时间:2022-10-12 02:49:22
导言:作为写作爱好者,不可错过为您精心挑选的10篇色彩艺术论文,它们将为您的写作提供全新的视角,我们衷心期待您的阅读,并希望这些内容能为您提供灵感和参考。
(二)次生色:什么是次生色了,次生色就是通过三原色中的两种颜色进行等比例的混合调配所得到的颜色就叫次生色。那么如果用一个次生色和一个三原色调配的所得的颜色叫三次色。
(三)色彩又分为两大类,分别为彩色类即有颜色的(像红、黄、蓝等)一类为无色类即黑色和白色,在大学里我们学过了色彩的构成,知道色彩有三个基本特征:即明度、纯度、色相,什么是明度了,明度指的是颜色光亮不光亮,颜色亮的我们就叫高明度,颜色低的我们就叫低明度。纯度指的是一种颜色的纯净度,就指一个颜色没有加入其他颜色的我们就叫高纯度,反之就是相对没加的颜色就是低纯度。什么是色相了,色相是色彩的最基本的特征,即指色彩的相貌,比如黄、红、绿等等。就打个比方来说吧,拿一种黄添加白色,那么他在原有色的时候相对于明度提高了,纯度降低了,如果添加的是一定量红色的话,那么我们学过的会知道会变成橙色,那么我们就说他的色相发生了改变,由黄色变成了橙色系。不论明度还是纯度色相都是建立在对比上的,高低纯度是相对的。色相上通过对比类似色相有:互补色相、相对色相、邻近色相,邻近色相包括有黄与橙黄、红与橙红,互补色相包括红绿、黄紫、蓝橙等。相对色相包括红黄、橙红等。通过对比色彩能使人感觉到一些物理效果,比如通过色相的对比,我们把颜色分为冷暖色。红色和蓝色对比,我们感觉红色给我们一些温暖的感觉,我们称红为暖色。相对蓝色给我们感觉到冷冷的感觉,我们称冷色。
通过对比,我们还可以得出距离感,不知道你们在看好色彩作品的时候有没发现,一副好的作品能让我们感觉到距离感,拿一副好的风景画来说把,前面的风景比后面的风景感觉要暖,明度、纯度要高,所以我们在画画的时候前面的色彩相对于后面的色彩感觉要暖些,颜色要明亮些。通过对比发现色彩还具有重量感和尺度感。
二、色彩的情感
红色——给我们的感觉是青春、活力、热情、危险等感觉,有没有感觉到在大夏天的时候我们看见穿红色衣服的我们就会感觉到比平时热一些。看见穿蓝色的衣服就会感觉到相对的凉快些。黄色——让我们感觉到注意、希望、信心等感觉。一般在道路上的指示标志都是用黄色和红色来提醒和警告人们。蓝色——冷静、典雅、机智、智慧的感觉,一般我们发现科技类的蓝色具多。绿色——感觉生机、向上、活力、和平、自由、坚强,一般绿色让我们容易联想到植物,而植物的给我们的感觉象征着生命的感觉,所以绿色一般都会运用在真爱生命自由等方面。紫色——给人感觉到高贵、典雅、迷人、神秘等。在西方一些皇室成员是以紫调为皇室标志的。而在中国古时候,由于紫色的染料比较少见,染制衣服比较麻烦困难,所以价格比较贵,所以古时候是贵族们的专属品,给人感觉高贵。在古时候官职衣服也分颜色,腰带什么一般等级都比较高。从这就可以完全的看出紫色在中西方古时候的高贵、典雅。黑色——给人的感觉有恐怖、夜晚、不安、死亡的感觉。在一些国家认为黑色不吉祥,是禁止用黑色,在我们的国家为什么不喜欢乌鸦了,因为乌鸦全身乌黑、而且喜欢吃腐肉,所以遭人讨厌,说能预感到死亡。粉色系——我们一般感觉粉色可爱、温柔、浪漫、女性等,所以一般的女性产品都是以粉色系具多的。橙色——给人感觉到食物,可能是做为一个吃货,一说到橙色我就想到食物,其实橙色还给人温暖的感觉。
影响色彩对人们情感的因素:1.年龄因素,小孩子喜欢色彩鲜明的颜色,青年人喜欢沉稳的淡雅的颜色,老年人喜欢颜色深的颜色。2.文化因素,有些地区文化有的的偏爱一种颜色。3.自身因素,别人喜欢的你不一定喜欢,你喜欢的别人也不一定喜欢的道理大家都知道,所以自身也是一个大的因素。4.环境因素,就比如说在一个大家都穿红衣服的办公室里,你总不可能穿经常穿黑衣服吧。那我们再来谈谈具体的运用吧。
三、色彩的具体运用
其实在色彩情感的时候我就提到过一些色彩的具体应用,但是不怎么详细的讲解,那么下面我就拿几个具体的例子吧。比如最经典的红十字会的标志,颜色运用的比较少,但是给我感觉到大气、简洁而不简单。色彩就红色和白色,红色与白色对比给我们在视觉上有着强烈的冲击力,红色代表着鲜血,十字在西方有着救赎的意思,而白色给人干净、镇静的感觉。所以红十字的标志让我们记忆尤深。再比如说麦当劳的标志把,在色彩上就黄色和红色,黄色和红色给人温暖的感觉,红色和黄色能起到增强食欲的效果,想想金黄的薯条和红红的番茄酱你难道不感觉到食欲吗。再拿一个食物方面的事物来举例子把,你们知道快餐店的墙壁颜色吗,或许我们每天都进入快餐店,可能我们大家也没注意到,但是我发现都是以暖色系为主,是那种红色,因为在夏天的时候红色给人的感觉到热,让人们在快餐店里面就餐的时候不自觉的就加快了吃饭的速度,给快餐店带来一些效益,比如咖啡厅吧,一般颜色以冷色系为主,给人感觉安静、淡雅的感觉。明亮的颜色搭配让人感觉到喜欢,有没有人感觉到冬天穿颜色重的衣服时感觉比颜色浅的衣服感觉上要重上一点了,因为重色的衣服在心理给人感觉到深沉的感觉。
