美术与设计论文模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇美术与设计论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

艺术史上,绘画有着多种品类和样式。大致列举如下:

岩画 即绘制或凿刻于岩石上的图画。原始人在岩壁上刻下他们的信仰和种种生活印迹:狩猎、游牧、战争、反映生殖崇拜的男女交媾、怪异的人头像、手印、蹄迹……中国岩画分为南、北两大系统,南方岩画多是用颜料绘上去的,北方岩画则多是凿刻出来的。

漆画漆画是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺,战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地,有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器,花纹工细,有的漆奁描绘舞乐、狩猎情景,富有生趣。湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件,纹样精致,线条流利,状态生动,其中漆盂是现存唯一的秦代漆绘作品。

水彩画顾名思义,就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。狭义而言,水彩画是指用水彩颜料,以水为稀释媒介,在纸张上作画的绘画方式。通常有透明水彩(Transparent Watercolor)及不透明水彩(/Gouache)两大领域。随着科技的进步,新的绘画材料的生产,20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。举凡能用水稀释作画的材料,如Gesso、压克力、透明水彩液、水彩铅笔,都包含在水彩画的领域之中。

水粉画是以水作为媒介,这一点,它与水彩画是相同的。所以,水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是,它没有水彩画透明。它和油画也有相同点,就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是,油画是以油来作媒介,颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然,由于水粉画是以水加粉的形式来出现的,干湿变化很大。所以,它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明,通过深色对浅色的叠加来表现对象,而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。

工笔画在我国的传统绘画中,工笔画发展的历史非常悠久。从战国时期绘制的帛画,到唐宋艺术家的经典巨作,可以说,中国传统的工笔画,在上千年的时间里,从稚嫩逐渐走向成熟。元代以后,随着文入画的兴起,中国工笔画开始走向低谷,甚至被贬低为工匠的描摹之作,难登大雅之堂。直到20世纪80年代,工笔画在经历了几百年的沉寂后,开始逐渐复苏,并以前所未有的全新姿态迅猛发展。当代工笔画的复兴,体现了古代艺术传统的不断延续,同时也显示出了中国画艺术的新生和希望。

在中国画发展的历史长河中,工笔画以它刻画精细、传神,富有抒彩的艺术面貌而独树一帜。它的源头最早可上溯到战国时期的帛画。到了隋唐、两宋,大量画家、大批作品的涌现,使工笔画走入了发展的第一个高峰。然而此后不久,文人画逐步兴起,精描细写的工笔绘画,被看做是工匠的描摹之作,受到讥讽与贬斥。

中国工笔画随即走入了千年的沉寂。

装饰画装饰画是一种并不强调很高的艺术性,但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。装饰画以制作方法进行划分:印刷品装饰画、实物装裱装饰画、手绘作品装饰画等;以材质进行划分:油画装饰画、木制画、摄影画、丝绸画、编织画、烙画等。

拼贴画就是打乱时间序列,整体呈“心理结构”,局部仍用“传统写法”,巧妙剪辑、拼贴各个“画面”的一种新技法。它实际上是所谓“意识流”作品的一种“变体”,是“心理线”和“故事线”的一种拼贴、交错,比较适宜于表现时间跨度大、空间变换多、思想容量丰富的题材。

篇2

云，可说是与人类生息攸关的自然景象。历代的文学家与艺术家无不对其倾之以情。我国浪漫主义诗人屈原在《九歌》中以“灵连蜷兮既留，烂昭昭兮未央……横四海兮焉穷”的诗句，形象地描写了云彩的旖旎壮美，留连婉转，却又无所不往，具有飘忽无常的形态。在中国山水画中，云的形象多不胜数。而我国传统吉祥文化中的“云纹”则作为一种独特的造型语言流传至今，经过数个世纪的演变，以其特有的形式美与象征意义逐渐沉淀成一种代表大众视觉记忆与审美尺度的丰富视觉遗产，影响着现代设计观念。

