美术色彩论文模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇美术色彩论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

中学生一般都具有活泼好动的特点，教师可以针对这一特点来开展教学。美术是一种标新形式比较强的课程，通过画作可以直接观察出一个人内心的想法，可以更直接表现出一个人的内心情绪。通过作画可以帮助一个人更容易提升思维能力以及对周围事物的观察能力。例如，教师在进行美术教学时，可以拿出自己画的一幅“课间十分钟”的图画，向学生传达一种愉悦的状态，画中每个学生都是不同的，穿红色衣服是活动比较积极的学生晓丽，穿绿色衣服是大家的开心果萌萌，另外一个穿黄色衣服的是比较文静的明敏。教师让学生观察整幅画作并让学生思考，为什么老师用色彩将大家都区分开了呢？学生就会想因为大家喜欢的颜色不一样，教师继续引导为什么大家喜欢的颜色不一样呢？和大家的性格有关系吗？这样学生就逐渐明白原来色彩不但能代表树木、房子这些能看见的物体，还能表现出每个人不同的性格。这时候教师就可以引导学生去创作自己心目中的同学、教师，每个学生的想法都不一样，这样即使画的是同一个人选用的颜色也有区别。在学生创作完成后教师可以请几位学生对自己的画作进行讲解，为什么要选用这个颜色呢？你心目中的他是什么性格呢？在这个过程中教师逐渐引导学生走出传统对色彩认知的禁锢，对色彩的认识更深一步，拓宽了学生色彩领域，有利于学生形成自己的审美情趣。

2.为想象涂抹色彩

中学生与成人相比思维更活跃，也更天马行空，这对于人来说是一笔巨大的财富，教师在进行美术教学时必须要保护好学生具有这些财富。在美术教学中教师要改变既定的教学思想，并不是所有的苹果都是红色的，也不是所有的水都是蓝色的，要认真对待每一位学生对色彩认知观点，采取适当的教学方式引导其对色彩的认识。针对这一点教师可以开展“彩色天空”的活动，鼓励学生去积极创作，让其随意使用自己喜欢的色彩将天空画成自己的喜欢的样子，但是在最后必须要说出自己的理由。例如，有的学生将天空画成彩色的，理由是因为土地上有绿树红花把天空都映成彩色的了，这一理由不得不说精妙绝伦。通过这种方式，不断引领学生去开拓色彩领域的疆土，在色彩的大地上插上属于自己的旗帜。

3.色彩激发兴趣

中学生对周围事物往往都充满兴趣，而兴趣正式促进人不断前进的动力，在中学美术色彩教学中，教师可以根据这一点利用身边各种资源来激发学生色彩的兴趣。例如，教师了可以通过多媒体向学生呈现大红色的月亮，因为在晚上大家都睡觉没人理它，所以它生气脸红了；或者是向学生展示绿色的电脑网络，因为我们应该绿色上网，建立绿色网络世界。通过这种方式可以更有效的吸引学生对色彩的兴趣，在应用色彩作画时，也改变传统红色苹果的固定思维，进一步培养学生的发散思维。

4.为评价涂抹色彩

在中学美术色彩教学中，教师是主要引导者，在教学过程中教师通过多种教学手段来帮助学生开拓色彩世界里更大领域，帮助学生形成自己的审美情趣。在教学过程中学生会根据自己的想法来进行色彩创作，可能是中规中矩也可能是天马行空，这就需要教师根据学生特点来进行多样化的点评，在学生创作的画中寻找亮点对其进行表扬，以此来推动学生对色彩的兴趣。例如，教师可以开展“我眼中的世界”为主题的绘画比赛，让学生根据自己的想法来创作，这样学生就会跟随自己的想法去选色、着色，画出黄色的天、红色的土地、黑色的空气、白色的大楼等。教师在进行评价前认真聆听学生的选色理由以及创作灵感，并且要对作品表示肯定和赞扬。教师还可以发动生生间的评价，让每一位学生都成为教师，在讲述、聆听的过程中获取对色彩新的认识，培养学生形成具有个人特色的审美情趣。

篇2

二、美术设计中可对民间艺术的选用

（一）民间色彩

我国的民间美术具有悠久的文化历史和人文内涵，其在色彩的选用上更是五彩斑斓，富有深意。就像瑞士心理学家卡尔．琼曾说的：“色彩是潜意识的母亲，它可以唤起人们早已忘怀的记忆和情感。”奇妙的色彩语言在民间美术中的运用凸显艺术的文化性，是创作者与受众进行交流对话的语言形式之一，具有装饰、象征、寄托等多重功能。民间色彩的应用不是纯粹的随心而定，根据情感来搭配，而更多的是在生产活动与社会交往中形成的一些定式方向。如古人在色彩观念中形成的阴阳五行说和趋吉避凶的世俗心理，或是对单种颜色的色彩崇拜。现代社会是视觉时代，而色彩在视觉中带给人更多的情感导向，让人在第一感官中产生或明快，或沉静，或绚丽，或素雅的印象，与人们的生活紧密相连。服装的颜色、建筑的颜色、商品的颜色甚至是整个城市的颜色基调，很大一部分都需要色彩的仔细搭配。美术设计作为以视觉为主的艺术设计形式，更需要来自民间色彩搭配的借鉴。

