评价参照，教学效果的好坏主要表现在良好课堂氛围的营造以及学生学习的积极参与。衡量教学效果还要考察教师一堂课下来教授的信息量，教师在授课中，传递给学生的信息不仅要包含学科知识还应涉及学科的最新信息，帮助学生与时俱进。其次，要从学生方面获取教师教学的反馈信息。作为知识接受的主体，学生对教学的反馈往往能够帮助我们发现教学中存在的问题，学生的反馈无疑是教师教学效率评价的重要参考。再次，教师的科研成果也是衡量其工作绩效的重要参考。教师对专业科研的研究成果能够很好的反应出其在专业方面的投入及修养水平。以科研成果为参考也能激起教师科研的热情，推动专业科研的发展，为专业发展引入活水。最后，学校可以通过举办展览、举行比赛的方式，组织教师将各自的教学成果展示出来，一方面成果的展示汇报可以直观的看出教师的教学水平和研究投入；另一方面，展览和竞赛能够推动教师创新的热情，推进加强各个学校的信息交流，加快教学改革。交流中也能够帮助教学质量评价体系的与时俱进。

（三）注重学生综合能力的发展

大多数的设计艺术专业学生都对传统的课程成绩考核评定形式表示不满。传统的课程成绩主要取决于该专业教师的评定，主观性成分很大，成绩的评定有很多人为的因素在内，难免有失公允，尤其是在突出强调教学质量提升的今天，成绩评定的问题愈加突显。要解决这个问题，保证考试成绩的相对的公正可信，就要改革但从专业教师评定考试成绩的方式。学校可以采取设计艺术行业专业人士与技术人员共同参与评定的方式，将评定者多元化，更好地保证考试成绩的有效性。

对于成绩评定的参考标准，很多同学也提出了自己的看法。关于成绩评定的方式，部分同学认为学习成绩应该加大平时成绩的比例，而不是几乎取决于期末的一次考核。而有关评定内容上，很多同学则认为设计艺术专业有别于其他专业，创新意识和表现能力十分重要。所以，在评定成绩时，应该将关注点更多的聚焦在学生的创新能力和表现能力，这样才能够更好地鼓励学生主动积极的学习。当然，其他的如口述与图纸表现能力，独立思考完成工作与融进团队合作进行的能力都十分重要。学校要提高教学质量，关键是要提升学生的综合素质。

（四）加强设计艺术专业类教师之间的监督

建立合理完善的教学质量评价体系离不开教学质量监督。进行质量监督单靠相关部门的工作往往很吃力，效果也不一定很好。在实行监督时，可以辅助另一种重要方式进行—教师间的相互监督。加强教师的互相监督，提高教师对教学质量提升的关注。教师之间相互交流观点、看法，互相切磋，交流中获得共同的提高。具体的实施中，可以建立一个教师互相听课的制度，教师在听课中发现问题，交流看法，每个教师参与作为评价程序之一的听课之中也就等于参与到了教学质量的监控之中。听完课后，每个教师都会有自己的心得，教研室可以要求教师将这些心得记录下来。在每次组织教研室交流活动的时候，每位教师都可以讲自己总结的心得拿出来与大家共同分享，实事求是地将自己认为的其他老师在授课中存在的不足提出。所有的问题摊开之后，才能共同寻求解决方法，并且总结经验，取长补短。

只有加强专业教师之间的互相监督，才能促进教师对自身教学的严格要求，在监督之下，积极地参与课程的改革与创新，力求教学质量的提升。也只有监督之下对教学模式的积极探索，才能促使教师找到适合自身特点的教学方法，推进学校的教学发展，促进教学质量的提升。

三、结语

面对高职高专院校的不断发展壮大以及其设计艺术专业规模的发展，教学质量的提高迫在眉睫。我们需要根据设计艺术专业本书的特点，紧抓科学合理的教学质量评价体系的构建。这是一份系统的工作，需要广大专业教师的积极配合与学校各部门各领导的支持。在认清现状的基础上，明确教学评价体系的基本内容和要点及评价标准，重视学生综合能力培养与教师的相互监督。相信，通过学校和教师的共同努力，积极地进行教学质量评价体系的构建，一定能够改进和完善设计艺术专业的教学模式和方法，解决现存的问题，推进设计艺术教学质量的不断提升，实现高职高专院校的长久可持续发展。

设计艺术论文:浅谈我国学校武术教学中的设计艺术

论文关键词： 学校武术教学　设计艺术　情感教育

论文摘 要： 以“情感教育”为灵魂的艺术化教学设计是当前学校武术教学彰显人文关怀和进行审美教育的具体体现。本文以艺术设计为视角，从教学内容、教学语言、教学示范、教学程序四个方面对学校武术进行了艺术化设计，以期为学校武术教学改革提供一定的理论参考。

1.引言

教学不仅是一门科学，而且是一种艺术。孟子有云：“教亦多术矣。”这里所说的“术”，就包含着教学艺术的含义。教育家俞子夷明确提出：“教学法是艺术”，“教学法又是科学”。教学艺术设计是应用系统科学方法分析和研究教学问题，提出解决问题的方法和步骤，并对教学结果作出预设的一种计划过程。武术教学理应强调教师以情感化的方式传授知识和技能，选择师生间交互性较强的教学策略协调、优化教学环节，使教学艺术设计和其指导下的教学成为一个开放的系统。学校武术教学是一种动态发展模式，也是一种艺术，在教学中如何增强教学的艺术效果，让学生在武术学习中既感受到美与和谐，又体验到一种艺术的享受，这就需要对武术教学进行良好的艺术化设计。良好的艺术化教学是激发武术教师的创造精神，提高专业素养的需要，也是创设和谐学校武术教学的应有之义。

2.武术教学内容的设计艺术

2.1教学内容形式

从教学内容的运动形式来看，武术教学内容的选编应注重套路、格斗和功法三种运动形式的交融、协调发展。应进一步“优化”套路这一中国武术所特有的运动形式，使其充分体现武术的特点，满足广大青少年学生的需求。

2.2教学内容分类

从教学内容的分类来看，教学内容可以分为全国统一示范教学内容、地方拳种特色教学内容和适合高年级女生学习的教学内容。

2.3教学内容层次

从教学内容的层次来看，武术教学内容可分为“趣味武术”、“技能武术”和“文化武术”等，从培养学生学习武术兴趣入手逐步过渡到掌握武术技能和武术文化。

2.4教学内容构成

从教学内容的构成来看，武术教学内容包括徒手武术、器械武术和武术文化知识，徒手按照“踢、打、摔、拿、靠”的系列及相应功力锻炼方法进行分类，并综合运用上述五种方法，编组成突出武术文化内涵的教学内容，器械以青少年喜爱、便于开展、安全性较高的短棍、两节棍、剑术和流传较广的武术器械为主。

2.5教学内容创编

教学内容的创编，突出武术“练打结合”的特色和教练程序，借鉴形意五行拳、太极拳和太极推手等，以及原国家体委组织专家集体创编的“青年拳”为样本，创编既能单练又可对练的武术教学内容。而在选编武术教材时，既要以通过调研拟定的构建新教材的原则为依据，又要充分考虑学生的生理和心理特点，以及当代时尚文化和时尚运动的成功因素。

3.武术教学中语言的设计艺术

教学语言，是教师向学生传授知识信息的重要媒介。武术教学作为体育教学的一部分，具有和体育教学一样的特征，即理论知识与身体运动器官的活动紧密联系。武术教学要求教师在武术教学过程中，讲究语言的艺术化。具体体现在：（1）语言要亲切、热情，尊重学生，多运用鼓励性话语；（2）语言要词准意切，符合学生身心发展特点；（3）语言要生动，富有哲理；（4）合理利用非语言因素。在武术教学中，为了增强语言表达的艺术效果，武术教师要努力借助自然协调的手势、表情、眼神、姿势等一系列非语言因素达到声情并茂、形神兼备的艺术效果。

4.武术教学中示范的设计艺术

4.1教师示范

教师示范的目的在于通过准确、熟练、优美，突出武术特点的直观性示范，让学生通过观察、思考，从而了解所学动作的形象、结构、完成顺序，建立正确的动作表象，形成完整的技术动作概念。教师在示范前应给学生布置观察内容和要点，让学生带着问题观察动作示范，明确观察动作示范的目的，并要求学生在示范结束后，根据观察的结果回答教师所提出的问题，从而避免学生看示范的盲目性。教师在示范教学中还要处理好完整和分解示范方法的教学矛盾。采用哪一种示范方法，要根据教学的不同阶段、教学内容的难易程度、学生的基础和学生对技术动作掌握的实际情况而定。在教学开始阶段，为了使学生建立一个完整的动作概念，多采用完整示范。在不同的教学阶段，为了突出学习重点，特别是学生掌握动作初期，一般多采用分解示范。在分解教学中一般应遵循“完整—分解—完整”的原则，不宜将动作分解得过细，尽快向学习完整动作过渡，从而避免学生对于技术动作的学习产生畏难情绪，失去学习兴趣。

4.2学生示范

在教学中，为了便于教师讲解或某位同学已经很好地掌握了特定的技术动作，为了在学生中树立榜样，产生榜样效应等，多采用学生示范。教师在让学生示范时，要充分了解学生的学习情况，适当给予一定的激励，激发其学习热情。

4.3合作示范

攻防技击性是武术的本质特性，决定了武术教学必须采用合作示范。合作示范能够形象地体现出武术动作的攻防技击特点。如武术技术动作中直拳进攻和格挡防守示范；太极拳中的太极推手示范等。合作示范时，教师应在课前与合作者进行认真准备，对要合作完成的技术动作的每一环节进行练习，以便保证在上课时对每一个动作、环节都能给其他学生一个正确、清晰的交代，帮助学生建立正确的运动表象。

4.4正误对比示范

有比较才有鉴别。教师仅仅采用正确示范，由于学生不理解动作性质和作用，容易忽视动作之间存在的区别，因此导致学生不容易发现自身的错误在哪里。教师可根据动作的攻防性质找出差异，通过正误对比示范，使学生明确正误动作的不同之处，达到帮助学生纠正错误的目的。而教师让学生进行正误对比示范时，则需注意示范前一定要向学生讲清楚示范的目的，并做好示范者的思想工作，防止由于示范者做出错误动作而受到其他学生的嘲笑，自尊心受到伤害。

4.5徒手与持器械示范

各地区课题组调查结果表明，器械套路很受学生的青睐，例如女生青睐于趣味性较强的剑术。教师在教授器械技术动作时，一般采用徒手模仿示范，首先让学生关注身体及身体各环节的移动路线、用力顺序、动作形式及方法等，然后采用持器械的示范，以有利于学生集中注意力学习技术动作，从而避免学生一开始只是关注手中的器械，而忽略技术动作要领的学习。

4.6借助现代科技媒体进行示范

现代教育技术为教学提供了极大的便利。教师应在直观性强的武术教学中充分运用多种教学形式，借助技术录像、光盘、计算机等多媒体进行教学，以求达到最佳的教学效果。人体对信息的接受渠道越多，对信息的感知就越全面，越有助于促进运动技能的形成。

