音乐基础理论论文模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇音乐基础理论论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

一、曲式分析究竟是什么。

记得在第一届和第二届全国音乐分析学学术研讨会上大家探讨的话题之一就是关于曲式分析、作品分析和音乐分析的称谓。尽管大家对称谓的形成、变化以及所涵盖内容做过相当深入的探讨和研究，但我还是觉得这个称谓没那么大的区别。在我们中国音乐学院硕博研究生入学考试的科目上十多年前就改为“音乐作品分析”了，多了两个字也觉得很习惯，考试内容和要求也没有什么区别。关键就是如何认识曲式分析，或者说曲式学的内涵究竟是什么，这个问题并没有形成一致的认识。目前对曲式有两种完全不同的认识，一种观点是：音乐基础于旋律、节奏、节拍、调式、调性等十余种基本要素，这些基本要素有机地组合构成音乐的材料和陈述形式，曲式则是这些音乐材料和陈述形式的综合。当然我是认同这一观点的，也就是说，曲式分析是对作品一切技术的综合分析。另一种观点是把曲式孤立起来认识，或者说把曲式降级，与旋律、节奏、节拍等同为基本要素。那么问题就出现了，曲式真的如同一些人所说的就是“砍大块儿”了。但设想，如果没有音乐的基本要素做为分析对象，没有音乐材料的有机组织、陈述结构的逻辑发展作为依托，这个“大块儿”将如何砍出来呢？自然会出现“生搬硬套”的现象，失去了曲式分析应有的意义。因此，充分认识曲式分析乃是作品的综合分析这一点是很重要的。

二、目前曲式分析基础理论研究的现状

我们在对曲式分析基础理论的研究其实并没有成熟和完善。在多年的硕、博考试中，对一部作品的争论和探讨是经常有的。曾见过北京的一些院所，对考题给出的所谓的标准答案就不准确。当然这并不奇怪，因为很多作品本身不能简单地用一个答案来解释，但我们的标准答案只有一个，那么考试过后考生们常常会不知所以。大家可以观察一下，目前在国内市场上作品分析方面的教科书最多，内容上可谓花样翻新。这种“多”或许可以说明两个问题：一是作品分析比较容易，分析会使人“想当然”，谁都敢下定义，当然也敢写书；二是作品分析比较难，音乐作品千变万化，很难用统一的理论去解释它，自然大家就会以各自的不同的理解去论述它。

实事求是地说，我们的基础教学和理论研究普遍还很薄弱。我可以给大家读几段教科书上的论述，是关于乐段和一部曲式的。这些论述都是来自国内著名的且比较畅销的国产教科书：

第一种论述说：“乐段是最小的曲式单位。”大家注意这里是将“乐段”称谓作为曲式范畴来运用的，没有“一部曲式”的概念；

第二种论述：“由乐段构成的曲式为一部（段）曲式……”这里有了一部曲式的概念，并可以理解为乐段和一部曲式是一回事；

第三种论述：“一部曲式和乐段在名称上可以相互通用，但有差别。乐段既可涵盖一部曲式，又能包含曲式单位外的其他结构部分，即附属结构部分。”这种论述意思是说，乐段不仅和一部曲式名称通用，而且乐段范畴很广，似乎引子、连接、尾声都可叫乐段；

第四种论述：认为“在一部曲式内部包含多种陈述结构形式，乐段是一部曲式内部陈述结构中的类型之一。”这种观点与上述完全相悖，首先，一部曲式涵盖乐段，其次，将乐段作为陈述结构的层级进行论述。

各位同行，大家不觉得晕吗？这就是我们目前市场上的教科书，我们的学生、音乐爱好者们是不可能看懂的。这里我只是举了一个例子，还有很多，比如我们常见的“段”“部”“并列”等表述会有完全不同的释义，而且每本书都会发明很多专用名词，这就更加麻烦。我认为，我们从事音乐分析理论的专家、学者应该并有责任扭转这个局面，这是确保基础教学质量的重要环节。因此说我们对曲式学的研究还在路上，并没有走到尽头。

三、曲式分析是基础教学中的重要分析方法

我们这次大会的主题是围绕方法和教学展开的。曲式分析或曲式学就是一种分析方法，作为西方音乐史上重要的理论体系之一其学术价值不可低估。曲式分析对有调性音乐而言无疑是最适合不过的分析方法，我们没有必要拿音集集合的理论去分析贝多芬和肖邦的作品。首先要从历史和文化层面对待这个问题，在基础教学中要结合音乐风格史将曲式分析技术准确地传授给学生。应该意识到，西方共性写作时期，涌现了浩瀚的音乐精品和众多世界级作曲大师，然而作曲家们共同使用的就是那么几个曲式原则（再现、并列、循环、奏鸣），他们是如何创作出千变万化的音乐作品，个性化的艺术表现又是如何形成的，这是教学中应该深入探讨和研究的内容，也是曲式分析的难点所在。通过分析让同学们从中学习和体会到西方经典作品中其艺术价值究竟是什么。

对于作曲学生来说曲式分析是最好的结构感形成的基础。古典音乐结构中起承转合、起开合、呼应等原则以及音乐材料的发展手法、对比统一关系、黄金分割比例、段的形成等等，这些与美学原则密切相关的音乐发展手段，对于初学作曲的学生来说都是最宝贵的经验。完美的音乐形式是作品成功的保障，是作曲学生首先要面对和解决的问题。

四、曲式分析对现代音乐分析的借鉴意义

研究和运用现代多元的音乐分析方法是十分必要的，但任何分析方法都是有针对性的，应该从音乐史和音乐创作流派、个性的发展角度去研究。不同的分析方法之间常常是有关联的，比如实践已经证明的申克分析理论与传统分析理论的各种联系。我在研究斯特拉文斯基晚期序列音乐中也考虑用什么分析方法研究，最后发现斯氏的主要重心都放在了序列的各种技法的运用上，使用各种办法来摆脱勋伯格十二音序列技法的束缚。比如勋伯格要求序列必须由12个半音构成，斯氏除了使用12个半音创作外，更多尝试使用4音、5音、7音、11音、13音、16音；勋伯格要求序列不能有重复音，而斯氏的序列有大量的重复音出现，《七重奏》中的16个音序列不重复音只有8个；勋伯格要求回避调性，走出传统，斯氏却用轮回法突出中心音来加强调性感，并大量运用与传统体裁和技法的结合来保持自己的音乐个性等等。那么我的研究重点就必须放在序列技术的运用上，传统曲式原则在他的作品中有保留也有突破，但结构分析并不是难点。反而传统曲式的综合分析方法和思路完全可以被借鉴和应用。

五、基础理论研究对研究生培养的意义

写好分析文章首先要具备理论功底。我们现在有些研究生论文中对传统音乐分析功力薄弱，经常看到曲式和体裁概念不清（甚至有论文出现幻想曲式、进行曲式的表述）、调式与调性概念不清，甚至调性、和声分析错误等等，这样的理论基础对现代音乐分析无疑也是苍白的。理论家的工作是要总结和梳理作曲家有艺术价值的音乐表现手法和美学体验，如果在你的理论研究中让作曲家感到讲到了点子上并使作曲家本人从中得到提升这是最理想的境界。

怎样才能写出有学术价值的音乐分析论文？我以为，首先就是对作品进行深入细致的研究，这是首要的案头工作，这是真正的第一手资料。当然，做好这个案头工作不容易，是对一个人理论功底的考验。我经常对同学们说阅读和分析谱子是个基本功，这个基本功的培养最好的途径就是大量的曲式分析。

篇2

中图分类号：J613文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）32-0108-01

改革开放以来，我国的音乐教育体系也趋于步完善，作为高等院校音乐专业基础学科的视唱练耳也面临着难得的发展机遇，音乐教学者尽其所能，深入研究，提出了愈加科学的教学模式和方法。

现今的视唱练耳课程的教学，越来越多地融入其它音乐学科知，这不仅仅是源于现代教育倡导“素质教育”，更重要的是，随步教学研究的逐步深入，越来越多的教育者发现，视唱练耳课与其他音乐专业基础理论课程有着千丝万缕的联系。这其中曲式与作品分析和视唱练耳课的关系就极为密切，曲式与作品分析对于视唱练耳教学的指导意义也十分显著。曲式与作品分析课的理论知识为视唱练耳课教学实践的两大方面――视唱和听记，提供了理论支撑，使学生在把握视唱练习、旋律听记练习的曲式结构的同时，挖掘音乐作品的深层含义。

曲式与作品分析课是高等院校音乐专业的必修课、基础课程，通过讲解音乐作品中典型的结构原则以及独特的思维形式，向学生教授分析音乐作品的具体方法，培养学生分析作品的能力，提高学生理解音乐的能力，加强学生的音乐素质――主要包括音乐感受力和音乐鉴赏力两方面。

与曲式与作品课分析一样，视唱练耳课也是高等院校音乐专业的必修课程之一，是一门理论性与技术性兼具的基础理论课程，是培养学生音乐才能与音乐素质的重要课程，教学内容包括视唱、听记、乐理、听觉能力等几个方面。视唱练耳课有理论性与技术性兼具的特点，正因为这一特殊性，它的课程内容设置就不能是单纯技术性或理论性内容，应该强调理论与实践相结合。奥斯托洛夫斯基曾指出：“视唱练耳的进行必须与基本乐理、和声学和音乐分析课紧密地结合起来，视唱练耳技能的培养必须以一定的音乐知识为基础。”