1、单色崇拜

人类对色彩的最初认识就是从单色开始的，根据科学调查，人类从婴儿时期开始识别黑白两色，也就是说从出生开始到4月后，人眼中的世界从主观认识上是如同黑白电影一般的，到后来随着各项身体机能的成长才逐渐识别到其他颜色。而黑白两色的简单搭配，也被赋予了“一生二，二生三，三生万物”的八卦变化。“夏尚黑、殷尚白、周尚赤”，到了秦朝，秦始皇统一六国之后认为：“今秦变周，水德之时。昔秦文公出猎，获黑龙，此水德之瑞。”于是秦更命河曰：“德水。”“以冬十月为年首，色上黑，度六为名，音上大吕，事统上法。（《史记•封禅书》）”又回到了黑色崇拜。人们对某种颜色的喜爱似乎代表了某个时代的特殊印记，确又在历史的前进中周而复始。在现代美术设计中，设计师总是利用色彩的视觉冲击来吸引观者的注意，而单色所彰显的精炼感能带给受众更丰富的内容和更强的冲击力，对主题所要表达的情感以简单直白的形式呈现给大众。民间色彩中所流露出的简洁、鲜明、响亮让现代美术设计增加几分“少即是多”的美感。一来可以表明艺术品的整体基调，二来通过人们对民间色彩含义的某些固定印象，完成对信息的传递与输出。

2、五彩彰施

从单色到五色，人们将颜色与阴阳五行学说结合在了一起，成为认识天地、自然与与神灵相接的重要思想。我国传统的五色是指：“青、赤、黄、白、黑”，与古代朴素的唯物主义理论“五行说”相对应，如董仲舒在《春秋繁露．五行之义》中所提到的：“木居左，金居右，火居前，水居后，土居中央。”就是将五种颜色配以五行的对应说法。因为五行之说是相生相克的，所以在颜色的搭配上也有诸多的可与不可。民间美术色彩的对比从色相上来说跨度很大，而且多使用补色、冷暖对比，显得较为浓烈或夸张，极具表现力。如在民间木板年画的色彩应用中，为了让整个色调更加有节日的喜庆效果，用“红配黄，喜煞娘。”等搭配方式，让红色从侧面引发人对火的联想加上黄色的亮眼，无形中就将我国传统节日的气氛表现了出来。现代美术设计过程中，充分借鉴民间色彩搭配，能对文化内涵有更深刻的认识，如一些复古的服装服饰，将现代工艺之美搭配上民间色彩的绚丽，创造出极具本国特色的民族服饰。又比如在广告设计中加入各种民族色彩标签，将城市所象征的颜色作为某种文化输出，实例是北京的出租车就将黄色作为基本色，与北京“皇城”的身份相匹配，然后选择四方的八种色，代表祖国的四面八方。

（二）民间艺术造型

民间美术作为一种造型艺术，呈现给大众的不仅仅是奇特、宽博的造型方式，同时也包括了在进行这项运作时所剖析到的创作手段、社会背景、文化内涵、民族情怀等等。艺术造型是千人千面的，极富有想象力和主观能动性，但会通过相互影响而在某一地区形成独特的定势。但从创作的思维方式上来说，中国民间艺术造型也与世界其他国家的艺术造型有共同点，如法国、苏联等地出土的“丰产女神”像与我国辽宁红山文化女神裸像有异曲同工之妙。就像一位先哲所说：“人类趟过的是同一条河流。”即便如此，各个地区的人民也因各种因素的影响，还是呈现出多元化的艺术状态。中国民间造型艺术迎合着古代历史文化的潮流，展现出不同寻常独特的魅力。“以大为美”、“以生为本”、“对称性特征”、“造型的完整”是本国民间艺术造型的几项特点，也为本国的各类造型艺术提供了丰富的涵义，如比喻剪纸中出现的“双鱼石榴”、“莲花娃娃”，泥塑中出现的“虎头帽”、“猪头鞋”等等，都从坦诚的反映出民间劳动者对生命、自然的真挚情感。在现代文明高度发展的今天，我们越来越开始关注文化的民族性和本土化，在诸多的现代商品中，在功能作用得到极大满足的前提下，人们逐渐返回到对产品的传统性、手工性及自然感的关注，如一些以现代人物、生活为题材的新年画报又重新回到了人们的生活中，还有一些传统造型的商品以新材料仿旧制造后又成为人们的陈设把玩。现代美术设计在点、线、面的分割组合中需要图形本身包含的涵义和文化来支撑。

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2.民间美术色彩民间美术存在于中华民族的传统文化中，体现了以劳动力为主的老百姓在劳动、生产之余通过结合现实与想象而创造的一种反应生活的艺术形式，这种艺术形式体现了人们朴实、温馨、自由的思想和民俗民风，是民族最具特色及本土文化精神的组成部分。民间美术融想象和现实、精神和物质、审美与实际为一体，不仅选择性保留了原始艺术的特质，也是民族传统文化的基本特性的载体，因此，多数或高雅、或淳朴的文化，均以此为基础发展而来3。民间美术色彩是装饰艺术产品的主要形式，来源于生活中人们本能性的审美习惯和审美准则，因而具有自由、自然的特点。民间美术色彩的应用，基于人们对现实生活的体会，也是现实生活的升华，因此其作品所体现的色彩较为鲜艳且自然，人们偏向于选用鲜明且对视觉具有强烈冲击性的色彩，以使作品真正体现旺盛的原始生命力。

二、现代艺术设计与民间美术色彩的结合

1.民间美术色彩是现代艺术设计的本源民间美术色彩在民间的传承历史久远，在缺乏丰富物质的民间，不断地补充着劳动者心灵的空缺，蕴藏着中华民族传统文化最根本的内涵。民间美术色彩的主打颜色是大红色，此外在色彩的选择中均与主打色一样充满原始和强烈的生命力，淳朴与自然的艺术魅力，且奔放而又不失婉约，在中华民间历史长河中不停地散放光彩、充实平民百姓的精神世界。因而在充满竞争力、物质化、科学性的现代艺术设计中，民间美术神秘的色彩必定成为最宝贵的源泉和灵感，即是说，民间美术色彩是现代艺术设计的本源，二者之间存在必然的联系，没有民间美术色彩作为基奠，现代艺术设计作品只是外表华丽的一副空壳，无实在意义。