5.武术教学方法的设计艺术

依据武术所具有的体育属性和功能，从培养学生的参与意识、提高学生的心理健康水平和社会适应能力层面来看，武术教学中常用到范例教学法、情景教学法、发现教学法、暗示教学法、学导式教学法等。在新课程标准要求下，武术教学方法运用是否得当关系到能否促进新课程目标的实现，能否激发和保持学生武术学习的兴趣和爱好，能否养成坚持体育锻炼的习惯等问题。这就需要以武术教学目标为向导，根据教学的实际条件和学生的特点对现有的、新引进的教学方法，按照体育与健康课程标准的理念和要求进行程序化设计。这里的程序化设计是指设计武术教学方法的流程。如：第一步，设计由学生独立学习武术教材或是在教师指导下进行武术学习的方法；第二步，设计采用讲授法或是探索法；第三步，设计激发学生武术学习兴趣和动机的方法问题；第四步：考虑所设计的各种方法相结合的不同方案等。

6.结语

学校武术教学的艺术化设计需要充分考虑学生的武术学习需要，立足学生实际，突出内容的时代性，提高教学内容的丰富化、弹性化、综合化和系统化，力求设计出有利于学生身心健康发展和学校武术教学发展规律的更富艺术感和实效性的武术教学。

设计艺术论文:浅谈设计艺术教学中 体验型 课型重要性探究

[论文关键词]设计艺术　教学　体验型　重要性　诉求

[论文摘要]设计艺术教学中理论性与实践性是相辅相成同等重要的两个组成部分。学生需要大量的理论去指导实践活动，并在实践过程中不断丰富并深入体会设计艺术的理论性内容。在实践这一过程中，它包括身心体验这一环节。“体验型”课型就是要求在教学中强化实践活动的体验性，更好地让学生有时间反思理论知识、吸收并消化理论内容。教学中运用“体验型”课型来克服讲授式教学存在的教师单一讲授，学生被动接受知识，学习热情不足，实际动手能力差等一些不符合当代社会发展对设计艺术师的诉求等诸多问题，从而达到提高设计艺术教学质量的重要目标。

一、“体验型”教学

体验也叫体会。抽象概念可理解为：用自己的生命来验证事实，感悟生命，留下印象。体验到的东西使得学生感到真实，现实，并在大脑记忆中留下深刻印象，使学生可以随时回想起曾经亲身感受过的实践过程，也因此对未来诸多方面有所预知和判断。“体验型”课型即是在设计艺术课程教学中，使学生以设计课程理论为载体，在教师的引导和启发下，自主的参与一种设计艺术理论的教学实践活动。它要求学生一定要通过参加各种教学活动，运用眼、耳、鼻、手、脑的感官去体验设计艺术的创造过程，同时通过班级学生以及社会受众群体的反馈信息，从中获得各种新发现，继而进行对设计理论概念的重新而深刻的思考和思维创意活动的认识，最终能更好地指导设计艺术实践的创意过程。

设计艺术学科是一门应用型较强且需要从全方位去认真考虑社会受众因素的社会性应用学科。其中直观性、创造性、交互性、体验性极强，需要学生在学习的过程中，从各个角度去体会其中的各种设计艺术元素的不同运用，以及运用后所产生的视觉及触觉的艺术效果，只有这样才能适应以后在设计艺术工作中的解决实践活动中的实际问题。

二、“体验型”教学的比较性优势

讲授式的传统教学模式理论性以及系统性较强，但是学生只是通过抽象的概念以及理论的认识，缺少亲身体验的教学过程，学生无法很深刻地认识新时期的设计艺术学理论的教学任务和目的，这样的教学模式已无法适应当今设计艺术学科的教学发展趋势。教师只有通过不断开发和激发学生的创造性思维潜能和实践能力，并且提高研究问题、解决问题的实际动手能力，促使学生能展示自我能力的全新教学模式，才能适应当今社会对高素质设计艺术人才的诉求。传统的教学模式中，注重理论性的传授，缺乏了解社会性、体验性的细节内容。使学生在整体理论以及认知的过程中忽略受众群体反馈的信息，无法建立设计艺术为社会服务的意识，使得学生在学习中处于一种孤芳自赏，为自己兴趣爱好“服务”，不能结合客观诉求的状态。设计艺术作品在社会中得到受众认可的比例不稳定，即没有一个整体把握受众心理与感官意识的客观角度。又形成了一种凭感觉、凭喜好的闭门造车的状态。没有体验型课程设置，学生之间无法实现充分而有效的互动，认知及评价设计艺术作品时，无法正确而全面的理解设计师的创意思路及深层次的内涵，设计艺术传达过程出现“断层”，实践及创意能力偏低，无法满足设计艺术服务与当今社会的发展诉求。

“体验型”课型能在教学中，使学生既站在设计师的角度又可以转换视角站在受众群体的角度去完善全部设计艺术实践过程。在体验中得到切实有效的学习成果，实现师生互动，学生与学生之间互相促进，并提高交流沟通以及谈判的技能。通过教师理论与实践的引导性教学，充分调动学生在体验中的切实感受，并对设计艺术进行换位思考，使学生步入社会工作时拥有优秀设计师应具备的各种实用技能，从而在社会实践中迅速实现自身价值。“体验型”课型能在教学中建立新型的师生关系：形成设计师与受众群体的不同角度的互动。教师在引导学生体验的同时也要参与到体验活动中去，从更高的角度和层面提出设计艺术体验的目标和任务，并对学生加以指导以及受众心理的正确引导。更加深层次的提升学生的专业水平及创意能力，在规定的教学时段中使学生逐步具备实践操作技能以及正确的认知定位，从而使学生在未来的社会工作实践中快速成长。

三、“体验型”课型与社会需求

社会环境的变化给人们带来的不仅仅是物质上的极大丰富，更进一步的是环境对人们内心的作用和影响。人们自身需要适应这一变化的文化环境，同时也要适应不断变化的周围人与人之间相互的诉求。有了适应社会发展所必备的心理素质还需要有产业化的服务意识，社会需要高水平的设计艺术精英、设计大师，同时也需要一般的设计艺术人才、设计艺术领域中应用型人才和能够与相关领域衔接的复合型设计艺术人才。近年来，随着我国经济的飞速发展及社会文明程度的提升，商品经济已成为了国家进步的主动力；城市化进程的不断推进，人们对审美层次的诉求也在逐步提高。社会逐步进入了“泛审美时代”。公众在多种层面上对视觉环境的诉求愈来愈高。社会对高素质设计艺术人才的需求量也逐步上升。只有具备先锋性且又能使受众群体接受的设计艺术师才能真正适应社会的需要，符合市场诉求的设计艺术师才是真正有存在价值的设计人才。这也是对设计人才提出了要拥有市场的洞察力，以及受众群体审美心理等诸多要素。这也是“体验型”课型与讲授式教学要达到的主要教学目的。我们不能将理论学习还不够完善的学生草草推向市场，让他们以一种专业学习不够成熟的状态去强行适应社会。因此我们只能在课程设置和教学方法上进行再继续完善，可以在强调知识的基础性、理论性的同时，适当地扩大知识面，在基础课程、专业课程中以“体验型”课型渗透，使学生的学术视野和社会视野同时都更加开阔。体会认知更加真切全面详细。在知识爆炸的今天，真正意义上的全才是没有的。因此，学生的目的，不仅是学习知识，更重要的是提高多方面的素质。在教学过程中，学校应更加重视学生在“体验型”课型教学中全面能力的培养,包括再学习和吸收新知识的能力，综合运用各种知识与技能的能力，换位思考问题、协作解决问题的能力等等。通过“体验型”课型让学生深入了解理论的同时也能够更好的从受众群体的角度去审视自己的设计艺术作品。

四、“体验型”课型的教学意义

“体验型”课型可以丰富并层次化教学的过程，丰富教学手段，加深教学深度，拓展学生的体验能力和表现能力，从而丰富其思维最终实现综合素质的提高。“体验型”课型从教师和学生的双重角度出发，都有着积极的意义和现实意义。

“体验型”课型的授课是以教师为主导，以学生为主体的教学模式。教师需要在以往讲授课型的基础上，从更高层面引导同学对设计艺术作品进行实际体验，更重要的是要将受众群体的体验经过和反映都能真实正确地传达给同学。教师还要重视同学之间的体验以及学生和社会受众群体之间微妙的感官差异所形成的不同信息反馈。这就要求教师要比以往更加重视“体验型”课型的过程研究以及感受分析，还要研究设计艺术中受众心理以及随着时展受众心理变化的实时趋势。这样的过程自然提高了教学效果和授课过程的深度及难度，丰富并层次化了教学各种细节体验的过程。

教师通过运用新的教学手段，树立以学生为本的教学互动理念，实现对艺术素养，大众心理的正确认知，达到专业水平的共同提高。通过学生设计艺术的体验，获得灵活驾驭理论知识的能力和教学能力，切实提高学生学习实践水平，激发学生的学习兴趣及社会责任感，掌握多方位的审视设计艺术作品的能力。学生在掌握教师教学意图的基础上，能够更好地拓展自己的创意思维能力，通过师生互动，学生与学生之间的设计艺术交互体验，实现并提高自身的专业素质水平以及相应的社会沟通能力。从另外一个角度来阐述这也是对教师的课程准备提出的更高授课要求和新目标。

五、总结

全新的社会环境诉求，对传统的教学模式进行了合理化的改革，在分析当今社会诉求的同时，我们更要看重的是教学课型能否真正适应社会和学生的共同诉求。通过比较分析和实践过程的体验，不难发现，体验型教学有着独特的教学优势：其一具备了增强学生学习的互动性、适应社会发展的诉求，深化教学意义和教学效果等诸多的发展优势。在全新的社会发展阶段中和社会环境中，突显出“体验型”课型在设计艺术学科教学中的重要性。它将对设计艺术学科教学起到不可忽视的重要性作用。“体验型”课型对设计艺术学科学生的全面发展也起着决定性作用的同时，对教师的教学深度、厚度、广度、难度也提出了更高、更具有挑战性、社会性和专业性及广泛性的诉求。

设计艺术论文:空间设计艺术在电影场景中的应用

最初的空间设计的概念，只是单纯地局限于室内的装饰，是指“房子装修完毕之后，利用那些易更换、易变动位置的饰物与家具，如窗帘、沙发套、靠垫、工艺台布及装饰工艺品、装饰铁艺等，对室内的二度陈设与布置以及布艺、挂画、植物等等。”各种家居饰品，比如墙纸、相框、挂镜、挂钟等等，都是可以移动的装饰品。空间设计的艺术，可以体现主人的审美观，营造了一种舒适且高质量的生活。

后来随着人们生活质量的提高，空间设计不仅仅体现在室内装饰上，开始延伸到城市空间设计、展示形式、园林设计、电影场景设计等。城市空间设计体现在城市环境和建筑的布局、建筑的群体形象上；展示设计则体现在像博物馆、汽车展示、服装秀上等等；园林设计重点在于具有中国特色的建筑上，特别体现古代中国人曲径通幽的喜好；电影场景设计则是本文要着重阐述的方面。

人们之所以喜欢看电影，最突出的原因是享受电影画面带来的视觉美感。各种各样的电影场景，或是惊艳夸张的人物着装，或是柔和温馨的灯光效果，或是光怪陆离的背景场景，这些都是电影中各种场景带给观众的感受。电影本身就是由各种各样的空间组合而成的画面，电影离不开空间设计艺术。本文就《爱丽丝梦游仙境》、《007系列》、《绝代王后》这三部电影的特点，来陈述空间设计艺术在电影场景中的应用。