在日常视唱教学中，教师应该引导学生结合音乐理论知识进行分析乐句之间的关系。通过日积月累地训练，学生能够深入挖掘乐谱的丰富内涵，理解作曲家试图表达的思想感情。通过对乐句、乐段的识别，把握音乐的走向，处理音乐进行过程中的轻重缓急、情绪变化。经过上述分析，学生会不由自主地富有感情去演唱，沉默的音符唱成为了富有生命力的精灵，枯燥的视唱练习曲为了激情澎湃的声乐作品。

良好的曲式与作品分析能力有助于音乐听记能力。当今的视唱练耳课，音乐听觉训练的内容主要包括单音、音程、和弦、和弦连接，以及单声部、多声部旋律听记等。在音乐听觉训练中，旋律听觉训练是一项综合训练，它综合了构成旋律的各个要素，如音高、音程、节拍、节奏、调式、调性、曲式结构等，并将这些因素整合起来，把握其各自的职能与整体联系。主要任务是发展学生的音乐记忆力、想象力，把听觉器官感知到的旋律，变为清晰的听觉印象。因此，旋律听记训练的难度和重要性不言而喻。

通过例子可以加以分析，比如，视唱练耳分级教程（第一册）中的一首旋律听记练习：

上述曲例为a自然小调的4句式乐段，4个乐句可表示为a+b+a+c，共有16小节。作为一首旋律听记练习，虽然在节奏、曲调、旋律起伏变化等方面，难度不大，但是篇幅较长，在有限的时间内，对于听记的完整性，还是具有一定挑战。通过谱面分析，不难发现，此练习的第三乐句完全再现了第一乐句，实际上只要记下3个乐句，也就是12个小节的内容，就可以完成听记任务。如若学生具有灵敏的音乐感受力和扎实的乐句分析能力，在听记过程中能清晰地划分乐句，并能发现此规律，把更多精力用于第二、第四乐句的听记上，游刃有余地完成本首练习是完全可以做到的。

篇3

一、近年音乐论文写作教材的出版回望

笔者通过资料检索发现，市场上现有音乐类论文写作教材十余本，教材出版的基本信息如表1所示。在2002年教育部颁布《关于加强学术道德建设的若干意见》、2002年中国社会科学院审议通过《中国社会科学院关于加强学风建设的决定》、2004年教育部社会科学委员会颁布《高等学校哲学社会科学研究学术规范（试行）》背景下，音乐类论文写作教材出版拉开序幕。从数量上看，论文写作教材的出版在音乐类教材中远远少于其他课程教材。从事音乐类论文写作的人群主要涵盖学士、硕士、博士三个层次，以及在校学生和音乐科研需求者两大群体。三个层次的在校生对音乐论文的篇幅、深度、创新性要求存在较大差异。两大群体的论文写作定位、要求各有不同。既为教材出版，首先要清楚读者对象。表1所列教材的读者对象主要为在校音乐类本科生，部分教材兼顾硕士研究生论文写作和音乐科研需求者的论文写作，尚未发现有专门针对音乐类博士论文写作的教材出版。

二、音乐论文写作教材的内容剖析

依据分析可以得出，现有音乐类论文写作教材呈现两个块面的内容：学术性论文写作、常规音乐论文写作。1．学术性论文写作学术性论文写作作为高校音乐学专业的主干课程，对论文的专业性、学术性有较高要求。居其宏先生将音乐学专业的学术性文体写作与其他文体写作的结合，高效适应了当下社会音乐文化发展的需求。他的两本教材（见表1）在特别强调学术创新与学术规范的基础上，首次在公开出版物中提出“三个第一性”“论题相关性”原则和“逻辑关系论”，具有鲜明的创新性，代表了作者对音乐学文论写作的独到见解。作者以深厚的写作功底、缜密的逻辑思维将论文写作的实践过程细化、分解为11个环节，环环相扣，细致入微地对每个环节的操作步骤和写作技巧进行深入、翔实的分析，并配以正反文论实例的解析、点评，构建了极具特色的音乐学文论写作理论体系。韩锺恩先生以上海音乐学院音乐学系论文写作指导一对一的教学传统积淀和个人持续多年的教学积累为基础，“用音乐学写作概念替换原来课程命名音乐论文写作概念”，以专业音乐院校音乐学专业学生的写作能力训练为目的，跳出原有教材的“普适性内容”，力求对音乐学写作中的诸多问题进行深入、系统、专门的论述。如教材《音乐学写作与范文导读》中，关于音乐学写作的选题：作者另辟蹊径，从音乐学写作的学术积累和问题意识出发，系统论述了学术积累、问题意识对音乐学写作的意义所在；提出从理论知识、资料文献、技能方法三个方面建立音乐学写作的学术积累；强调问题的产生是在问题意识的牵引下，在实践现实与认识期望的矛盾中发现已有研究中的不足，提出问题，最终顺利找到合适的研究课题。又如范文导读，作者分篇幅、难度精选22篇范文，用导读的形式对范文写作思路深入剖析，犹如显微镜下的解剖，呈现音乐学写作的全过程。范文和导读的结合，清晰呈现了音乐学写作基础理论中的诸多问题，实现了“以实践的方法巩固学生所接受的理论知识，对其写作实践进行具体的指导”。在此基础上，《音乐学写作》呈现了作者站在学科体系建立的高度上对音乐学写作的学术性和专业特点的深刻思考。居其宏、韩锺恩两位学者以坚实的学术功底、严谨的学术规范、持续的教学积累推动了音乐学专业论文写作教材朝着规范化、专业化、学术化的方向不断推进。2．常规音乐论文写作无论何种专业的论文写作，作为知识传授所需要的概论性内容和实践操作步骤均包括选题、搜集资料、确立选题、论文写作与指导、论文修改与定稿。此外，学位论文写作中还涉及文献综述、撰写开题报告、开题、论文答辩环节。本文所选择的12本音乐类论文写作教材中，7本教材以常规音乐论文写作为主体内容。依据学士学位论文写作操作环节进行统计，7本教材所涉及的具体内容如表2所示。如表2所示，横向对比：7本教材中有6本教材未涉及文献综述，5本教材未涉及确立选题，7本教材未涉及开题；纵向对比：没有一本教材内容涵盖学士学位论文写作的所有操作环节。除此之外，教材的主体内容存在较大的相似性，在所有专业论文写作通用的理论知识和操作模式下，音乐类专业论文写作的特殊性和各专业论文写作的差异性并未突出呈现，读者对象的专业指向性较弱，教材虽名为“音乐论文写作”，却有一般论文写作之嫌。

三、音乐论文写作教材出版中存在的问题

音乐类论文写作教材的出版，在音乐论文写作课程开设从无到有，音乐论文写作从无序到逐步规范的特定阶段起到了积极的推动作用。但是，从当下音乐学科发展和专业课程建设的现实情况出发，理性看待音乐类论文写作教材，笔者认为，以常规音乐论文写作为主体内容的7本教材存在以下问题。1．读者对象不明确通过仔细阅读教材，笔者发现，以常规音乐论文写作为主体内容的7本教材，读者对象表述较为模糊，如“各音乐专业大学生”“音乐专业学生”“音乐学专业学生”“音乐院校的学生（除音乐学或有关理论专业外）”，作者并未对读者对象的专业做细致、明确的限定，读者对象的专业指向性普遍较弱。依据教育部颁布的《普通高等学校本科专业目录（2012年）》，“艺术学”门类“音乐与舞蹈学类”专业类中的音乐专业有“音乐表演”“音乐教育”“作曲与作曲技术理论”。读者对象的不明确，导致三个专业论文写作操作过程的差异性在教材中未能鲜明呈现，进而带来教材内容与读者对象的不适应。在看似涵盖了所有音乐专业这个庞大的读者对象的假象下，失去了教材对象的指向性和教材与读者对象的适应性。2．缺乏学士学位论文写作流程的完整性表2的信息统计清晰呈现教材中普遍未涉及文献综述、确立选题、开题三个环节。文献综述是学生阅读了某一主题的文献后，经过整理、分析、评价而形成的一种文体，其目的是在全面介绍和评价某一研究主题的已有成果基础上，提出自己的见解，预测研究趋势。确立选题是学士学位论文构思过程中历经发现问题、查阅资料、反复思考，多次提炼而形成的较为稳定的写作意图。开题是在开放式的师生交流和逻辑推理中进一步查漏补缺，确定选题的可行性。它们是学士学位论文得以顺利进行的重要环节和质量保障。上述三个环节在教材中的普遍缺失，导致教材内容客观上存在对学士学位论文操作流程陈述的不完整，也侧面反映了在教材编写观念上，对论文写作操作流程重视不足。3．范例与读者对象专业的不一致性受到教材作者专业方向、研究领域的影响，加之音乐学专业领域已取得的丰硕研究成果，以常规音乐论文写作为主体的7本教材所用范例多为音乐学专业领域中具有影响力、创新性的学术性论文。音乐学专业领域的学术论文作为范例引入音乐论文写作教材，对于高校音乐学专业学生而言具有较强适应性，但对其他音乐专业，尤其是地方高校专业音乐教育的主力军——音乐教育专业和音乐表演专业而言，具有相当程度的不适应性。范例与读者对象专业的不一致性背离了教材围绕读者、需为读者服务的宗旨。