2.民间美术色彩为现代艺术设计提供想象空间民间美术的丰富多样，不仅为现代艺术的设计提供了源源不断的灵感，同时也有很大的启发作用，从多个层面及多种角度拓展了现代艺术设计的创新意识和想象空间。例如民间常见的美术作品窗花，劳动人民通过与实际生活、丰富想象及心灵手巧的结合，巧妙地构造并剪裁出极具艺术气息又贴近生活的作品。美丽的窗花中，不仅体现了劳动人民的智慧，也体现了劳动人民丰富的联想和想象，这些方面很好的为现代艺术设计提供了获取创造力和想象力的技巧。民间美术色彩促使人们注意观察生活，结合现实拓展思维想象力，完美的现代艺术作品需要民间美术色彩提供更丰富的想象空间。

3.现代艺术设计与民间美术色彩具有共通性现代艺术设计与民间美术色彩之所以能够完美的结合，离不开它们之间存在的许多共通性，现代艺术设计需要鲜明的民间美术色彩来进行强而有力的补充。民间美术极其重视色彩的搭配和应用以及其中蕴涵的意味，并崇尚丰富多彩的视觉效果，因此受到了较多社会文化环境及文化意识的影响。现代艺术设计中，色彩是必不可少的成分，是补充艺术作品美感的最重要的视觉因素。现代艺术设计需要借鉴和应用民间美术色彩的寓意性和象征性，在社会历史文化观念的基础上，汲取其精华，更完整地将色彩表现于现代化艺术设计作品中，所以，两者之间色彩的选择存在共通性。此外，在民间美术中，人文精神无处不在，劳动人民对生活和生命的热爱、对未来的向往和愿望，无不通过色彩使之体现。而随着科技的发展和网络时代的到来，现代的艺术设计与人类本质属性渐行渐远，容易将这一点忽略。因此，在现代艺术设计的作品中，应该注重艺术与人文情怀的结合，民间美术色彩所表现的具有重大价值的人文内涵，也是现代艺术设计最应具备的。

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二、色彩教学在小学美术教育中的应用

（一）激发学生对色彩的认知能力

色彩教学在小学美术课程教学中占有重要的地位，假若不能吸引学生注意力，将使得这一课程失去了原本的意义。在实际教学过程中，需要从美术工具的认识上来促进学生对色彩的理解，对于年龄较小的学生来说，可以通过日常生活中能够接触到的物体对色彩进行分辨和学习，通过这样一种方式，学生很容易产生对美的情感，并积极参与到课堂教学中来；此外，也可以通过“游戏”设置来引领学生感知色彩的变化，在美术活动中，鼓励学生自主选择颜色进行搭配，充分激发学生对色彩的认知能力；在课外活动中，拓展学生对色彩的感受与愿望，小学生是活泼好动的，他们更希望从大自然中来感受色彩的变化，为此可借助于课外活动，引领学生感受蓝天、绿水、四季等的变化，帮助学生体验色彩的美感。

（二）帮助学生更好地掌握世界

色彩对人是具有一定的影响的，既具有普遍性又具有特殊性。年龄较小的孩子由于大脑的发育并不完全，对色彩的辨识能力有限，而对于鲜艳的色彩却表现出强烈的好奇，小学阶段的学生正是色彩心理敏感时期，男生多喜欢冷色系的蓝色和绿色，而女生多喜欢暖色系的粉色或红色，由此便可判断出他们在日常生活中的某种心理倾向。例如，对于偏爱红色的学生，其感情较为细腻，具有一定的好强心，对任何事物总是好奇的追问，性格开朗、热情奔放；对于偏爱黄色的学生来说，他们的性格偏向于热情，在外人面前会表现得很有自信，反应较为灵敏，做事比较积极、主动，具有团队精神等等，可以说，通过对喜欢不同色彩进行分析，能够判断出学生的性格、喜好等具有典型的特点。因此，在美术教学中，利用这种色彩心理效应，完全可以因势利导地帮助学生更好的成长，使学生的优点充分发挥出来，通过扬长避短的方式，让学生更好地成长。

三、提高学生的色彩教学质量的具体途径

（一）掌握色彩的观察方法

对于色彩的观看是观察的一种，就拿红色来说，不论红色的物体受什么环境色影响，起什么变化，只是孤立、抽象地观察物体的固有色，这种观察色彩的方法一般用于装饰色彩绘画中。但是，对于不同的为物体，不同的角度会出现不同的理解，同一个物体，因作者观看的角度不同，便会得出不同的形象，比如，正方形的物体因作画者和物体的角度不同，可以看成梯形的透视形，换一个角度也可看成近于平行四边形或菱形的透视形。观察色彩也是如此，一定要将对象、光源和环境三者作为不可分割的整体来观察、比较，要让学生学会从对色彩的诸要素的对比联系中来把握色彩的变化。这种观察方法是造型艺术的技术基础，但也包含了审美的基础，因为色彩美是色彩的整体效果，体现在色彩的关系之中。

（二）正确引导学生观察生活中的色彩

艺术离不开生活，美术也不例外，对于美术教育的学习可以借助许多生活中的细节元素，更好的认识到美术构图中的关键元素，也可以更好地把握生活周遭的事物色彩。当然，美术学习过程漫长，量的积累是为质的转变做准备，美术的学习便是为今后美术的发展做准备，美术终将归于生活。在小学的美术学习阶段，教师应当引导学生们学会观察生活中与美术相关的细节，对生活当中的事物以及自然界的生物都拥有一个明确的认知概念。

（三）结合实践，联系生活

小学生在进行美术学习的过程中，常常会对某一美术作品进行赏析，最为常见的便是对名画进行鉴赏，针对此，教师可以适当在美术课程当中涉及名画赏析，学生们在学习的过程中，会真正切身感受到作者想要表达的思想情愫，更好地理解与掌握这些美术作品的思想内涵。