一、《爱丽丝梦游仙境》与魔幻氛围

电影《爱丽丝梦游仙境》上映后，广受成年人、儿童的喜爱。剧情讲述一个叫爱丽丝的小女孩钻进了兔子洞后，进入了充满神奇梦幻的世界。她看到各种像人一样会说话的小动物，还有纸牌等等。电影最后告诉观众爱丽丝只不过是做了一场梦。尽管这是梦，但人们却不想从梦中醒来。吸引观众的就是电影中的魔幻氛围，超乎常人的想象力让整部电影离奇。

在电影里，空间设计的艺术呈现得活灵活现。从最初女主角爱丽丝在开满花的花园里追逐一只穿着蓝色绅士服的兔子开始，爱丽丝掉进了一个神奇的世界。这个世界各处都笼罩着空间设计的艺术，在这个魔幻世界里，爱丽丝遇见了各种奇怪的人和动物，有早已灭绝的渡渡鸟、大蜥蜴、猫、老鼠，还有甲鱼和长着老鹰头的狮子。神奇世界里还有一整副的扑克牌，牌里的人物都是像真人一样会说话，有着人一样的神情，红桃王后很粗暴、红桃国王是个好人、红桃j很神气等。各种人物特点十分明显，整个画面充满了魔幻，观众犹如跟着爱丽丝的视觉经历了一场梦幻之旅。

《爱丽丝梦游仙境》的导演特意营造一种哥特式的鬼魅气息。十九世纪的英国伦敦，经济上已经进入了工业飞速发展的时代。电影中爱丽丝绚烂华丽的衣着给人一种上流社会的暗示。爱丽丝本身圆润的脸蛋，白皙的皮肤，带点柔弱的性格，整一个带有缺陷的美丽小姑娘，正迎合了当时工业时代英国扭曲的人们心灵。新版电影的3d效果也跟随时代潮流，更加体现了空间立体感。值得一提的是影片中壮美的仙境景色令人流连忘返，空间设计的艺术贯穿电影始终。

二、《007系列》与秘密力量

“007”已成为詹姆斯·邦德的代名词。从第一部《诺博士》在1962年开始上映以来，风靡全球，到如今的第二十二部《大破量子危机》，007的形象已深入人心。穿着一身黑色西装，佩戴着蓝色领带，手拿一把长长的机关枪，帅气且机智勇敢，冷酷且多情，在遇到困难的时候总能化险为夷，曾多次获得奥斯卡最佳男主角奖。他的这种形象迷惑了多少影迷们的心。同时与詹姆斯·邦德同演的“邦德女郎”，性感漂亮，也吸引了影迷们的眼球。

综合所有的《007系列》电影的特点，在空间设计上主要运用了一种秘密的力量。在《007系列》电影第一部中，剧情具有侦探小说神秘惊悚的气息。相对当时的其它同类的侦探电影，《诺博士》更具有想象力。故事讲述的是主角邦德因奉命去加勒比海，调查情报员神秘死亡的原因。在调查的途中发现岛主野心特别大，他想统治整个世界并且具有自己的基地。邦德不怕危险用尽办法摧毁了基地，并且把在岛上结识的邦德女郎带离了加勒比海岛。

整部剧情都弥漫着一股恐怖的味道，关键在于电影画面中的空间设计把握得特别好。一股神密的力量贯穿剧情始终，比如在詹姆斯·邦德只身一人前往加勒比海的过程中，美方正悄悄怀疑发射的导弹正受到一股神秘的电波干扰。在此，在观众面前设下了迷局。这股秘密力量一直到电影最后才揭晓。

三、《绝代王后》与宫廷奢华

谈起《绝代王后》，人们就不得不为它画面展现的奢华所感叹。巴洛克时期的宫廷建筑，扑朔迷离的舞会上，贵妇们硕大的裙摆晃动着，繁琐的头饰加上各式各样的折扇，绅士们围绕着裙摆的旋转，黑色的燕尾蝶服，白色的紧身裤。宫廷里华丽的吊灯，镶满金边的门框，烛光摇曳的烛台等等，繁复细致的各式雕纹在白色墙壁的角落，让人感觉到一种高贵脱俗之美。

电影《绝代王后》的主要特点，就是利用各种手法来展现法国宫廷里的奢华，这种华丽的空间设计，让观众体验一场从未有过的视觉盛宴。故事是围绕王后玛丽展开的，刚入宫的玛丽见到凡尔赛王宫的豪华也被吓了一跳，随着故事的发展，玛丽也随之变得奢华起来，环绕在自己和宠物的颈项间的珠宝，宫廷内装饰的奢华和上流社会生活的奢靡，形成了整部电影的焦点。

在这部电影中，空间设计艺术主要体现在空间的转换上。镜头善于将宫廷内奢华糜烂的生活与宫廷外的整体建筑风格相结合，凡尔赛宫的远方喷泉时起时落，凡尔赛的林荫大道上渐渐远去的国王和王后的马车，每天照常升起的太阳，意味着宫廷内的生活又开始新一轮的重复。影片通过独特的空间转换，描述了宫廷内上流贵族的生活状态。

电影是一种离不开空间设计的艺术。每部电影或多或少都会体现独具匠心的空间设计，这得归功于编剧、演员和导演高超的技能。电影中的空间设计艺术，不仅可以烘托氛围、渲染环境，还能表现影片带给观众的震撼力。有时候为了情节需求，影片会不惜人力物力财力在场景中使用各种空间设计，特别是比较难制作的特技来吸引观众眼球，达到一种更好的效果。

设计艺术论文:试论宋朝的设计艺术与唐朝的设计艺术之不同

摘要：唐宋两朝在中国社会发展史中占有重要位置，宋朝对唐朝有着大量继承和发展，但就社会审美趣味和设计艺术风格来讲，由于两朝的社会背景和思想文化的不同，却存在天壤之别。本文基于对唐宋两朝社会背景和设计艺术的研究，分别从陶瓷、铜器、玉器、金银器、家具、建筑、印染织绣及服饰设计艺术等方面分析比较了唐宋两朝的设计艺术风格之不同。

关键词：唐朝；宋朝；设计艺术；艺术风格；比较

唐宋两朝在中国社会发展史中占有重要位置，宋朝对唐朝有着大量继承和发展，但就社会审美趣味和设计艺术风格来讲，由于两朝社会背景和思想文化的不同，却存在天壤之别。唐朝和平开放，可谓百花齐放，兼容并蓄，形成了雍容大度、华丽丰腴的设计艺术风格。而宋朝虽只有“半壁江山”，确是古代设计走向成熟、走向市场的黄金时期，宋朝在艺术形式上追求朴素自然，空灵简意，比唐朝更显典雅质朴，清新大方。

我从几个方面分析了宋朝与唐朝设计艺术之不同。

陶瓷设计艺术：造型单纯古雅，装饰平和简素是宋朝陶瓷艺术的突出特点。宋瓷功能合理，形体简洁流畅且富有变化，与唐朝浑圆饱满的瓷器造型相比更显轻盈洒脱。装饰上，唐朝多采用堆贴捏塑的手法，风格华丽且具有浓郁的异域情调；而宋瓷装饰釉色浑厚，以单色为主，体现了对和谐淡雅的追求和对天然之美的渴望。

铜器设计艺术（铜镜）：唐朝铜镜多为圆形，只有少量方形、菱形等，而宋朝推出鸡心形、盾形、钟形、鼎形、炉形和带柄的铜镜。唐朝铜镜纹饰构图新颖，丰富多彩，装饰技法除浮雕、线雕外，还有金银平脱、嵌螺钿等，其用途主要作为生活用品和珍贵礼品；而宋朝由于铜料缺乏，除徽宗时的仿古镜较精美，多数铜镜熔炼不精，装饰粗放。

玉器设计艺术：唐朝玉器造型丰富多彩，配饰内容和形式新颖独特，生活器皿也充分考虑实用和观赏性。宋人爱玉，但由于玉材缺乏，形体较小，装饰技艺精湛。

金银器设计艺术：唐朝金银器发达，无论装饰品还是日用器皿，其造型都生活化，实用与审美相结合，体现了功能性和科学性的统一；装饰上在保留金银本色的前提下，通过丰富的装饰纹样和装饰手法充分展现金银的材质之美和所蕴含的象征意义。而宋朝的金银器已具有商品性，尤其是银器全面走向市场，其装饰纹样多以自然生动的花卉瓜果、亭台楼阁、人物小品和其他吉祥如意的图案来吸引消费者。

家具设计艺术：唐朝时我们便能看出日用家具形体由低向高发展的不可逆转的形式，传统床榻高度继续增高，新式高足家具品种增多；到宋朝，逐渐形成了高足家具的完整组合。唐朝家具装饰图案花纹增多，还在有关部位增加了装饰部件，特别是用图案雕饰来完成；而宋朝家具的突出特点是装饰线性脚和绘画艺术的普遍应用。

建筑设计艺术（城市、建筑、陵墓）：唐长安城布局仍承前制，采用规整对称的全封闭设计，建有宫城、皇城、外郭三大部分。宫城与皇城集中在全城北部中心，以南则建有棋盘形街道分割坊里，形成北宫南市的城市格局。其建筑多采用木构技术，雄伟壮丽的宫殿和某些庙宇佛寺都成为我国古代木构建筑艺术的珍贵遗存。

宋朝是中国古代城市制度的大变革时期，商业和手工业突破了唐朝城市封闭的访市制度，而代之以临街设店铺，沿巷建住宅的开放型新格局。宋朝居民建筑的一大特点是私人宅第的园林化，此时，中国传统的木结构技术发展的更为成熟，并出现新的生产工具——框架锯和刨子，也有了大型官式建筑法规——《营造法式》。宋朝的陵墓多用砖刻表现建筑形式，平面布局上整齐划一，与唐朝陵墓相差很大。

印染织绣及服饰设计艺术：唐朝的印染织绣具有富丽神秘的风格，纹饰以花鸟为主，反映生活，受宗教影响，纹饰中佛像也增多，这些纹饰造型丰满，形象写实，色彩富丽。而宋朝的印染织绣却一反唐朝的富丽堂皇追求淡雅和谐的风格，纹饰花鸟渐少，花卉居多，构图曲折，清新柔婉，与唐朝构图常用团花，端庄饱满的风韵迥然绝殊。另外，寓意美好的吉祥图案也用来做装饰，以天下乐和一年景最为重要。

由于唐朝思想观念开放，妇女地位提高，服饰宽松飘逸款式多样，且出现袒露样式；首饰与配饰设计也用料丰富，样式新颖。宋朝提倡朱程理学，服饰较唐朝则显得拘谨、保守、等级严格，其款式简洁，色彩清淡；首饰和配饰也做了严格规范，不如唐朝丰富。

以上我从部分器物的造型、装饰、制作工艺以及家具、建筑、织物服饰设计等方面分析比较了宋朝的设计艺术与唐朝相比存在的差异，其实，这种差异还体现在其他多个方面，比如漆器、石窟雕塑、平面设计等等。总的来说，唐朝的设计艺术可谓色彩斑斓，富丽华美。而宋朝则是含蓄天然，淡中见浓，浅中显深，具有“清水出芙蓉，天然去雕饰”的风范，对后世的设计艺术影响极远。

设计艺术论文:设计艺术的形式美研究

［摘 要］美，在生活中广泛存在着。探讨形式美的法则，是所有设计学科共通的课题。设计艺术中的形式美，更直观，更形象，更有效地传达了人们对于美的认识，人们对美的概括与表达。本文从形式美的产生、形式美的法则、形式美在设计艺术中各个领域的应用等方面分析和探讨了形式美对艺术设计的重要影响和具体的体现。