这一时期的油画色彩突破了以往绘画形式的色彩语言,进行了大胆探索,画家们喜欢表现大自然的壮美辽阔、天光一色的景象,画面光线耀眼,奔放挥洒,带有强烈的戏剧性和主观性色彩。比如,康斯特布尔将自身对于田园风光的主观亲切感融入到用色中,在其代表作《山谷农田》的烂漫影色中可以清晰感受到画家对自然的主观感受。由于油画的调色媒介是亚麻子油,干得较慢,这一时期的画家可以在颜料未干时对画面色调加以修改和调整,或采用古典多层染法,营造色彩的层次感。16世纪的名作《蒙娜丽莎》中,达芬奇通过对远景施用蓝绿色调来陪衬蒙娜丽莎美丽的肤色,并运用渐隐法使色彩近暖远冷、远虚近实增加了画面空间感。这一时期的画作以利用光和影描绘人物为主要表现手法,使得画面形象的立体感大大增加,实现了“强烈光照下真正的色”。16世纪的画家们信奉受光的色彩,投影和暗部的色彩只是作为辅助色或偶然色出现,用色的总体原则是通过色彩表现主体的受光部,暗部则少用色彩。很多画家在表现山、树等远景的油画中采用“色彩透视法”,即用浅蓝、紫蓝、蓝绿画远景,越远越淡。除此之外,画家们还用黄、金黄、土黄等黄色系营造受光部的聚光效果,力求展现光照下“真正的色”。这种程式化的“空间层次”色彩表现技法一直沿用到17世纪。
(二)19世纪——印象主义时期色彩的瞬间闪烁
19世纪德国自然科学家、诗人歌德发表了著作《色彩论》,创造性地将色彩划分为冷暖色系,并赋予其正负的抽象表情。正色即暖色,红、黄、绿代表喜悦和明朗,负色即冷色,蓝、紫等代表胆怯、忧郁,这种理念成为了19世纪油画色彩的先驱。这一时期油画色彩运用的杰出代表是印象派。印象派画家通过细心捕捉大自然色彩的瞬间变化,使色彩从16世纪的光影和明暗中解放出来。这一时期的点彩油画暗部色彩处理极为透明,用笔也更加随意,通过对或冷或暖的中间色的运用,使得画面呈现出闪烁的感觉,这一技法突破了古典画法明暗色阶对色彩的捆绑,展现出色彩律动的光感,画面更为活跃、即兴。印象主义时期,油画色彩的生命感被画家们用来表现象征意义,高更就是19世纪善用色彩象征性的代表,其画作《亡者的灵魂注视着》中,暗紫色背景、墨蓝色围裙等象征死亡的暗色调与黄色床单形成鲜明对比,这种色彩的象征性使得画面充满神秘阴郁的死亡感。到了19世纪后期,以梵高为代表的后印象主义画家更加追求色彩的象征性和主观性。他的《向日葵》中,柠檬黄、铬黄、橙黄等纯黄色系的应用与蓝色背景形成鲜明对比,流动、激情的笔触和用色形成了结实、奔放的油画风格。另一位代表画家塞尚的油画色彩风格更为理性,他不仅利用色彩的明暗展现体积感,还通过冷暖色彩加强事物的表现效果,这种尝试引发了立体主义的兴起,对后世产生了深远的意义。
(三)20世纪——野兽派时期色彩的自发、本能和情感
20世纪,色彩的力量在野兽派的画作中找到了最直接、最强烈的表现形式。以马蒂斯为代表的野兽派画家们本能地、自发地宣泄着色彩表现力,他们热衷于运用鲜艳、浓烈的色彩展现画面的装饰性。注重色彩引起的人们的生理、心理反应是这一时期色彩表现革命的突破性观点。马蒂斯认为,色彩可以独立于油画的客体之外,呈现出影响欣赏者的情感力量,画家们认为单纯色彩的运用影响力更为强烈——蓝色摄人灵魂、红色影响血压,甚至有的色彩拼接会惹人愤怒。通过对画面主体色彩的归纳、取舍以及各种纯粹的红与绿,蓝与橙,紫与黄的对比、分割、穿插、渗透,使画面更为均衡,空间更为自由。以表现性著称的野兽派更加注重色彩的装饰性,画家们致力于通过色彩的搭配和并置,展现色彩的节奏与韵律,创设画面的装饰感,还借鉴装饰画和壁画的用色方法,依靠色彩对比形成画面视觉冲击力。如德兰的油画《伦敦桥》通过大块不同色调的强烈对比展现了画面强烈的视觉冲击力和装饰性,加强了作品的艺术感染力。
二、西方油画艺术中色彩的艺术特征
西方油画色彩经历了以上三个重要的历史时期后,确立了独特的艺术特征,下面笔者就将详细阐述西方油画色彩主观性、象征性和装饰性三个艺术特征。
(一)西方油画中色彩的主观性
西方油画色彩的主观性是指区别于客观事物本身的色彩,是画家根据画面美学需要和绘画主题对色彩进行的二次创造,这时的色彩已不再是自然物象色彩的客观反映,而成为一种表达特定精神内涵以及主体思想情感的个性艺术语言。例如,塞尚的油画通过色彩结构的重组以及块面、色域的冷暖渐变,使作品和现实拉开了距离,流露出了画家的情感体验,从而使色彩焕发了精神。又如,后印象派代表画家梵高更加重视色彩的表现力与象征性,通过主观性色彩的巧妙运用,将内心热烈而又质朴的情感表达了出来。到了以表现性绘画为特色的野兽派,油画色彩成为完全主观的表现手段,成为构建画面空间感和情感氛围的主体。用色彩表现精神是近现代西方油画的主要特征之一。色彩主观性特点在油画各个流派中都有运用,除了在后印象主义、抽象主义及主观主义等流派中可以寻到其足迹外,还能在许多具象油画作品中看到其表现。例如,现代派最具影响力的画家毕加索就很好地表现和运用了色彩的主观性这一特点,在他的作品中蓝灰色调通常用来宣泄颓废、苦闷的情绪,再搭配线条和色块组成的韵律,流露出忧郁、伤感的情绪。
(二)西方油画色彩的象征性
早在原始社会人们就有了对色彩的认知,之后西方宗教绘画中的色彩又被赋予象征性,而且色彩象征性已不单单指象征事物,还指色彩象征抽象的意念。在近现代油画作品中,色彩象征性还常被用来表达特定的意图,或是明确画面的色调关系,深化整幅作品的主题,因而成为画家们表达色彩语言的主要途径之一。例如,被誉为印象派三杰之一的高更就擅长运用象征性色彩,在其代表作《雅格与天使搏斗》这幅作品中,高更将对比用色发挥得淋漓尽致,表达出他丰富的想象力和敏锐的洞察力。作品中用强烈的橙红、亮红色调描绘远方天国环绕的幻影,用躁动火热的色彩象征雅格与天使格斗时紧张激烈的气氛,突出了拂晓时分雅格于天国四处捕杀天使的紧迫性和真实性,这种象征意义的选取,凸显了绘画的效果。而在《美丽的恩其拉》中,高更又展示了另外一种情调,他将完全按照色彩结构要求修饰着形的肖像创意性地安置在虚幻的圆圈里,赋予人物一种超自然的色彩,然后在左侧描绘出一尊模糊的佛像,橘红带绿的颜色象征了东方神秘主义,整幅作品通过色彩的象征性表达了奥妙无穷的神秘之感。