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2煤矿绿色开采的技术体系

煤矿绿色开采技术从广义上讲是在开采时要尽可能降低对环境和其他资源的污染等不良影响，从而获得最大的经济效益和社会效益。具体讲，煤矿绿色开采技术体系主要包括以下内容:首先是“保水技术”，即对水资源的保护。其次是通过离层注浆、填充和条带开采来保护土地资源和建筑物。第三点是安全合理地从矿井保护层及安全面抽取大量瓦斯，避免施工时发生突发爆炸等危险，同时也达到了煤矿与瓦斯共同开采的目的。第四，为了保护煤层巷道安全的支护技术与减少矸石排放的技术。第五，地下气化技术。这五种技术共同构成了煤矿绿色开采技术整体体系。实际上，由于煤矿开采所导致的环境变化与安全问题都和开采后所造成的地质岩层运动有关，因为岩体岩层被开采所破坏。所以煤矿的绿色开采技术主要要基于以下几点理论来展开，首先就是开采之后岩层内可能存在的“节理裂隙场”分布和离层规律。其次是岩体由于受到应力而被破坏，所以必须通过岩层的控制技术来保证岩体不会被进一步破坏。最后是要研究开采对岩层地表移动所造成的影响规律。

3绿色开采技术的应用实践

3．1关键层理论

岩层在煤矿开采时受到巨大应力，导致被破坏，所以必须采用控制技术来保护岩层。近年来为了突破这一难题，岩层的关键层理论应运而生。关键层理论之所以被提出，就是为了研究覆岩中硬度较高的厚硬岩层可能在开采过程中出现的节理裂隙，这些裂隙的分布对瓦斯抽放、保水工程以及开采沉降控制可能产生影响。所以，关键层理论可以被视为煤矿绿色开采技术的理论基础。

3．2卸压瓦斯抽放方案的优化

经过不断的实践得出结论，如果煤层开采导致岩层出现移动，即便是渗透率极低的煤层，其渗透率也会骤增数十倍甚至百倍，这就为煤层的气送运移及开采创造了条件，所以煤层的瓦斯抽放应该是我国煤矿绿色开采技术的主要途径之一。因为煤矿绿色开采技术与关键层理论的核心思想就是将煤层气作为一种资源充分利用于采煤过程中，通过岩层的移动和对瓦斯抽放的卸压作用来优化抽放方案，进而提高瓦斯的抽出率。所以要做到煤炭与煤层气的双向共采，就必须在开采过程中形成采瓦斯和采煤两套系统。借助岩层运动的规律与关键层理论中节理裂隙场的分布规律来抽放瓦斯。

3．3具体实践应用

通过关键层理论中的采动裂隙分布规律，建立了抽放瓦斯的O形圈理论，在我国淮南、阳泉等重要矿区已经投入试验和应用，O形圈理论也是瓦斯抽放钻孔位置选择布置的理论依据。另外，邻层开采煤层的下位关键层会产生破断运动，这种运动有利于控制煤层裂隙的发育。例如阳泉3矿的13煤综放面，初期开采时它的上邻近层在瓦斯卸压及抽放时会遵循抽放孔巷随着开采进程由采空区中部移动到O形圈内的规律。所以阳泉3矿13煤的综放面邻近层的瓦斯卸压就应该采取瓦斯向高抽巷布置的方案进行优化。最后是煤炭的地下气化技术，这是一种整体性很强的绿色开采技术。它对于水资源的保护很看重，比如通过对煤炭进行控制性燃烧来控制地下煤炭气化所产生的苯与酚对地下水资源的污染，以及因为煤炭燃烧所形成的二氧化碳的抽放处理等等。

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这几年来，我一直从事中等美术教学，上素描和色彩课时，往往被一种现象困扰着：学生中有相当一部分人连素描色彩最基本的东西没弄清楚。这到底是怎么回事呢?我觉得是美术教材中欠缺一套完整的、科学的，行之有效的基础方法。我们知道，艺术是能“教”的，而技术是可教会的。但是，我们的课本很少谈到技法问题，因而上课老师也不能很好地把这些技法传授给学生，帮助他们在美术领域里向前走，都是过而忘之。

我毕业实习前，老师给我们放一组幻灯片，感触很深的是：片中有一组上课时的学生习作，约十几张。第一张是副非常写实的水粉风景，然后逐渐过渡到色彩和形的分离，到最后一张已经面目全非，成为其它的系列作业。从中我们清楚地看到其教学的科学性，他们通过一系列精心安排的教材，把笼统的、复杂的、虚的艺术问题分解为一连串较简单的、看得见摸得着的、实实在在的课程，每个单元都有具体明确的目的要求，学生在学校学完这些课程以后，能较好地掌握习作的基本方法，达到预期的教学目的、教学方法。也就是说，没有明确地把素描这门复杂的课程分解为一个个具体的单元，把构成素描的各种因素单抽出来，并设计相应的作业，由易到难，循序渐进，使教师和学生能逐一解决。我们现在的素描教学，虽然也是按循序渐进的原则安排的，但课程基本上是按所画对象的简与繁、易与难进行设置。

当然，现在有不少教师自觉或不自觉地在教学中采用了分解难题的办法。但是，在大多数情况下，无论是一年级还是二年级，学生都是在教室里照着书画，让学生照着画时去“悟”。悟性高的学生，遇到了好老师，可能也没有能掌握最基本的要领。再不就是只讲哪儿长、哪儿短、哪儿亮、哪儿暗，弄得学生不知所措。从一开始就用全因素的标准要求学生，而没让他们象学徒那样从每一具基本的技法性问题入手，从每一个最简单的要求做起。

有一句老话“先学会走，再学跑”。但我们的教材教学使相当一部分学生永远只会“走”，只会跟着老师画，被动临摹；而学生又性急，一开始就想“跑”。我们的教学技法，应该让学生“走”的时候想到“跑”，为了“跑”得更快而学会一步一步的“走”。要目的明确，分阶段逐步达到。