［关键词］设计艺术；形式美；形式美法则；运用

1 形式美概述

对于美，自古以来尚无定论。庄子曰：“各美其美”。我们说，美是感性与理性的统一。我们无法用一个统一的标准来给美定性。那么，形式美是不是难以来定义的呢？美的根源是自然的人化——社会实践。人们在长期的社会实践过程中发现和总结了一系列符合自然规律的有序的客观事物，形成了初步的形式美的意识。我们认为形式美应该具有以下特质，或者说形式美应该这样理解：

（1）形式美是内容与形式的统一体。这是设计的本质的需求。设计是为人的造物活动。人们在生活中使用的产品，不仅要求有用，而且还要求美观。这里所说的内容是指事物的全部组成部分，是其特征、内部过程、联系、矛盾运动和发展的统一。形式是指内容的外部的表现形式，是为人的直觉感官可以感知到的。

（2）形式美是构成事物的物质材料的自然属性的有规律的组合所表现出的美。任何事物都是由一定的物质材料，如形状、色彩、线条等，当这些质料以一定的规律组合，变形成了形式上的美。这些规律包括了对比与调和、节奏与韵律。

（3）形式美是独立存在的审美对象，有独立的审美特性。一个产品，它所体现出来的独特的形态、独特的结构、独有的色彩，对于这个产品来说是专有的、是独立的。因而，形式美的审美对象是独立的，审美对象有专有的审美特性。

2 形式美的产生

形式美的产生本质上是源于艺术设计的最本质的目的。美，形式美是源于社会实践的，设计同样是在生活实践过程中萌生出来的，设计源于生活，又高于生活。艺术设计反映的是社会现实存在的现象，只是艺术家们用自己的方式，融进了自己的思维，通过艺术的美的方式表现出来。设计是为人服务的，是能够反映一定社会现实的。

形式美是人们在长期的社会实践过程中，在创造美的过程中，不断地熟悉和掌握各感性质料的特性，并对其形成的联系进行抽象、概括和总结得出来的。可以说，形式美源于现实生活，来源于社会实践。

3 形式美的法则

（1）变化与统一。这一法则体现了自然和人类的生存原则。大千世界，没有变化就没有发展和生命；而没有统一就没有一定的规律和秩序，所谓变化就不可能存在，最终只能导致混乱与衰亡。在艺术上人的艺术感受是有统一性的，艺术作品也必须具有变化和统一性，才能更好地为人所理解和欣赏。

（2）对比与调和。对比与调和是变化与统一的具体化。对比是变化的一种方式，调和是形的类似，是形体趋于一致的表现。对比强调的是各个部分的对立性，它使得各部分的特性更加突出，而调和是对比的一种内在的制约。

（3）对称与均衡。对称和均衡是自然力和物自律的综合体现。对称，是一种等量等形的组合形式，体现出一种稳重端庄的美。均衡，是一种等量却不等形的组合形式，是一种视觉力度所能够达到的平衡。

（4）节奏与韵律。这是“任何物体的诸元素成系统重复的一种属性，而这些元素之间，具有可以认识的关系”。节奏，是画面中同一种元素运动所形成的运动感；韵律，是有规律的节奏经过扩展和变化所产生的流动的美。节奏与韵律本质上是一致的，他们首先是一种普遍的自然现象。在形式上，韵律和节奏具有对视觉和听觉强烈的吸引力，他们服从于一般的审美形式规律，是内容的形式；在本质上，他们又具有内在性，是形式的内在秩序和结构。因而，节奏和韵律的设计又成为一种方法，它能够把人的视线和意志引向一个预设的方向和目标。

4 形式美在设计艺术中的运用

（1）产品设计中的形式美。产品设计中，我们更加地关注材料和性能，造型和功用也是吸引人们眼球的首要要素。在产品设计中，新材料的运用，新的造型，新的形式运用，更能引起人们的关注。“创造一种新的造型形式来表现具有特殊功能的产品，是依据产品特有的功能，设计师平时的审美素养和设计技巧，现代、时尚的审美趣味，现代先进的制造技术、人机工程学的原理。不同的经营理念导致产品个性异样化与风格统一化并存的状况。”这便是对产品设计中体现形式创作的解释。

丹麦设计师雅格布森设计的三种不同风格的椅子，它们各具风格，形式简单，在造型上都是在现实原有事物的原型的基础上进行变形加工处理的。层压椅在材料上给人很严肃、沉稳的心理感受，在线条的处理上主要运用直线，坐垫的设计适当地运用了曲线和折线。蛋椅给人舒适、赏心悦目的感觉，运用曲线较多，很好地运用了人机工程学原理，是形式与功能完美的组合的设计作品。壶椅同样是结合了消费者的审美感受和审美心理。

沙里宁的郁金香椅，简洁大方，现代气息浓郁。动静感的对比和红白色彩的对比运用，体现了形式美的法则。还有他的扶手椅也很有特点，材料给人温馨的感觉，在形态上像一个张开的嘴巴，极具韵律美。那蝴蝶椅，不仅在形式上运用了自然生态事物的特性，而且充分运用了材料的材质美，充分运用了材料的纹理，有一种直观的形式美。

保罗•汉宁森设计的ph灯具既充分考虑了光的折射等方面的规律，考虑了功能的需要，在形式上，层层叠叠的像盛开的花瓣一样，极具美感。

（2）建筑设计中的形式美。建筑艺术设计中设计的材料、造型、建筑设计的风格集中体现了设计的形式美的法则。建筑艺术语言和表现手段包括空间、形体、比例、均衡、节奏、色彩、装饰等许多因素，正是它们共同构成了建筑艺术的造型美。形式美在建筑艺术中具有很重要的作用，所以意大利文艺复兴时期的著名建筑家帕拉第奥在谈到建筑的形式美时，甚至认为“美产生于形式，产生于整体和各个部分之间的协调”。

希腊帕提农神庙，它距今已经有2400年的历史了，在建筑风格上采用的是多立克柱式，在形式上具有造型端庄、比例匀称的特点，千百年来的建筑设计师们在对希腊帕提农神庙进行了研究后一致认为，希腊帕提农神庙之所以这样美，就是因为他的长、宽和高都符合形式美的法则。

米拉公寓的设计曲线的运用较多，柱子和门窗的设计都比较独特。本来应该静的建筑，却给人以动的视觉感受。这便是节奏和韵律、变化与统一的形式美的体现。

图中所示为设计师伍重设计的悉尼歌剧院，这是一个极富创意的建筑设计作品。整个形式张扬又富有内聚力，像盛开的花朵，像展翅欲飞的鸟。节奏与韵律、对比与调和、对称与均衡运用得很好。

（3）雕塑与绘画中的形式美。雕塑是一种重要的造型艺术，雕塑与建筑一样属于带给人一种静穆感觉的艺术类型，然而，在一些雕塑作品中却蕴涵着无限动感，无限的力量。运用到了形式美的节奏和韵律、对立和统一等形式法则。对于绘画来说，在艺术家的手中，线条、色彩、构图也融入了艺术家独特的兴趣、爱好个性以及审美特点。同时，形式美可以使得绘画艺术具有生动的美感，使画面活起来，具有灵动的生气。这才是绘画艺术想要带给人们的心理感受和感情需要。

大家都熟知的雕塑《自由女神像》，其整个形象充满了动感的力量。原本静的雕塑因为她在线条上运用得细致、生动，赋予了神像以生韵。在动与静的处理上，恰到好处，体现出一种均衡与和谐之美。女神高昂的头颅、上扬的手臂，给人一种向上的积极的感觉，是一种刚正的力量之感，与柔美的线条形成了对比，可是整个基调却是阳刚的，充满着生气和力量的，这是其主的韵律。因此，形式美的法则在雕塑上也得到了广泛的体现。

而我们中国的极具意蕴之美的中国画，从整个构图和线条的运用上讲，重心平稳，画面简洁生动、透气。画面上有大块面的留白，大面积的空白与或浓或淡的墨色形成了鲜明的对比，这恰恰使得画面更灵动，更气韵生动，而并没有感觉到空。国画讲究“形神兼备”的意境美。注重情与景的融合，注重物我、自然的和谐统一，讲究含蓄。这无不体现了形式美法则当中节奏与韵律、对比与调和的原则。国画不仅美在墨色的淡雅古香，美在意境的虚无深沉，更在形式，简单的墨色，简单的线条，简单的书法文字，简简单单的画面处理，简洁优美的形式表现，却能够传达出创作者的心境、思绪。可见，形式美在绘画中的运用非常重要。

5 小 结

形式美在我们的日常生活和艺术创作中都有着广泛的体现，形式美渗透到了设计艺术的各个领域，我们研究形式美往往在设计艺术作品中得以体现，目的还是为了指导我们在将来的创作中，合理地运用好这种形式美的法则，用发展的眼光来看待它。我们今后的设计创作过程中，要客观地、能动地运用这些形式美的法则，以便创作出更美、更有用的、赋予形式美的佳作。

设计艺术论文:试论现代艺术对服装设计艺术的影响

一、前言

20世纪初，在欧洲和美国相继出现了全面的、革命性的和彻底的现代艺术运动和现代主义设计运动，在艺术设计发展史上有着巨大的影响。现代艺术作为20世纪以来占主导地位的艺术形态，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。二十世纪上半叶，最具代表性的现代艺术是立体主义。它颠覆了古典艺术"真"的原则，即彻底放弃了空间透视的方法。主要艺术家有毕加索。二战后至今，现代艺术主要是沿着达达主义的轨迹前行。它彻底否定了传统文化，是反艺术。主要艺术家杜尚。其影响一直到今天的信息时代。其它流派还有野兽派、未来派、抽象主义、超现实主义、波普艺术、照相写实主义等，都是从不同角度和层面对传统艺术不同程度的否定。

无论何种艺术形式，它所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。而服装设计与人们的社会生活密切相关，着装体现人的精神状态和内心世界，具有时代气息，现代艺术对服装设计的影响也是巨大的。

二、现代艺术对服装图案设计的影响

（一）抽象的几何纹样

抽象的几何纹样受抽象派画家观念的影响，以直觉和想象力为创作的出发点，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上，打破了绘画必须模仿自然的传统观念。二战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。

抽象绘画可分为两种类型，一种是通过对自然物的概括与提炼所创作的抽象绘画，带有浪漫色彩。另一种是用单纯的点、线、面、形体与色彩构成的抽象绘画，比较理性。这种艺术形式最具装饰性和图案特征。如荷兰风格派的主将蒙德里安的创作，他利用垂直水平结构和原色矩形色块的作品，简洁却蕴含着严谨而复杂的结构关系，虽是装饰性的，但具有深刻的哲理，使得许多人产生了精神共鸣。

服装设计师也直接采用了蒙德里安的语言，这种影响直到今天还存在着。抽象派美术对现代装饰艺术和图案艺术影响广泛，使得印花织物的纹样处理呈现崭新的特点，随意的抽象的几何纹样取实的精致的花卉纹样而广泛流行。

（二）平面构成纹样

平面构成纹样的产生源于包豪斯的构成理论，以点、线、面、体来高度概括复杂的事物，将几何形体进行理性的排列，构成新的艺术形像。这种平面构成纹样被广泛运用于染织图案中，并不断推陈出新。如男式衬衣的印花图案就是比较典型的平面构成纹样，以极小的几何图案重复并且有规律的进行排列，形成大面积的几何形态，不仅男士衬衫上会应用平面构成纹样，t-恤，领带，围巾等也有平面构成纹样的应用。