四、对未来音乐论文写作教材出版的思考

笔者认为，要解决音乐论文写作教材中存在的问题，首先要确定教材的读者对象和读者对象的现实需求，以此为准则，整体布局，合理规划，才能解决教材出版中存在的问题。1．正视读者对象专业的多样性音乐表演、音乐教育、作曲与作曲技术理论专业本科学生是音乐论文教材的重要读者对象，其现实需求是完成规范的学士学位论文写作。在学士学位论文写作过程中，他们既需要相同的理论知识，又需要面对各自专业论文写作操作过程的特殊性，直观掌握学士学位论文写作的操作过程。因此，音乐论文写作教材主体内容应包含理论知识和操作过程，且理论知识为操作过程服务，操作过程如何呈现是教材的重中之重。学士学位论文写作所需的理论知识在现有教材中已经有较为系统的陈述，但体现专业特殊性的操作过程却较少完整呈现。要实现教材内容与读者对象的适应性，必须尊重和重视读者对象专业的多样性，以丰富、多样的形式呈现音乐不同专业论文写作的操作过程。2．完整呈现学士学位论文操作流程完整的学士学位论文写作操作流程包括：选题—搜集资料—文献综述—确立选题—撰写开题报告—开题—论文写作与指导—论文答辩—论文修改与定稿。从读者需求角度分析，操作流程存在的现实意义是引导读者通过环环相扣的实际操作，明确论文写作的规范要求，知晓操作流程的前后关联，在写作意图的梳理中进一步明确论文构思，建立合理的逻辑关系，完成论文写作。基于此，音乐论文教材编写者应思考的问题是如何实现教材体例与论文操作流程的合理构建，为读者和课程教学提供最大便捷。笔者认为，音乐论文写作教材编写中对操作流程的重视，可以从以下四个方面展开：第一，补齐上述教材中被普遍忽视的文献综述、确立选题、开题三个环节的知识内容，明确论文写作操作流程的连续性，建立论文写作操作流程的完整理论体系；第二，陈述每一步操作流程应遵循的基本原则；第三，突出问题意识、师生合作意识在论文写作中的重要作用，引导读者大胆地将构思付诸实践；第四，充分考虑和突出“第三人”在论文写作操作流程实施中的重要作用。3．范例的选择应多元化范例在音乐论文写作教材中的存在意义是引导、示范作用，其目的是在正反实例的呈现中引导读者清晰、准确理解论文写作每一步操作流程的要求和应达到的规范。音乐论文写作教材中范例选择的多元化表现在：第一，范例涵盖专业的多元化，改变上述教材中范例选择单一的现象，大幅度增加音乐教育、音乐表演、作曲与作曲技术理论专业论文写作的范例，实现教材与读者对象专业的适应性。尤其是充分考虑适应当下社会现实需求的音乐教育、音乐表演、作曲与作曲技术理论专业的发展趋势，社会音乐生活与研究中的热点，并切实考虑范例与学生的专业知识结构、认知能力的契合，努力实现范例对学生论文写作过程的借鉴作用。第二，范例对应论文写作操作流程的多元化。学士学位论文写作操作流程所包含的九个环节缺一不可，哪些操作步骤的阶段性成果适合用文字形式、图表形式的范例进行呈现，哪些操作环节需要教材编写者为师生提供具有专业包容性的其他形式的范例展示，进而引导师生高效完成课程教学，是实现范例选择多元化的重要因素。第三，范例选择的多元化还表现在重视反例的作用。应对学生写作经验的缺乏，发挥反面实例的警示作用，引导学生避免不必要的错误。在正反实例的结合中，在一管到底的完整范例中为读者清晰展现学士学位论文写作的操作流程，切实发挥范例在音乐学士学位论文写作过程的导向作用。十年树木，百年树人，新世纪的中国音乐事业已经取得了丰硕的成果，如何在新形势下，进一步推进音乐专业学生的写作功底，音乐论文写作教材和教学还有很长的路要走。

｜参考文献｜

［1］邱国明.试论音乐学论文写作——读韩锺恩《音乐学写作与范文导读》心得［J］.艺术教育，2015（10）.

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关键词：

声乐表演专业；钢琴教学；存在问题

辽宁科技大学是一所多科性大学，辽宁科技大学艺术学院，迄今成立11年，声乐表演平稳迅速的发展，取得了一定的成果。作为多科性大学的声乐表演专业学科，有其存在优势，如增添工科院校的艺术氛围、音乐文化修养等。同时也存在着相比专业的艺术院校或师范院校不足的方面。专业艺术院校、师范类院校或是综合类大学的声乐表演专业，大部分都设置钢琴课程，作为音乐类专业的基础学科。但是根据各个高校的办学宗旨、培养目标的差异、现有的教学条件等等原因，钢琴课程的教学还是存在很大差异的。下面来介绍一下辽宁科技大学声乐表演专业钢琴教学的一些具体情况：

一、课程设置与教学形式

声乐表演专业的钢琴课程共为四学期课程。钢琴课教学大纲内容第一学期完成《拜尔》、《车尔尼599》前期以及相同程度的作品；第二学期完成《车尔尼599》后期、《车尔尼849》前期以及相同程度的作品；第三学期完成《车尔尼849》后期及相同程度作品；第四学期完成《车尔尼299》前中期及相同程度作品。从目前教学的形式来看，以数码钢琴小组课教学为主的教学形式。钢琴小组课的分班，按照入学摸底观摩，根据学生程度的不同进行等级划分，并分组进行钢琴小组课教学。每个年级的声乐表演专业学生为30人左右，二个年级学生约为60人左右，大致分成7-8个小组，由4-6位钢琴教师进行分班教学，每班人数约为6-8人。

二、钢琴教学课程内容及考试形式

1、选择教材及具体内容

钢琴小组课的授课教材为本院教师收集整理的内部使用教材，类似内部讲义的教材内容，主要是针对我们学院声乐表演专业学生的具体水平、能力、收集整理的。相对于一些专业艺术类院校的声乐表演专业或是师范院校的声乐表演专业的教材比较，更简单、易懂，容易被大多数零基础或浅基础的学生所应用。由于是声乐表演专业学生的钢琴课程，怎样处理声乐伴奏乐谱弹奏的问题，对于这类学生更为实用一些，更能为演唱专业的提高做辅助。在这一环节教学中，教师会融入一些声乐钢琴艺术指导需要的弹奏中较基础的要求，让声乐学生来体会钢琴辅助声乐演唱中出现的一些技术理论。

2、钢琴课程的考试形式

期末考试的形式按照近两年的学院钢琴教学改革的要求，是这样规定的。第一学期完成简单曲目的四首联弹乐曲，提高学生之间的协调，配合能力。第二学期完成相关论文写作项目。第三学期为视奏，目前视奏以简单短小的钢琴练习曲做考试曲目，程度的不同决定了学生视奏的水平不同。第四学期主要以汇报音乐会形式进行。汇报音乐会大部分都是程度相对较好的学生，演奏的形式有钢琴独奏、四手联弹、声乐原谱伴奏、流行作品等多种形式。

三、教学中的反应及存在问题

1、生源现象

我校声乐表演专业学生招生生源分为校考和统考，在高考艺术类加试这方面，参加我校声乐表演专业校考的考试分为初复试二首声乐作品，视唱练耳考试，暂时没有钢琴加试。因此在招生这一环节中，无法对学生的钢琴基础进行了解。

2、按等级分班制度

一个年级由一个或多个教师承担钢琴小组课的任务，这就存在了，同一个等级的多个分班，由不同的钢琴教师来进行教学，教学进度会产生差异。同时，也存在这样的问题，同一个年级，如零基础的班级的学生经过几个月或1-2个学期的钢琴课学习，由于学生的接受能力、理解能力、练习情况不同，很快出现了等级的差别。如需要多久调换一次不同程度的学生为适宜；重新调整分配的学生在新的小组里，是否会影响原来的教学进度；教师如何进行调整教学内容；能顾忌到整体小组的教学，出现了水平差异如何应对等等问题都是不可避免的。

3、师资匮乏与教学任务繁杂

目前以辽宁科技大学艺术学院的现状来看，存在着钢琴教师师资匮乏与教学任务种类繁杂等问题。我校的钢琴教师除了承担和一些师范院校、音乐院校类似的理论基础课程之外，还有其他任务。我校有舞蹈表演专业，需要钢琴伴奏教师随堂上课。再者就是我校的声乐表演专业设有声乐艺术指导课程，授课的形式是声乐课程的后半节课程，需要钢琴教师进入声乐课堂，与声乐教师同时进行声乐作品的艺术指导授课。因此，解决或研究钢琴教学中存在的问题的时间和精力也是有限的。