另外，在绘画色彩教学教材的相当范围内，还继续着师傅带徒弟的作风。这有好的一面，就是说老师的风范及对艺术探索之精神会无形中传给学生。也有不好的一面，由于教师的知识量及艺术趣味的限度，容易使学生思路狭隘，不利于学生发展。

所以，我们的色彩教学，应该怎样教，才能更有利于教学，怎样做才能更好地引导学生，为他们走向艺术打下坚实的基础，的确是我们应该认真思考的、刻不容缓的问题。

我在多年教学工作中，时常反思以往的学习，并认真学习了当今色彩教学的动向，待静下来后，却感到一片茫然。现在的教学与几年前的老师教学相比，并没有什么变化。当然，我认为并非变就好，不变就不好。只是觉得，目前，在中师色彩教材中存在随意谈谈形象、明暗、冷暖等，仅从词义上简单讲讲，却不去研究色彩自身的客观规律的现象。而在我国艺术蓬勃发展，众多思潮循环往复的今天，就更难得有谁系统谈谈色彩规律及教学问题了。

省师范科成立了美术课改中心组，以写实或抽象等面貌特点相互区别，但是不管做什么，在对色彩的认识与处理原则上，却都是有共同规律的。而我们是不是引导学生去研究这些具有普遍意义的问题。

现在，一些教师对学生色彩教学做了一些改革，比如，上学生参与课题布置，专门学习色彩构成等等，但这还远不能令人满意。因为构成规律是从规律当中提出的规律，普遍性过强，个性不足，未免有些远离自然，略有生硬之感。如果放任学生自己安排课题，只重个性，又觉得有些草率。参与本身虽然可以刺激学生作画的主动性，但学生仅仅是画了一张自己认为有趣的画，并没有在课题中发现，理解和系统地解决什么。这又过于自由，失去了教学的严谨性。我们不能仅仅把学生培养成照虎画虎，照猫画猫，或是东抹西抹，似乎就是前卫，别的什么也不学不管的人。这对学生是不负责任的，只会助长学生的惰性，压抑了学生的创造性和对各种风格与表现方法的探求精神。我想，如果让学生的才华得到真正的自由发展，真正地把他们的创造力激发出来，就必须引导他们走一条科学、严谨的治学之路。为今后走上美术教育打下坚实的基础。

我们暂时抛开学校教学不谈，回顾一下以往的大师们没有哪一个不是认真研究自然，从自然中发现规律，并在自己的艺术实践中充分体现的。文艺复兴盛期时大师达，芬奇就是认真研究了15世纪大师的色彩与构图之后，一改以往的线性透视中所追求的用平面来排列，而用以中心点出发的透视方法。也就是我们现在所用的焦点透视法。在色彩上也改变了以往平板、单纯的色相对比，而把明暗对比的全部色域引入他的作品中。如在《岩洞圣母》与《施洗者约翰》等作品中，都是从明暗处理的角度抑制了色彩的对比效果，突出了明暗效果，从而扩展了明度领域。这个巧妙变异的技巧，成了今天的明暗对比法。由此可见，历代的大师没有哪一个不认真研究前辈大师及艺术规律的。正是由于他们的苦心经营，人类的文化艺术史才有了今天的背景，给艺术研究与发展创造了各种可能性。这也是我们今天要加以研究，加以继承与发展的东西。

色彩教育，应该从学习那天起，就让受教育者认识艺术规律及自然规律，并在科学、系统的指导下，对色彩学的系列问题进行认真练习。教师的责任则是系统、明晰地引导学生研究训练这些课题。从而使他们通过对色彩的学习，领悟色彩艺术的真谛。可是在中师的色彩教材中，欠缺系统的理论，教师多凭自身的经验(有的是不合格的经验)来教学，因此，教学的效果并不那么理想。

色彩教学，应该着重训练色彩自身的艺术规律，把色彩系列对比及美学理论等课题逐个加以解决，在色彩对比的课题中，我们是否可以从色相对比与绘画的角度开始研究呢?

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二、中国传统美术色彩

中国传统美术色彩是中国传统美术作品的要素之一，它的构成受中国传统的哲学思想和文化思想所影响。其中的五色体系就是用五种色彩将世间万种色彩概括分类，使得色彩分类化、条理化、也具体化。这五种色彩就是指青、黄、赤、白、黑。五色体系与儒家的学术相结合，把这五种色视为权威与尊严的象征，而这五种色为基色相互调和所产生的颜色如黑白调和的灰色则代表的是卑微。这就使得色彩跟社会的阶层有了很大的关联，如皇帝的衣服和发饰，用的就是黄色。在民间传统中，用红色代表吉利喜庆，如新娘出嫁之时穿的就是红色带绣的嫁衣。而在道家的思想里，崇尚黑白两色。因为黑白两色是色彩的两个极端，代表着“有”跟“无”这两个事物发展的极端，这样一个概念正好与道家认为的“有无相生”的观念相符合。另外，道家追求“寡欲”，色调是简朴淡雅的，因此，黑白两色正能符合道家人的色彩追求。中国水墨画境界多是由灰色构成，它的发展是受道家色彩所影响的，因为灰色就是由黑白两色混合后调制而成。中国传统色彩还包括佛家的传统色彩。佛家的色彩大都绚丽，盛唐时候的壁画就能说明其色调的运用。它的色彩运用一般采用冷暖色调的对比来突出画面的辉煌。因此，金色、朱红、青绿等色彩为多。这些传统色彩为今后中国的艺术事业发展有着重大的影响。