一、“祥云”的起源与演变

与中国传统吉祥文化一样，“云纹”源流颇深。原始拜物思想和图腾观念为其产生奠定了思想基础。在原始社会，中国先民崇拜天文，视山河为神灵。远古传说“云神司雨”，雨与五谷生长关系密切，人们为此而进行了各式祈求保佑、消灾降富、庇护生产和生活顺利的祭祀活动。作为祭祀活动的工具，图腾明显地寄托了中国先民避凶趋吉，追求幸福生活的愿望。于是，能给人带来吉祥如意、风调雨顺的“云纹”（祥云）开始产生。它最初多与其它的“神灵”一起出现，如萦绕在“龙”或“凤”的四周，与“飞天”一起飘逸流动，与“天马”一起奔跑。此时的“祥云”常常被作为一种辅助图形出现，造型流畅，多采用适形手法。WWW.133229.CoM它有时出现在图腾的边缘四周或中心部位;有时也作为背景，布满整个画面。随着吉祥文化的进一步发展，象征着福、禄、寿、喜等其它含义的形象也与“祥云”结合在一起。如“五福同寿”、“龙凤呈祥”、“四海同天”、“麒麟送子”、“一品当朝”等。

在民间剪纸、风筝、宫灯、官服、印染、雕刻等作品中，“祥云”比比皆是。并且“祥云”的图形已逐渐失去了“图腾”的特点，开始变得抽象，形象更加饱满，其形状或由几条弧线婉转勾画而成，或以回纹组合而成，或作带状，或呈对称形。造型饱满、流畅，婉转的线条更加优美，形象更加生动，荡漾出一种抒情、浪漫之美。唐末五代至清，“祥云”已成为中国社会各阶层寄托理想、心愿和情感的重要形式。直观的形象和深长的意味，使其不仅上达宫廷大内，王侯朱门，还下至市井瓦舍，茅屋柴扉，显露了独有的艺术感染力和生命力，并流传至今。

二、“祥云”的现代价值与运用

随着社会的进步和科学的发展，人们已逐渐脱离了对包含“云”在内的自然界及各种自然现象的崇拜与迷信，但对“祥云”所传达出的传统文化气息依然爱不释手。于是现代设计师们将“祥云”作为一种造型语言，经常地运用于自己的作品之中。

“祥云”作为一种符合大众视觉经验的传统文化的图形符号，很容易与公众产生情感上的共鸣。而其本身所蕴含的文化意味又极易被公众解读，于是对“祥云”的再借用与再创造便成为常用的手法，而这种再借用与再创造，并不是简单意义上的生搬硬套，而是对其造型形式美的再发掘与文化精神的再延伸与深化。以“祥云”在现代标志设计中的运用为例，我们完全可以得到以上结论。

清华大学美术学院的陈汉民教授曾撰文指出:标志是传达信息最精炼的形象语言，形简而意赅。现代标志设计常以意造型、以形达意。“祥云”与现代标志的结合，不是简单意义上地靠组合形象元素完成，而是凭借多种表现技巧获得。适形造型、平面置换、虚实相生、同构重组就是一例。图1作为房地产公司的标志，以绿色作为永恒的主题，蓝天白云、自由飞翔的小鸟与茂盛的花草，成为该标志的主要构成元素。诸多元素的组合，正是利用适形造型这一处理手法，将各造型元素相互穿插，相互适应，使之形成一个完美的具有浓郁民族特色的造型，体现了人与自然的和谐及人对自然的保护。在这里，“祥云”已经被抽象成标志整体不可分割的一部分。而图2则另辟蹊径，将cis中的“c”、“s”两个字母整体幻化成“祥云”的图案，与“i”化合成华表造型，同时整体图形又像“中国”的“中”字。云纹的回旋婉转与中间的两横三竖形成曲直对比之美。此处的“祥云”则是随形而想象，随形而设计。