中国现代油画艺术中色彩对于情感表现的作用在中国现代油画中,色彩本身没有太多深刻的意义,但是在塑造人物形象、事物形态等方面发挥着重要作用,能够将人物的情感表达出来,将事物的特点展示出来。因此,一幅油画是否成功,与艺术家所处的社会环境、文化背景等有着较大联系,色彩在表达各种情感时发挥着重要作用。
2.色彩在西方现代油画艺术中的情感表现
油画作为一种艺术创作形式,需要色彩的合理运用,而色彩作为西方现代油画艺术的重要组成部分,可以有效提升画面的审美价值。因此,强烈的主观色彩是西方现代油画艺术的生命和灵魂。
(1)西方现代油画艺术色彩情感表现的概述在西方现代油画中,色彩是画家表达某种意图的主要手段,画家在根据相关要求进行色彩的搭配时,油画的主题得到了形象的展示。并且,在西方宗教题材油画中,有的色彩具有象征意义,可以象征抽象的观念或者某个具体的事物。艺术家在创作油画的过程中,用色彩表达自己的想法,从而赋予色彩很强的象征性和表现力,色彩成为艺术家表达情感的重要媒介,从而成为最具感染力的油画语言之一。
(2)西方现代油画艺术中色彩对于情感表现的作用在自然中,色彩是客观存在的物质,本身没有思想和情感,但是在人们的生活中,色彩成了表达情感、传递意愿的重要工具。如,看到阴沉的天气,艺术家会用黑色和灰色表达当时的情感;看到生机勃勃的树木,艺术家会用嫩绿色表现充满希望的情感。因此,在西方现代油画艺术中,色彩越艳丽,表明艺术家的情感就越强烈;色彩越夸张,艺术家所要表达的情感就越丰富。如西方著名油画艺术家凡?高,在其每一幅油画中,他都用了很强烈、富有感染力的色彩,让人印象深刻。从他的作品中,人们可以感受到他对生活的热爱。
水彩画是西方绘画品种的重要一种,传入我国以后,已成为我国画坛中的一朵奇葩。分析、研究、把握水彩画的艺术特色,无论是对于水彩画的创作与学习,也无论是在理论启示上还是在艺术实践上,不仅大有裨益,而且十分必要。为此本文试就水彩画的艺术特色这一重要艺术命题发表几点肤浅之见,以与同行共同讨论、共同切磋、共同提高。
具体而言,水彩画的艺术特色可分为以下四大层面予以解读—
a.造型的集中性
水彩画同中外所有的绘画艺术一样,都是造型艺术,这是毫无疑义的。但是水彩画更加强调造型的集中性,这种集中性,又具体通过以下几大手法来体现:
其一是以平面显立体。水彩画同所有的绘画一样,都是平面(二维空间)造型艺术,但它并不是孤立呆板、单调僵化的平面艺术,而是以平面显立体的艺术,即以二维空间表现三维空间的艺术。绘画作品只有长与宽,而没有高,只能从正面通过视角进行观赏。这的确是绘画艺术之短,但作为水彩画,却可以扬长避短,甚至以短见长,即通过观赏者的第一视觉印象的联想与想像,获得最大的艺术信息量,创造出一个更为广阔的立体空间,获得审美的极致。
其二是以瞬间显永恒。水彩画选取的是瞬间的物象,但却以这瞬间的物象显示了人物或事物的永恒。wwW.133229.cOm狄德罗说:“画家的笔只有一个顷刻:他不能同时画两个顷刻,也不能同时画两个动作。”①莱辛也说:“绘画要选择最富于孕育性的那一顷刻,使得前后都可以从一顷刻中得到最清楚的理解。”②因此,水彩画选择的瞬间形象,应当是事物发展与人的感觉的顶点,因为顶点就意味着止境。莱辛认为:在一种激情的整个过程里,最不能显出这种好处的莫过于它的顶点,到了顶点就到了止境,眼睛就不能再朝远处去看,想像也就会停止了。水彩画画出这人世间的瞬间物象,它又被圈定下来,显示出人世间事物的永恒。
其三是以静止显动态。水彩画是静止的艺术,但它却通过静止的画面表现动态性特征。例如大海的波涛在画面上是静止的,但它却显示出动态的汹涌之姿;蓝天上的白云也是静止的,它也显示出不断飘动的意象。
由此可见,水彩画正是通过以平面显立体、以瞬间显永恒、以静止显动态的辨证统一的艺术手法,来实现它的集中性的。
b.形象的多样性
水彩画的绘画形象,也是多种多样的。它既有人物形象,又有动物形象,还有景物形象、器物(静物)形象,具体可分为肖像画、风景画、风俗画、静物画、动物画、宗教画、历史画、壁画、年画、儿童画等各种形式。
而且更为重要的是,在这些形象之中,还饱含着画家深刻的思想与深厚的情感。也就是说,水彩画的形象,是主观与客观的有机统一,也是形与意的有机统一。例如一幅蓝天大海的风景水彩画,其形象是碧海、蓝天、白云、海鸥、帆船等等,而在这些形象的背后,又透出画家对自然景色的喜爱之情与渴望飞向更广阔的天地的向往之心和理想之趣。
由此可见,水彩画的形象,是多样的,这种多样性,既表现在物象本身的多样性,又表现在物象之外的多样性,即所谓“象外之象”、“画外之画”。用我国传统的绘画理论而言,就是“诗中有画,画外有诗”。
因此,水彩画的学习与创作,都要仔细品味、认真揣摩、全面把握由形象性所形成的这种“味外之旨”、“弦外之音”、“画外之蕴”。
c.风格的写实性
水彩画作为西方绘画的品种,属于写实主义范畴。从美学原则与艺术精神的视角考量,它是受西方传统美学原则与传统艺术精神所制约的。正如当代著名美学家彭吉象先生所概括的那样:“中国传统美学强调美与善的统一,注重艺术的伦理价值;西方传统美学则强调美与真的统一,更加重视艺术的认识价值。中国传统美学强调艺术的表现、抒情、言志;西方传统美学是强调艺术的再现、模仿、写实。我们从中西美学史上可以发现,‘模仿说’是古希腊美学的普遍原则,亚里士多德以模仿的基础建立起的《诗学》体系,在欧洲雄霸了两千年。而‘表现说’则成为中国先秦美学的核心,‘言志’、‘缘情’是我国诗论重视表现的最早见解,在情与理的统一中,将‘天人合一’的审美境界作为最高境界。”③
作为写实主义风格的水彩画,主要通过明暗处理与焦点透视来得以具体体现。通过光影与明暗的不同,通过近大远小成比例的焦点透视法,来加强其真实感。