（三）欧普纹样

欧普纹样来源于欧普艺术（optical art），又称为光效应艺术、视幻艺术或视觉艺术，在60年代流行于欧美。

60年代以前，布料上的织纹图案仅限于苏格兰格纹、千鸟纹和人字纹等传统织纹。60年代，纺织和印染技术水平有所提高，再加上欧普纹样比较便于拷贝和复制，使得欧普纹样广泛应用于服饰品设计，掀起时尚界的革命。

因此，欧普纹样应用在服装、丝巾、领带等服饰品上会产生一种时尚前卫的着装效果。另外，欧普图案所产生的视觉错觉还能达到修饰、雕塑身材的目的。如07年秋冬季，以60年代为设计主轴的马克·雅各布斯、乔治·阿玛尼等设计师品牌，相继推出采用类似欧普艺术手法的服装。英国知名时装设计师亚历山大·麦奎恩、日本时装设计师川久保玲（comme de garcons）和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等。

（四）立体派纹样

立体主义开始于1906年，由乔治·布拉克与帕布洛·毕加索所建立。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。它追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感，探索画面结构、空间、色彩和节奏的相互关系，在造型和表现上突破了时空限制。

立体派纹样应用于服装面料的印花设计中，使平面的布料仿佛具有立体感，赋予服饰品独特的美感，采用这些图案设计的服饰大有毕加索之风。这种纹样的融入使着装者洋溢着充满时尚的气质，在当时的欧美社会一度流行。

（五）野兽派的杜飞纹样

杜飞应用印象派和野兽派的写意手法，吸取马蒂斯绘画的装饰风格，线条质朴简洁，花卉图案形像夸张变形，人物动物相互交错，豪放粗犷，流畅自然，具有创造性、装饰性，后人把这种写意花卉图案称之为杜飞纹样。时装设计师利用杜飞纹样体现服饰设计作品的独特灵魂，体现一种自然美、野性美，利用流畅飘逸的线条结合服饰品的造型，生动而鲜活地突显出服饰的独特魅力。

（六）迪斯科纹样

迪斯科纹样的命名源于迪斯科音乐和舞蹈，迪斯科纹样有着迪斯科般的风格特点，新鲜、多变、富有活力。迪斯科纹样最初来源于美国影片《星球大战》，大多是描绘星系和宇宙的主题，超人、外星人、天空流行等图案，后来，迪斯科纹样采用抽象派巨匠康定斯基和西班牙画家米罗的绘画作为服饰面料的图案，从两位大师的艺术中汲取营养，平铺色块，流畅潦草的线条，强烈的对比色，用干笔在纸上一蹴而就，挥洒自如，当然，印有迪斯科纹样的服饰品也会被赋予迪斯科个性，给人以富有活力、浪漫、新潮、潇洒的视觉感受。

三、现代艺术对服装材料设计的影响

20世纪的女性追求独立，彻底抛弃了紧身胸衣，喜欢式样简洁，有综合功能的服饰，由蕾丝、花边、丝绸面料组成的内衣问世时，曾引起轰动，有人称它为“内衣革命”。现代服装设计越来越注重材料的开发性应用。然而在二战之前，服装设计基本上以款式、结构和造型的变化为主。50年代的蓝色丝缎晚装。极其轻柔的面料，被称为“女人的肌肤”。20世纪，人们越来越关注面料，有句名言：仅次于情人爱抚的，是好的布料。到二十世纪六、七十年代，一些设计师开始以材料为出发点进行服装设计，如1966年拉巴尼设计了以仿金属片链接的时装，七十年代后“面料魔术师”三宅一生作品的面世，都给了服装设计界以巨大的冲击。到八、九十年代，材料逐渐成为设计师关注的焦点，并形成了一些共识。

四、现代艺术对服装廓形设计的影响

战争改变了原有的社会价值体系，也将19世纪浪漫主义风潮打破。现代西方服饰逐渐去除了大量不必要的装饰，越来越强调其功能性，服饰变得简单、实用。随着女权思想的逐渐成熟、普及，女装与男装之间的差异日渐缩小。随着20世纪下半叶年轻风潮的兴起和大众审美标准的变迁，服饰流行日益多元化、平民化。

1、20世纪20年代：永远的经典——可可·香奈儿“现代主义”设计师追求人与机器之间的一种和平共处，在追逐机械化、现代化的同时，女性的束缚也被逐渐解除。20世纪20年代，年轻的法国女时装设计师可可·香奈儿，以她简洁的日常服装、运动装、便服和度假服装，将女性从束缚中解放。她推出直线型男孩儿式的轮廓和新潮的短发，提倡背肩包与针织品套装，她把晚礼服“法定”的拖地长裙缩短到与白日服一样的长度，尽可能使造型朴素、单纯化，她教给人们如何用人工宝石来装饰自己，把服饰品的装饰作用提到首位。

她提供了具有解放意义的自由和选择，让女人也可以穿裤子将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。香奈儿设计时装追求实用，推动了服装设计新概念，对现代女装的形成起着不可估量的历史作用。

2、20世纪30年代的服装廓形：斜裁女皇——玛德琳·维奥内特

20世纪30年代早期的光滑轮廓与"现代主义"秩序井然的线条相和谐，这可以在不少设计师的作品看到，如玛德琳·维奥内特的斜裁真丝缎子的紧身女装，巴斯博物馆两件藏品的其中一件是1934年的拖地长袍，裙子的上半身是蕾丝褶皱紧身胸衣、飘逸的绸缎轻盈地从肩上泻下，下半身是招牌式垂坠长裙，腰间饰以褶皱。

维奥内特的设计强调女性自然身体曲线，反对紧 身衣等填充、雕塑女性身体轮廓的方式，有“裁缝师里的建筑师”、“斜裁女王”的称号。在大师一生的作品中，“古希腊女神式”的斜裁和皱褶垂坠连衣裙是她设 计中的经典代表。她打破了之前打版制样的裁缝传统，而直接将布料或垂挂或缠绕在身体上进行裁剪，利用衣料的自然垂坠使得时装如第二层肌肤般轻盈飘逸，勾勒 出女性流动的曲线和曼妙的体态，皱褶则是这种剪裁方式 所衍生出的特有细节。

但这些最终都被更精心制作的轮廓所替代，到了这10年结束时强调肩部、掐腰和连身的裙子更加坚定了新浪漫主义设计倾向，并预示了战后“新外观”的出现。

3、20世纪中后期的服装廓形——迪奥

40年代后期到60年代前期，主宰巴黎的高级女装潮流的人是迪奥，他的设计与他丰富的艺术修养和让敏锐的艺术感觉是分部开的， 1947年，考虑战时物质节制强加给服装业的简朴需要，迪奥推出的“花冠线条”轰动了时装界，被誉为“新风貌”。1952年，迪奥设计的三件套——羊毛夹克、线条简洁的帽子和柔软淡雅的结绸短裙，多年来一直成为时装设计的样板。迪奥设计的裙子，常在裙上打褶，或者用各种颜色的布镶拼；有时还缝上绢网，打造丰满感；各种各样的帽子侧戴头上，再配以硬高领的上装。接着又有了不对称裙子、o型、a型、 y型、h型、郁金香型等各种廓形的服装。他在巴黎时装界辛勤工作的10年里，巴黎女装从整体到细节都发生了耳目一新的变化他的线条设计和整体结构设计优美绝伦，几十年来一直影响着妇女和其他服装设计师们。

设计艺术论文:试论现代艺术对服装设计艺术的影响

一、前言

20世纪初，在欧洲和美国相继出现了全面的、革命性的和彻底的现代艺术运动和现代主义设计运动，在艺术设计发展史上有着巨大的影响。现代艺术作为20世纪以来占主导地位的艺术形态，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。二十世纪上半叶，最具代表性的现代艺术是立体主义。它颠覆了古典艺术"真"的原则，即彻底放弃了空间透视的方法。主要艺术家有毕加索。二战后至今，现代艺术主要是沿着达达主义的轨迹前行。它彻底否定了传统文化，是反艺术。主要艺术家杜尚。其影响一直到今天的信息时代。其它流派还有野兽派、未来派、抽象主义、超现实主义、波普艺术、照相写实主义等，都是从不同角度和层面对传统艺术不同程度的否定。

无论何种艺术形式，它所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。而服装设计与人们的社会生活密切相关，着装体现人的精神状态和内心世界，具有时代气息，现代艺术对服装设计的影响也是巨大的。

二、现代艺术对服装图案设计的影响

（一）抽象的几何纹样

抽象的几何纹样受抽象派画家观念的影响，以直觉和想象力为创作的出发点，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上，打破了绘画必须模仿自然的传统观念。二战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。

抽象绘画可分为两种类型，一种是通过对自然物的概括与提炼所创作的抽象绘画，带有浪漫色彩。另一种是用单纯的点、线、面、形体与色彩构成的抽象绘画，比较理性。这种艺术形式最具装饰性和图案特征。如荷兰风格派的主将蒙德里安的创作，他利用垂直水平结构和原色矩形色块的作品，简洁却蕴含着严谨而复杂的结构关系，虽是装饰性的，但具有深刻的哲理，使得许多人产生了精神共鸣。

服装设计师也直接采用了蒙德里安的语言，这种影响直到今天还存在着。抽象派美术对现代装饰艺术和图案艺术影响广泛，使得印花织物的纹样处理呈现崭新的特点，随意的抽象的几何纹样取实的精致的花卉纹样而广泛流行。

（二）平面构成纹样

平面构成纹样的产生源于包豪斯的构成理论，以点、线、面、体来高度概括复杂的事物，将几何形体进行理性的排列，构成新的艺术形像。这种平面构成纹样被广泛运用于染织图案中，并不断推陈出新。如男式衬衣的印花图案就是比较典型的平面构成纹样，以极小的几何图案重复并且有规律的进行排列，形成大面积的几何形态，不仅男士衬衫上会应用平面构成纹样，t-恤，领带，围巾等也有平面构成纹样的应用。

（三）欧普纹样

欧普纹样来源于欧普艺术（optical art），又称为光效应艺术、视幻艺术或视觉艺术，在60年代流行于欧美。

60年代以前，布料上的织纹图案仅限于苏格兰格纹、千鸟纹和人字纹等传统织纹。60年代，纺织和印染技术水平有所提高，再加上欧普纹样比较便于拷贝和复制，使得欧普纹样广泛应用于服饰品设计，掀起时尚界的革命。

因此，欧普纹样应用在服装、丝巾、领带等服饰品上会产生一种时尚前卫的着装效果。另外，欧普图案所产生的视觉错觉还能达到修饰、雕塑身材的目的。如07年秋冬季，以60年代为设计主轴的马克·雅各布斯、乔治·阿玛尼等设计师品牌，相继推出采用类似欧普艺术手法的服装。英国知名时装设计师亚历山大·麦奎恩、日本时装设计师川久保玲（comme de garcons）和纪凡希品牌以大小不同的黑白棋盘式格纹等。

（四）立体派纹样

立体主义开始于1906年，由乔治·布拉克与帕布洛·毕加索所建立。立体主义的艺术家追求碎裂、解析、重新组合的形式，形成分离的画面——以许多组合的碎片型态为艺术家们所要展现的目标。它追求一种几何形体的美，追求形式的排列组合所产生的美感，探索画面结构、空间、色彩和节奏的相互关系，在造型和表现上突破了时空限制。

立体派纹样应用于服装面料的印花设计中，使平面的布料仿佛具有立体感，赋予服饰品独特的美感，采用这些图案设计的服饰大有毕加索之风。这种纹样的融入使着装者洋溢着充满时尚的气质，在当时的欧美社会一度流行。

