动画艺术论文模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇动画艺术论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

二影视文学的概述

顾名思义影视文学与其他传统文学的涵义不同，表现形式也不同，它是指文学剧本经过电视、电影以及广播等形式呈现在观众面前，这种表现方式一方面能够给观众的视觉与听觉带来直观性的感受，另一方面也能够很好地表达文学思想的内容。影视文学已成为现代文学不可缺少的重要组成部分，它比传统意义上的小说、诗歌以及散文等更具有震撼力与影响力，得到了广大观众的普遍认同。影视文学是文学的另外一种表现形式，它与其他类型的文学在本质上是一致的，因此它在故事情节的塑造上、人物的刻画上、情感的表达上都具备传统文学所具有的特点，这是影视文学与传统文学的共性之处。影视文学又具有自己独特的个性，它结合了影视媒介，兼具了“读”、“看”、“听”的三重功效，可以说影视文学具有更丰富的表达方式。影视文学与其他传统文学相比，影视文学具有鲜明的影视特征，首先突出体现在视觉上，影视文学会将文学形象通过鲜明的视觉形象演绎出来，从而加深观众的印象。其次，影视文学能够将文学原著中所描述的动作展现出来，使抽象的形象具体化、深刻化。

三动画影视艺术与影视文学之间的共性

动画影视艺术与影视文学虽然具有不同的涵义，但是相对于影视作品来讲二者都不是独立存在的，也不能完全独立地区分，它们是相互联系、相互渗透、相互影响的。可以说影视艺术与影视文学是你中有我，我中有你的关系，在影视作品的创作过程中，无论缺少了哪一个，都不能够创作出完美的影视作品。

1影视艺术与影视文学相辅相成任何事物的存在都有其合理的一面，但是需要我们意识到的是事物存在的同时必然会起到双刃剑的作用。动画影视艺术表现情感以及事件的发展状况时比较直白，这种艺术表现方式所引起的情感共鸣也只是一时的喜悦、快乐、忧伤以及恐惧。长此以往下去，人们会发现这种动画影视艺术所带来的文化快餐式的累积会让人变得慵懒、颓废，人的情感也显得苍白无力。影视文学不像影视作品所呈现的那样，它比较抽象，更能引发观众的思考。在欣赏影视文学作品时，观众需要将心境投入其中，才能够彻底感悟作者所要表达的情感。从另一个层面上讲，影视文学不能够将作品中作者的倾向性赋予形象性，也不能够将文字中对生活的感悟以及评价很好地展现出来。而动画影视艺术则能够在比较短的时间内用具体的人物形象以及各种镜头满足观众们视听上的审美需求。由此可见，动画影视艺术与影视文学之间是相互渗透、相辅相成的关系。

2动画影视艺术作品能够为影视文学给予养分影视文学所具有的群众性，是其他文学作品所无法比拟的，比起其它文学作品，影视文学更具有震撼力与影响力。传统文学所借助的工具是文字，在很多方面有限制性，而影视文学则不同，具有直观性，能较好地反映复杂的生活现象。人们在现实生活中会受到许多限制，他们除了能够用奋斗行为来改变这种限制外，幻想以及游戏的心态是他们摆托现实生活束缚的重要方式。倘若人们的这种压抑找不到宣泄的方式，便会产生精神危机，情况严重时会导致精神崩溃。动画影视作品的创作能够间接地排解人。

3影视艺术作品创作时需要尊重文学我们现在看到的动画影视艺术作品大部分是由文学原著改编而来的，在对文学原著改编的过程中，我们要掌握适度的原则，既不能把文学原著改得面目全非，也不能使动画影视艺术作品完全脱离原著所要表达的内容。影视作品的导演要有一定的责任感，不能仅仅为了追求票房数、收视率，而去刻意的迎合大众，导演在动画影视艺术作品创作的过程中，应该本着尊重文学的原则。纵观当今影视艺术发展的整体趋势，我们可以发现如今的影视艺术有明显的娱乐化趋势，如若一切的艺术文学都为娱乐服务时，那么人类文明将会有灭亡的态势。

四动画影视艺术与影视文学之间的区别

1观众接受方式上的不同我们在欣赏一部文学作品时，如果遇到不懂的地方，我们可以停下在不懂的地方反复的进行吟味。而欣赏电影时则显得不同，如果观众在某一处没有看懂或者体会的不深，则不能够要求停顿一下，有时甚至连思索的时间都没有，这样只会让观众在感受上留有缺口。如若缺口比较少，则不会影响观众欣赏整部影片，但是留有的缺口比较多时，动画电影对观众来讲就会变得残缺不全，进而使得观众无法集中全部精力来欣赏。影视艺术在塑造人物形象时既要有血有肉，又要生动形象，而且要依据剧本情节将动画人物置于不同的场景中，切记不能将人物固定在一个特定的情境中不变动。这样才能尽可能的避免观众感受上的缺口。动画影视艺术不等同于文学，它也不低于文学，更不依赖文学，它具有自己独特的表现方式，且在动画、光影以及声音的互动上影视艺术作品更具有表现力，更能吸引观众的眼球。但是文学也有它的优势，文学作品所能表达的广度以及深度是影视艺术作品所无法比拟的。

2观赏效果上存在差异影视艺术所涉及的范围比较广，包括动画影视制作、影视角色表演与设计以及影视评论等等。给观众直观性的观赏效果，能集视觉、听觉等多因素于一起，给观众带来的震撼力与影响力比较强，很多情况下，观众在欣赏动画影视作品时，会有身临其境的感受。而影视文学从一定程度上讲是影视文学中的一部分，具体是指以视觉与听觉的感受效果为设计的着眼点，应用文学创作的规律构筑故事情节、塑造人物形象、类的这种限制，同时也能够为影视文学提供创作的养分。动画剧作者在编排他的虚幻世界时，往往会获得一定的自我宣泄感以及超越满足感。同样的道理，观众在接受动画作品时，由于文本的“召唤”，也会与作家产生同样的人生体验。在动画片中弱小者可以体验战胜对手的酣畅淋漓，失恋者可以体验成功爱情的奥妙，总之动画影视作品能够为影视文学的创作提供更多诡异地想象。在动画片中剧作者可以像表现人的世界那样去表现动物、植物的世界，例如《小鸡快跑》、《海底总动员》、《料理鼠王》等等，都能够为观众们构筑一个妙趣横生的世界，在这个世界中，动物以及植物是可以说话的，人是会飞得。这样一个奇幻的世界，既满足了制作者与观众的游戏天性，也给予了影视文学创作的养分。抒发感情，之后再借助电视、电影以及广播等声画媒介呈现在观众面前，通俗点讲影视文学就是影视剧本。文学是以语言符号来描写世界，主要作用于人的想象，是语言的艺术。而动画影视艺术以线条与色彩符号描绘世界，主要作用的是人的视觉，是视觉艺术，由此构成了二者之间的区别。动画影视艺术与影视文学之间的区别最明显表现在观赏效果上影视艺术给观众带来的感受是直观性的，也是短暂的，而影视文学让观众欣赏起来就相对有韵味，给观众带来的感受性比较持久。