d.色彩的独特性
水彩画的艺术特色,主要体现在它色彩的独特性上。正如马克思所说:“色彩的感觉是一般美感中最大众化的形式。”④水彩一的灵魂是水彩,它是用胶水和颜料等调制而成的,作画时用水溶解于纸上,利用画板的白地与水分互相渗透等条件,表现出透明感,具有轻快、湿润等特殊效果。既不同于油画的油质色彩,也不同于水粉画的用水调合的方法。一言以蔽之,水彩画色彩的独特性,就在于它具有“水彩味”。
注释:
一、从“色彩偏见”到“色彩解放”
――色彩演变的文化内涵
在上千年的西方艺术中,人们对色彩的认知经历了从“偏见”到“解放”、从“客观描绘”到“主观表现”的文化演变。这种演变恰恰体现了西方艺术史由“再现”向“表现”、由“传统”向“现代”的跨越,具有时代性的文化意蕴。
西方传统文化艺术的发展源于公元前6世纪的古希腊时期,并在16世纪的文艺复兴运动中达到了辉煌。从古希腊哲学家亚里士多德的“模仿说”到文艺复兴奇才达・芬奇的“镜子说”;从关注解剖学的研究到对透视学、明暗学的掌握,皆有力地推动了西方写实艺术的发展,体现了追求真实与和谐的艺术审美准则。
西方传统艺术在面对色彩问题上也形成了独特的色彩法则,而这种色彩法则无疑是带有一定偏见性的。一方面,人们认为在绘画中素描永远是第一位的,色彩只是素描的一种补充。另一方面,色彩的选择应以表现事物的自然属性为准。在以“客观地再现自然”为宗旨的传统审美准则中,色彩是否自然逼真无疑是评价艺术作品优秀或粗制滥造的永恒标准。
西方传统艺术大师在色彩的运用和选择上,也时常体现出这一倾向。文艺复兴的达・芬奇、丢勒、曼坦纳等人的艺术都以素描为主,色彩仅处于辅助和从属的地位。米开朗琪罗在面对雕刻和绘画艺术时,曾说“雕刻是绘画的指导,前者是太阳,后者是月亮”。可见,他更偏爱线条而轻视色彩。19世纪法国古典主义大师安格尔认为色彩应服从于古典,并称“素描才是艺术的真谛”。德国古典美学家伊曼纽尔・康德在1790年出版的《判断力批判》中也对色彩做出了评价:“色彩自身决不能使画更美。”这些都似乎向色彩下达了最后的判决书,“色彩这个结构的仆人,构图的随从,从此只能待在厨房里了”。①当然,,在西方传统艺术中,还有众多的色彩大师,如波提切利、提香、维米尔、庚斯勃罗等在色彩革新的道路上勤奋探索。
西方艺术史上对色彩的解放完成于古典艺术向现代艺术转换的时期。当时的先锋派艺术家以自己的理论和实践逐渐改变着人们对色彩的认识。浪漫派大师德拉克洛瓦提出,画家应“放弃一切现有的色彩”;印象派画家让我们体味到了大自然的纯色组合;塞尚潜心研究、探索出“色彩造型”的方法,色彩取代了线条和素描的地位,成为绘画的第一构成要素;高更在1888年也清晰地感受到色彩的表现力,称“色彩能够作为一种密码来传递信息”;梵高更是借助色彩表现内心精神世界的一位高手。1905年的法国秋季沙龙展上,以马蒂斯为首的野兽派艺术家郑重地把解放了的色彩展现在世界的面前,色彩终于成为艺术王国里的自由公民了。
从“色彩偏见”到“色彩解放”,再到后来出现的“色彩至上”,人们对色彩的逐步认知体现出不同时代的文化特性,西方艺术中色彩“身份的转变”不但标志着现代派艺术的粉墨登场,而且体现了色彩自身的潜在能量。色彩就像是一个先锋家和鼓动者,不断地挑战着人类审美文化与艺术表现的边界。
二、用色彩体味人生、诠释情感――深化色彩的人文关怀
当色彩的功能从再现转向表现,从真实模写转向情感表达时,色彩也开始逐步与人的情感、精神联系到一起。在艺术的世界里,色彩可以承载艺术家的情感冲动、心灵体验甚至神秘的幻想。这极大地丰富了色彩的性格和表现力,深化了色彩的人文关怀和文化内涵。
约翰・拉斯金曾说,“最纯洁、最有创见的人是那些最热爱色彩的人”。的确,西方现代艺术大师大都是色彩表现的高手,在他们的艺术图谱里,色彩的力量总是最动人心魄的。
荷兰画家梵高擅长运用纯色表现内心最深处的痛苦和激情。纯粹的黄色是梵高艺术图谱中的经典用色,著名的《向日葵》正是其黄色画风的代表。黄色的向日葵被梵高赋予了一种神秘的精神力量和永不褪色的光辉,这满眼的金黄色既是他热爱生活、对艺术执著追求的写照,又是其苦难生命体验的缩影,体现了他人生全部的理想、热情、痛苦和挣扎。
此外,梵高还经常运用对比强烈的互补色作画。《夜间咖啡馆》《星・月・夜》《乌鸦群飞的麦田》等皆体现了某种恐怖、不安的心理暗示和与命运搏斗、抗争的精神力量。
表现主义艺术的国际先驱者、挪威画家爱德华・蒙克也是一位用灵魂作画的艺术家。蒙克常常通过画面中强烈的、充满主观情感的色彩来表现内心深处的痛苦和郁闷,将自己的生命体验融入在血红和黑色的斗争之中,从而获得精神上的慰藉。正如美国艺术评论家约翰・拉塞尔在《现代艺术的意义》中所说:“蒙克在色彩的运用上给我们上了一课,不仅如此,他还教导我们要热爱自己的经历而不要害怕它。”②
现代艺术大师、野兽派领军人物亨利・马蒂斯把色彩的表现力发挥到了极致,这些丰满、充满个性的色彩是艺术家“对生活的提炼,而不是对生活的模仿”“对于色彩谁也没有他懂得多。因此他所说的话对我们影响很大,还有他所描绘的大变革现在看来是不可避免的”。③
在这些“色彩专家”中,还有一位不能不提,他就是抽象派艺术大师瓦西里・康定斯基。在绘画中,他把“调色板上色彩的感觉变成各种心灵的体验”④,力图“触及人类的灵魂”。同时,康定斯基相信色彩有其独特的生命意义。例如,他在1910年写的《论艺术的精神》一书中认为,黄色是人类的世俗,代表着大地;蓝色是天空色,代表着高贵和升华;绿色是平静、自我的满足;红色与绿色相对,它是前进运动的力量;紫色意味着衰败和枯谢;强烈的黄色象征着活泼好斗;橘黄色像教堂的钟声一样清脆响亮;白色代表着一种虚无,犹如生命出现之前的冰河时期;黑色则意味着死亡,是无生命的沉寂……