现代标志设计不是抽象绘画，更不是字谜，它是无声的语言，它必须求得观者的共鸣。现代标志设计不但要求图形的完美与新颖，还应追求标志的“一形多意”。其“意”不应是作者强加地“给予”，而应是观者自由地“获取”，是在图形诱导下的“意合”。作为吉祥图案的“祥云”图形，除了具有优美的曲线造型外，历经几千年的文化积淀，已形成了寓意丰富的精神内涵。现代标志设计中“祥云”的出现既增加了标志的信息量，又丰富了标志的内涵。图3是著名设计师韩家英为珠海祖龙居保健品有限公司设计的标志，设计师将“祥云”与传统招牌图形结合，匠心独具，寓意该公司生产的保健品能使消费者保持健康，并给消费者带来吉祥、如意。图4是万佛园（陵园）的标志，设计师利用“祥云”为底，反衬一个中国佛教图案“”字符，造型饱满端庄，用“祥云”象征“天”，与“仙风道骨”相寓，隐示了该陵园为仙家之地。“”字符象征轮回、永生，寄托了生者对亡者的追慕之情。而图5为鸿翔风味餐馆的标志，作者构思巧妙，名为“鸿翔”，却不见一鸟一羽，只见“祥云”飘逸，造型生动、神气，既隐示了该餐馆采用的原料均为山珍异宝，又寓意店家的服务将使顾客感到宾至如归，祥和周到。

“祥云”这一具有典雅东方美的传统图案之魂，已渗透了上下几千年，其优美、流畅、饱满、飘逸的艺术形象，美好而丰富的寓意，都赋予设计师们以无穷的创作灵感。总之，“祥云”的造型留给我们的是永恒的艺术魅力，其艺术生命力也将与其生生相息的中国传统文化一起长存不朽。

参考文献：

篇3

二、关于现代字体设计教学中美术字教学的思考

字体设计教学过程中，笔者认为美术字应该融入美感，美术字形式值得研究，下面结合笔者工作实践进行一些探讨。

1、有关基础理论讲解。

理论教学过程中，教师首先要求学生要了解文字即中国历史的文明发展史，认识中国汉字中所包含的审美要求。而美术字的形式感是和其所需表达的内容紧密结合的。绘写时应先从内容出发，对文字内容要进行艺术加工，从而将内容和形式完美结合：生动、概括，非常突出的表现文字内容的精神含义，进而增强宣传效果。

2、原型解析。

文字的结构形式是通过人类文明活动过程中沉淀下来的，具有约定俗称的结构形式。其结构形式应该符合人们习惯性的认知，也就是说文字结构形式应该与社会活动相适应。笔者认为教师应该要求学生在课余时间多临摹具有一定设计风格的字形作品，通过这个过程可以激发学生文字设计的灵感，进而发现字形结构美，字形特征以及字形形式。

3、案例分析。

教师应该结合文字设计典型案例进行讲解。比如，以传统书法为元素的标志设计、包装设计、广告设计等；08年北京奥运一些列文字艺术设计，靳埭强的设计作品等；日本文字吸取了中国文字的一些精华，教师可以通过对日本文字的讲解，使学生在此过冲中汲取艺术设计营养，更全面的学习东方文化，可以学到不同形式的美，毕竟当代日本文字设计已经达到了较高的水平，日本文字同时也在向国际先进字体设计靠近，设计出了一系列文字艺术设计效果。通过以上专项讲解，学生可以自行选择几组自己感兴趣的字或词进行文字艺术设计，发挥主观能动性以及丰富的想象，通过尝试可以验证之前学习的效果。但同时也必须注意到，美术字和其他艺术作品一样，应注意以其自身的艺术性去吸引和感染读者。不可随意增减笔画，避免字体奇行怪状，难读难认。

4、结合实践。

熟练掌握绘写标准字体，在此基础上可以设计美术字，这是一个连续的过程。任何美术字都是通过标准字体形式衍化而来的，只有具备了扎实的绘写标准字体的能力，才能够设计出美观并且大方的美术字体。所以，学生可以先学好标准字，在此基础上进行艺术设计创作。通过以上扎实的学习，教师可以利用一些浅而易懂的主题让学生去设计艺术字，比如教师可以要求学生根据传统艺术字体设计方法，再结合一个特定主题去完成字体艺术设计。经过以上几个阶段的联系，学生可以懂得美术字体的实用性以及懂得如何去设计文字美术形式，进而发挥自己的想象设计出新的具有一定内涵的文字艺术形式。

篇4

（二）创新能力对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义对于一个民族来说，创新是民族进步的不竭动力，是推动经济增长的有效助推器。对于个人而言，创新能力是其不断进步、不断超越的推动力。因此，培养美术与艺术设计生的创新能力是不可忽视的重要环节。