3受到的影响因素不同动画影视艺术需要动画角色在特定的场景中，通过动作设计与对白等表演手段，将剧本中的内容经过动画角色设计与动作设计的理解与感受呈现在观众面前，可以说动画影视艺术是通过舞台演出来展示艺术美的。从这一点上，我们就能发现一部影片能否演绎成功，动画角色的设计占有很大的比重，因此动画中的角色是影响动画影视艺术的因素之一。动画影视作品创作完成后会上映，会创造票房、收视率，可以说动画影视作品是商业化的成果，与商业利益挂钩。动画片中主角形象的设计可以说是最好的商标，例如迪斯尼经典动画片《米老鼠与唐老鸭》的故事情节其实是很简单的，但是米老鼠与唐老鸭这两个卡通形象的塑造是有很高的艺术价值。当前的影视市场上，制作商、导演都十分看重动画角色的设计，可以说一部动画片能否得到很大的票房，其中动画角色的设计是至关重要的。当前的一些动画影视作品在创作时，制作商与电视台为了追求商业利益往往会篡改文学原著，使动画影视作品远远脱离了文学原著。综合分析，我们不难看出动画影视艺术所受的影响因素比较多，有动画角色的影响、商业利益的影响、剧本的影响以及背景场景等因素的影响。动画影视艺术所受的影响因素比较多，相比动画影视艺术，影视文学所受到的影响因素比较少，影视文学很大程度上是由作者平时的积累以及语言创作能力决定的，文学性比较强。

篇2

2影视动画艺术的“动画化”

虽然影视动画的“数字化”趋势越来越明显,数字动画技术发展越来越成熟,数字动画呈现给我们的画面越来越美观,但是作为一种传统的艺术形态,影视动画所具有的极度的假定化、夸张化、象征化、幽默化、幻想化、拟人化、综合化及极度的简化等动画艺术的本质特征并未被改变,它仍然要遵循“动画化”的原则。数字技术仅仅改变的是动画制作的方式方法,但其本身终究是动画,其创作的思维方式必须遵循“动画化”的原则。也许在未来的某一天,受数字时代大背景的影响,传统的手工动画终究被数字动画代替,只能在博物馆中才可以看见。但是,数字动画作品只有从传统动画中吸取养分、秉承传统动画艺术的创作精髓才能获得成功。分析当今市场上的数字动画作品,美国迪斯尼公司是最先运用数字技术制作动画片的公司,其代表作品《白雪公主》《、木偶奇遇记》、《仙履奇缘》、《睡美人》、《美女与野兽》、《狮子王》等以曲折离奇的故事情节、令人又痛又爱的角色、美轮美奂的场景、不同寻常的视觉切入点、富有想象力的形象设计、创作力非凡的镜头设计等深深抓住我们的眼球,可以说,迪斯尼开启我们通向梦幻世界的大门,通过运用数字动画技术,将动画艺术的发展带上一个新台阶。而我国的影视动画产业的发展却不尽人意,在国际市场的竞争中,我国的数字动画产品往往表现出作品构思缺乏创意、作品观影人群年龄定位受限制、作品故事情节老套、数字技术含量低等特点,从而缺乏国际竞争力,只能凭借廉价的劳动力市场做国外动画作品的“外包”工作。可以说,现在目前我们在市场上看到的大多数数字动画片可能是“中国制作”而非“中国创作”。中国的数字动画作品要想在国际市场上存在竞争力,必须遵循“创意是核心,技术是关键”的创作观念和制作方式,遵循传统动画的创意法则,运用先进的数字化计算机技术,创作出具有核心竞争力的数字动画作品,这才是数字时代影视动画成功的关键,也是我国影视动画发展的正确道路。

3影视动画艺术的“互动化”

数字时代最明显的一个特征是互动性,数字动画艺术的创作必须考虑其作品的互动性,也就是作品能否进入互动情境作为成功与否的重要评价之一。所谓“互动性”指的是人的心理交感和行为交往过程,具体来说,人与人之间,人与物之间,物与物之间的相互作用都可以叫做“互动”。在数字动画艺术作品中,就是将作者的创意思想和情感表达延伸到观众中,以增强观众在观赏时身临其境的艺术感受。其具体操作是,运用先进的虚拟现实技术,艺术创作者与计算机产生互动生产作品,观众或是与计算机互动体验作品,或是直接参加到作品的创作中与艺术创作者共同完成作品。这是数字时代影视动画艺术的魅力所在,也是其更高层次的展现。数字时代的影视动画作品越来越希望观众参与到作品中来,将整个数字动画作品的创作过程赋予“数字化”“、信息化”这个技术背景下的新体验。

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二、传统动画的审美价值

我国的审美思想于西方有着不同，它自成体系，有着不同于欧美的审美观念，在我国主要是主张儒家的“中和之美”，同时还有道家的“大音希声，大象无形。”随着时间的推移，我们审美观念也在发生一定的变化，后期主要有宋代朱熹“文以载道”的审美观，清朝王国维“意境说”等等，这说明了我国的审美观念、思想是丰富多彩的。一个民族的审美观念是在特定的文化背景下产生的，一个国家，一个民族的什么观念总是在去想相同，在动画产业中也是同样的道理，我国的动画作品体现出我国民族传统的审美观，而日本和美国的作品也是体现出独特的审美观。我国的动画中力求突出我国的一些传统因素，例如：皮影、十二生肖、武术动作、京剧脸谱、剪纸、中国传统服式、亭台楼阁、舞狮、太极八卦、梅兰竹菊、祥云图案等等。在日本的动画片中角色的设计方面和我国有着很大的不同，它总是把一些正面和反面的角色，都设计成很唯美，在很多动画片可以看到日本的审美观念，在宫崎骏的作品中更为明显，它总是以一种悲天悯人的眼光看待人与自然的关系，充满了感伤、绝望的情怀，人与自然的空间是互相挤压，人类总是无知的侵犯自然，而矛盾是不可调和的。这种审美观念是和日本地理位置和传统的观念息息相关的。一个民族的社会观念、文化底蕴、哲学观等都会在动画中体现，让不同的民族有着不同的动画特色。