西方现代派艺术大师精彩的色彩观体现出独特的人文关怀和魅力,是艺术家自我表现意识觉醒的象征。
三、色彩包含的跨文化因素――拓展色彩的文化张力
随着时代的发展,艺术创作中色彩的跨文化性研究越来越受到重视,这对于发掘色彩内涵、拓展色彩的文化张力具有重要意义。关于色彩的跨文化性因素,笔者认为,可以从以下几点窥视。
(一)色彩体现科技含量。人类对色彩的认识经历了从“无法”到“有法”再到“无法”的跨越。伴随着西方第二次科技浪潮的洗礼,光学、色彩学的进一步发展促进了印象主义、新印象主义艺术的生成;各种色彩理论体系的建立和对“原色”与“补色”关系的研究使艺术创作有时更像是一场科学试验;照相、摄影技术的出现使艺术家面临前所未有的忧患感,进而催生了表现主义、抽象主义艺术的发展……这一切都显示了色彩与科技的相互影响、融合。
(二)色彩包含宗教内涵。众所周知,在人类的文化史中,艺术与宗教几乎是同时出现并紧密联系的。色彩在宗教艺术、宗教仪式及巫术、神学活动中起到重要作用。如早在原始社会的祭祀、巫术礼仪活动中,原始人就用红色、土黄等强烈色调涂抹身体和祭祀物品。原始人认为红色是血与火的代表,象征生命和温暖;黄色则是土地的象征,象征归于尘土的朴素想法。在欧洲中世纪艺术中,色彩斑斓的教堂彩色天窗给人以更接近天堂的宗教冥想。
(三)色彩辅助心理治疗。色彩能够作用于人的生理及心理已经成为不争的事实。人们通过实验发现“按照蓝色、绿色、黄色、橙色、红色的顺序照射被试者的时候,被试者的肌肉弹力显示出增强的趋势,同时,被试者的脉搏也会相应的增强”⑤。这就说明亮度强、饱和度高、振动波长较长的颜色如红色、明黄色等能够令人兴奋;相反则会让人产生舒缓或者抑郁的心理变化。随着时代的发展,将艺术引入心理学及医学的治疗,已经成为一种新型的治疗方式,并催生了“艺术治疗学”的发展。色彩在艺术治疗中起的作用也日益受到人们重视。例如让小脑受损、平衡感破坏的病人穿上绿色衣服辅助治疗其头晕、走路失衡的症状。色彩具有的心理学暗示也在生活的方方面面发生着作用,如人们常常在餐厅悬挂些色彩明快的艺术作品,起到促进食欲作用;早教课堂上,给婴幼儿更多的色彩刺激,以促进婴幼儿大脑神经的发育等。
可见,色彩体现出的跨文化性内涵使人们对色彩有了更为全面的认识,拓展了色彩的文化张力。
最后,让我们用约翰・拉斯金对色彩的精妙描述体味色彩的文化内涵。“色彩能在人心中唤起永恒的慰藉与欢乐;色彩在最珍贵的作品中、最驰名的符号中、最完美的印章上大放光芒。”⑥
注释:
①②③约翰・拉塞尔.现代艺术的意义[M].北京:中国人民大学出版社,2003:30,62,31.
④毕加索,等.现代艺术大师论艺术[C].北京:中国人民大学出版社,2003:84.
不同人群对室内的要求各不相同,对家具、物品的款式、色彩及摆放位置各不相同。例如:年轻的女孩比较钟爱粉色系小清新的家具;而老年人群体比较倾向于沉稳复古风的家庭陈设。同时,不同的室内空间有其特殊的功能作用,在对其进行色彩搭配时,也应根据其特征和作用进行色彩的选取。例如:客厅作为待客区,应选择比较柔和沉稳的色彩,而卧室则可以选择与床罩、梳妆台颜色相搭配的色彩。室内设计艺术中,对色彩进行合理运用,能够协调室内的整体环境,凸显整体特色,为整体加分。例如,当室内光线过于明亮时,可以采用偏冷色调的墙纸或墙漆,使室内整体变得柔和,不至于因光线太刺眼使人感觉不舒适,同时,对室内家具等物品也可以选择偏冷色系,与背景色相搭配,使整个空间给人柔和明亮之感。
2.体现创意和个性
对室内空间进行不同色彩的设计和搭配,凸显主人或者设计师的个性和创意。例如:整个室内空间只应用一种色彩,如绿色。整个墙壁和天花板全部贴上淡绿色的墙纸,墨绿色沙发,湖绿色地板,粉绿色窗帘,芽绿色书柜等,整体给人一种宁静祥和之感。绿色系体现出主人或设计师平和安宁的个性;以蓝色系为主表现出主人或设计师理性沉稳的特点;以黄色为主色调呈现出轻松明快的的个性特征等。对室内色彩的不同选择和搭配方式表现出设计者不同的创新和性格特征。用一句话说便是“见其室内设计如见人”。
3.影响情感情绪
室内空间的色彩将会对居住者的情感情绪产生影响。因为人们眼睛在接收外部色彩刺激后,会在大脑内发生反应。不同颜色的光对人眼进行刺激,会触发人体不同的感觉系统。人们长时间处于某种色彩的空间中,会不自觉受到色彩所赋予的情感色彩所影响。因此,卧室的色彩应尽量柔和平静,以保证舒适的睡眠环境;而在自主火锅店,一般采用鲜艳的大红色,营造一种紧张气氛,使顾客食量变小,加速顾客的离开速度。
二、室内设计艺术对色彩运用的基本要求
1.协调室内环境
室内设计艺术对色彩进行运用时应使其与室内整体环境相协调一致,这样才能发挥色彩运用对室内设计艺术的功能和作用。不协调的色彩,将会与室内其他陈设相冲突,使整体变得杂乱无章,没有条理性。影响人们的审美享受,而且将影响居住者的情感情绪,使之变得焦躁不安、烦躁郁闷,久而久之,很可能危害居住者的身心健康。2.协调室外环境室内的整体设计,色彩的选择和搭配应该与室外环境相协调,这样给人一种和谐自然、无缝过渡的美感。室内艺术设计风格应与室外环境形成一个整体,统一而和谐。例如:在室内放置一些植物,种一些花花草草,装饰和点缀室内环境,使居住者生活在室内也能与室外环境相接触。另一方面,针对室外环境的特点,如室外古木参天,郁郁葱葱,室内在设计时可以尽量选择森林系的风格。
3.色彩之间搭配协调