二、提高高校美术与艺术设计生艺术素质和创新能力的有效途径

(一）实现各类学术资源的优化整合，促进美术与艺术设计生综合素质的全面提升在具体的教学实践中，教师要充分发挥美术教育的基础性作用，加强人文艺术教育与学科之间的联系，实现资源的优化配置和组合，不断丰富大学艺术教学内容，切实增强学科的实用性和内涵性。在设置艺术教学内容时，要实现心理艺术学、艺术史、设计史、艺术鉴赏以及艺术美学等各学科的综合利用，强化学术交流和指导，将晦涩的艺术美学转变为通俗的白话，方便他们理解和掌握。随着社会的不断进步和发展，具有创新能力和开拓精神的复合型人才越来越受到社会的欢迎和重视，现代教育要求切实加强各学科之间的交流和资源的实时共享。由此可见，要让美术与艺术设计生更好地掌握和领悟知识，高校就要积极采取有效措施，加强各类学术资源的交流，不断对知识进行整合，从而提升艺术类学生的综合素质，不断适应社会对人才的需求，顺利实现就业。

篇5

2采用灵活多变教学形式，充实扩展丰富教学内容

篇6

全球经济正走向一体化，整个社会思潮，人的思想观念发生了很大的变化。信息的高速传递扩大了人们的视野，世界各国科技的创新与展现，生物工程、计算机高速发展以及物质文明对现代人的审美情趣起了巨大的影响。书籍视觉传递是一门艺术，是通过特有的形式、图象、文字、色彩、向读者传递图书的科学知识信息，设计者必须根据社会审美意识和视觉心理，市场需求，具有现代设计意识，在设计手段上进行创新，并掌握市场经济运畴规律，赋于创新意味，与时俱进。图书是一种特殊的商品，外国早有定义，在国内今天也逐步为大多数人认同，对市场经济而言，图书是“商品”，就有一个商品形象的竞争，尤其在当今时代竞争激烈，节奏飞快，人们往往只凭第一印象决定事物取舍优劣的环境中，书籍商品的视觉传递的作用就更加重要，某种意义上决定了图书的生存。图书的视觉传递强化了商品的概念，研究了市场需求、市场空间、市场消费心理、社会时尚、审美情趣等市场运畴规律，在市场中优胜劣态，竞争日益激烈中脱颖而出。wWW.133229.cOM而不象过去的计划经济体制中的不考虑市场需求，不研究读者心理，孤立地单纯从图书出发，书籍装帧设计只限于“从属性”、“书卷性”。现代设计观念以融进了市场意识的概念。设计者运用高科技电脑设计手段，表达图书内容，展现最佳视觉广告艺术效果，将现代、后现代、超现实等各种手法用尽用好，用最能发现图书内容需求的装帧材料，传递视觉新感觉。以广告设计的手法介入书籍装帧设计领域，将更有效地传递图书商品特性，使图书具有“广告味”，赋有更好的视觉传递效果。也可谓“笔墨当随时代”。作为图书商品，必须对图书从内到外整体设计视觉传递体现，充分体现了图书“文化与商品”的关系，让图书要在市场销售中醒目，图书的视觉传递正是体现了现代意识趋使下书籍装帧设计的新观念，是符合时代追求创新的特性。