三、传统动画的人文价值

动画作为一种艺术，它富有民族性格和人文精神，在表达某一个故事时它往往具有很强的民族特色，不能深入了解一个民族精神和人文精神的动画，总是缺乏一种内涵，例如美国拍摄的中国《花木兰》这个动画片中，同样的题材、同样的故事，不同的民族来拍，其中所反映的人文精神就会截然不同，总感觉少了一份中华民族的内在精神，美国的《花木兰》他传达给观众的是一种个人价值的实现，和故事本身宣扬的“忠孝”截然不同，这就是每个民族不同的文化而造成的不同的结果。美国的动画片总是给观众一种诙谐轻松的感觉，这也反映了美国这个民族在生活中的诙谐幽默的人文精神和民族特质，例如美国的动画片《猫和老鼠》中汤姆和杰瑞总在追逐，一些搞笑的动作和滑稽的表情，给观众一种轻松的心情。但是在我国传统动画中，必然展现了中国人的传统美德，同时这些传统美德有其文化根源。

四、传统动画的娱乐价值

动画的主要功能是满足观众在工作之余的消遣游戏为主要目的，它主要包含了诙谐幽默、解构权威、轻松明快、平等色彩等特征。随着生活节奏的加快，在沉重的工作和生活压力下，人们更需要娱乐精神来抚慰，这就需要不同的动画片来满足不同群体的需求，这在日本动画片中做的非常好，动画片不仅仅是儿童的专利，他同样也是成年人的精神食粮，生活在现代社会中的人们，在沉重的工作和生活压力面前，越来越需要娱乐精神对于精神的抚慰。随着时代的发展，消费观念也在发生着变化，娱乐文化正在成为一种产业和消费。很多传统的动画被赋予了更多的内涵，动画也不再是儿童专利，他正在小青年中年人方面进行发展，这对动画产业的发展有着非常大的空间，它不仅仅能够给人们带来娱乐的效果，很多动画片对人们的教育作用越来越明显。尤其是观众在美国和日本商业性、娱乐性的动画影响下，审美需求倾向动画片带来轻松，而不是板着面孔的说教。而我国传统动画虽然不像美国动画把娱乐性放在首位，但仍有许多作品带有娱乐的因子。

五、传统动画的现代意识

传统的动画作品中融入进现代意识，能够给动画带来新鲜的血液，是动画产业焕发出光彩、更好地被人们接受。这在每个国家都能够很好地表现出来，例如我国的传统动画主要体现了我国的传统观念，但是随着时代的发展，出现了一些很多带有新思想的作品，《喜洋洋和灰太狼》这部作品很好地反映了我国当前的一些现实，具有很强的时代意义。同样在美国迪斯尼的动画历经八十多年而始终在国际动画舞台上占据领先地位，多数动画片都能受到观众的欢迎，一个重要原因就在于迪斯尼一直在与时俱进，动画片没有墨守成规，而是随着时代的发展，注重加入具有时代气息的现代精神。从片中女主人公的性格变化可以看到这一特点。1937年《白雪公主和七个小矮人》中的白雪公主善良、柔弱，符合了当时的时代审美趣味。美国动画片梦工厂《怪物史瑞克》的女主人公菲欧娜也不再像童话故事中白雪公主、睡美人、灰姑娘们软弱、被动的形象，而是独立、刚强、主动追求幸福，完全是一幅现代社会中的都市女性形象。而到了1998年《花木兰》中的花木兰一改柔弱形象，而是坚强、独立、好强，具有现代都市女性的性格特质。

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二、以动画保护传承皮影艺术的策略

通过上文的分析已经发现，皮影艺术的发展进入衰落时期，而中国动画的发展正处于兴盛时期，将动画中加入皮影的表现方式，能够促进皮影艺术的传播与发展。但是在经济时代，以动画保护与传承皮影艺术具有一定的困难，这需要各个层面共同努力，才能保证这一方案的有效实施。

1.国家加强对于皮影艺术的重视，对于皮影动画给予必要的帮助与扶持

国家的扶持能够使传统艺术摆脱困境，走入良性发展的道路。典型的例子就是中国京剧在短暂的衰落后，在国家的思想倡导与大力扶持下，再次开始兴盛。发展皮影艺术同样如此，个人以及民间团体的力量毕竟有限，只有国家加入保护皮影的行列，在思想上重视皮影，在实际行动中积极扶持皮影技术，如建立广泛的皮影艺术保护协会，将皮影艺术家纳入国家艺术家的范围，给予国家级艺术家的待遇，显然对于促进皮影的发展是非常有帮助的。而在以动画保护与传承皮影艺术的过程中，国家应该提高对于这种方式的重视，以政策性法律法规以及具体文件给予皮影动画创作中的种种便利，在皮影动画的具体创作与传播中，为其提供一定的人力以及物力支持，改变商家出于利益考虑不敢创作皮影动画的现象。而一旦在国家的影响下皮影动画的局面打开，其自然会在市场经济的作用下进入良性循环轨道，为国家带来巨大的经济利益，同时保护了我国的历史文化遗产。

2.改变皮影的内容与形式

艺术的发展总是与时俱进的，不符合时代的艺术方式最终会被淘汰。显然皮影艺术当前的表现形式以及唱腔都不太符合时代审美需求。在皮影的发展中，传统的皮影技术可以结合时代特点以及地方特点增加新的内容，同时适当改变唱腔，以促进这一艺术的顺利传播。而在皮影动画中，首先应该改变传统的以动画的创作对于皮影进行翻拍的思想，大胆创作一批符合时代特征的、体现时代思想的动画作品。作品以皮影作为主要形式，而在人物塑造中注重传统与时代的结合，增加人物象形的表现方式，改变传统皮影为了表演需要只以侧面表现人物的方式；改变人物形象大量镂空以充分投影的方式，改变人物衣物服饰领角突出，关节突兀的特点。因为动画赋予了皮影更充足的场地，更多面的表现人物的可能，因此在创作中应该将皮影艺术与实际需求相结合，做到继承的同时，有效地发展。在动画中，人物的唱腔以及说话方式应该统一采用现代普通话，只是在必要的时候加入简单的唱词，且需要配以字幕。总之，以动画的方式表现皮影艺术，不仅仅是对于传统皮影表演方式的简单翻拍以及一些技术手法的改进，更需要在内容、人物形象以及语言方式等方面全方位改进，才能使皮影动画真正地为观众所接受，完成皮影艺术从被动地保护到主动发展的过程。3.将皮影艺术加入动画专业课程。皮影艺术在动画中的应用不多，一个很重要的原因就是动画创作者皮影知识不充分，不能够进行有效的艺术创作。针对这种情况，应该考虑将皮影艺术加入到动画专业的教育教学内容中，真正培养一批既懂皮影又懂动画的人才，以促进皮影动画的长远发展。