4、学科融合

钢琴课程作为声乐表演专业的基础课，学生较难与其他音乐理论基础学科相互融合。音乐的基础理论都需要钢琴课程的技术支持，明确乐谱上的音符标记，熟悉乐谱中的音符织体，才能了解其它基础学科的教学内容与目的。在教学过程中，教师会有一定的与其他学科相融合的引导教学，但是由于上课时间较短，在完成钢琴教学的基础上在进行的引导，明显体现了学科融入的教学存在的不足了。没有整体的，系统的音乐基础理论思维概念，也滞后了钢琴的教学进度。辽宁科技大学为工科院校，声乐表演专业的学生，与音乐学院、师范院校或是其他综合类大学相比，都是存在着基础较差的问题，如何在现有的基础上，可利用的条件下，提高这类学生不论是钢琴教学整体水平或是其他音乐相关理论的素养，都有待研究。

作者：姜华 单位：辽宁科技大学艺术学院

（此论文为：辽宁省教育厅2016科技项目《千山佛道教音乐的传承发展与创新》课题编号:FRPY11成果论文）

参考文献

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视唱（solfege，sightsinging，）是专业音乐学习者（包括学习作曲、音乐学或各种表演学科）的一种基本训练。常与练耳结合，用以培养学习者按乐谱所示的一切要求准确地唱出曲调的音高和节奏等方面的能力，并加深对拍子、音程和调式等感性认识。[1]练耳（ear training）一般是用以培养学习者对音高（从单声部到多声部）和节奏（从单声部节奏到复节奏）的辨别能力、对音乐的记忆能力和对音乐的内心听觉。训练方法用听写或听唱。从单声曲调和各种音程到复杂节奏装饰音，听写或分析和声的进行、织体、曲式、转调和各种乐器的音色。[1]基本乐理（elememtal theory of music）系统地阐述记谱法、音、音程、拍子、节奏、力度、速度等方面的基本知识的理论，有时包括和声、曲式、乐器等方面的常识。[1]丁国美认为“视唱练耳与基本乐理之间不是孤立的，而是有着必然的内在的联系。”[2]

我国高师基本乐课课程中，乐理与视唱练耳分科教学始于上世纪80年代，之后经历了几度分分合合。采用分科教学的指导性文件，有教育部颁布的1980年《高等师范学校四年制本科音乐专业教学计划（试行草案）》与1996年国家教育体育卫生与艺术教育司颁布的《高等师范专科二年音乐专育专业学科课程方案（试行）》。2005年5月教育部下发正式文件，规定乐理与视唱练耳课整合为《乐理与视唱练耳》课程，2006年教育部《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业必修课程（乐理与视唱练耳）教学指导纲要》正式出台。[3]

1 乐理与视唱练耳整合的必要性

1.1 教学内容互补的需要

从教学内容上看，基本乐理的学习是理性知识的积累，有助于培养学生理解和分析音乐作品的能力，视唱练耳的学习是感性知识的掌握，培养的是学生的音乐感知力，两者都是必修的专业基础理论科目，学习的内容有很多重合。[4]在课程性质上，视唱练耳课以视唱、听音为主要形式，培养音乐感知力和表现力，要求更多的是直觉思维和感性思维方式；而基本乐理课以音乐基础理论学习为主，要求更多的是逻辑、理性的思维。只有感性思维与理性思维相结合才能发挥综合优势和整体优势。在这种结合中，从音乐的音响出发，去进行听觉的分析，让学生学会将所感知的音乐现象，迅速与理论知识联系起来，同时进行辨别、分析和归纳记忆，从而获得完整的音乐印象，这样一来就解决了视唱练耳教学缺乏理论指导的问题。实际上我们的视唱练耳教学一刻也不能脱离音乐理论知识的指导。郎彩飞认为，“视唱练耳作为音乐教育中的一个基础学科，涵盖视唱、练耳及音乐基础理论等音乐基础与技能。”[5]谭雄、普敏进一步强调，“基本乐理课的内容虽然很丰富，但因理论性强而疏于音响，视唱练耳课正好弥补这个缺憾。”[6]

1.2 思维训练的需要

我国著名的音乐教育家李重光指出：“基本乐理课，作为一门音乐共同基础课，与其他音乐课程的关系，都是极为密切的”。[7]视唱练耳和基本乐理虽然是紧密联系的两门学科，但要坚持理性与感性相结合的原则，只有将他们联合在一起，才有必要将二者综合统一起来，视唱练耳课程以视唱、听音为主要形式，培养音乐感知力和表现力，要求更多的是直觉思维和感性思维方式，而基本乐理课以音乐基础理论学习为主，要求更多的是逻辑、理性的思维。然而，感性思维与理性思维想结合才能发挥综合优势和整体优势。

传统的基本乐理与视唱练耳课程，强调的更多的是专业性与技术性，导致在教学过程中，学生失去学习兴趣以及音乐的想象力和创造力。因此，音乐教育的实现需要哲学、美学、教育学、心理学以及其艺术的姐妹学科美术、舞蹈等多个方面的交叉渗透。因此，乐理与视唱练耳整合具有必然性。

2 乐理与视唱练耳整合的可行性

2.1 “教 ”的可行性

乐理与视唱练耳的整合，使学科具有了综合性，这样教师在教授的过程中，给教师也提供了方便。第一，不用为课程内容的内在的联系性与进度性担心。第二，不用为课程的结构设计与规划性着急。第三，不用担心课堂出现多余的重复性。第四，不用担心理论与实践的脱节。我国大多数的师范院校中，基本乐理课程与视唱练耳基本上还是分科教学。如果两门课程整合的话，那就只需要一个老师教授就可以了，不仅有助于教学的方便，也有助于节省师资。而且，高师的音乐教师不仅具有较高的音乐专业技能，而且还具备较高的音乐理论修养，完全有能力将视唱练耳和乐理进行整合教学。

2.2 “学”的可行性

教育活动中的价值主要以是否合乎学生的发展的目的以及合乎的程度来评判。换言之，教育活动的价值，主要表现为教育活动对于受教育者全面发展的目的的满足。[8]学习乐理与视唱练耳是帮助初学者走进音乐音乐殿堂的一把钥匙，课程的整合可以使他们的价值得到充分的体现。

总之，高师视唱练耳与基本乐理，是高师音乐专业学生学习音乐所必须具备的基本知识与能力训练课程，两者相辅相成、互为表里，在音乐教育中具有非常重要的基础地位和作用。二者的整合十分必要而且可行。

参考文献：

[1] 缪天瑞主编.音乐百科词典[Z].北京：人民音乐出版社，1998.

[2] 丁国美.高师音乐专业视唱练耳与基本乐理教学整合之探索研究[J].中国科教创新导刊，2010（13）：216.

[3] 陈雅先.乐理与视唱练耳“分”“合”科问题：实质、利弊、路向[C].广州：全国高校音乐学（教师教育）专业“乐理与视唱练耳”学术研讨会论文集，2010（9）：1.

[4] 刘可，王艳杰.知识视角的基本乐理与视唱练耳、和声学的学科融合[J].哈尔滨学院学报，2011（5）：142.

[5] 郎彩飞.如何将视唱练耳与乐理知识相结合[J].教育探索，2009（07）：42.

[6] 谭雄，普敏.“视唱练耳”与“基本乐理”课程整合之利与弊[J].科技信息，2008（30）：149.

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中图分类号： G642.0 文献标识码: A 文章编号：1672-1578（2009)5-0078-01

教师专业化是指教师职业具有自己独特的职业要求和职业条件，有专门的培养制度和管理制度。20世纪80年代以后，遍及全球的旨在提高教师专业素质的教师专业化运动，已成为教育发展和教师教育发展的趋势和潮流。教师专业化也逐渐成为我国教育改革和教师发展的重要目标，当前我国正在进行新一轮基础课程教育改革。作为未来的基础教育教师，音乐专业师范生应具备怎样的素质才能成为专业化教师，高师院校又如何为专业化的中小学音乐教师的培养创设条件和奠定基础，这些都值得我们每个教育者深思的问题。

1 现行高师音乐教育专业课程设置现状及弊端

课程体系是指包含课程结构比例、相互关系及课序流程的一个整体，体现着课程设置的指导思想和基本原则。高师音乐教育专业课程体系与结构决定了所培养出来的音乐教师的水平和质量。传统的音乐教育专业课程设置存在着学科分化过细、学科之间及其内在联系不够紧密以及专业面过于狭窄等弊端，反映在教学实践上就是重理论传授，轻实践锻炼；重教学实践，轻理论研究。具体来说，表现在：

1.1课程体系的指向性模糊，师范性、教育性特点不够凸显

当前我国高师院校音乐教育专业与艺术专业院校所开设的课程除教育学和心理学课程外基本上是一致的，没有完全形成有师范教育特色的课程体系。如缺乏教师教育发展的研究型和教学能力培养型课程；教学理论相关专业课开设偏少（仅仅局限于教学法）；偏重于专业知识的传授等，体现不出明确的“音乐教育”专业定位及“中小学音乐教师”培养目标。

1.2课程设置比例失调

技能课程比例偏大，教学理论课程偏少。在课程设置上，学生的弹唱演奏等技能得到了重视，而音乐教学理论课程开设得大少，大部分就只有“教学法”课程，结果造成学生难以建立起系统的音乐教学理论体系框架，必定导致实际教学中的教学能力和科研能力的低下。