三、传统美术色彩在中国平面设计中的应用

色彩的运用对于平面设计是非常重要的，创作者需要了解每种色彩带来的感官感受。以下就是传统美术色彩在中国平面设计中的具体应用：

（一）五色带来的象征意义在中国平面设计中的应用由上述对传统色彩的内容分析可以知道中国古代对于万色的五色概括，这五种颜色的应用不止对传统艺术有重要作用，对于现代平面设计更是有着决定性的意义。五色的象征性在平面设计上的运用对感官和心理都有着重大的影响。如黄色带来的高贵、红色带来的祥瑞、黑白两色隐示的不祥之意等给了设计作者充分运用的空间，通过色彩给不同的设计作品赋予不同的含义，让欣赏者能够获得不同的心理体验和美观感受。除此之外，这些色彩的象征含义在作品中的运用还可以反映作者的思想感情。

（二）色彩的“有无”思想在平面设计中的应用道家对于黑白两色是具有推崇之意的。因此抛掉儒家对于黑白两色的不祥之意，我们可以引入道家的思想，即白的虚无之意、黑的玄妙之意运用到平面设计中去。因此在与其他色彩的搭配使用中，白色有了简洁、纯净之感，黑色则有了高贵、厚重之感。白色可以为雪花、白云等大自然的特定景观的代表，在平面设计中运用白色也能够把大自然定景观的感受带到画面中来。而黑色，在笔画勾勒中具有简约、清楚的特点，在水墨画中更加体现它的浓重之彩，单调中不失典雅。这些色彩上的感官感受给欣赏者带来的体验必定是独一无二、独具特色的。

（三）色彩相互调和构成的色素意义在平面设计中的应用这一方面主要是在于通过五种基色的相互调和而形成的色彩的应用，世间万物色彩繁多，由五种基色调和出来的其他或绚丽或温和的色彩相互搭配，能够更加显出独特的感受。在所有色系中，根据色彩给人带来的心理感受，可以分为冷色系和暖色系。如蓝色和紫色则属冷色系，红色和黄色则属暖色系。两种色系的相互搭配运用，形成强烈的色相对比。这也是传统色彩中最常运用的手法，如盛唐时期的壁画色彩绚丽，并非都是由红色、黄色等暖色系造成的绚丽感，而是通过冷色系与暖色系两种色系形成一种鲜明和强烈的对比，从而给欣赏者带来绮丽的感受

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绵竹年画,作为四川地区第一批国家级非物质文化遗产项目,它与天津杨柳青、山东潍坊、江苏桃花坞年画齐名,被誉“中国年画四大家”。绵竹年画起源于北宋、兴于明代、盛于清代。绵竹年画内容广泛、品类繁多,如:避邪迎祥、历史人物、戏曲故事、民俗民风、名人字画、花鸟虫魚等。从风格上讲,它传承了唐代年画由画师手工画成的技法,同时还继承了宋代的雕版印刷术的技术。从形式看,绵竹年画分为斗方、横披、中堂、条屏等,与国画的分幅相近。从表现手法上看,绵竹年画在用纸、用笔、用色上也别具一格,比如传统绵竹年画使用的粉笺纸与鸳鸯笔,都是极具当地特色的独有工具。

绵竹年画分红货、黑货两大类。红货指彩绘年画,包括门画、斗方、画条。其中门画制作手法多样:细活有“明展明挂”、“印金”、“钩金”、“花金”;粗活有“常行”、“水墨”、“填水脚”。画条,分中堂、条屏、横推、单条等,供厅堂、居室、走廊及牲畜圈等张贴之用。门画有大毛、二毛、三毛等大小之分,贴大门、厅门、房门、灶门之用。黑货,是指以烟墨或朱砂拓印的木版拓片,多为山水、花鸟、神像及名人字画,此类以中堂、条屏居多。WWw.133229.Com

绵竹年画在制作时和中国其他年画一样首先要刻成线版,但绵竹年画区别于其他年画的最大绝妙是,其刻于梨花木的板子印拓成的黑线版只起轮廓作用,成画时全靠人工彩绘,从不套色制作,因此同一个线版的年画经不同的艺人、甚至同一艺人不同的力道心情的彩绘,也会呈现出“同形不同色”的风格趣味,绝无重复。

绵竹年画以彩绘见长,具有浓厚的民族特点和鲜明的地方特色。绵竹年画构图讲求对称、完整、饱满,主次分明,多样统一;在颜色上使用的也是民间染料,色彩上的处理是别具一格的,主色强调黄丹、佛青、桃红、草绿,辅色则包含了猩红、天蓝等,运用色相和色度的对比,极富单纯强烈的民间特色。绵竹年画设色单纯而艳丽,浓重而明快,对比而和谐,构成红火、热烈的艺术效果。

绵竹年画独特的色彩选择还表现在“一黑二白三金黄,五颜六色穿衣裳”。指的就是绵竹年画的彩绘过程:“一黑”指的是黑线版,“二白”指的是人物手脸底色及靴底作白,“三金黄”指的是衣冠及人物道具的橙黄色,而“五颜六色穿衣裳”,则指的是年画中的人物服色,采用了洋红、桃红、黄丹、佛青、品蓝、品绿等鲜艳且饱和的色调。同时还辅以“明展明挂”手法,借助色彩同类色深浅及阶梯变化,造成了深、浅、明、暗的过渡,增加了画面的节奏和装饰情趣。

补色、高纯度的色相对比原则,是绵竹年画色彩选择的主要倾向。年画艺人在他们的作品中无拘无束地使用着尽可能艳丽的颜色:桃红、佛青、猩红、草绿、金黄……大红大绿、又热闹、又刺激,充满生机和活力。当然,绵竹年画的色彩在表现夸张刺激、鲜艳夺目效果的同时,也非常注重色彩的统一和谐。所谓“光有大红大绿不算好,黄能托色少不了”,就表露了追求统一性的色彩意识。绵竹年画在强烈的对比中,也讲究统一和调和,艺人们常常用少量的复色:“二门子灰”、或金、银、黑、白等线、面穿插在对比强烈的色彩中间,以协调画面色调,形成“艳而不燥”的色彩风格。