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二、虚拟现实技术与动画艺术的融合之路

动画在当前社会的发展中，在形式上很多情况不能满足商业或艺术上的要求，这就要求动画技术进行革新以满足其需求。然而，虚拟现实技术就应运而生了，虚拟现实技术使动画艺术在表现形式上更广，甚至促进新兴行业的产生。例如，虚拟三维仿真动画游戏，建筑漫游交互可视化，模拟军事、工业制作互动领域。

三、模拟真实环境，实时仿真交互

模拟真实环境主要是应用在商业中，早在加拿大，就已经投入运用了，即，在商业会议中，会议中的人员都不会到场，而是在家拿出手机或是电脑，进入一个虚拟的办公环境中，大家都坐下来开会就好了。这样就大大节省了资源。在虚拟的环境中每个模型的外形，进行真实的拟合，然后通过数据转换成三维模型。比如，蓝天白云花草树木的模拟、虚拟现实主题公园真实模拟、真实的建筑场景等。

四、动画艺术与虚拟现实技术的发展

动画艺术的设计可以挖掘传统文化中的元素。传统文化经过几千年的沉淀，所留下来的优秀文化大多是符合大众口味，都有其独特的艺术形式，吸引着各自的爱好群体。虚拟现实技术随着科技的发展，也日益健壮，把动画艺术融入到虚拟现实当中，其视感、触觉可谓大为观止。建筑行业中，为了把握市场趋势，果断启用最新技术把握住了商机。虚拟现实技术甚至成了当今房地产行业综合实力的象征与标志；工业生产中，虚拟现实技术给其带来了便捷，提高了效率，更是减少了损失；在军事模拟动画中，给战士充足的现场感觉，提升了培训质量。

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二、针对性很强的德式场景和形象设计

《平衡》（Balance）的场景设计非常简单，昏暗的天空中悬浮着一个四方的平板，平板的中心是个看不见的支点。平板上有5个人，人物也很象我们想象中的日尔曼民族，厚重的大衣，简单的五官，修长的身体和深邃的眼睛，一样的相貌，一样的装束，一样的表情，不同的只有大衣后面背负着不同的号码。光光的白森森的脑袋配上深色的长外套在视觉上很有冲击力。从始到终，他们的表情就没有变化过，喜怒不形于色。相同的表情不等于他们有相同的想法，不同的想法影响了本来的平衡，那是对音乐箱的贪念。这部动画短片如此简单的场景设计和人物形象设计竟产生非同一般的效果，一个简单的物理现象却演绎出一个社会现象，不择手段的优胜劣汰。没有了同伴的最后结果就是短片的最后一个场景，人在一端，音乐箱在另一端，除了孤独什么都没有得到。《平衡》这部短片属于玩偶动画，是以逐格拍摄的方式完成的，是典型的低成本、试验型的动画艺术短片。沃夫冈与克利斯托夫的思维方式既是艺术的，更是具有深刻哲理的。作品的具体性与抽象性、直接性与间接性通过理性的艺术诉求方式通俗且深刻地映射在观众的精神体验之中，从而使这些艺术理念从直觉和暗示、从寓于理性又环绕理性的“虚拟”现实中得到了最好的解释。面对这样的好作品，笔者个人认为它的历史意义与实践指导意义已经超越了作品本身所固有的艺术价值。《红兔子》（RedRabbit）的场景设计要比《平衡》丰富许多，公寓楼内房间的陈设，门外的楼梯，梦中的白雪和森林。短片刚开始时，门铃响后，男人开门时那开了两遍门栓的场景非常有创意，很好的交待了主人公的性格：谨小慎微，胆战心惊。各个场景的刻画都很细腻到位，包括小小的调料罐，红色的胡萝卜，和关门后还在转动的把手。短片中几次出现玻璃门后兔子的和主人公的形象，模模糊糊的影像非常真实生动。制作者每一个细节都兢兢业业，使得该动画短片取得成功，本片荣获2008年韩国首尔国际动画节最佳学生作品奖。《红兔子》中的人物只有两个人，两个人物的形象设计简单，面部表情同样也没有太多变化，但还是很好的表现出惊恐，猜疑，愤怒，无奈的各种表情。女人跳着走路的样子就像那只红兔子，也很好的表现出她的善良和开朗。那只硕大的兔子怎么看也不是一只红色的兔子，说灰色更合适，也许片名是另有深意，让人猜不透作者的想法。其中剧中兔子要睡觉的场景，眼神哀怨无助，身体略显红色，一副可怜可爱的摸样，接下来的梦境是兔子跟着女人走了，这个场景是男人的梦境还是兔子的梦境很难分辨，也许男人的心里那个女人就是红兔子，只是没有想到的是，她的心里装的是一只浣熊。《快递包裹》的场景设计比前两部短片要炫很多，因为描绘的是未来的世界，所以场景非常科幻。天空因为受到污染变得昏暗，画面中飞行着各种交通工具，包括那个送包裹的快递飞船。短片开始的场景很震撼，直摄人心，有别于一般德国短片简淡的风格。短片中惟一的人物就是那个独居老人，骷髅般的脸上满是沧桑落寞，眼睛大而空洞，无望的审视着眼前的世界，那株鲜花就像老人一样，没有生命的光辉和鲜艳的色彩，花和老人挣扎在恶劣的环境中，生命在这个高度发达的工业社会中又有什么意义？短片的精彩场景在老人发现箱子的秘密后，他把箱中的还在冒烟的工厂铲出，摘上那株鲜花，只是在那个时候，天空似乎变得明亮了一些，老人的脸上也现出欣慰的表情。故事有些离奇古怪，精彩场景不断呈现，9分钟的短片让人意犹未尽，受教颇深。

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日本动画的创作者以写实的画面风格、精细的画工、细腻的画面逐步形成了一种唯美的绘画风格，这与美式动画偏向硬朗的风格迥然不同。这种唯美的风格表现最明显的就是宫崎骏，如《龙猫》、《天空之城》、《地海战记》等。而新海诚的《她和她的猫》与《星之声》中优美的意境与逼真炫目的画面场景效果更是令人击节赞叹。说到类同的人物造型，日本动画的人物有广义类同和狭义类同之分。先说广义的类同，日本动画的人物造型基本都是：明亮的大眼睛、棱角分明的鼻子、尖尖的下巴、完美的身材比例、唯美到极致的外貌等人物设定，以上这些都成为了日本动画人物设定的标配，几乎所有的动画人物都是这样的一个样式。再说狭义的类同，日本动画在人物造型上，因为作者长期创作形成了稳定的个人画风和绘画习惯，导致其不同动画作品中的人物拥有了相似的外部特征，也就是说在每个作者的作品中人物的面孔大多很相似。例如宫崎骏的动画电影《幽灵公主》中的珊、《魔女宅急便》中的琪琪与《千与千寻之神隐》中的荻野千寻，大友克洋的动画片《阿基拉》中的金田正太郎与《蒸汽男孩》中的詹姆斯•雷•史提姆，手冢治虫的动画片《铁壁阿童木》中的阿童木与《森林大帝》中的莱娅，高桥留美子的动画片《犬夜叉》中的日暮戈薇与《福星小子》中的拉姆等。