缺乏教师技能课程，教师专业化、职业化不突出。教师专业化、职业化是我国音乐教育课程改革的首要问题。音乐教师的职业特点决定了一个合格的音乐教师除了具备任何一个普通教师所必须具备的基本素质外，还必须具备艺术教师所应特有的专门素质，即职业技能。但当前高师院校音乐教育专业课程体系呈现出单一学科纵深发展的态势，缺乏教师专业技能教育和科研方法训练的内容，教师教育课程的专业特征不明显，无法培养教师的专业技能和科研能力。

1.3课程设置与基础教育脱节

由于与中小学沟通联系不多，对基础教育关注力度不大，因此在课程体系的构建上，脱离了基础音乐教育教学的实际和中小学教师的培养目标。学生通过高师音乐专业教育所形成的个体知识结构和能力对其以后从事的中小学音乐教学实践的指导作用不够明显，效果不够良好。

2 教师专业化视野下高师音乐教育专业课程设置构想

教师专业化的课程结构和体系应体现学科教育的专业理念，专业知识和素养，专业技能及专业精神。因此,笔者认为:要培养高素质的专业化中小学音乐教师，必须从以下几个方面来思考高师音乐教育专业课程体系的优化。

2.1完善课程结构

师范音乐教育专业的特点就是要求在一定的期限内，使学生在音乐专业学科水平和教育专业水平上达到一定社会经济文化所需求的程度。因此应将基础知识教育、专业知识教育、职业方向教育和跨学科教育即普通文化课程音乐专业课程教育学科专业课程教育实习等有机地组合。而且，这其中课程的比重合理与否就直接决定了课程体系的优劣和所培养的学生的能力和素质,故应根据教师专业化的要求，优化组合并合理配置普通文化课程、音乐专业课程、一般教育学科课程、音乐教育学课程、教育实习和实践课程等。

2.2加强教育学科课程建设

教师专业化客观上要求教师教育专业化,而教师教育课程又是决定教师教育专业化的核心因素。在教师教育课程结构中,教育学科课程应属于专业性课程,它是把 “学术形态”的音乐知识转换为“教育形态”的知识，再把“教育形态”的音乐知识转换为学生的专业知识并发展其能力的重要平台。所以必须大力加强教育学科课程建设，除设置普通的教育学、心理学、音乐教学法课程外，还应开设音乐学科教育学、音乐教育科学研究方法和思想方法、课堂管理、教育测量与评价、心理健康教育等课程。

2.3增设教育科研基础理论课程

随着新课程改革和教师专业化发展的不断深入，“科研兴校”、“研究型教师”、“教育创新”受到空前关注。科研素质和创新能力成为引领教育与时俱进的灵魂，成为新课改背景下教师专业化发展的诉求。未来所需要的不仅是实践型教师，更是研究型教师。高师院校应增设教育科研基础理论课程并通过优化专业基础课程教学、加强教学理论及论文写作指导等途径来增强学生的科研意识和创新意识，同时通过构建理论平台、引导实践研究、创设学术氛围、完善管理机制等方面来培养音乐专业师范生的初步科研能力。

参考文献：

[1]黄威.教师教育专业化与教师教育课程改革[J].课程.教材.教法.2002（1）.64-67.

[2]邓志伟.高等师范学校学生教育素质的提高与教育课程改革[J].外国教育资料,1998，(4).

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论文内容摘要:高师音乐专业的钢琴教学有些偏重技术，而忽视钢琴理论文献及其应用技术的学习，造成学生有高技术、低技能的现象。文章着重探讨高师钢琴课程结构的调整，以寻求钢琴教学应用型、适用型人才培养的最佳途径。

高师音乐专业的钢琴，是一门专业性、基础性、适用性、应用性很强的技能技术课程，在专业必修课中占有十分重要的地位。钢琴教学的成败，关系到学生整体专业素质的提高、进步和长远发展，对此，课程教学的研究及其方法、内容的实施就显得尤为重要。作为一门学科专业，高师音乐专业钢琴教学直接影响整个音乐学科专业的建设与发展。

长期以来，音乐学专业的培养目标是培养合格的中小学音乐教师。中小学音乐课堂的教学需要素质全面、综合能力强的优秀教师，要驾驭中小学课堂授课实践，教师具有娴熟的钢琴弹奏技术就显得更为突出。钢琴作为中小学音乐课堂及其课外音乐活动的主要工具，无时不在发挥其重要的作用。但是，高师音乐专业的钢琴教学，长期受教学方式、教学方法的影响，使得学生学习钢琴学科专业知识的口径比较窄，尤其是只重技术而忽略专业理论及应用技术理论基础的学习，学生有些高技术、低技能，应用能力就相对较弱。面对如此困惑，笔者认为，调整钢琴课程的结构，合理设置学科专业内容，改变教学模式和方法势在必行。

一、现阶段高师钢琴教学的状况分析

我国高师音乐专业的钢琴教学从上世纪80年代经历了改革和发展的漫长过程，在学术界、教育界对于高师钢琴教学的模式、教学方法、教学内容、课程目标、课程结构上展开了全方面的讨论和艰辛的探索，寻求适合中国高师钢琴教学的合理课程体系和教学手段，已成为广大高师钢琴教育者和学术者共同关注的热点问题。围绕高师钢琴教学研究曾先后举办了“全国高等师范院校钢琴改革座谈会”“全国高校音乐教育专业钢琴学术研讨会”“第二届全国高校音乐教育专业钢琴教学研讨会”等系列的钢琴教学研讨会议，在高师钢琴教学的方式、方法、课程设置等方面为高师钢琴教学提供指导。高师音乐专业钢琴教学为适应中小学音乐教育的实际，需要从教学内容上进行了扩充，以突出本课程的师范特色，在巩固钢琴弹奏技术的基础上，增加了钢琴伴奏这一实用技术的内容，这一教学模式在高师得到推广并取得很好的效果，学生的综合能力和综合素质得到了很大的提升。

经过20多年的改革和发展，高师音乐教育的主体作用发挥到了极致，为中小学音乐教育和社会音乐教育培养输送了大批人才。进入21世纪，社会对教师教育的素质要求更高，不仅要求音乐教师具备扎实的专业基础理论知识，过硬的专业技术技能，更要具备较高的文化修养和人文素质。因此，传统的钢琴学习模式必须要进行调整，钢琴教育仅仅围绕技术训练和技能训练，不能满足钢琴教学的实际需要，现行的课程结构，如:钢琴弹奏技术学习、钢琴伴奏技术学习这两大模块的内容更应该充实和拓展，增加钢琴理论课程学习的教学内容迫在眉睫。

二、钢琴课程、教学内容设置的构想

围绕高师钢琴教学的培养目标问题，专家、学术界已广泛地研究和探讨，传统培养模式提出的“一专多能”与“多能一专”只是能力培养的问题，不论是“一专多能”还是其他“多专多能”，最为实际的是高师钢琴教学使学生学到什么、学会什么、能做什么的问题。高师的钢琴教学与音乐院校专业钢琴教学既有联系又有本质的不同。从中小学音乐的实际及普及性音乐教育的目标出发，为了将来的实用和运用，高师的钢琴教学课程的设置应包括:钢琴技术课程、钢琴伴奏课程、钢琴教学法课程、钢琴文献及史论课程、钢琴鉴赏课程等几大模块的学习内容，使培养的学生既有良好的技术技能，又具备全面的学科专业的人文素养，从而形成以钢琴基础知识为支撑，以过硬技能为核心的钢琴教学课程综合体系。应该从观念、教学手段及方法、教学内容和教学中心诸方面进行合理的改革、调整和设置，以长远的目光，关注未来钢琴教育的发展，把学生的能力、专业素质、人文素养有效结合，全面提升学生的综合能力和素质。

1.钢琴基础理论课程的设置

钢琴理论课程应包括:钢琴弹奏理论基础、钢琴文献研究、钢琴艺术史论、钢琴编配理论等方面的内容，此部分内容的开设适宜在大一至大二阶段。而今，音乐专业学生普通存在的问题是只会弹不会用语言表达，只会做而不能写，学生的音乐理论知识缺乏，音乐表情语汇空洞不丰富。因此，开设此类课程的目的使学生既能很好地演奏，又能采用科学的方法施教，并能在教学中用丰富的音乐语言表述作品和阐释作品，采用启发式、探讨式、研究式的教学方法在教学中动之以情，晓之以理。

2.钢琴技术课程的设置

钢琴技术课程的设置内容主要包括:钢琴基础技术训练、钢琴伴奏训练、钢琴编弹写作训练等方面，钢琴技术是学科专业发展的前提，是学生能力形成的基础，它具有技术性很高、应用性很强的特点。在教学中教师是主导，学生是主体，要充分根据学生的条件，因材施教，科学实施，有效施教，积极调动学生勇于创新、主动参与、自由体验的学习;变“老师要我学”，成“我要主动学”，在教学的每一环节上都要求学生认真思考、敢于探索、不断进取，特别是在伴奏课程中，要充分运用已有的专业理论知识，如:和声、视唱练耳、作曲理论、作品分析等课程的知识，以科学的学习方法达到准确、快捷、有音乐表现力的钢琴伴奏能力。此类课程的开设适宜在大三至大四阶段。通过四年的学习真正使学生具有过硬的专业技术和技能。 转贴于