（五）野兽派的杜飞纹样

杜飞应用印象派和野兽派的写意手法，吸取马蒂斯绘画的装饰风格，线条质朴简洁，花卉图案形像夸张变形，人物动物相互交错，豪放粗犷，流畅自然，具有创造性、装饰性，后人把这种写意花卉图案称之为杜飞纹样。时装设计师利用杜飞纹样体现服饰设计作品的独特灵魂，体现一种自然美、野性美，利用流畅飘逸的线条结合服饰品的造型，生动而鲜活地突显出服饰的独特魅力。

（六）迪斯科纹样

迪斯科纹样的命名源于迪斯科音乐和舞蹈，迪斯科纹样有着迪斯科般的风格特点，新鲜、多变、富有活力。迪斯科纹样最初来源于美国影片《星球大战》，大多是描绘星系和宇宙的主题，超人、外星人、天空流行等图案，后来，迪斯科纹样采用抽象派巨匠康定斯基和西班牙画家米罗的绘画作为服饰面料的图案，从两位大师的艺术中汲取营养，平铺色块，流畅潦草的线条，强烈的对比色，用干笔在纸上一蹴而就，挥洒自如，当然，印有迪斯科纹样的服饰品也会被赋予迪斯科个性，给人以富有活力、浪漫、新潮、潇洒的视觉感受。

三、现代艺术对服装材料设计的影响

20世纪的女性追求独立，彻底抛弃了紧身胸衣，喜欢式样简洁，有综合功能的服饰，由蕾丝、花边、丝绸面料组成的内衣问世时，曾引起轰动，有人称它为“内衣革命”。现代服装设计越来越注重材料的开发性应用。然而在二战之前，服装设计基本上以款式、结构和造型的变化为主。50年代的蓝色丝缎晚装。极其轻柔的面料，被称为“女人的肌肤”。20世纪，人们越来越关注面料，有句名言：仅次于情人爱抚的，是好的布料。到二十世纪六、七十年代，一些设计师开始以材料为出发点进行服装设计，如1966年拉巴尼设计了以仿金属片链接的时装，七十年代后“面料魔术师”三宅一生作品的面世，都给了服装设计界以巨大的冲击。到八、九十年代，材料逐渐成为设计师关注的焦点，并形成了一些共识。

四、现代艺术对服装廓形设计的影响

战争改变了原有的社会价值体系，也将19世纪浪漫主义风潮打破。现代西方服饰逐渐去除了大量不必要的装饰，越来越强调其功能性，服饰变得简单、实用。随着女权思想的逐渐成熟、普及，女装与男装之间的差异日渐缩小。随着20世纪下半叶年轻风潮的兴起和大众审美标准的变迁，服饰流行日益多元化、平民化。

1、20世纪20年代：永远的经典——可可·香奈儿“现代主义”设计师追求人与机器之间的一种和平共处，在追逐机械化、现代化的同时，女性的束缚也被逐渐解除。20世纪20年代，年轻的法国女时装设计师可可·香奈儿，以她简洁的日常服装、运动装、便服和度假服装，将女性从束缚中解放。她推出直线型男孩儿式的轮廓和新潮的短发，提倡背肩包与针织品套装，她把晚礼服“法定”的拖地长裙缩短到与白日服一样的长度，尽可能使造型朴素、单纯化，她教给人们如何用人工宝石来装饰自己，把服饰品的装饰作用提到首位。

她提供了具有解放意义的自由和选择，让女人也可以穿裤子将服装设计从男性观点为主的潮流转变成表现女性美感的自主舞台。香奈儿设计时装追求实用，推动了服装设计新概念，对现代女装的形成起着不可估量的历史作用。

2、20世纪30年代的服装廓形：斜裁女皇——玛德琳·维奥内特

20世纪30年代早期的光滑轮廓与"现代主义"秩序井然的线条相和谐，这可以在不少设计师的作品看到，如玛德琳·维奥内特的斜裁真丝缎子的紧身女装，巴斯博物馆两件藏品的其中一件是1934年的拖地长袍，裙子的上半身是蕾丝褶皱紧身胸衣、飘逸的绸缎轻盈地从肩上泻下，下半身是招牌式垂坠长裙，腰间饰以褶皱。

维奥内特的设计强调女性自然身体曲线，反对紧 身衣等填充、雕塑女性身体轮廓的方式，有“裁缝师里的建筑师”、“斜裁女王”的称号。在大师一生的作品中，“古希腊女神式”的斜裁和皱褶垂坠连衣裙是她设 计中的经典代表。她打破了之前打版制样的裁缝传统，而直接将布料或垂挂或缠绕在身体上进行裁剪，利用衣料的自然垂坠使得时装如第二层肌肤般轻盈飘逸，勾勒 出女性流动的曲线和曼妙的体态，皱褶则是这种剪裁方式 所衍生出的特有细节。

但这些最终都被更精心制作的轮廓所替代，到了这10年结束时强调肩部、掐腰和连身的裙子更加坚定了新浪漫主义设计倾向，并预示了战后“新外观”的出现。

3、20世纪中后期的服装廓形——迪奥

40年代后期到60年代前期，主宰巴黎的高级女装潮流的人是迪奥，他的设计与他丰富的艺术修养和让敏锐的艺术感觉是分部开的， 1947年，考虑战时物质节制强加给服装业的简朴需要，迪奥推出的“花冠线条”轰动了时装界，被誉为“新风貌”。1952年，迪奥设计的三件套——羊毛夹克、线条简洁的帽子和柔软淡雅的结绸短裙，多年来一直成为时装设计的样板。迪奥设计的裙子，常在裙上打褶，或者用各种颜色的布镶拼；有时还缝上绢网，打造丰满感；各种各样的帽子侧戴头上，再配以硬高领的上装。接着又有了不对称裙子、o型、a型、 y型、h型、郁金香型等各种廓形的服装。他在巴黎时装界辛勤工作的10年里，巴黎女装从整体到细节都发生了耳目一新的变化他的线条设计和整体结构设计优美绝伦，几十年来一直影响着妇女和其他服装设计师们。

设计艺术论文:室内环境设计艺术论

内容摘要：随着我国综合国力的提高，大众对生活空间质量的要求步入了一个以满足物质生活水平为基础、追求相对高层次精神意识空间的阶段。从广义的角度看，室内环境设计既可以说是建筑学的深化和延续，也可以说是建筑学和美学派生出的边缘学科，同时也是人文环境设计的重要组成部分。本文将在这样的现实和意识层面上探讨室内环境设计的价值和艺术性。

关键词：室内 环境氛围 心理感知 意境

一、室内环境设计

室内环境设计是人文环境设计的重要组成部分，是指建筑内部空间的理性创造方法，是

一种以科学为构造基础，以艺术为形式表现，为塑造一个精神与物质并重的室内生活环境而进行的理性创造活动。室内环境设计又是一门具有极强整合性的综合学科，现代室内环境设计涉及到建筑学、社会学、民俗学、心理学、人体工程学、结构工程学、建筑物理学以及材料学等学科领域，它要求运用多学科的知识，综合地进行多层次的空间环境设计。

室内环境设计目标的实现取决于物质和精神两个基本层面需求的实现，即一方面要合理提高室内环境的物质水准，满足使用功能；另一方面要提高室内空间的生理和心理环境质量，使人从精神上得到满足，以有限的物质条件创造尽可能多的精神价值。其中，精神层面包含设计的艺术性和个性特色两个要素。

艺术性是指塑造具有强烈审美感受的视觉环境空间，它建立在形式原理和形式要素之上，无论是室内的造型、色彩、光线和材质等要素，都必须符合美学原理的要求，以求感官和精神上的审美效果。个性特色是指塑造室内环境的性格境界，表现为空间的性格形态塑造，只有使空间透过室内形式反映出不同的个性特色或不同的格调，才能满足和表现个体和群体的特殊精神品质和性格内涵，使人们在有限的空间里获得无限的精神感受。追求人性化的生活环境是室内环境设计的最高理想和最终目标。

事实上，室内环境设计不能以孤立的单一功能或形式为惟一目标，它既不是单纯的生活科学，也不是单纯的生活艺术，而是二者统一，是以精神建设为体，以物质建设为用，共同提高人类的物质生活水平和精神生活价值。

二、室内环境设计与美学

室内环境设计与美学之间有着密不可分的关系。美学是一门科学的、富有逻辑性与指导意义的学科。中文的“美学”一词在20世纪初来源于日本（中江肇民译），是西文aesthetics的翻译。该词的最早使用者是18世纪的鲍姆嘉通（baumgarten），他把这个本来指感觉的希腊词语转用于指感性认识的学科。所以如果更准确地翻译，“美学”一词应该是“审美学”，指研究人们认识美、感知美的学科。室内环境设计中的艺术美学就是研究室内环境设计中的审美学，即人们如何通过设计的作用在室内环境中认知美、感受美，也就是设计师用“美”来填补人和空间环境中所有理性与感性元素之间的沟壑。当人在室内空间环境中感知到美时，设计才是成功的。

室内环境设计的成功本质上是室内环境物质建设和精神建设两个层面的成功，然而，它们最终都要回归于精神层面的认知和肯定。这样就必须研究室内环境对人的作用，人在室内环境中认知美、感受美的一切状况。人类本体论美学就是从如何塑造人的心灵着眼，来考察审美经验和艺术现象（艺术品、艺术家、艺术史、艺术创作、艺术欣赏、艺术批评），把艺术与生活、政治的外在一般论断，转变并了解为内在的过程，这就把艺术与生活的关系、反映和反作用的原理真正落实到审美心理的实处。它要求探索和回答审美过程中许多复杂的具体问题，这其中也包括室内环境艺术设计的审美过程问题。

三、室内环境设计中的艺术性

室内环境在艺术审美层面上要求在于对室内意义的创造，它表现为室内环境在物质、精神两方面对人所产生的影响，通过心理的双向交流得以实现，即人对室内环境认知和环境对人的影响，而设计就是以特定的语言来促成这种表义的过程。所以，室内环境设计师在考虑使用功能要求的同时，必须思考精神功能要求（艺术感染、心理感受、视觉反映）。

室内环境设计的艺术表现是指在组织和塑造空间时，其内涵形式有两方面的属性：一种是内在涵义，另一种是外显方式。内在涵义是通过室内整体的环境氛围、室内环境心理感知、室内意境呈现出美感；外显方式是指运用形式美法则—适度、均衡、韵律、和谐，通过形式的外显方式呈现出美感。

1. 室内整体环境氛围。室内整体环境氛围是室内环境呈现给人们的总体印象。不同功能、性质的空间应该具有不同的性格内容，即具有一定的个性特点。不同个性特点的空间会让人们产生不同的印象，如活泼、庄严、典雅等。在室内环境设计实践中，空间类型复杂多变，从整体到部分再到每一个细部，都可能形成一定的氛围或是影响氛围的倾向及空间的个性。设计实践时，设计师应从空间的性质、用途、使用对象以及营销策略等方面去思索定位，以创造出不同感受的环境氛围。就像小型雅间需要亲切、温馨、典雅、轻松的气氛；宴会厅需要热烈、欢快的气氛；大型会堂则是庄严、宏伟、端庄的气氛。即使同是中餐厅，由于对象不同，其室内氛围也各不一样，如婚礼用的中餐厅，室内环境设计应具有喜庆、祥和、热烈的氛围；风味餐厅则应给人们朴实和亲切感、富有生活气息。