（二）电影化和写实化

日本动画注重利用电影镜头语言帮助讲述动画的故事情节，通常我们在看日本动画时是在看构图，看其中的镜头语言。日本动画表现一个人物的动作要划分成4～5个分镜头，每个镜头的动态效果并不明显，然而这些镜头组接起来效果却很好。②可以这样说，日本的动画创作者在制作动画时，其手法更像是在创作电影。押井守的《攻壳机动队》就是这样，该作品着力于镜头之间的切换和连接，其中游刃有余而复杂的剪辑手法完美地做出了流畅的分镜头，让观众看得目不暇接，吃惊于动画也能做出犹如电影般的效果。日本动画在画面处理上具有很强的写实性，动画创作者在对背景的处理上要求高度忠实于原素材，他们只是在色彩和场景的结构上加以完善，让画面在质感上具有更加接近照片的效果。

（三）优美的音乐

日本动画之所以如此知名，除了题材多样、故事生动、人物造型精美、画面细腻唯美、电影化的画面场景以外，恰如其分地配入相应的音乐能够突出该动画此时的场景主题要表达的是什么，这也是受众之所以如此着迷的一个重要原因。而往往这些与该动画相关的音乐也会受到追捧。以久石让的配乐为例，久石让为宫崎骏的动画电影创作了很多背景音乐和主题曲都十分流行，如《龙猫》、《天空之城》和《幽灵公主》的主题曲朗朗上口，曲风亲切自然，充满了童真，仿佛把我们都带回了那纯真的童年时代。

二、日本动画中的传统文化

日本是20世纪70年代崛起的动画大国，日本动画在很长的一段发展时期内凭借着鲜明的特征蜚声国际，在日本不论男女老少，都非常热衷于动画及其相关的产业文化。日本动画的文化定位非常准确，并非只是一种单纯只对青少年的说教工具。从《铁臂阿童木》、《圣斗士星矢》到《钢之炼金术师》等，日本动画以对社会深刻思考和人生哲理而著称，它不断演绎着人间的善与恶、美与丑、忠诚与背叛。其跌宕起伏的情节、唯美的画面和电影镜头语言化的人物场景构图等，都给人们带来了耳目一新的感觉，因而深受社会各阶层的青睐，并迅速风靡全球。事实上，在这种轻松休闲的文化现象背后，包涵着日本民族浓厚的文化内涵。

（一）日本动画中的本土文化元素

日本动画十分看重并且会经常对日本本国文化进行真实的展示，创作者们充分利用动画片的特性对本土文化元素进行了加工再创作，通过神奇的想象反映创作者对社会现实问题的思考。以宫崎骏的《千与千寻之神隐》为例，这部动画便是日本民俗大汇集的典型。首先看片名“千与千寻之神隐”，这个“神隐”就是一个充满日本民俗气氛的词汇。神隐最早见于我国南北朝时期北齐刘昼的《新论•法术》：“天以气为灵，王以术为神；术以神隐成妙，法以明断为工。”所谓“神隐”其实就是被神怪隐藏起来，受其招待，而从人类社会消失、行迹不明。这也在无形中暗自契合了动画中荻野千寻的古怪经历。这部动画电影以日本传统的温泉“汤屋”文化为背景，荻野千寻刚来到这个世界时，就到汤婆婆开的“汤屋”打工，“汤屋”其实就是日本传统的澡堂。《千与千寻之神隐》中出现的“汤屋”在这些部分的陈设就和古代的澡堂完全一样，古意的街道、祭祀神祗的食品街、澡堂挂着的布帘和红灯笼、澡堂内部的木质结构以及墙壁装饰画等，都体现了日式传统的风格，泡澡用的热水用火炉加热，通过埋在墙里的沟槽流入浴室的巨型浴盆里，在洗浴层的上层则是各路神仙的社交场所。从建筑造型上讲，动画片中的“汤屋”与日本四国爱媛县道后温泉非常类似。在浴室里洗去污秽的河神原型是日本小说《古事记》中的海神；无面男是日本春日大社祭经常出现的面具神。宫崎骏没有沿袭原有的思路，而是在符合动画影片本身的基础上进行改造和润色，使其造型更易为现在的观众所接受，同时赋予它们人性化的一面。

（二）矛盾的二元对立

在日本动画中，常常会表现出鲜明的矛盾二元对立的思想，两个极端的共存、对立、调和是日本动画表达的一个重要的思想，也是日式审美的最重要一环。这种矛盾的民族性格正如《菊与刀》一书中描述的那样：“日本人生性极其好斗而又非常温和；黩武而又爱美；倨傲自尊而又彬彬有礼；顽梗不化而又柔弱善变；驯服而又不愿受人摆布；保守而又十分欢迎新的生活方式。”在这种思想指导下，日本动画在看似唯美光鲜的外部场景之下，表达的往往是或沉重或灰暗的主题，鲜艳明亮的色调与血腥杀戮形成强烈的对比。宫崎骏作品《幽灵公主》中的麒麟神就是这样，它在白天是生命和创造的化身，而到了傍晚后则变成了毁灭巨人，用无上的能力去巡视，毁灭任何威胁森林的事物。《犬夜叉》也是如此，在第120集中女主人公桔梗就低语：“净就是污，污就是净；善即是恶，恶即是善；生就是死，死就是生。”这几句偈语充分表现了日本民族这种矛盾的二元对立思想。对于一个民族或者个人来说，性格的刚性和脆弱程度往往是成正比的。日本这样一个时刻都处在精神高度紧张的民族，却又是一个十分推崇寄情于山水并欣赏的民族。这样的表现不像是一个时刻压抑的族群，实际上日本民族时常徘徊在这样的两极分化中忽左忽右，这样的忽左忽右使得他们始终处在崩溃的边缘，精神的极度压抑在脑中的弦也越绷越紧，这样的心理状态把日本人推向一个又一个濒临崩溃极限。所幸的是，日本动画的创作者已在动画中给出了解决这一问题的答案：有迷茫，才是人类。正因为如此，人类才希望自己变得更加崇高。