市场经济的基本经济规律是优胜劣态，以质量取胜。创新是每家出版社所关注的问题，书籍的视觉传递，必须是图书整体创新，以提高设计视觉的冲击力，

给读者强力传递着新信息、新感觉，又有一定的文化品位和艺术风格的现代设计，在浩如烟海的图书的市场中醒目。

二、书籍视觉传递的“商品”特性

书籍作为表达思想、传播知识、积累文化、陶冶人类心灵和精神产品，一旦进入市场，便具有了商品的性质。图书是一种特殊的商品，书籍视觉传递设计比书的内文更具有商品的特性，既保护图书，有传递信息。在国外，图书可在超市里销售，在国内，图书也进入了不少超市。书籍设计本身的辉煌，是经过人类几次工业革命而实现的，图书市场的繁荣促进了制版印刷工业革命和社会经济的发展。书籍视觉传递设计不同于绘画艺术崇尚个性和艺术表现，它是现代设计的一枝，现代设计本身包含着商业性的功利、目的，存在市场促销的功能。如严格地把图书视觉传递设计与商品包装设计相比，图书的封面，护封、函套，腰封及环衬扉页，类似于商品的包装设计，职能是美化商品，促进销售，保护产品不受损伤。而版式、插图、开本、字体、纸张设计，类似于工业产品的造型设计。书籍的视觉传递设计正是从这两点架构来进行考虑，仔细地研究不同层次读者的消费动机和需求，不同的图书有着不同的视觉设计要求。日本装帧设计家原弘先生说“尽管说书是文化产品，但只要在书店里出售，就必须把它看成商品，因此，有必要把书的外观设计作为商品包装来考虑，将重点放在书籍外观的装潢上”。书籍视觉传递设计的本身也有二重性，第一是艺术设计，第二是工业设计，作为商品必须进行工业方面的考虑，对装帧材料、制版印刷工艺、先进科学技术的掌握（即工业性复制的工作人员，科研人员，设计师三者之间，在整体上进行统一的认识和实践），把艺术设计与工艺设计紧密结合起来。这正是国外书籍设计质量高的奥秘所在。

三、现代意识对书籍视觉传递的定位

篇7

近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。

素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。wwW.133229.cOm在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。

篇8

2从审美角度来考量文化建筑的环境艺术设计

综上所述，文化建筑物的环境是对建筑功能的进一步深化和延续，是建筑内涵的深层次的表现。我们从审美、审美活动的角度来对文化建筑的环境艺术设计进行考量的话，可以从以下的几个角度入手进行探讨：

2.1审美主体更趋向于大众化①社会经济及文化水平的飞速发展极大的丰富了大众文化，环境艺术设计也正是传达和弘扬了这种大众文化。②无论是价值观还是社会文化，抑或是公众的需求，都呈现出了多元化的趋势，作为文化建筑，也必须要顺应这种趋势，力求创设出更加多元的文化需求，为公众营造出更为宽泛的空间。从艺术的宽泛概念来看，一切都应该是艺术，而文化建筑应该是将普通的生活当作一种人文景观，从大众的生活之中寻找灵感，从而去展示人类生活中不曾被留意到的美。以桂林木龙湖景区为范例：景区交通流线序列为入口、小广场、游客观演台，一次穿越花鼓楼、木龙塔、水榭，最后走过古城墙回到入口广场，因而、景区交通流线也是完美的景观流线。综上所述，无论是大范围的文化建筑，还是与之相关的环境艺术，都必须是与民众的生活相关的、符合他们的审美观念，并可以为他们提供基本的生活休闲场所的。

2.2信息传达手段的多元化与建筑的人性化（1）随着科技的不断进步，特别是以计算机网络技术为代表的高新科技获得了空前的发展：①传播的手段和速度都与之前有很大的不同，以往的那种单一的信息交流方式被打破，呈现出一种网状的态势。②人们因为不同的原因聚集在了一起，从而传输的介质和载体都发生了极大的变化。③文化建筑的艺术设计可能会带来的视觉信息传播，不仅可以摆脱时间和空间的限制，还可以在很大程度上跨越民族以及国界，这种传播方式甚至对以往的那种自上往下的传播格局造成了非常大的冲击，它在某种程度上是整个社会网络关系之中的每一位成员都参与到信息的交流中。（2）范例分析：①现代剧场在传统的“观赏与被观赏关系”这一基本关系的基础上，创造出一个观演互动融为一体的亲密空间。②在桂林新区建筑群大剧院、博物馆等设计中，室外设置大面积的前广场组合水景景观和建筑小品，使建筑内外空间流动，用设计手段引导市民积极参与，促进其城乡的文化交流。（3）上海大剧院（图2），是中国传统图腾的现代诠释。地基是方形的、屋顶是拱形的，象征“天圆地方”。侧墙正面装有玻璃，面向广场，可以使人们饱览全城景胜。