绵竹年画的颜色多用矿物质色和民用染料,根据季节不同制作时调以不同成份的胶矾,使作品颜色爽朗,耐晒耐淋,经久不败色。这就形成了它的另一个特点:年画先由画师起稿,刻版师雕版,再印刷到纸上描绘。其线条只起轮廓线作用,必须以彩绘艺人按程序施彩而成。由于用色除品色(染料色)外,也兼用石色(矿物质色),因石色的覆盖力强,原有的雕刻线经不同的石色覆盖后,还须重新勾线,只是画面上的品色部分,因其色泽透明,原有的刻线虽经覆盖仍清晰可见,便不再勾线。这两种处理方式相结合,形成了绵竹年画水印与彩绘浑然一体的艺术特色。

绵竹年画历代传承的色彩选择,形成了它独特的色彩魅力,习俗赋予绵竹年画色彩以独特的“语义”,使供人娱目的色彩富有深刻的文化意蕴和丰富的历史内容。我们不难发现色彩在绵竹年画里不仅是一种视觉美感的呈现,也是情绪和情感的刺激和对应物,是积极乐观情感的宣泄。绵竹年画色彩真实反映了劳动人民的内心世界,情感体验及歌颂理想、乐观向上的浪漫主义理想。

参考文献

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[4] 廖晓伟,葛加林.绵竹年画:震不垮的田园风景[j].西南航空,2008,(12).

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色彩写生教学的基本要求，就是要培养学生掌握正确的观察和认识对象的方法。能敏锐地反映出画面鲜明的整体色彩关系和局部的色彩变化。

在课堂写生练习时，经常会遇到这样的问题，有些学生在作画之初的铺色阶段容易做到整体地观察和比较。但是进入深入刻画时却很容易陷入局部的观察。只盯着一个局部而不去和周围的环境作比较，从而造成画面色彩只有变化而没有统一，或者光有统一而缺乏变化。因此，在进行色彩写生训练时，必须掌握一个正确的观察方法，即从整体到局部，在局部与局部之间进行比较，最后再回到整体的方法。这个方法要贯穿写生的全过程。

这里所谓整体，就是画面诸要素之间相互的依存关系。例如：素描和色彩的关系，结构关系，形体关系，空间关系等等。而这些也就是绘画要表现的整体要素。

一、首先应有色调意识

色调是指画面或对象的总体色彩倾向。wWw.133229.COm也是基本色彩关系的支撑点。它包括以下几个方面：从色彩的性质分，有冷色调和暖色调；从色相上分，有红色调、黄色调、蓝绿色调等等；从明度上分，有亮色调、暗色调、灰色调等等。那么面对具体物象时，如何把握大色调呢？首先应看何种颜色占主导地位。比如，有这样一组静物，一块淡黄色的衬布作背景，前面的实物为无釉的土黄色陶罐一只，红色的苹果和橙色的桔子一盘。那么很显然这是一组黄橙色调的静物。而如果将背景衬布换成蓝色，前面的实物换成一只灰蓝色的花瓶，一盘绿色的苹果和一玻璃杯牛奶，那么就是一组蓝绿色调的静物了。

一般来讲，在室内写生，色调以物象的固有色为主。但不同的光源和环境对物象固有色有着强烈的影响，同时使色调有了不同的变化。如暖光源照射下的物体偏暖，色调也偏暖。相反，冷光源照射下的物体偏冷，色调也随之偏冷等等。而室外的风景写生则受到阳光、季节、气候等的影响很大。例如山区清晨的冷红色、晚霞的桔红色、中午的灰白色，还有春季的嫩绿，秋季的金黄，冬季的灰色和白色等等。因此，我们在把握大色调时，不能盲目地照抄对象的固有色，而应整体地观察物象和周围环境以及光照条件等等。有想法，有意识地组织画面的色彩倾向，要学会用客观对象的整体感觉和写生画面的整体感觉相比较，这样才能找到整体效果从而把握好整体色调。

另外，人的主观因素也是不容忽视的。面对同样的景物，不同的学生会有不同的处理。有的画面强调对比，有的画面力求统一，有的画面色彩强烈，而有的画面色彩则宁静和谐。之所以出现这样的情况，除了客观物象的本来面貌之外，和每个学生不同的敏锐程度、不同的色彩感觉和不同的表现力是分不开的。这是正常现象而且也是允许存在的。关键在于画面整体的色调是否准确，色彩关系是否和谐和统一。

二、处理好色彩关系

色彩写生的着力点在于表现对象的色彩关系。正确的观察比较方法是准确把握色彩关系的保障。

世界上任何物体都是相互依存、相互联系而存在的。色彩也是如此。任何一个视觉正常的人，面对一件单色物体都能认定其色彩面貌。比如看葡萄会说是紫色或是绿色，看到橙子会说是桔色的等等。如果物体存在于一定的空间里时，其色彩必然与周围相邻的物体互相影响，互相制约而形成了一定的关系即色彩关系。我们举一个简单的例子：同样是一颗红颜色的苹果，放在一块蓝色衬布上和放在一块黄色衬布上，其色彩的冷暖倾向是不同的。因为苹果受到衬布的反光影响，所以前者偏冷而后者偏暖。如果不去和周围的环境及条件作比较，孤立、被动的抄写对象，就不能准确地表现物象丰富的色彩关系。这就是整体观察和比较的结果。因为色彩关系是整体比较后才存在的。没有整体的比较就无法找到某一局部颜色的准确性。在一年级的新生中，由于观察方法掌握不当，有不少同学在色彩写生时没有全局观念，想到哪画到哪，只求物体自身的完整性，从而忽略了画面中所有的内容是否统一在一种条件下。比如一张八课时的色彩写生作业，时间己过半仍有个别学生留有较大面积的空白没有铺颜色。这种不注意整体的局部色彩往往是孤立和不准确的。只有将画面铺满颜色，我们才能发现某块颜色是否准确，是否破坏整体关系而需要调整。