（三）自然主义

自然主义即对自然的崇拜，是日本在历史发展中形成的一种独特文化样式。日本是个岛国，不利的地理环境使日本的民族性格中具备了对自然环境根深蒂固的恐惧。古代日本人就把这种恐惧的心理转化为对一切自然的崇拜。大自然代表着日本民族对生命的向往，同时也是日本民族审美意识的基础和源头，是美的蓝本，美的母体，对自然事物的热爱和感悟积淀成富有民族特色的审美情操。继承了这些特点的日本动画也向世人充分展示了日本人的这种独特的自然审美观。比如宫崎骏作品《幽灵公主》中的狼神、山猪神，他们的体型都无比的巨大而且种群数量庞大，随时都可以向人类发起种族间的战争。这些动物神重伤后产生强大的怨念，他们还可以化身魔神对人类展开报复，这些动画形象都代表着大自然无限的力量。在《风之谷》中，随着工业文明破灭之后，自然环境破坏严重，在人们聚居的地方出现了腐海，人们认为腐海散发有毒气体，但腐海其实是一个庞大的环境净化系统，洁净森林世界。而生活在其中王虫就像是自然的守卫者，向一切破坏自然的人发起进攻。在腐海的地下有着另一个世界，在那个世界中，地下的树木努力地净化着空气中的毒。

（四）悲情主义

悲情主义是日本动画中的一个非常重要的美学思潮，这种美学思潮自从它形成后，就始终贯穿在每个日本人的血液当中。悲情主义其实就是“物衰”，由于日本文化早期受到了中国大乘佛教、儒教、道教等的影响，“明治维新”之后日本又吸收了西方的部分文化，便形成了既不同于国内现今的实用主义美学，又不同于欧洲近代反思去弊的美学，日本的美学学者将美学的思考引向了人生，拥有了自己独特的脉络，即“物衰”美学。日本美学深受佛教影响，强调“物衰”，万物都有衰败凋零的一天，从而进入轮回。大多数的日本动画，都具有这种“物衰”的美学。淡淡的，从容的，讲述一段段人生的绽放与凋零，从头到尾都是“哀而不伤”。日本学者们对这种“物衰之美”的认可已经如同自然法则一般，在日本传统文化中有很深的烙印。如宫崎骏作品《龙猫》中两姐妹之间的互相依赖依靠的亲情，她们期盼母亲病愈出院的急切，以及对母亲归家不得的失望之情，还有小男孩对姐姐的情谊，等等，我们可以从这些细节体会出淡淡的“物衰”之美。

（五）等级观念

日本社会是一个等级森严的社会，人与人，人与社会，人与国家所包含的整个观念都是建立在对等级制度的信赖之上的。在一般正常的生活中，同其他人的交往中都必须明确表明人们之间的社会地位差距。像东亚许多国家一样，对长辈要用敬语，与此相关的要有相应鞠躬和下跪的动作相配合，而这些动作都受详细的规则和惯例支配。年轻人在家中接受了这种等级教育后，他们会把在家里学到的有关这些制度的东西用于经济和政治等更广阔的领域。他们要学会对那些地位比自己高的在特定位置上的人表示充分的敬意。在整个日本历史的发展中，日本社会是一个一个严格的阶级和卡斯特（一种世袭的等级身份制度）的社会。这一切在日本动画里就有体现，如日本20世纪80年代由当时的漫画家车田正美创作的经典动画《圣斗士星矢》，虽然故事背景改成了古希腊罗马神话传说，但是整个圣域的88个圣斗士，从青铜、白银、黄金圣斗士仍然是等级森严的。圣斗士们各为其主，为了正义或者主人的目的而展开残酷的厮杀，这些效忠都是绝对、无条件的，甚至到了随时可以献出生命的程度。表面上好像看到了一场以古希腊罗马神话为背景的虚拟战争，如果仔细看下去的话，就能够发现这些都是日本等级森严的社会制度的写照。

三、日本动画中东西方的文化融合

日本是一个的民族性格非常复杂的族群。有很多学者认为日本之所以形成现在的民族性格，是历史、地理、政治等方面的因素综合而成，也就是说复杂的形成原因导致最终形成的民族性格也是复杂的，即便是复杂，有一点成为了日本人最明显的性格特征，就是对于东西方先进文化的吸收与融合。对于动画而言也是这样。

（一）东西方绘画艺术在日本动画中的体现

动画自诞生以来，随着科技的不断进步，从早期的二维平面动画发展到今天的三维立体动画，但无论是二维平面动画还是三维立体动画，画面在动画片中起着最为直接和重要的作用。画面仍然是日本动画中最为直接的表现形式，而线条和色彩又是绘画艺术中最为重要的两大元素，尤其是对二维平面动画而言，更强调张力十足的线条和丰富明快的色彩。也正因为如此，二维平面动画对于艺术创作者的绘画功底和造型能力提出了更高的要求。在东西方的造型艺术中，东方重线条的表现，西方重色彩的表现。而日本则吸收了两种造型艺术的特点，发展出了富于日本特色的造型艺术。

1.中国绘画中线的艺术在日本动画中的体现线

在艺术上的功能，首先是勾勒物体轮廓，其次是对人类情感的象征表现力。在中国传统绘画中，线条的作用从勾勒物体的轮廓向表现人类情感的象征表现能力转变。线条逐渐成为中国传统绘画独擅的一种艺术语言，并且成为中国传统绘画的骨架和支点。通过线条的形态，将从外界悟得的意境与胸中所蓄之情感寄予笔端，迹化于外。所谓以手写心、心手相应、意在笔先、画成意足的高妙境界，只有在中国传统绘画中才能体会到。随着中国传统绘画传入日本，线作为艺术语言，无论从技法还是从功能而言，都得到了日本艺术家们的借鉴和学习。日本艺术家通过吸收了中国画中线的技法，以纤细的笔法和秀雅的墨色，表现了日本自然风景中的清新。这在日本动画中得到了体现，如宫崎骏作品《幽灵公主》中的背景画面是宫崎骏精心描绘出来的，这些都是对于线条的运用，线条有表现作者情绪的作用，所以这使得《幽灵公主》的画面，既具有细致精细的真实性描绘，也具有飘逸灵动性非真实的时空再现。这样，往往使我们感觉到自然仿佛就在身边，而我们似乎又离自然很远，如同在梦境中一样，产生了一种亦真亦幻的效果。