在室内设计中,协调色彩之间的关系,正如协调人与人之间的关系一样。并不是所有的色彩都能任意组合搭配,即使是多种色彩混合搭配的色彩搭配方式,也应遵循一定的原则。协调的色彩搭配能够给整体一种统一感,使整个室内空间显得和谐。例如:如果背景色为深色调,则家具等陈设也应选择相应的深色款式,可以选用暗色的灯光,使整个空间呈现出沉静、平和、稳定之感。
4.以人为本
一、笔墨、色彩的表现形式
笔墨再浓重也不过是一种表达方式,其核心的还是心象。“取物之表象,心表于迹也。”中国画从来不似西方的素描油画,把实景实图原原本本地绘画出来,而是通过简单的几笔,将画者内心对实物所要传达的感情描绘出来。由此可见,在中国画中,心象是灵魂所在。景不难画,难画的是情。笔墨绘出的是中国传统文化的演变,而心象则绘出了中国传统文化的内涵,因此在笔墨的挥洒间更应该注重情的投入,令情景得以交融。对于心象而言,笔墨更多的是点睛之笔,能更好地把自身思想传递出去。笔墨的钩转变化能带来迥然不同的风景,为心象的表现赋予了无限的遐想。心象所幻化的风景再美,也离不开笔墨的出色。一幅好的画作,纵使所表达的情义再深厚,没有好的作画功底把情感表达出来也是枉然。因此,心象也离不开笔墨的底蕴。中华5000年的历史长河让笔墨早已形成了体系,拥有不同的风采。其实这不过是在表现技巧上的不同罢了,就如同书法中的“逆锋起笔回锋收,且有顺折各千秋”,就是通过下笔的轻重缓急让字呈现出多种风格。而画作也一样,浓淡晕实皆成风景,层次的起落加上留白的遐思令画作更富有意境。
二、笔墨、心象的审美
笔墨、心象因画者的不同,所表现出来的风景也不相同,唯一相同的便是其表现出了当代的哲学。如唐朝贞观之治期间,画作多不胜数,但是仔细观察其人物的衣着服饰或者景物的几抹淡笔,便不难看出唐朝的繁华与民风的开放。虽然画者在成长过程中或多或少会受到周围景物、人文的影晌,但是其所处的时代环境以及表现出来的政治哲学是无法改变的。一个时代的审美已经不知不觉从画作中反映了出来,其独立性从不会受画作风景的变化所影响。如:民间木版年画的艺术创作,以线的造型为创作基础,再以各种色彩来充实造型,线为骨,色为肉,色正其形,骨肉丰满。木版年画的制作过程中,其线条粗细运用得当,能够恰到好处地表现出木版年画的主题。木版年画艺术创作多是以阳刻为主,兼以阴刻,运用黑白以及疏密对比的表达手段,以体现刀刻意蕴、木质趣味的自然审美效果,以及古朴稚拙的传统艺术创作风格。但是,木版年画更为突出的是其鲜艳、明快、单纯、强烈、清新又饱满的色彩,这使得木版年画的创作主题更为鲜明突出。民间木版年画的色彩既有单一性又有多样性,其经过长期的发展历程,汲取了传统绘画艺术,尤其是工笔重彩的人物以及宗教绘画的技法,并且还保存了民间艺术中崇尚原色、明快、鲜艳的色彩特点,逐渐形成了独属于自己的风格特征。木版年画的色彩遵循着“新鲜中人意”的创作原则,并且根据不同地区人民的不同喜好,以及风俗、审美等多个方面来进行色彩的选择。一般情况下,木版年画多采用原色来进行创作,以红、黄、医三原色以及黑白关系的色彩为创作基础,高纯度的色彩搭配明朗、鲜艳的色彩,对比鲜明,其吉祥、喜庆的气氛与年画的用途相得益彰。“色多不繁,色少不散”,是民间年画用色的口诀,这句话的意思是要巧用色彩,把握好用色的规律与变化秩序。木版年画色彩的运用以及套印,以平涂为主要施色技法,在有限的色内力求套印出丰富的色彩艺术效果,运用色彩块面大小进行排列,使木版年画的色彩创作既对比鲜明而又极富和谐美感。木版年画的色彩运用具有浓郁的民族地域特色,浓艳、鲜明的色彩有着热情、红火而又朴实的情感。木版年画多用高纯度与高明度的原色,与造型的黑线相呼应,或者是在黑线造型的基础上用色彩进行渲染,使画面显得高雅飘逸。总之,用色的搭配要讲究和谐之美。
作者:谭立 单位:秦皇岛市群众艺术馆
1.改变室内环境单调呆板传统,增添审美意境
单调的环境总会给人无趣、呆板、枯燥的感觉,处在这样的环境中,人们容易产生厌烦心理。因此,室内设计艺术中对色彩进行搭配和运用,创造出新颖有趣的室内环境,是室内设计艺术中常见的手法。在室内合理搭配色彩,创造出丰富多彩的空间,即美化室内环境,又可以增加审美情趣。中央电视台有一个叫《创意空间》的室内设计节目,邀请两位设计师分别对两个家庭的房子进行设计,设计之前,室内都显得非常单调,而经过设计师“妙手回春”式的设计,设计后的室内环境变得生动活泼、美观起来,非常具有审美享受。
2.协调整体
不同人群对室内的要求各不相同,对家具、物品的款式、色彩及摆放位置各不相同。例如:年轻的女孩比较钟爱粉色系小清新的家具;而老年人群体比较倾向于沉稳复古风的家庭陈设。同时,不同的室内空间有其特殊的功能作用,在对其进行色彩搭配时,也应根据其特征和作用进行色彩的选取。例如:客厅作为待客区,应选择比较柔和沉稳的色彩,而卧室则可以选择与床罩、梳妆台颜色相搭配的色彩。室内设计艺术中,对色彩进行合理运用,能够协调室内的整体环境,凸显整体特色,为整体加分。例如,当室内光线过于明亮时,可以采用偏冷色调的墙纸或墙漆,使室内整体变得柔和,不至于因光线太刺眼使人感觉不舒适,同时,对室内家具等物品也可以选择偏冷色系,与背景色相搭配,使整个空间给人柔和明亮之感。
3.体现创意和个性
对室内空间进行不同色彩的设计和搭配,凸显主人或者设计师的个性和创意。例如:整个室内空间只应用一种色彩,如绿色。整个墙壁和天花板全部贴上淡绿色的墙纸,墨绿色沙发,湖绿色地板,粉绿色窗帘,芽绿色书柜等,整体给人一种宁静祥和之感。绿色系体现出主人或设计师平和安宁的个性;以蓝色系为主表现出主人或设计师理性沉稳的特点;以黄色为主色调呈现出轻松明快的的个性特征等。对室内色彩的不同选择和搭配方式表现出设计者不同的创新和性格特征。用一句话说便是“见其室内设计如见人”。