3.钢琴教材与教法的课程设置

钢琴教材与教法的学习对于师范院校音乐专业学生十分重要，其课程的主要内容为:钢琴教学法、钢琴作品赏析、钢琴文献研究等，此课程内容的学习适宜安排在大三至大四阶段。钢琴教材教法的研究与学习是教师教育的一种必备素质，是每一位有志于成为一名钢琴教师及钢琴教育工作者的合格与不合格的标准所在。因此，教材的研究学习与教法的研究学习，不仅要纳入钢琴学科课程建设之中，而且应选配在此方面经验丰富、能力很强的钢琴教师来担任此课程内容的教学，在教学中要把中外钢琴文献有机地结合，从多角度、多层面拓宽学生的艺术视野，了解世界多元文化背景下的钢琴音乐，通过相关文化知识的学习，使学生的艺术底蕴，文化修养得到整体提高。

三、钢琴课程考核方法的构想

高师钢琴课程内容的增加，势必关系到课程的考核方式和方法，高师钢琴技术课程的考核，普遍采用的是表演考核，学生在学期末集中在舞台上或者教室里演奏一至两首中外作品，教师根据学生弹奏的完整性、技术性、表现力等诸方面评定成绩。这一方法沿用至今，对于锻炼学生的舞台表演能力，培养良好的演奏心理起到很好的作用。面对钢琴理论课程的考核，如:钢琴文献研究、钢琴名作赏析、钢琴艺术史类的课程，考核的方式可以灵活多样，诸如撰写钢琴研究论文，钢琴作品分析报告等形式相结合给予考核评分，这样可以充分调动学生学习的主动性，培养他们的分析问题、解决问题的能力，对于提高学生的审美鉴赏能力有很大的促进作用，更有利于培养学生的形象思维与逻辑思维，使两者有机结合，既锻炼学生的写作能力，又发挥了学生的表达能力。对于钢琴技能类课程考核，如:钢琴配弹与编配等课程内容，应以实用性的考核为主，学生在声乐考核中互相伴奏、器乐演奏考核伴奏、合唱伴奏等实践活动中，由主科教师及相关学科教师来综合评定学生的成绩，这样既能调动学生的学习兴趣，又能培养学生与人合作的精神。笔者认为，此类课程的考核形式应灵活多样，可以视教学需要来进行，不论采用哪一种方式，都不能脱离实践这一重要环节。

高师钢琴课程的改革与发展，是事物发展的必然，不论是主动的或是被动的，教育的发展总是适应社会发展的需要。笔者认为，高师钢琴教学要发展，就应以发展的眼光去多审视、思考，并以此来构建高师钢琴教学更为合理的课程体系。

参考文献

[1]王昌逵.21世纪高师钢琴教学研究热点回顾.中国音乐教育，2008年第8期.

[2]冯存凌.“学校应用性钢琴演奏”的课程构想.中国音乐教育，2008年第6期.

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2.评价体系在完成所有课程后，学生首先需要确定答辩委员会教授组成员（4-6位）,要求包括专业表演、音乐历史、音乐理论、副修专业四个方向的教授，以及论文导师。其次学生需参加博士研究生资格考试并通过之后才能成为博士候选人。资格考试分为理论和实践两个部分,其主要用意在于检验博士生在其研究领域内的综合基本学识理论（substantiveknowledge）和职业技能（scholarlyandprofessionalexpertise），确保其有完成接下来博士论文研究和实践的基本能力。综合基本学识理论考试分为笔试和口试两个环节，出题内容必须包括专业演奏、音乐历史、音乐理论、副修专业这四个方向。考试时间分为两天四个时间段，每位教授会给出两到三个问题，闭卷当场作答,主要以提交论文的形式。考试问题涵盖了几乎所有音乐时期的知识以及作品，例如：讨论20世纪初期法国的键盘音乐，至少包括四位主要的作曲家，详述各自的作曲风格以及运用具体的作品进行论证。音乐理论的教授会给出五个左右的谱例，让考生判断属于哪个时期、作曲家的作品，并详细论述分析原因。口试定在笔试完成后的两个星期内进行，博士候选人除了回答答辩委员会的提问，还要提交博士论文开题报告并进行陈述。对于钢琴演奏专业的研究生来说，职业技能考试是以资格审查音乐会的形式进行,钢琴系全体教授出席进行审核并决定是否通过。美国博士研究生资格考试有着很高的淘汰率，一般在20%-30%左右，如果不通过将无法获得博士候选人资格，进入下一阶段的学位进程。这也体现了美国艺术类博士培养极为苛刻严谨的标准，成为博士候选人仅仅是完成博士学位的第一步,在接下来的两到三年中,钢琴演奏专业的学生需要举办三场独奏音乐会并完成博士论文的写作。音乐艺术博士论文可以通过三种形式提交：200页以上20万字的研究论文；100页论文连带一场和论文有关的projectrecita（l论文项目音乐会）；50页论文连带两场lecturerecital（演讲音乐会）。形式多样的论文提交形式，提倡实践与理论相结合，更适用于演奏专业的候选人。

二、对中国钢琴专业学位研究生教育的思考

中国钢琴演奏专业的研究生教育起步较晚，从2005年起，开始面向全国招收艺术硕士研究生，此为音乐演奏专业目前国内的最高学位文凭。美国是世界上唯一可以授予音乐艺术博士学位（演奏专业）的国家，从设立到现在已经有近70年的历史。它整个系统的规范合理性、大量丰富的研究资源、众多在各领域汇集的一流的师资已成为世界公认的精英教育体系。因此积极借鉴美国高校在专业培养模式上的成功经验和成熟体制，因地制宜，取长补短，对提高我国钢琴专业研究生培养质量有着深远的意义。上文论述中，已介绍了美国音乐艺术博士的专业培养模式的各个方面，在接下来的比较探析中，笔者通过研究中国主流音乐学院音乐硕士（钢琴演奏专业）的培养方案，综合分析美式先进体系的优势所在，提出了如下思考和改进建议。

1.优化课程设置美国音乐艺术博士课程设置的连贯性、系统性、全面性、平衡性、多元性是其整个教育培养模式的精华所在，其主要优势体现在重点突出，环环相扣，构架严谨，搭配合理这几个方面。专业核心理论架构稳定成型，专业选修课程阵营强大，专业副修课程特色鲜明，专业方向（演奏）课生动精湛，其合理的基本课程系统架构确实值得国内各高校艺术专业关注并借鉴：基础理论课＋方法课＋诸门能够让学生掌握具体研究过程的专门研究课+演奏实践课+副专业课。这样的设置不仅使学生在课程选择时灵活性很大，对于拓展视野和深度也能够起到帮助作用，同时更为重要的是使得学生在整个专业知识的学习体系中逐步形成良好完善的高素质研究素养和专业视角，在环环相扣，相辅相成的课业学习中，学生融会贯通知识的综合能力，设置目标完成进度的执行能力无疑都得到更好的锻炼和发挥。国内目前钢琴专业研究生培养课程模式主要分为公共课+专业课+专业必修课+选修课。课程方向齐全，可是每个方向中可供学生选择的课程的数量和种类较为单一。宏观、普适课程居多，中观和微观层面的细化、深入研究课程缺乏。同时也存在课程结构设置比例不合理，内容缺乏前沿性等问题。（1）美国研究生阶段倡导的研讨导修课程模式值得借鉴，教授开课命题，如“德彪西音乐的风格研讨”、“美国当代作曲家作品研究”，学生在既定的范围内自由命题，做课堂研讨、开题报告、陈述展演、论文写作等，循序渐进地引导学生在与本专业相结合的情况下，进入学术研究的领域。（2）应加强如“钢琴文献及作品研究”，“演奏方法与实践”“、方法研究”等钢琴专业学生所需的实践理论课程的开设。目前，国内除北京、上海几所重点院校外，开设这几门课程的艺术院校并不普遍。尤其是研究方法论，学会搜索与研究是研究生阶段一个重要历程，也是学位论文写作的重要依据。（3）注重跨学科领域交叉课程的发展也任重而道远。在国内主流音乐学院钢琴演奏硕士课程设置中没有对副修专业的硬性要求，单一的主修专业使得学生只能完全专注于演奏的探索，缺乏全面适用的知识储备，毕业之后在就业市场上其综合能力和就职空间受到影响。

2.创新培养机制目前国内各高校音乐艺术类钢琴专业研究生在完成规定课程后，学位培养考核模式为举办音乐会以及学位论文的提交。存在的问题主要有考核手段单一，认定标准刻板，缺乏激励主动性学习等。针对表演专业应用型人才培养目标的特殊性，在学位论文提交形式多样化上的创新和改革无疑是一种非常合理的考量。比如，参考美国的经验，可以将传统的论文答辩改为论文+讲座音乐会的形式，边讲边弹，生动地将论据以演奏的方式呈现，并穿插对论点的陈述与讲解，全方位的将研究成果融入到最终极的音乐表现形式演奏当中去，在整个学位论文的完成过程中，学生的自我评估，分析研究，演奏技巧，曲式理解，风格把握等多项音乐素养都会得到本质的提高。此外，艺术硕士学位的中期考核的制度也存在不足，大部分院校只是对课程完成情况的检查以及学分等级的测评，并无统一的对于硕士阶段所学课程以及本专业综合知识的掌握与应用能力的考核。美国音乐艺术博士为了保证学位获得者的质量水平所规定的博士候选人资格考试已成为美国成熟的博士考核制度的重要一环，它不仅起到了中期考核的作用，也是不可或缺的淘汰遴选手段。我们可以借鉴这种方式，在完成规定课程后，举行综合专业理论知识考试（笔试或口试），多次不合格者将不被授予硕士学位，在保证学位质量的同时，考核的形式多样化也促使学生在日常的学习中不得不以理解参悟应用为目标，搭建条理清晰，脉络详细的知识体系，为今后学术研究和论文写作奠定坚实的理论基础。