2.西方绘画中色彩的艺术在日本动画中的体现

色彩是日本动画中另一个重要的表现形式，与线条不同的是，色彩的运用源自西方的绘画艺术。色彩在西方绘画中谱写出了一番壮举，纵观整个西方绘画的发展过程，简直就是一部色彩的发展史，在经过了古希腊绘画、早期基督教绘画、哥特式等艺术形式的发展，色彩得到了广泛运用，确立了以色彩展示空间、表现空间质感的西方绘画传统。到了14世纪，经过了几代文艺复兴时期的巨匠们的发展和探索，西方绘画就此进入了色彩的世界中，当时西方的画家们摒弃了线条而钟情于光影的效果，并结合了当时的光学、透视学等学科的知识，使得色彩科学化，就此与东方绘画背道而驰，走上了理性的发展之路。日本在明治维新时期开展了脱亚入欧的运动，日本绘画大量地吸收了西方绘画中诸如色彩、透视、明暗等技法，同时又继承了东方绘画的线条艺术，把写意与写实融为一炉，形成了日本近代绘画。《浮世绘》可以说是日本近代绘画的代表作，它充分体现了东方线条的写意风格和西方色彩的写实风格，以绘画为基础的日本动画当然也在色彩上尤为突出。以宫崎骏的动画电影为例，在他的动画电影中我们通常可以看到：海边的欧洲小镇，拾级而上的古老教堂，陈旧却干净的雕花窗框，布满青苔的红色屋檐，光滑的青石路，洒满树荫的乡间小道，生生不息的绿色原野，洁白的云彩，温和的海风，这些画面都表达了每一个普通人内心不平凡的爱、包容和智慧，这就是色彩的魅力。宫崎骏的动画电影中，色彩讲究西方色彩的科学性，在色彩变换上注重观众的主观性感受，主要以青、蓝、绿为色彩的基调色，运用这三种基调色调和再现出了自然和植物的原色。这样的色调虽然简单但却并不单一，我们可以从画面看出这三种色彩的色位差是否符合自然界颜色的真实，他借鉴了西方油画中逼真写实性的特点，色彩上又不采用西方油画中油彩的厚与浓，而是在色彩中调和了水的纯净清澈，赋予色彩水的滋润感，整个画面看上去轻快、明亮、清新，这一点倒是符合了东方的审美。

（二）西方音乐与日式画面的融合

动画是一门综合艺术，虽然画面十分重要，但是没有音乐的烘托，即便是再精美的画面也营造不出动画创作者要求的意境。好的动画音乐会配合剧情、人物性格而出现，还有音乐会帮助动画描绘动画人物的心理，这样动画会更加完美。日本动画也吸收了这一点，音乐都会在适当的地方出现，与适当的剧情相配。在宫崎骏的动画电影中我们就能清晰的感受到：《天空之城》运用许多爱尔兰民间音乐，风笛的浅唱低吟烘托出了悠远飘渺与悲伤的情愫；《魔女宅急便》糅合了吹管乐和美国乡村音乐风格，吉他的扫弦技巧所展现出的欢快与俏皮契合了本片少女的主题，充满了异域风情；《千与千寻》配乐用钢琴独奏与弦乐编曲，描绘了小女孩荻野千寻调皮、可爱、奇趣、踌躇、犹豫、不安、感伤的情感世界。这些都显示出宫崎骏动画配乐的独运匠心，在世界范围内流传至今。

（三）西方文化背景与日式画面的融合

日本动画题材的选取非常广泛，有东方的，也有西方的。东方的自不必说，随着20世纪80年代末的东欧剧变和苏联解体，东西方冷战格局走向崩溃。与此同时，日本战后的泡沫经济彻底瓦解，整个社会陷入了经济不振和方向迷失的泥潭。日本在这个时候正好也是各种思潮迸发的时期，众多的日本动画创作者的思想都受到全球一体化的影响，很多创作者创作出了一系列在当时具有相当影响力和代表性的动画，他们的动画都采用了西方的讲述情节的模式或直接取材于西方故事来讲述日本当时的问题。如宫崎骏的《魔女宅急便》借助一个13岁的小魔女独立和成长的故事，表达了当时很多日本人面临的处境和对生存现状的思考，以及作者对于一些日常性问题的思考。《千与千寻之神隐》改编自德国作家米夏埃尔•恩德《讲不完的故事》，虽然这是一个来自异域的故事，却配上了日本传统的文化背景，给“汤屋”的每个浴房供暖的是第一次工业革命的蒸汽锅炉，而给“汤屋”和日本传统街道却配上了电梯和现代的海底隧道系统，整个动画的背景既充满了日式的神秘，又不失西式的活泼自然，亦古亦今、亦真亦幻，为动画故事的开展准备了一个充满神秘奇幻色彩的舞台。

篇8

从策略上来说，是指对于动画创作的各个阶段、各个部门，要有明确的方向性、指导性、预见性、规范性、统一性的指导。将工程规划引入影视动画专业，可以使用合适的人员、装备和资金做出合适的效果。由于动画是一门综合了技术与艺术的学科，它将编剧、导演、美术、音乐音效、后期特效等学科内容综合于一体，形成一个庞大的工程，所以它要求极高的合作性、流程性。因此，好的工程规划可以避免动画制作过程中大量的人力、物力、财力等资源的浪费，并且在最短的时间内用最低的制作成本制作出质量最高的动画片。

影视动画的工程规划包含前期策划、中期策划、后期发行、衍生产品开发等系列规划。如，前期策划包括动画制作前对市场的调研、剧本的编写、发行的规划、美术设定（包括人物设定、场景设定等）；中期策划主要是动画制作过程中，在特定的人力、财力、影片精度要求下，让动画片保质保量的生产策划；后期发行策划主要是对频道播出、院线上映、图书开发等发行渠道的策划；衍生产品开发策划主要是对动画角色的玩偶、图标等的商业开发策划。目前，国内的动画产业与国外的动画产业相比，在笔者看来，存在以下几个问题：其一，没有完整的产业链。我国的动画制作模式多为单一的动画公司制作，前后端缺失，单单把已经承载了制作压力的动画公司推到风口浪尖处承受巨大压力，整条产业链存在巨大的市场风险，导致动画公司成长缓慢并且数量少。其二，相比于美国、日本、韩国等国家，我国对于原创动画作品的支持力度不够。其三，动画市场还把动画定义为低幼儿童观看的节目，不注重成人市场，使国内的青少年成为美国、日本动画作品的消费主力。第四，国内动漫制作没有专业的工程规划，导致出现了一些高投入低回报的动画作品。在国外，如日本的动画学院中，有专门的“动画制作”学科，在美国有“动画制片”专业。