4.影响情感情绪
室内空间的色彩将会对居住者的情感情绪产生影响。因为人们眼睛在接收外部色彩刺激后,会在大脑内发生反应。不同颜色的光对人眼进行刺激,会触发人体不同的感觉系统。人们长时间处于某种色彩的空间中,会不自觉受到色彩所赋予的情感色彩所影响。因此,卧室的色彩应尽量柔和平静,以保证舒适的睡眠环境;而在自主火锅店,一般采用鲜艳的大红色,营造一种紧张气氛,使顾客食量变小,加速顾客的离开速度。
室内设计艺术对色彩运用的基本要求
1.协调室内环境
室内设计艺术对色彩进行运用时应使其与室内整体环境相协调一致,这样才能发挥色彩运用对室内设计艺术的功能和作用。不协调的色彩,将会与室内其他陈设相冲突,使整体变得杂乱无章,没有条理性。影响人们的审美享受,而且将影响居住者的情感情绪,使之变得焦躁不安、烦躁郁闷,久而久之,很可能危害居住者的身心健康。
2.协调室外环境
1在室内环境艺术设计中色彩的解读
色彩所处环境不同其变化也大不相同,色彩在应用方面要结合节气、室内空间布局、光线照射程度、住户的性格和心情等,以上每一点都决定着色彩的搭配和使用。色彩的呈现过程较为复杂,其使用不仅是对室内起点缀作用,还作为室内协调整体布局的作用。
1.1色彩的基本概念
在室内环境艺术设计中,色彩作为室内整理的协调者,每个人对色彩的搭配和使用都有独特的见解。因为每个人都具备独特的审美水平,并且喜欢的颜色各不相同,因此,室内设计师在进行室内设计时首先要与住户协调好,以住户对色彩的要求为基础进行设计。同时要结合色彩三要素进行搭配,只有处理好色相、明度和彩度之间的关系才能够设计出完美的室内环境。设计者结合不同的房间进行不同的色彩搭配,室内的一切物体都需要色彩的渲染,只有将室内中的每种物体都与色彩进行完美结合才能够设计出独特的室内环境,这种室内环境不仅能够为人们提供舒适的视觉感受,还能够满足人们精神上的需求。色彩设计不但要满足局部的设计需求,还要顾及室内的整体感觉,从局部色彩设计开始,最后再将每个局部利用色彩搭配结合在一起[1]。
1.2色彩的性格
色彩物理属性较为明显,并且在色彩中占有重要地位。例如:不同的季节、时间和光纤所映射在墙壁上的色彩是不同的,再加上不同颜色、材质的玻璃和不同颜色的墙壁都能够产生不同的色彩。色彩的物理属性主要包括光纤、温度和重量等,设计人员在进行室内环境艺术设计时必须针对其物理属性进行设计,使色彩能够被合理运用。色彩还具有较为明显的地域性特征,国家、民族和地区之间都存在多样性,每个国家、民族、地区由于其文化形式不同,人们的审美也大不相同。因此,所处区域不同的人们喜爱的色彩颜色也有很大的区别。例如:在中国,多数人都喜欢红色,因为在中国传统文化中红色代表吉祥;在美国,则喜欢白色的人数占多数,因为白色在美国象征着纯洁;而朝鲜喜欢的色彩比较多样化,因为朝鲜是擅长舞蹈的国家,其服饰上对色彩的要求较高,有多种色彩搭配设计,并且多数为明亮的颜色。每一个民族由于历史文化的不同,其在色彩选择方面也大不相同,因此,设计师在进行室内环境艺术设计时要考虑到色彩的地域性。每种色彩象征的意义不同,不同的色彩代表着不同的情绪例如:红色首先联想到的就是火,也可联想成发怒;蓝色可以联想到大海或者忧郁的情绪;而黄色联想到的是太阳,温暖的颜色可以联想成温柔等。人是联想性丰富的个体,色彩也因此被赋予情绪。因此,在进行室内环境艺术设计时要用心去感受色彩,让色彩发挥出更大的作用。
2色彩在室内环境设计中的具体应用
2.1空间的具体应用
色彩有助于空间的分配,利用人们对色彩的喜爱和色彩对光线的映射能够有效改变实际空间在人们视觉上产生的效果。色彩的合理运用能够将实际中室内空间的限制去除掉,给人们舒适的视觉享受。例如:室内布局空旷可以使用暖色调进行搭配,暖色调给人以温暖的感受,使人们忽视室内的空旷感。色彩能给人带来不一样的视觉和感官感受,其中暖色系具有缩小空间的效果,而冷色调具有扩宽空间的效果[2]。
2.2体现个性的作用
世界上的每个人都具备独特的个性和喜好,每个人都有自己喜欢的颜色,在室内环境艺术设计中对整体色彩的选择也不相同,由其选择的色彩可看出这个人的性格如何。例如:性格比较改良活泼的人通常喜欢较为鲜艳的颜色,在颜色选择上以暖色调为主;而性格较内向、沉稳的性格通常会喜欢暗色系色彩,在心理学中利用颜色来观察人们的心理活动是最常见的方式,室内环境设计师也应具备这种技能,便于在于住户交流想法时更容易观察出住户的性格和色彩搭配喜好。
2.3调节室内空间光纤的强弱
色彩对光线的反光效果较强,颜色的不同其反光效果也不相同,因此,可以利用室内色彩的选择来调节室内环境光线的强弱。颜色越鲜艳、越亮的反光效果越强。如果想加强室内环境光纤,可以将亮色调作为室内主色调;如果室内环境的采光不太好,设计师可以适当的使用较亮的色彩作为主色,以此来增强室内的光纤强度[3]。
3结束语
色彩的选择和运用在室内环境艺术设计中是最为关键的一个步骤,设计师要根据其特性进行合理的搭配和运用,使其能够与室内环境完美结合。在进行色彩的选择时必须结合室内的构造、光线、健康、经济等室内环境,同时要符合住户的审美要求,还要让住户感受到居住的舒适感。设计师在室内环境艺术设计中最应该具备的就是色彩搭配能力。设计师在设计时要结合前人的设计经验,然后结合实践经验,熟悉色彩在物理上和心理上的变化,设计出最合理的色彩搭配。
参考文献:
色彩是高校艺术设计类专业的必修课,对培养学生的色彩观察能力和色彩表现能力起着主导作用。色彩作为艺术设计类专业基础课,对其提高艺术审美修养与审美判断能力,激发学生色彩的创造性都是至关重要的。
二、色彩教学现状及问题