2. 室内环境心理感知。室内环境设计不仅仅是满足使用功能，更重要的是创造一个室内生活环境，能使人在视觉上和心理上更具享受性。室内环境的心理感知和感受是客观存在的，它是指空间环境作用于人的感觉器官所产生的心理反应。就一般心理过程而言，人的感觉、知觉、认识、想象、思维、情感、记忆等心理过程是每个人面对特定空间环境时都会产生的心理反应，进而才会产生对室内环境的感知评价，如美感、新奇感、舒适感、恐惧感等。不同年龄、不同性别、不同职业、不同信仰、不同民族、不同地域的人，对环境空间也必然各有其不同的心理反应和标准。研究个性心理，可以为有针对性的空间创意或设计目标提供科学依据。

设计师要学会研究人的认识特征和规律，研究人的情感意志，研究人和环境的相互作用，运用各种理论和手段去冲击和影响人的情感，使其升华，以达到预期的效果。如利用景物与背景的反差，反差越大，人的感知力就越强，室内环境处理上应是互相衬托、主次分明。宾馆中庭的瀑布、喷泉、上下穿梭的观光电梯、跳跃式的灯光都是因为新奇或动态的物体易被人感知，能引起人们的极大兴趣而产生艺术感染力的。视觉具有先决性，由于人的视觉范围的渐进性，人们对环境的印象总是由一个个的小片段组成，只有先确定流线才能决定每一个“流线片段”上的画面，由一个个画面构成一组组引人注目的风景。

在室内环境设计中应用联想的手法来影响人的情感，以扩大人对环境的感受深度和丰富理解。如触景生情的手法，就是利用人们对环境触景生情的心理，唤起人们熟悉的潜意识心理感觉。

约翰·波特曼曾说：“如果我能把感官上的因素融会到设计中去，我将具备那种左右人们如何对环境产生反应的天赋能力，这样，我们就能创造出一种为人们所直接感觉到的和谐环境。”从中我们可以得出这样的结论：人对环境空间的感知是非常直接的，不需要经过太多的理性分析，因此，研究人们的心理感受对环境设计是重中之重的事情。

人们对环境空间的感知能力是多层面、多角度的，包括空间尺度、比例、分隔、秩序、色彩、体量、光影等视觉元素，还包括听觉、嗅觉、触觉等其它元素。室内声场、光环境的塑造、绿色植物的清新空气、鲜花陈设品配置出的甜美温馨气息、不同界面材质触感等都构成了室内环境心理感受的要素。对于这些要素，在室内设计中应综合考虑和评价，注意相互间的统一与和谐，从而创造出空间环境的整体美感，提高室内空间的使用效益。

3. 室内意境。室内环境设计是为人而设计的，人是环境存在的主体，人不仅有生理需求，更有着心理需求。在室内环境中，心理需求的满足，需要人与环境进行新的交流，从而让人体验到各种心理感受，如舒适、快乐、宁静、宏大、端庄等。因此，室内环境设计就必须创造出空间中的意境。

室内意境是室内环境所直接体现的创意构思、意图、主题，是室内环境中精神功能的高度概括，是一种蕴藏在感性形式之外的、能引起人无限深邃的思索和联想，给人以某种启示或收益的设计艺术美。

室内环境中的意境并非静止的，而是流动的，它是在一个主题下的多种美感共同作用的结果，它是最能体现出意境流动感的设计。素有“壶中天地”之称的中国园林艺术就是空间流动意境创造最为典型的代表，它通过门、窗的隔、对、借来突出景点，又通过水、廊的运用来连缀景点，使其串连成为一个整体。曲径通廊、小桥流水不仅使景观在移步易景的变换之中仍然保持了一气呵成的流畅，更重要的是在展示的动态中，在四维的时空中，彰显了中国园林无尽的魅力。如何使静态的空间环境化静为动，静中有动，从而丰富空间的内涵，是室内环境设计必须追求的目标之一。

室内环境的总体意境最终是对文化的反映，也就是说，意境的本质是文化的体现。文化是人类社会发展进程中社会意识所积淀下来的精华，从各个方面和层次来说，它都是设计创意灵感的重要源泉。因此，设计美的意境归根到底是从文化中产生出来的。一般将文化划分为三个层次：其一是文化情调。它是设计中最为感性直观的要素，也是表层的要素。它表现为一种模糊的、印象化的文化趣味。其二是文化心理，它是指设计中弥漫在某个群体中的不系统、不定型、自发的文化意识，如民俗习惯、信仰和崇拜等。最后是文化精神，它是一个民族、一个社会的一切文化领域和文化现象具有普遍意义的精神文化成果。文化精神已经成为民族、社会赖以生存的精神支柱和不断发展的动力。故宫建筑的理性精神、日本建筑的道禅色彩都属于文化精神层面的体现。

室内环境的意境是通过室内空间的布局、家具器物的样式、材料质感的搭配以及界面造型的选择等一系列环境设计来形成空间的整体美，营造出空间的意境美感，使人深深地感觉到设计内在的个性、情调、品位等内涵。它是设计师通过文化、科学、技术、生产各种系统要素整体化的联系，心理学、人体工程学、人文科学的相互渗透，以及自然因素、人和社会因素的综合，而体现出的一种社会过程。通过室内形态所表现出来的客观实在的“景”，唤起人们的愉悦之“情”，这个情景交融的过程就是室内环境设计意境美的生成过程。

此外，室内环境设计中运用最多的形式美法则包括：适度美、均衡美、韵律美及和谐美。

综上所述，室内环境设计中的艺术性关系到如何去塑造人的精神和灵魂，这是室内环境设计的宗旨，是新世纪、新时代对室内环境设计专业的要求和呼唤。只有提高室内环境设计中的艺术品质，才能为人们创造出更美、更优雅、更舒适的室内环境。

设计艺术论文:中西方设计艺术本质特征的比较

摘 要：设计艺术是最古老的艺术，也是最广泛存在于人类实践活动中的，与人类文明进程息息相关。本文试图通过对中西方设计艺术本质特征的比较研究，以预测其发展趋势，为我国设计艺术的发展提供参考作用。

关键字：设计艺术 本质特征 发展趋势

一、中西方设计艺术溯源

从最为广泛的意义上说，人类所有生物性和社会性的原创活动都可以被称为设计。从这个角度来说，设计的概念未免过大，因而我们这里讨论的是具有明确限定的狭义的设计，即合乎目的性，具有功能性、艺术性、科技含量和经济利益的设计。无论是中国还是西方，设计艺术都具有一个漫长的，内涵和外延不断变化的历史进程。

（一）中国设计艺术历程简述

中国的设计艺术可以追溯到几十万年前的石器时代，原始社会人类设计的石斧、石刀具有对称、节奏、光滑等朴素的形式美，包含有一定的审美观念和艺术手法。中国是个历史悠久，地广人多的多民族的文明古国，几千年来创造了璀璨的中华文明，智慧的人民在生产工具和技艺的变革上做出了巨大的贡献，因而在不同的时代也创造了不同的设计艺术成就。先后留有原始社会时期的具有划时代意义的石器和陶瓷设计艺术；奴隶社会时期的伟大创造——青铜器设计艺术；封建社会时期更是百花齐放、灿烂夺目，建筑设计艺术、园林设计艺术、家具设计艺术、服饰设计艺术、瓷器设计艺术、雕塑设计艺术等都在世界设计艺术史上占有重要的地位。在中国近现代史上，中国设计艺术的发展也出现了断层。之后，在20世纪30年代作为中国工艺美术教育的开拓者和创始人之一的庞薰琴和一批设计家、设计教育家从西方引入现代设计艺术思想，对中国现代艺术做出了巨大的贡献。建国后，由于种种原因，设计艺术在我国只是被定义为“工艺装潢”这类狭隘的范围，并没有形成设计艺术的产业化，对经济的发展没有起到其应有的作用。直到七八年代改革开放后，中国的设计艺术才真正发展起来，逐渐成为推动国家经济社会发展的产业并形成了具有中国特色的设计艺术。

（二）西方设计艺术历程简述

西方原始社会时期设计艺术和中国一样集实用和审美于一体，具有朴素的石器时代的痕迹。奴隶社会时期古埃及设计创造了辉煌的金字塔艺术。古希腊的多立克柱式、爱奥尼亚柱式、科林斯柱式奠定了世界建筑设计艺术的基础，其各方面的巨大成就也开创了欧洲设计艺术的历史。公元476年西罗马帝国灭亡之后，欧洲进入封建社会时期，由于受宗教的影响较大，中世纪的设计艺术推崇精神上的表现。哥特式的建筑是此时的代表，造型高拨、挺直，讲究装饰。文艺复兴时期，西方的设计艺术得到空前的发展，出现了像达•芬奇、米开朗基罗以及拉斐尔等大师级的人物，这一时期的设计艺术崇尚个性、自由、解放，对后来工业时代的设计艺术产生了巨大的影响。西方现代设计艺术的出现从一定程度上来说是工业革命的结果。随着18世纪的工业化，机器时代的到来，设计艺术也超出了为少数贵族服务的范畴，为大众所消费、设计与制作，生产活动分离，设计也超出了功能性，具有装饰性、趣味性、象征性等特征。19世纪下半叶，英国出现大规模的“工艺美术”运动拉开了现代设计艺术的帷幕，之后西方现代设计艺术得到了蓬勃的发展，经历了更加宏大，影响更广泛的“新艺术”运动，风格独特的“装饰艺术”运动以及流派众多，艺术风格多样的现代主义设计。西方设计艺术发展到现代主义之后的设计时期，出现了耳目一新的解构主义、新现代主义。如今数字化时代的到来，设计艺术必将继续绽放出新的绚丽火花。

二、中西方设计艺术本质特征的比较

要比较中西方设计艺术本质特征必须从哲学思想和美学思想入手，实践的理论指导理论的实践。不同哲学思想与美学思想的指导，设计的创作会呈现出不同的艺术特征。中西方由于地域差异，人文环境的不同，设计艺术所依托的哲学与美学思想也有着显著差异。中西方设计艺术哲学与美学思想是个宏大的论题，若真要求解非我能力所及，笔者不妨在这里管窥一二以抛砖引玉。当然中西方哲学与美学思想不能割裂，笔者分开论述只是方便在设计艺术这个特定的领域作些有意义的探讨。

（一）中西方设计艺术哲学思想比较

“天人合一”宇宙观是中国传统文化中重要的哲学思想之一，它对中国设计艺术特别是园林设计艺术的发展有着重要的影响。中国园林设计引山水入园林，曲径通幽，借境移情，既有人工设计的诗情画意又有与自然和谐，与天道和谐的意境。“天人合一”是古代哲学史中无论孔子儒家还是老子道家都强调的观点。《老子》中讲：“人法地，地法天，天法道，道法自然。”这是主张天、地、人都统一于象征着自然无为的“道”。又讲“道生一，一生二，二生三，三生万物。”这是认为天下万物由道而生。从中分析可以知道人的设计实践是效法“道”的，而“道”是效法自然的，设计也就是效法自然的。中国古代设计思想家还将设计门类与五行学说联系起来，运用“五行”概念来阐释行业行为与自然现象“相生相胜”即相互对立相互作用的关系。老子并在此基础上有提炼出“阴阳说”，建构出宇宙本原“道”之学说。庄子继承发扬了老子的观点，提出“天地与我并生，万物与我为一”即一种原初、真实、本质的状态。