色彩关系是有其变化规律的。概括地讲就是光源色、物体的固有色和条件（环境）色的对立统一。这就要求学生在作画时，要认真分析物体周围有哪些条件对其有影响，同时对色彩进行观察和比较。这样就容易抓住色彩倾向从而更准确地表现丰富的色阶变化。例如：一块红色衬布衬托下的物体，他们要受到衬布的反光影响而使物体色彩中带有红的成分。反之，物体对衬布同样也有影响，他们之间是一种你中有我，我中有你的相互联系的色彩关系。

另外，在作画时，不仅要能看出反差大的色彩倾向，还要学会鉴别较为近似色块的细微差别。在观察色彩时，将几种色相、明度上接近的物体并置（在视觉上）起来作比较，亮的和亮的比，暗的和暗的比，红色和红色比，绿色和绿色比。这样一比较，即使很近似的颜色也能从其明度，冷暖和纯度等方面看出微小差别，进而表现出丰富的色阶层次。

三、重视形与色的结合

形与色实际上就是素描和色彩的关系。在不同的绘画作品中素描和色彩的因素是有所侧重的。例如古典派的绘画比较侧重素描的严谨，而印象派绘画则更侧重于色彩的表现。作为造型艺术的基本功训练，素描和色彩同样重要而且是紧密相联的。不能因为要准确地描绘形而放弃了色彩，但也不能因强调画面色彩而完全放弃画面中物体的形，这也背离了我们基础课教学素描和色彩相结合的原则。

绘画艺术中的形，从立体观念来理解是指整个物象的形体，即画面可视部分的轮廓、形体起伏及暗示出的物象背面。素描用明暗来表现形体和空间，而色彩要通过色相、明度、纯度来塑造形体。色彩是依附于形的。因此，对形体的塑造应同时兼顾素描关系和色彩关系并从形体结构及明暗关系出发处理好明暗调子和色彩的冷暖关系。

我们知道，物体受光后出现“三面五调”的明暗变化规律。这是塑造形体的原则。在明暗调子变化的同时还出现了色彩变化规律，包括冷暖和纯度的变化规律。物体受光后呈现出的冷暖明暗变化，取决于光照条件。暖光源照射物体时，受光部暖，背光部偏冷。而冷光源照射物体时则受光部偏冷，背光部偏暖。当光源接近白光时，受光物体主要呈现明暗对比，而冷暖对比却很微弱。在正常情况下，半受光面接近固有色，反光部是暗部色彩的反倾向，如果暗部色彩偏冷，反光部略偏暖。高光如果在受光部暖色的包围中，它将是略偏冷的强亮色。纯度的变化规律，掌握起来要稍难些。通常情况下，半受光部纯度较高，亮部或暗部随着明度的提亮或变暗，纯度随之降低。以上即是物体受光的产生的明暗，冷暖和纯度变化的规律。掌握这些规律，会有助于用色彩去塑造形体，使形与色达到有机的统一。当然，这些规律还要受到光源条件及环境等方面的诸多影响，因此在实践中反复认真地观察和比较才能准确地把握客观世界中鲜活而又多变的丰富色彩。

四、空间层次的把握

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美术高考一般以素描和色彩为主要内容，其中色彩考试主要

考察学生以下几方面的能力：

一对画面布局的掌控能力，即构图能力

一幅优秀的色彩画，首先进入观看者眼睛的就是画面的整个构图和空间上的布局。如何布局才能使色彩画面效果更优美，视觉上更愉悦，就显得尤其重要，准确地说，构图布局是最关键最重要的一步，合理美观的构图是一幅艺术作品取得良好效果的前提。有的学生却往往忽视这一点，觉得构图好坏似乎不重要，只要画得好就行了。这是完全错误的观念。

美术高校的色彩专业考试，在评分标准中第一条往往都是提出构图的具体要求，而且占据相当大的比重。静物色彩写生首先要考察的是学生对画面整体布局的掌握和控制能力，这是学习绘画者的一种基本的能力。wWW.133229.COm

二对画面整体色调和气氛的把握能力

色调就是整个画面给人的一种色彩倾向。一幅优秀的色彩静物写生作品必然有其独特的色调倾向，那种杂乱无章、各自为政、无色调性的色彩作品不会引起人们的美感。有时我们注视对象，感到色调的倾向不是很明显，这时我们应当采取整体观察和归类定位的方法，“同时比较”观察一组静物的物体色彩，这样就能抓住这组物体的基本色调。例如：我们首先感受一下静物的背景、衬布与物体之间哪种色彩占的比例大，衬布的色彩倾向与主要静物的色彩是协调的还是对比关系。如果衬布与主要静物的色彩属于同类色系的范围，那么它们就基本决定了这组静物的色调倾向，占据画面主要位置大面积的衬布颜色就构成了该画面的主要色调。静物的摆布与组织，通常是在以大面积的具有某一色彩倾向的衬布或物体占据主控位置的基础上，配以具有其他色彩的一些小面积的衬布，以此与物体产生对比关系，从而活跃画面。由此可见，物体色彩面积的分布和比例可以决定整组静物的色调。

那么，还有哪些因素制约着一组静物的色彩基调呢？为了明确色调的具体定位，我们应当学会从以下几方面来辨别其特点：从明度上可分为高调、中调、低调；从纯度上可分为鲜调、中间调、灰色调；从色性上可分为冷调、中性调、暖调以及不同色相组成的同类色、邻近调和对比调等。学生在写生作业过程中，针对各种复杂的色彩因素，要做到思维清晰、条理分明，既要把握住画面中大的色彩关系，包括冷暖关系、纯灰关系、空间关系，还要注重物体之间的颜色对比与统一性。

三以色彩为主要造型语言塑造画面形体的能力