3.开拓多元化教学形式在艺术硕士研究生教育阶段，除了专业水平的提高和科研能力的加强，还应注重学生，人文素质、沟通能力等方面的培养。针对以表演为核心的理念，采用灵活教学方法，逐渐完成从单一向多元化综合性学科布局，独立和封闭的教学方式向开放互动教学的发展与转化。国内的表演专业课程采用的是一对一教学形式，美国音乐学院studioclass和pianoforum这两种模式可以作为将独立封闭的教学方式向开放互动教学方法转化的起点。专业授课教授希望与学生在演奏上建立平等的交流，站在同一个高度探讨作品，碰撞出灵感的火花。尤其是在studioclass这种新颖有效的课堂模式上，学生可以最大限度的通过相互展示评析克服表演的紧张，在相互切磋的气氛之下更好的掌握演奏技巧和艺术情感。单一封闭式教学容易使学生受到更多的局限，陷入演奏瓶颈。其次，专业理论课的课程多种多样的形式也带给我们一些思考和启发。课堂讲授，讨论班组、文献阅读课、演讲展示、试听鉴赏，无论哪种授课形式都注重发挥学生的主动性，注重培养学生的创造性。课程内容随学科发展而不断变化，有利于学生掌握学科前沿动态。

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二十一世纪的现代乐教显然迥异于古代中国的传统乐教。这种差异不仅体现在形式上，更体现在内容上。在乐教形式上，最为显著的不同在于，古代乐教是依附于各类文教之中，作为六艺之一杂附其中，而现代乐教则经历上百年的近现代化历程和欧风西雨的冲刷，发展成一个业已独立、日趋完善的学科教育体系，尤以高师乐教的发展为最。上个世纪八十年代以来，全国高师音乐系科积极创造条件扩大招生规模，并实施多层次、多形式办学，历经数十年改革与努力，为我国基础乐教输送了大批术业有专攻、且有较强教学能力的音乐师资，缓解了我国乐教师资长期以来的缺乏窘况。嗣后，随着高师乐教的普及与发展，在不断扩大招生规模的基础上，更将培养目标由长期以来单一的培养基教乐师的模式转变为多元化的培养方向，并对高师音乐专业的学生提出了熟练掌握音乐基础理论知识和基础乐教基本技能、游刃有余地适应当前社会需求变化的新要求。时至今日，高师乐教无论在数量上还是在学历、职称上均取得了长足的发展，师资教学水平也有了大幅提升。今天的乐教已被教育界视为美育的主要途径之一，乐教改革业已成为我国教育改革中重要的、极具创新意义的内容。由于乐教的实施效果和乐教改革的成效大小均系于乐教师资在思想观念、角色定位、素质水平、行为方式等方面的素养高下，为此，专为培育乐教师资的高师乐教质量的高低就成为决定我国乐教改革成败和乐教推行效果的至关重要的一环，高师乐教课程体系改革问题也随之成为关键问题。

二、当代高师乐教课程体系之窘况

我国高师乐教现行课程的基本框架源自前苏联以繁琐哲学和过细分工为特色的专才教育模式。面对新时代新形势，在这一乐教模式和课程体系下培育出的乐教师资普遍存在着专业口径狭窄、综合素质和创造能力不强、对乐教工作兴趣单调、缺乏科学理解、音乐教学缺乏个性、难以适应社会变革新形势下的新需求等突出问题。导致这种窘况的原因固然是多元的，但高师乐教课程体系不合理、内容陈旧、脱离实际显然是难辞其咎的罪魁。

详览当代高师乐教课程体系则不难发现，其弊主要集中于课程结构、课程设置、课程内容、课程实施、课程评价五大方面。首弊当推高师乐教课程体系设置的专业音乐学院化趋向，即照抄照搬专业音乐学院公共课、专业基础课、专科课的“三层楼”式总体框架和课程体系。这一框架和体系设置追求学科专业的系统性、完整性，极力强化专业纵深发展的窄、专、深，忽视师资教育的独特属性和专业学科的横向联系，极具专业排他性，导致课程越来越细越教越深、学生知识面奇窄和社会适应性奇弱的尴尬局面。二弊则是课程设置同构同质化与比例失调倾向。据统计，我国高师乐教课程涵括公共文化课、音乐学科专业课和教育专业课三块，其中，公共文化课课时仅占总课时的 21%，远低于美、日、德 33%―40%的占比，且音乐专业生源文化素质亦远低于普通高校生源，严重影响着未来各层次乐教师资人才质量；音乐学科专业课中专业基础课和专业课配比严重失调，专业课课时远大于专业基础课，单一的培养模式、过细的专业分科导致专业基础薄弱、综合化程度低下，所育乐教师资专业知识面过窄、适应能力较差、学术水平较低，难以适应当前乐教形势需求；最能体现师范性、解决如何教问题的教育专业课课时仅占 7%，远低于美、德、英的 20%、 33%、35%的占比，难以凸显乐教师资教育的师范职业性和教育学术性。三弊体现在课程观念、内容及教材的陈旧脱节。现有的高师乐教课程内容设置往往一仍其旧，不能及时反映乐教最新成果和学术热点，主干课程内容不突出，专业基础课内容缺乏综合性，专业选修课开设盲目、结构失调、缺乏针对性、缺乏实践性，脱离基础乐教实际、脱离高师乐教特点、脱离培养目标，尤其缺乏与人文学科、社会学科、自然学科相关内容的跨学科内容。四弊体现在教学方式的模式单一、新创不足。现有的高师乐教中，乐理讲授过分突出系统而严谨的理论性，技能讲授过分强调纠偏改错的随意性而忽视普遍性教学实操问题的理论指导。五弊体现在课程评价五重五轻的错误导向上。评价内容重学科知识轻综合实践，评价标准重共性和一般趋势，轻个性差异和个性化发展，评价方法重笔试量化，轻质性思想含量，评价模式重被动消极被评的单一模式，轻多元参与交互作用的新型模式，评价重心重评价结果，轻形成性评价。

三、未来高师乐教课程鼎革之新途

针对前述我国高师乐教蓬勃发展过程中现存的亟待解决的五大突出问题，我国教育主管部门、高师院校和广大乐教工作者们展开了长期的积极探索，取得了一系列可喜的成果。例如，杨海云《高等音乐院校音乐表演专业的培养目标与课程设置研究》、孙华、王永芳《高师音乐教育中学生“从教”能力的培养》等探讨了高师音乐专业整体教学思路；熊小明《高等师范音乐专业钢琴教学论略》、邓婕《关于音乐教育专业钢琴教学定位的思考》则重点研讨了钢琴教学思想的转变；闫春雷《高师音乐教育专业与专业音乐院校的声乐教学之比较》、周曙《高职院校音乐表演专业声乐教学存在的问题及对策研究》等则重点探讨了声乐教学形式、教学方法的变革。这一系列成果均为破解这一难题提供了有益的理论借鉴和路径探索，更为本课题研究的广泛展开和深度掘进奠定了坚实的基础。然而，总的来看，目前探讨高师乐教中乐理教学思路、教学方法的研究仍属相对薄弱应我国高师乐教发展的必然趋势，在前贤研究成果基础之上，从高师乐教的实际出发，深入探讨高师乐教中的乐理教学问题，探索建立具有师范性和实用性的高师乐教中的乐理教学课程体系，以更好地适应社会的发展和时代的需求，就成为当前我国高师乐教鼎革首当其冲的重要课题。

要根本解决当代高师乐教课程鼎革问题，至少须从两大方面入手：第一，突出高师乐教师资教育的师范性，构建新的师范音乐理论课程体系。要有效凸显师资教育的师范性，就必须变革当前割裂课程间横向联系的分科教学模式，打通壁垒、融通门类、互渗互补、强化实效；必须在总体框架上对现有高师乐理课程设置展开分门别类、合并优化、精简重组、扩容增量的变革，以期强化课程间横向联系，提高教学效率和效果。具体方略有四。其一，对音乐基础理论课，宜将乐理课与视唱练耳课合并教学。其二，对作曲基础理论课与师范性理论课，应改变以往将和声课、曲式课、复调课、配器课等分期割裂教学的现状，宜将和声课作为连接点，开设多声部音乐写作与分析课，并将其分为四部和声写作教学、多声部音乐分析教学和多声部音乐写作教学三部分进行教学，使音乐基础理论课和师范性理论课有效衔接，实现和声与即兴伴奏、歌曲创作与合唱指挥“两个结合”。其三，对音乐学基础理论课，宜将其与音乐鉴赏课合并教学。其四，对专业选修课，宜针对不同需求适时适当开设，如可在必修课的基础上加大知识的难度、