这些学科、专业主要是让学生对动画行业有一个清晰的概览，学习从动画项目提出到动画创意到出片的整个过程。制片人要学习动画项目生产的过程以及如何有效衔接每一个阶段，协调各部门、各成员间的制作沟通。相对于国外，动画制作以往在国内高校中并没有受到重视，甚至被忽视，导致我国动画制作团队中不缺绘画高手，缺的是对一部动画作品制作的总体规划安排的人员。幸运的是，近些年来，工程规划逐渐受到了高校动画专业和动画行业的普遍重视。工程规划在影视动画制片中运用于前期策划、中期策划、后期发行、衍生产品开发等各个环节。影视动画制片不仅要从动画专业的艺术手法和技术出发，还必须从绘画基本功、表演、动画的制作流程、相关的软件技术、视听语言、部分的剧作知识甚至是团队管理出发。除此之外，其还需要了解动画营销方面的知识。国内首屈一指的3D技术先锋制作公司的执行董事在接受采访时曾说过：“动画的制片需要有策划学、美学、管理学、营销学、设计学、传播学、心理学等学科内容作为支撑平台。这样才能对症下药，制定出有效的工程规划来推进动画的制作。”

由此可见，不能轻视影视动画的工程规划难度。由此可见，有良好的工程规划才能让动画片制作各个部门的工作有条不紊地完成，才能有助于形成完整的产业链，使动画作品在获得最大利益的同时，也能创立自己的品牌，繁荣国内的动漫市场。

作者：任思晓

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随着互联网技术的不断发展，电子媒介时代成为了20世纪主要的发展趋势，并且具有一定的应用意义，与其他发达国家相比，我国在电子媒介发展方面比较落后，直到现阶段数字媒介时代的到来，电子媒介真正的应用价值才得到彰显，从正面以及方面角度进行研究，我们都不难发现数字媒介对儿童产生的影响也具有一定的双面性，成长将不同的意识内容进行了有效的衔接，影响了人们生活的方方面面，为动画的发展提供了一定的便利[2]。其次，儿童在观看的过程中能够充分与动画形象人物产生一定的情感共鸣，从根本上来说，我们也可以发现儿童在观看的过程中经常会将虚拟与现实混淆。其次，通过数字媒介这种有效的沟通渠道，对动画产品进行合理的改变，通过图像来进行人物塑造和设计。

（二）数字媒介时代的动画展演

数字媒介的发展在一定程度上对动画事业的发展发挥了促进作用，展现了媒介应用的真正价值和意义，其次，在虚拟和真实进行结合的过程中，媒介时代动画的展现形式在一定程度上满足了现阶段空间体验的即时需求，并在现实生活中得到了广泛的应用，在一定程度上影响了人们思考问题的方式。由此可见，动画艺术在实际的发展应用中，不仅展现了自身的价值而且还发挥了一定的传播作用，并不断充斥着动画意识展演的内容，对我们的私人生活和社会发展产生了一定的影响。

二、动画产业的跨界发展

（一）景观社会的影像生产和消费

数字媒介从根本上提高了动画产业的视觉画面效果，从各个角度来看，数字媒介对整个动画产品中的生产和消费的发展产生了一定的影响，在动画的创作初期，创作内容主要根据创作模式的不同，将其分为实验和商业动画两种形式[3]。从客观角度来说，实验动画在很大程度上并不是依靠现阶段的商业模式开展的一种创作模式，也并不是将最终的消费作为发展目标，更多程度上归属于一种专业性的行业研究，现阶段随着新媒介的数字发展，很多新兴的传播应用手段应运而生，例如，视频网站，微信，QQ等传播方式，这些数量和形式较为新颖的传播模式形成了一种景观社会理论。因此，在动画艺术的创作过程中应该确定正确的景观社会理论发展方向，形成正确的价值观，促进影像的生产和消费。

（二）动画产业跨界发展的反思与挑战

从动画产业创作的角度出发，我们不难发现，现阶段的数字媒介发展动画制作在很大程度上是以社会大众的审美标准为主要的出发点，在增强视觉效果的同时，紧跟快节奏的社会发展步伐。在这种创作环境的影响下，我国动画制作打破了传统技术应用的限制，赋予了动画产业创作的多样性和多元性发展特点，但是从客观角度出发，数字媒介也并不是万能的解决方法，只有在现有的基础上，提高技术水平，并且利用自身的发展优势，才能整体提高动画视觉效果，凸显自身独特的动画产业跨界发展特点，实现可持续发展目标。

篇10

2新媒体时代手绘动画个性化的实践

在新媒体时代，加强新媒体与手绘的结合，是动画发展的必然选择。手绘动画一直以其独特的艺术表现力在动画中占据重要的地位，加强新媒体与手绘的结合，运用现代化的技术设备和技术能够有效地提高手绘绘画的表现力和感染力，使手绘绘画更加的生动，更具有个性。手绘作为三维动画的基础，在手绘的基础上不断地完善和发展，通过结合手绘绘画的绘画性和动作规律使三维动画更觉有表现力和感染力，而且，加强二维手绘动画与三维动画技术的结合，可以有效地改善手绘动画中存在的一些不利的因素，使动画更具有空间感，充分展示动画的艺术性。而在新媒体时代手绘动画个性化的实践主要是表现在以下的几个方面：

2.1手绘绘画与三维技术结合。

手绘动画的绘画性使动画更具有表现力和亲切感，艺术质感强烈，而二维技术又具有多层次的表现形式和表现方法，具有规律性。在新媒体时代，加强二维技术和三维技术的结合成了动画发展的一个新的方向，技术与工艺的结合使动画具备了艺术感和空间，更立体，更具有表现力和感染力。手绘绘画的表现方法与三维技术的融合，同时加入一些音乐元素，使整个绘画充满了生机，画面改变了以往的呆板和单调，生动而形象，并且改变了空间对画面的约束，使整个画面具有了动感，将传统艺术与现代艺术的结合，丰富动画内容，提高动画的保表现力。同时，在动作和夸张程度方面，手工绘画也做出很大的改变，动作流程自然、规律，使整个动画风格灵动、活泼。

2.2手绘动画与网络传播结合。

手绘动画与网络传播结合，提高了手绘动画的传播力度。而Flash作为一种典型的网络语言，简单易学，能够自然地展示出个性特色和抒感，通过Flash语言将艺术通过网络与大众分享，提高大众对艺术的认可度。

2.3手绘动画与本土文化的结合。

民族的就是世界的，而本土的就是民族的。本土文化象征一个地区的特色。它既是对历史的一种传承，同时也是现代化文化发展的一种诠释。加强手工绘画与本土文化的结合，能够有效地将传统文化发扬光大，同时，结合现代化的发展，在传统文化基础上不断地创新和改革，使手工绘画具有独特的艺术个性魅力。