中国的设计艺术思想深受哲学思想的影响和支配，有着鲜明本质特征：（1）材美工巧。讲究天时、地气、材美、工巧，深刻反映了“天人合一”的哲学思想和人的宇宙观。（2）以用为本。强调用和美的统一，与荀子的“美善相乐”一致。（3）文质彬彬。追求“质”和“饰”的和谐统一，（4）顺物自然。崇尚自然顺物自然是其时期的核心内容。（5）重己役物。强调使用主体的感受并追求功能与审美的统一。（6）物以载道。以物载道、言志、象德。如“玉有九德”，象征着不同人的身份和地位。（7）象。象是古代设计思想的基本，如观物以取象、立象以见意、境生于象外。这种以象为中心的思维方式、认识方式、抒情方式奠定了中国设计艺术的美学基础。

谈到西方哲学思想，不得不提古希腊。古希腊历来被认为是欧洲文明的摇篮，也是欧洲乃至整个西方哲学的故乡，并产生了一批伟大的哲学家，如苏格拉底、柏拉图、亚里士多德亚。柏拉图认为绝对的形式就是美。形式是理念、美、真理、知识和善基石，他用美对形式进行抽象和说明，柏拉图用美来解释了理念、真理、知识之间的关系。柏拉图称之为善“这个给予知识的对象以真理，给予知识的主体以认识能力的东西，就是善的理念。它乃是知识和认识中的真理的原因。真理和知识都是美的，但善的理念比这两者更美，这也就是善的知识。”所以他认为理念还不是最终的存在，理念通过美而被自己超越(更美)，这样借助于美的再一次超越，柏拉图从理念上升到最高形式——善。理念是超验的，它自身没有回归此岸之路，因此它最终只能成为属于神的性质的善，美不能用来说明神，柏拉图也无法再对善有所言说，这样柏拉图的哲学就停留在不可逾越的二元分裂上。

当然如同孔子和老子一样，苏格拉底、柏拉图、亚里士多德亚他们也有着种种分歧，但总的来说，中国的哲学思想讲究变化，没有国定的形式，“天人合一”。而西方的哲学强调固定的形式，尽管之间有紧密联系，但没有轮回。由于无法解释神，不能与神相通，中世纪的哲学成了神的婢女。这点在中世纪的建筑设计艺术上得到很好的例证。哥特式的建筑大都垂直向上，表现了一切朝向上帝的宗教精神，为神服务。而中国哲学虽然也认同“天命”，神可以主宰命运，但强调人与自然的和谐，人有轮回，人达到一定高度也可成为神。中国的古代建筑设计艺术大都“以人为本”，为人服务。

（二）中西方设计艺术美学思想比较

中西方古代设计艺术美学，由于大都产生于奴隶社会和封建社会时期，在一定的社会发展规律下，由于历史认识的局限性，本质上都属于古典主义美学范畴。但由于哲学基础、历史文化、民族审美的差异，设计艺术美学思想也具有不同的本质特征。

1.表现与再现

表现与再现通常被认为是中西方艺术的显著差异，其中在绘画中尤为明显。同样在设计艺术领域这种差异也表现很明显。中国设计艺术强调表现，而西方重视再现。如中国的园林设计体现了古代文人士大夫的身份和地位。中国园林的设计法无定式，追求“外师造化”，并不追求一山一水的准确度，采用散点透视，以人在其中游园的情趣为设计目的，追求人与自然的和谐美。而西方的园林设计以几何形的法国园林为代表，则采用焦点透视，具有理性主义特征。园林内充满了理性的气息，整齐一律，均衡对称，具有明确的轴线引导，讲究几何图形的规律，就是连花草树木都修剪得整整齐齐。为一种人工的创造再现，强调人工美。造成这种审美特征的原因当然与我们上面所谈的哲学思想分不开。中国强调“天人合一”，西方的古典艺术观是“摹仿”。柏拉图认为，艺术是对“理念世界的影子”即现实的摹仿，亚里斯多德认为，艺术是对自然的摹仿。

2.形式与整体功能

柏拉图和亚里士多德他们在想问题的时候脑子里面往往有一个制作图式，即想象着匠人制造物品的样子，然后用这个图式的结构去比附他们要理解的对象，包括整个世界。这一制作图式最典型的形态有两个：一是柏拉图的“原型—摹本”图式，一是亚里士多德的“形式—质料”图式。于是，柏拉图所看到的世界就是原型和摹本外在分立的两重天地，亚里士多德所看到的事物就是形式和质料内在复合的完整个体。而我们中国人理解世界的图式是金－木－水－火－土－金不断地循环，是“阴阳”太极，是八卦图式。因而西方设计艺术美学追求固定的形式美，设计条理清晰，对具体的形要求极为严格，中国设计艺术重道轻器，追求有无相同，注重意境，气韵以及整体的变化，和谐统一之美。这些在中西方的雕塑、建筑、家具、服饰等设计上都能体现这种差异。

三、中西方现代设计艺术发展趋势

西方的现代设计艺术是随着工业革命，工业化大生产而发展起来的。经过两次世界大战和战后经济高速发展后，西方现代设计艺术逐渐在世界形成了主流，传遍全球，当然其发展的过程也借鉴了东方的设计艺术思想。比较中西方现代设计艺术毫无意义，因为中国现代设计艺术在20世纪30年代学习西方之后才逐步发展起来，当然其中也继承和发扬了优秀的中国传统设计艺术思想，主流和西方现代设计艺术是一致的。

随着全球化的加速、科技革命进步和信息时代的来临，可以预言中西方设计艺术将继续相互交流、互补、融合，形成开放化、多元化、世界化的发展趋势特征。两大设计艺术体系殊途同归，创造了并将继续创造出璀璨辉煌的人类设计艺术文明。

设计艺术论文:对设计艺术专业课程设置与学生实践能力培养的思考

内容摘要 ：设计艺术教育日益成为我国艺术教育的一个主要领域，在这种形势下，设计艺术专业教学改革势在必行。文章着重强调了通过设计艺术专业课程设置的改革，优化结构，突出优势，加强对学生实践能力的培养，从而达到设计艺术专业教育的既定目标。

关 键 词 ：设计艺术　教学改革　课程设置　实践能力

设计艺术是一个文化概念，它代表的是人们对所选择生活方式的设计，包括人们的衣、食、住、行、用，以及潜含在其中的精神层面的价值系统。受经济高速发展对设计人才需求因素的影响，我国的设计艺术教育不仅仅在专业院校，而且在普通高校也得到了蓬勃的发展。设计艺术教育也越来越成为我国艺术教育的一个主要领域。一直以来，我们认为，具备良好的科学文化素养、敏锐的审美能力、创造性思维方法和熟练掌握本专业技术能力的综合素质，应该是普通高校设计艺术专业人才的培养目标。传统的美术教育模式培养出来的设计人才存在许多欠缺，对所设计产品的工艺流程、材料、与客户应对的经验、技术统筹管理等知识的欠缺，造成了设计人员更多地停留在艺术感觉的审美层面，设计出的产品实用性不大，或存在功能与工艺上的障碍。

在这种情况下，我们必须清醒地认识到，普通院校的设计艺术教育虽然是从传统美术与工艺美术教学中脱胎转型的，不可避免地存在着发展初期的不足和转型期的种种迷惑与困难，但是基于设计艺术在现代化进程中的作用和学科发展的需要，对设计艺术教学进行改革、规范，调整设计艺术教学体系是迫在眉睫的重要任务。国家教育部在高等教育面向21世纪教学内容和课程改革计划中提出：改革的根本目的是改革更新培养模式，调整课程结构，用现代文化、科技发展新成果充实和更新教育内容，逐步实现教学内容、课程体系、教育方法和手段的现代化。同时，普通高校的设计艺术教育大多不同程度地存在一些问题，如重课堂教学轻社会实践，重虚拟课题轻设计开发，这些都造成了教学与实践严重的脱节现状，高分低能现象屡见不鲜，这与设计学科高速发展的现状极不相称。我们可以尝试通过课程设置的改革，进一步强化学生的实践能力，建立一个全新的教学模式。

一、优化课程结构，更新教学内容，突出专业优势

1.课程结构上的特色

设计艺术学科是艺术与科学交叉的学科，学科特点必然在课程结构上体现，在专业理论课方面，应该开设与专业方向相关的人文和自然科学交叉课程。以平面设计方向为例，应有选择地开设，如市场学、营销学、消费心理学、行业设计法规、公共关系、广告学、传播学、应用数学、材料学、人机工程学等。除了必修、选修课程之外，我们还可以通过专家讲学、讲座和素质课教育多种形式将课堂教学延展，为培养复合型设计人才奠定扎实的基础。同时，要加强交叉学科之间的交流和教研活动，使交叉学科教学与专业教学目的相统一。

2.专业课程的优化组合

在专业课程方面，首先要对一些传统课程进行优化整合。如平面构成和图案课，在内容和形式上有许多共同之处，可以考虑整合为一门课，既可取长补短避免重复，又可缩短教学时数；另外，要吸取国际上先进的设计教育观念和方法，结合我国实际，开设一些既具有时代精神又符合设计发展规律的课程。同时，可开设一些突出民族文化，研究民族艺术的课程，如民间艺术研究、中国传统装饰等。

3.专业方向上的特色

根据教育部专业目录规定，将所有设计学科统一归于设计艺术学科门类之下，因此设计艺术成了一个专业覆盖面极为广泛的大概念。以平面设计为例，又可分为广告、包装、商业美术、印刷品等设计方向。普通高校在设计艺术办学方向上应根据市场对人才的需求情况和学校自身的优势，有所侧重办出自己的特色。

二、科研与社会实践一体化，建立理论与实践一体化的教学模式

高等教育，历来就是培养社会需要的人才，总结和建立专业理论体系的领域，高等设计艺术教育也不例外。现代设计的实践，要求艺术与设计教育积极回应社会的这一要求，尽快建立起适合中国传统文化与现代科学技术相结合的设计艺术教育体系。

我们可以尝试通过以下两方面建立一个全新的教学模式：

1.教学与设计开发一体化

教学与设计开发一体化，就是进行课堂教学改革，打破传统封闭式课堂教学模式，让学生走出校门，根据教学内容的要求，对设计开发的各个环节进行调研和实践。教师要经常带领学生到企业或市场，如商品超市或施工现场等进行现场授课和设计分析，让学生在社会实践一线摸爬滚打，参与实际设计开发的全过程，并从中得到锻炼。在一体化教学进程中，要充分利用分数的杠杆作用，将成绩的考核与各个实践环节紧密结合，改变重设计正稿不重设计开发过程的传统评分办法。

2.科研与社会实践一体化

如何处理好教师的科研与社会实践的关系，一直是普通高校设计艺术专业头痛的问题。笔者认为，应该转变观念，把教师的社会实践活动纳入科研项目的技术服务范畴。鼓励师生在不影响正常教学的前提下，为社会提供有偿技术服务，以提高教师自身的实践能力。学校要为设计艺术专业科研与社会实践的一体化创造条件，提供政策上的优惠。有条件的院校还可以通过成立研究所或企业实体的方式，在加强技术监督与统一管理的前提下，为教师的科研实践提供相应的法律和经济上的保护。这方面清华大学美术学院、广州美术学院等院校的设计专业的经验可供借鉴。

进入21世纪，设计艺术教育的发展不仅面临种种机遇，也面临着种种新的挑战。我们必须以全新的观念对传统的教学模式进行改革，强化学生的设计实践能力，使我国的设计艺术教育与经济、产业同步发展，与国际先进的设计艺术教育接轨。