的环节，相关成果还较为有限。为此，顺深度，开设和声、曲式、中西音乐史等选修

课，以适应考研要求；也可针对喜爱流行音乐的学生开设通俗音乐史与音乐鉴赏、摇滚乐鉴赏等选修课，指导学生正确欣赏流行音乐与流行文化等。

第二，突出高师乐教师资教育的职业性，改良教材、改革考试形式。教材编订和考试形式是一切学科教育的风向标和指挥棒。要有效突出高师乐教师资教育的职业性，首当其冲的就是，紧紧围绕乐教师资培育目的，改良现有高师乐教的乐理教材，剔除既往所沿用的传统音乐院校教材中难度过大、专业面过窄、专业程度过深的弊病，适当添加近现代音乐、民族音乐尤其是中小学音乐课本中经常接触的内容，形成“一纲多本”的多样形式，凸显时代性、应用性、实用性、适度性、师范性的特质。在考试形式方面，也应明确考试目的，尽量减少应试教育中死记硬背的题目，增加检验学生独立分析和解决问题、大胆探索和创新能力测试的分量。如多声部音乐写作与分析课的考核宜加入键盘和声的考核；音乐学基础理论课的考核应以客观题与主观欣赏题相结合；而歌曲创作则宜以舞台考查取试，即以原创音乐会形式进行考核，既检验学生的创作能力、配器能力，也检验其相关的组织能力、协调能力、演唱演奏能力，甚至合唱指挥能力。总之，当代高师乐教课程鼎革既应在培养基础乐教师资“唱、奏、跳、讲、编、写、演”等专业素养的“一专多能”上下功夫，强调师范类乐教知识技能的广博性；也要在考试内容与形式的改革中更加注重实效，更加强调综合能力、实践能力、动手能力、创新能力、应变能力的考核。

期待当代乐教早日回归音乐之本，期待乐教师资人才辈出的局面早日到来。

*本文系河北省教育厅2013年度课题“关于高师音乐理论课程整合的研究”（项目编号：SQ132042）。

篇10

音乐是一种善于表现人对现实生活的心理感受，尤其是情感态度的艺术。19世纪音乐艺术在浪漫注意思潮的影响下进入了“情感美学”，这个时代由崇尚理性转向崇尚情感。舒曼以一句格言概括了这个时代的普遍心理：“理智有时会错误——感情却不会错误”。

一、音乐美的特殊规律—音乐美学

“科学意义上的美学和音乐学，是随着近代人文及社会科学的发展，在18世纪下半叶才开始出现的，而作为它们下属分支的音乐美学这门学科的建立当然是在此之后。”音乐美学是一门古老而又年轻的学科，是美学与音乐学相结合的一门交叉学科，是具有哲学性质的音乐基础理论学科。1750年，德国的哲学家亚历山大·鲍姆加敦出版了以“美学”为名的美学专著第一卷，这是他首次以“美学”为名出版的具有划时代意义的书。1784年，德国音乐学者丹尼儿·舒巴尔特首次将“音乐”和“美学”这两个概念结合起来，自此产生了“音乐美学”这个术语。

自从音乐美学这个学科被独立起来，由于人们对此的认识角度和研究角度不同，出现了各种各样的观点。虽然人们各执一端，但是这些研究成果都从各个角度丰富了关于音乐美学的理论，为我们能够更好的认识音乐美学提供了重要的基石。在西德摩塞尔的《音乐百科词典》中这样表述过音乐美学这门学科的属性：“音乐美学是一般美学的一个部分……可以按其来源，将音乐美学分为主要两派：哲学家的音乐米学，他们从中的思索出发，也探求音乐；音乐家的音乐美学，他们从他们的音乐出发，力图达到一个总的思索—这是由于本身不同的立场区别所形成的结果……”而日本的神保常彦在《标准音乐词典》里又曾这样表述过音乐美学的属性：“音乐美学，作为关于音乐的美学方面的研究，与一般美学相对而言，可以算是一种特殊的美学。另一方面，当人们把音乐学按体系和历史进行划分时，则又可以将音乐美学看做是按体系划分的音乐学中的美学部门。”虽然上述的对音乐美学的解释不尽相同，但对属性的认识却是一致的，强调了它作为音乐艺术的特殊性。

音乐美学涉及的内容也相当的广泛，主要有三大体系：音乐美的本体、音乐的审美经验和音乐美的价值，音乐美学与哲学、音乐学、心理学、社会学、人类学、教育学都有着密切的关系。音乐美学的研究方法有很多，哲学的思辩方法是音乐美学的基本研究方法，而心理学、社会学以及形态分析学的研究方法对于音乐美学研究则具有重要的借鉴意义。“音乐美学是美学的一个分支，同时又是音乐学的一个组成部分，它是从美学的角度来研究音乐的本质、音乐的构成、音乐的创造、音乐的鉴赏、音乐的价值的一般规律的。”

二、音乐美学中的“感情论”

在西方十九世纪以前的漫长发展的历史过程中，关于音乐美学的探讨大多是在哲学的领域中进行的，从十九世纪起，发生了明显的变化，音乐美学领域被哲学家独占的时代结束了，音乐家开始进入这个领域，而德国的音乐家舒曼是勇敢地进入这个领域的先行者。

情感论音乐美学作为欧洲一种源远流长的音乐美学流派，成为十九世纪最主要的音乐美学思潮。情感作为音乐的内容，决定了在音乐中的重要地位，舒曼就将情感论音乐美学的取向表达的非常鲜明，他说：“只能够发出空洞的音响，而没有适当的手段来表达内心情感的艺术乃是渺小的艺术。”在西方的音乐美学史中称舒曼是个“感情论”者。因为在舒曼大量的音乐评论文章里都贯穿着“音乐是感情的表现”这样的一个观念。舒曼身为浪漫主义时期的一位音乐家，常常把现实同幻想对立起来，在艺术中为自己创造一个幻想的世界，用以抒发自己的感情，在幻想的世界里寻找精神上的寄托和感情上的慰籍。用舒曼自己的话说就是：在艺术的幻想中寻找现实的幻想的代替物。在舒曼强调的感情表现及其所具有的幻想因素之中，有很强烈的主观性。“这不仅表现在他的音乐别注重个人内心生活和感情世界的发掘，而且更体现在题材本身常常同他个人的生活经历和感情体验有直接的关系。爱情往往在这种经历和体验中占有特殊的位置。”舒曼的声乐套曲《妇女爱情与生活》是他艺术歌曲中的重要作品，其情感论音乐美学特征是显而易见的。音乐与诗歌相结合的审美取向。舒曼的艺术歌曲大多是以德国浪漫主义诗人的诗作为歌词的。舒曼将音乐与这些诗歌结合的天衣无缝。正如很多人描述的：“这些歌曲的音乐与诗歌的结合达到了水融的程度。他对诗词的敏捷而直接的洞察力，使他的歌曲形式富于变化、表情亲切，旋律热情而富表现力。”“也许由于舒曼有着更高深的文学修养，他在歌词选择方面非常注重诗歌本身的艺术性，他希望通过音乐的手段，使诗歌焕发出了更加动人的诗意情趣来。”《妇女爱情与生活》这部声乐套曲体现了浪漫主义时期注重音乐情感内容并将音乐情感作为音乐审美的美学观。19世纪是各种音乐体裁极大发展的一个世纪。“舒曼的‘感情论’美学是在德国浪漫主义思潮影响下的产物，它在很大程度上同这个思潮有血缘关系。然而，可贵的是舒曼的美学思想并没有完全被浪漫主义所束缚和被它所俘虏。舒曼不但在许多方面克服了浪漫主义的某些消极因素，而且还能有所突破，同新的文艺潮流相接近。”

三、舒曼认为的音乐

“在舒曼看来，一部有价值的音乐作品必须是高尚的思想感情内容同独创的艺术形式的结合。”那到底音乐应该发挥什么样的社会作用，什么样的音乐才是好的音乐呢？舒曼坚持认为“音乐决不是供人娱乐，供人在茶余饭后消遣解闷的东西。它必须是一种更高尚的东西。更高尚的东西是什么呢？用舒曼的话来说就是能”照明人类心灵的深处”的东西，能提高德国人的思想”，能像贝多芬的音乐那样以“伟大的思想启导我们国家”的东西。这正是舒曼对于音乐的社会作用的理解和要求。无非是要求音乐应该具有真正能触动人们内心感情的、具有高度思想性的内容。对于艺术形式的要求，舒曼指出：“艺术家必须上升到卓越的精神高度，把掌握技术性普遍知识不当作目的，而只是当作一种必须具有的手段。”

舒曼之所以对音乐有他自己独特的见解，在他的创作里有很多让人难懂的东西，甚至他的一系列关于音乐的评论都那么生动泼辣、尖锐犀利。问题大概就在于他的性格，他是那样一个自由而孤独的人，他的所有音乐创作都是来自与灵魂的创作，他的音乐美学包含着明显的唯物主义因素。社会在向前发展，人们对音乐艺术的认识也在不断的深化、改变，然而，舒曼对于音乐的高度思想性艺术性的要求，对于我们以后研究音乐美学还是具有很现实的历史价值的。

参考文献

[1]帝姆·道雷.《舒曼》,江苏人民出版社,1999.

[2]李斯特.《李斯特论肖邦和舒曼》,音乐出版社.1962.