1.传统绘画写生色彩教学
传统绘画写生色彩教学是先学习色彩基础理论知识,再以色彩写生实践为主进行传统的静物写生训练,这种教学模式很容易引导学生进入纯绘画的领地,而对引导学生色彩形象表现的多样性和对色彩应用功能的训练不够,导致教学目的实现形式单一,不能充分调动学生对色彩表现的主观能动性,对学生今后的设计起不到指导性作用。
2.现代设计色彩教学
设计色彩不同于绘画色彩,它需要强化学生的色彩构思和创意性思维能力,同时要充分发挥学生的主观能动性,通过色彩训练,融入设计意识,打破狭隘的色彩观念,这样要求学生具备较强的色彩表现能力。由于近几年艺术教育的大众化,部分学生美术基本功不强,如果盲目要求学生进行设计色彩的训练,将使学生不知所措,相反会更加茫然,达不到预想的目的。
三、色彩教学模式的探讨
通过多年的教学实践,笔者认为,艺术设计专业的色彩基础教学,应在重视色彩基础理论知识与写实色彩一般表现形式的基础上,针对专业特点和学生实际能力,由浅入深、循序渐进地结合人的主体色彩意识传达,并吸收各种表现形式,着重研究设计色彩的认识表现及应用,帮助和引导学生逐步构建一套较为实用的色彩体系,并给予宽泛而自由的色彩语言选择,来表达自身的审美情感和富于个性的创造性的色彩设计思维空间,着力培养和提高学生的色彩素养与设计色彩的原创性审美能力。基于这种认识,笔者认为色彩课程教学可按以下三个模块来进行训练。
1.写生色彩训练
写生色彩是指通过写生来研究色彩的规律与方法,了解物体在光的作用下产生的变化规律,从物体的形、色、光等因素中探寻色彩的本质规律。色彩是绘画中十分重要且富有魅力的艺术语言;色彩写生是再现自然、再现生活的非常有效的艺术表现手段。通过色彩写生,能提高色彩的分辨能力和使用色彩造型的能力。
写生色彩教学中强调色彩三要素的原则,强调色彩的冷暖对比和物体在特定光源下受光与背光不同的色彩变化,强调在相互比较中建立色彩的整体关系。注重色彩的色相、明度、纯度、冷暖的差别,注重在色彩弱补色对比下的微妙变化,强调画面的色彩意识和整体的色彩气氛,培养学生正确的、整体的表现方法。整体的观察表现方法永远是写生色彩训练的重点与核心,训练中应时刻提醒学生坚持并遵循这一方法,不断改正与整体观察方法相对的习惯认识,巩固整体观察的概念,规范整体观察下的作画程序。整体观察的方法其实就是一种紧密联系的相互比较的方法,写生色彩的整体观察方法仍然要遵循色彩三要素的原则,在比较中确定它们的色相、明度与纯度,在比较中产生冷暖关系。
写生色彩训练,一般以静物为主,静物在造型、色彩、质地等方面都有非常丰富的变化。写生中画某个具体物体时不要只盯着这个物体看,还应该着眼于它周围的东西上,用眼睛的余光去感受要画物体的色彩关系,眼睛始终在整个色彩环境中巡视。写生色彩除了训练学生整体的观察方法,还要训练学生整体的表现方法及表现技巧,更好地为下阶段的训练打好基础。
2.归纳色彩训练
归纳色彩是通过写生的方式,在写实色彩的基础上,面对同一组静物,以归纳为表现手段,进行概括、提炼的实践过程。归纳色彩训练侧重表现客观色彩的主观感受,通过对形与色的提炼、概括,使画面形成丰富而现代感的装饰效果。概括与提炼并不是以减少色彩为目的,原则上尽可能保留各种色彩的一席之地,保全色彩的丰富性,只减弱一些极其微弱不起什么说明性作用的小部分色彩的种类和数量。
归纳色彩将复杂的色彩关系通过概括、提炼、归类等方法进行删繁就简的处理和组织,传统写生色彩要充分表现客观物象的固有色、光源色、环境色属“加法”练习,色彩归纳写生是在做“减法”,但并不是简化,而是一种艺术语言上的以少胜多。
归纳色彩的表现特征是化繁琐为简约、化杂乱为条理、化写实为夸张、化立体为平面,它能有效地培养学生对色彩进行深层次的认识,同时培养和启发学生对色彩装饰性的领悟与兴趣,从中也可看到画面已向二维方向转化,向设计表现方式转化,为日后走向设计奠定基础。常见的归纳方法有写实性归纳、平面性归纳、意向性归纳等。
3.装饰色彩训练
装饰色彩是在自然色彩的基础上运用概括、提炼、想象、夸张后形成的色彩,在视觉中它是最活跃、最具冲击力的。它不以模仿、再现真实事物为满足,它不依附于规律,而是对自然界色彩的一种整理、归纳和概括,并按照美的法则和主题需要,对色彩进行变色、变调的加工,强化主观感受,力求创造出某种特定的艺术氛围和效果,使色彩成为反映设计者审美观点和设计意图的强有力手段。装饰色彩往往带有理想化倾向,以象征的手法,明确、清晰地概括和表现自然,画面所营造的装饰性色彩改变了客观物象所显示的颜色,给人以启示性的感受。
写生色彩重模仿,重视视觉在感官上的外在形式和特征,关注光、色、体在视觉上的真实性,具有客观表现的特征;装饰色彩则重直觉、重表现、重味觉触觉在心灵感知上的内在形式与诗意表达,它十分注重形与神、色与意的多重关系,具有主观性的特征。
装饰色彩着重于发现和研究自然景物色彩的形式美,研究自然色调中各种色相、明度、纯度、冷暖之间的对比、谐调规律,它不受光源色、环境色和固有色的束缚,完全根据画者的主观意识和需要来表现色彩的色调、冷暖及色彩之间的相互配置与变化,使画面达到和谐、优美、统一的效果,从而揭示色彩艺术的普遍规律。装饰色彩常用的表现方法有概括与提炼手法、夸张与变形手法、分割与勾线手法等,教师在教学中可根据学生具体情况和专业特点来进行大胆的想象和创造。
总之,色彩训练对艺术设计专业的每个学生来说都是非常重要的。艺术教育中色彩教学的研究也是一项复杂而系统的工程,不可能一蹴而就,教师应根据学生不同的专业特点来具体研究色彩教学的方法,寻求理想的教学模式。
参考文献:
[1]马也,仇永波.色彩基础.辽宁美术出版社,2005年.