2.3文化传达的过程具有很大的模糊性和抽象性（1）从传播学的角度来考量信息，它具有限制性和非限制性的特征。所谓的限制性信息，是指它可以用语言准确的表达出来，而非限制性信息，不能用语言准确的表达，本身带有很强的不确定性和模糊性，它需要用自身的感觉来体会，但是每个人的感觉又是不同的，所以很容易出现很大的模糊性。但是，我们必须认识得到的是，环境艺术设计过程必须要传播的文化信息肯定不是限制性的确定信息，而是这种非限制性的，正是这种非限制性的、模糊的信息，才更需要人们去不断的联想。[2]（2）环境艺术设计主要是根据人与建筑的关系为切入点进行研究的，而人作为一种复杂的高级动物，他的感觉和品味很难做到高度统一，环境艺术设计学科的覆盖范围又非常的宽泛，具有很大的复杂性，对于文化建筑所传达的信息，没有必要整体把握，仅仅需要抓住自己感兴趣的一点或者最主要的一点进行感受和分析。例如，上海东方东方艺术中心（图3）：似五瓣之莲花，中心外壳通透，三个音乐厅如珍宝般地被装在里面，外壁点缀有七彩陶瓷珍珠。整个建筑充满活力，如流动的曲线般优美。

2.4审美是一种直观性的活动视觉手段是非常重要的传播形式。与人的其他感官相比，视觉手段更加的直观，譬如说和语言相比，视觉具有图像优势，所以，审美活动的直观性也是当下环境艺术设计过程中的一个必须要注意的特点，通过环境艺术设计手段来传达的信息，通常都是通过视觉手段实现的，可能也需要其他的视听媒介和设计图像的方式对整体的观感进行传播，从而完成对作品的影响。例如，东京艺术大学演奏厅：设计注重其周围的神社和树木的历史以及信仰精神方面的环境。该厅设计时，使用木头、石头、皮革等材料，并采取了独特的尝试，当顶棚过到最高的15m时，光线从上面泄下，如同置身森林中的广场，从“森林”中释放出全部的音乐。

篇9

单一的颜色对于一个设计作品来是不能充分展现所要表达内涵的，除非有特定的要求。如果色彩与色彩进行搭配，就会展现一定的美感效果。但是色彩与色彩之间搭配不得当就会适得其反。有效的利用美术教育当中色彩原理显得相当之重要。在美术教育当中知道，暖色与暖色之间、暖色与中间色之间搭配会产生温暖、温馨，给人以亲近的效果。冷色与冷色之间、冷色与中间中间色之间就会产生寒冷、高冷的气质。高明度色彩与高明度色彩之间搭配就会产生特别明亮的感觉。灰暗色彩与灰暗色彩进行搭配就会产生一种非常幽暗、低调、内敛的感觉。如果把两种差异比较大颜色进行搭配，起到的效果就是特别的不自然、生硬。把多种多样的颜色、不同的明亮程度的颜色搭配到一起，所产生的效果就是，特别灵动、可爱、活泼。如果要营造一种安安静静的气氛、氛围，那就把色彩度相对不高、明度较暗的色彩进行搭配。如果想要展现华丽、外放、张扬的个性就要把色彩度较高的颜色搭配到一起。如果要展现沉稳、低调，就把色彩度低的搭配到一起。可以说颜色之间的搭配，使衣服的表情更加丰富。在赤橙黄绿青蓝紫当中，这些颜色的符号又是不同的，有的颜色会给人以兴奋，如黄色、红色、橙色。有的颜色给人以沉静，如内敛，青紫、青绿、青色。有的颜色热情似火、阳光奔放，如红色。有的颜色给人以沉稳、冷静，如蓝色。这就是美术教育当中所说的色彩联想。当然不同的民族、不同的年龄段、性别之间以及个体对于颜色的联想是有差异性的。因此，在服装设计当中一定要有效地利用色彩、利用色彩联想、颜色之间的搭配，这样才能更好地提升服装设计水平。

1.2色彩的调和与选择

色彩的调和就是把两种或者两种以上的颜色按照一定的规律性、秩序性、和谐性搭配到一起，起到设计当中所想要的效果，或幽暗或愉悦。美术教育中色彩调和知识的掌握与运用会使服装作品的艺术性更加饱满。例如，对一个面料的纯度、明度进行降低，那么就利用黑色对面料进行调和。对服装色彩的纯度进行降低、明度提高，那就利用白色进行颜色调和。对服装色彩度、色相进行降低，就要利用灰色进行调和。对服装颜色对比度进行调和，就利用原色进行调和。例如，红色与绿色的对比度太过于强烈，那么就加入原色黄色进行调节。黄色和绿色产生橙色、黄色和红色产生黄绿色，如此对于颜色对比度过大的问题就得意解决。再有，服装色彩选择性上无不利用美术教育当中所学的知识。一个人的国度、民族、性别、年龄、性格、信仰、高矮胖瘦的不同，在服装设计颜色的选择上就会一定的差异性。美术教育当中，对于每个颜色表情都有详细的介绍。红色，代表着热情奔放、活力四射。橙色，代表着和蔼、阳光、有活力。黄色代表机灵、调皮。蓝色代表着理性。绿色代表着，温和、有亲和力。紫色，代表着纯情、热情。掌握了这些美术知识，才会对服装颜色选择上做到心中有数。

2服装设计中的点与线

在美术教育当中知道，点与线在构图当中起着不可或缺的重要作用。点与线通过不同的表现形式，如点的位置、多少、大小形状、色彩及质地。线条的，运动性和方向性的变化，将对服装的功能性、装饰性产生影响。设计当中，想要使服装更具层次，点的利用发挥了关键性作用。将点进行一定的排列组合，衣服上形成纹样。将这种纹样设计到衣服上之后，就不难发现其主体、宾体的层次感啦。如何在设计当中做到变化多样、思路新颖，点的排列、对称、颜色、尺寸大小是重要因素，利用点的不断变化，使得设计更具空间感、更加丰富多彩。服装作品的韵律表达、节奏表达、情感表达，都是通过点的变化取得的。再说线，线的利用是服装设计中总要的工具。线是服装两个面之间的纽带，线的贯穿才使得服装成为一个整体。服装的结构、造型、装饰、形体都需要线来完成。一件服装设计作品，想要有形态美感、独特风格，都是通过线来变现、创造的。一件服装的完美程度，在于它对人体美的展现。美术教育当中线形艺术对于服装展现的美发挥着作用。线形艺术，对于服装空间、服装风格产生影响。无数点的集合和线的延伸便产生了面。充分的、有效地的把握好点线之间艺术性，最终才能完成服装设计的主导，也就是面。

篇10

CombinationofAestheticQualityandSocialQuality

——TheLandscapeDesigninDanmark

LINQing

Abstract:Searchingforthecombinationofsocialqualityandaestheticquality,Danishlandscapearchitectsconstructedtheircharacteristiclandscapewithsimpleandclearlanguage,andbecameoneofthemostinfluentialgroupsinthefieldoflandscapearchitectureinEuropeinthepostwaryears.Thisarticleintroducestheideasandworksofthreewell-knownDanishlandscapearchitects,G.N.Brandt,C.T.SrensenandS.I.Andersson.

Keywords:Scandinavia;landscapedesign;GudmundNyelandBrandt;CarlTheodorSrensen;Sven-IngvarAndersson

丹麦位于欧洲大陆西北端，由400余个大小岛屿组成，南部毗连德国，北与挪威和瑞典隔海相望。属于斯堪的那维亚半岛的国家(斯堪的那维亚国家包括北欧的瑞典、芬兰、挪威、丹麦和冰岛五个国家)，要想更好地了解丹麦的景观设计，应该首先了解斯堪的那维亚国家的设计，因为这些国家的现代设计有着相似的特点，都追求朴实、实用和美观，其风格自成一体、独树一帜，产生了世界性的影响。

斯堪的那维亚国家均地处高纬度地区，有些地方接近北极圈，那里有着漫长的冬季和冬季漫长的夜晚，特殊的气候条件使人与建筑、室内、产品包括环境的关系显得特别密切，设计非常重视人情味，建筑、景观常采用砖、木等本土材料，从传统中吸收设计语言，再与现代设计结合起来，形成具有本土特点的现代主义。

斯堪的那维亚的自然景观非常平和，这里柔缓的地表变化、整体的植物群落、平静的湖泊、缓缓弯曲的海岸塑造了人民平和的心态。斯堪的那维亚人民对自然有着强烈的热爱，景观设计表现出对大自然的向往。

斯堪的那维亚国家多是高税收、高福利国家，人民享有平均的、良好的生活水准。社会各阶层生活水平的接近，使工人阶级的地位明显上升。因此，不同于法国等一些国家，那里艺术的发展在经济和道德上依赖于大城市里的上层阶级。在斯堪的那维亚国家，这种发展依靠知识分子、中产阶级和工人阶级上层。建筑、景观、工业产品没有机会向奢侈品方向发展，功能主义占据了主导地位，现代运动得到了广泛的社会需求的鼓励，受到普遍的欢迎。为普通人提供普通的、但却是精良的设计是斯堪的那维亚国家各个设计领域追求的最高境界。

在设计上，斯堪的那维亚国家从来没有试图以纪念碑式的形式或是以绚丽的外表与邻国竞争，他们总是把对舒适和使用的追求放在首位，总是试图改进现有的解决问题的方法，而不是盼望着新事物的出现。设计不追求前卫、精英化与视觉冲击效果，而是着眼于追求内在的价值和使用功能，所以多数设计作品在使用了数十年后，仍然非常实用，并且充满魅力。斯堪的那维亚的景观设计也是本土的，是贴近于日常生活的。可以说，日常生活的需要是景观设计的重要出发点。然而在实用的同时，斯堪的那维亚的景观并不缺少浪漫，设计师常常采用自然或有机的形式，以简洁、柔和的风格，创造出富有诗意的园林景观。

斯堪的那维亚的景观设计师几十年来较少地受到外部环境流行风格的影响，坚持走自己的道路，以功能化的、朴素的风格受到人们的尊敬。丹麦的布兰德特(GudmundNyelandBrandt1878～1945)、索伦森(CarlTheodorSrensen1893～1979)和安德松(Sven-IngvarAndersson1927～)是其中杰出的代表，他们常以简洁而清晰的手法，构筑特点鲜明的景观，追求社会品质与美学品质的融合，成为二战后对欧洲景观设计最有影响的团体之一。

社会品质与美学品质的融合

1布兰德特

布兰德特精通植物，善用野生植物和花卉，他的柔和的园林形式体现了丹麦人对自然景观的热爱。在哥本哈根市中心的蒂伏里(Tivoli)花园中，他设计了一系列并排的卵形种植池，池中绿地上点缀着数十个木盆喷泉。在大的环境中他借鉴了19世纪下半叶英国工艺美术运动时期的园林设计师杰基尔女士(GertrudeJekyll1843～1932)和建筑师路特恩斯(EdwinLutyens1869～1944)的思想，用精细的植物种植软化几何式的建筑和场地(见图1及彩页)。布兰德特倡导用生态原则进行设计，他认为自己更是一位园艺家，而不是设计师，他的设计常采用规则式和自然式混合的形式(见彩页)。

安德松认为设计最基本的事情就是确定一个空间，使人们能够很好地使用它。如果设计师幸运的话，人们对这个空间的利用会超出他原来的预想。在巴黎德方斯凯旋门环境设计中，安德森在宽阔的场地上，用一条白色的大理石铺装步行道，斜向嵌入宽阔的场地中，旨在丰富广场的视觉效果。这条铺装带无意中成为溜冰爱好者训练的场所，他们将障碍沿线布置，使这里成为溜冰训练的课堂(见彩页)。

在丹麦，安德松获得了“将诗引入花园”的美誉。

布兰德特、索伦森和安德松三人代表了不同的时代，通过他们的作品可以了解丹麦现代景观设计的风格和特点。他们都曾在位于哥本哈根的皇家美术学院(theRoyalAcademyofFineArts)的建筑学院任教，通过教学、著作和设计，他们影响了丹麦几代景观设计师。

参考文献：

[1]Bosselmann,Peter.LandscapeArchitectureasArt:C.Th.Srensen,AHumanist.LandscapeJournal,1998(1).

[2]Brown,Jane.TheModernGarden.ThamesandHudson,2000.

[3]Cerver,FranciscoAsensio.CitySquaresandPlazas.NewYory,1997.