音乐艺术论文模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇音乐艺术论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

音乐是一种善于表现和激发感情的艺术，可以说，音乐欣赏的过程就是感情体验的过程，它既是欣赏者对音乐的感情内涵进行体验的过程，同时也是欣赏者自己的感情和音乐中表现的感情相互交融、发生共鸣的过程。无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐的专门家来说，感情体验都是在进行音乐欣赏时不可缺少的一种心理要素。对于音乐的专门家来说，假如在欣赏音乐时只注意技巧、技术手法、结构形式等方面，而在感情上却无动于衷，那么他对音乐的欣赏也只?quot;觇其文而未见其心，见其表而未见其里"，并不能完整地感受与领会音乐的美。一位有经验的英国音乐教育家曾告诫说："不要允许你的批评性的敏捷聪明窒息你的情绪反应。那些专家们经常把他们的注意力局限在技巧上。"①他还说："除非你也重新抓住了激动过贝多芬写这一作品（指Waldstein）钢琴奏鸣曲--引者注）的同样感觉，或是认为你也有这种情感，你才有权利说你欣赏他。"②音乐是一种善于抒情的艺术，音乐中有着丰富而深刻的感情内涵，只有当音乐欣赏者的感情活动与音乐作品蕴涵的感情基本相吻合的时候，才能称之为正确的音乐欣赏。因此，准确、深刻和细致地体验音乐作品中的感情内涵，是音乐欣赏中感情体验的基本要求。对音乐作品感情内涵的体验，首先表现为感性上的直接体验。比如，我们在听到一首乐曲的时候，对这首乐曲所表达的感情（它或是快乐的，或是悲哀的，或是慷慨激昂的、、、、、、等等），凭借自己的感性经验，自然地产生出一种体验。这种伴随着音乐感知而自然产生的感情体验，就是我们所说的感性上的直接体验。

例如，我们听到这样一个音乐主题：

例3快速地

郑路、马洪业：《北京喜讯到边寨》

①布克（P.C.Buck）：《音乐家心理学》，中译本，第107页。

②同上书，第104页。

我们自然会从这个由弦乐器和木管乐器奏出的快速而又活跃的音乐主题中，获得一种欢乐和喜悦的感情体验。

而当我们听到下面这个缓慢的、如泣如诉的音乐主题时，一种悲苦、凄凉的感情会不由自主地在我们的心头涌起：

例4

慢速地

《江河水》

当在钢琴上响起了下面这个在左手持续不断地上下滚动的音型衬托下，由右手奏出的号角般铿锵有力的音乐动机时：

例5

肖邦：《c小调练习曲》

音乐中所表达的那种激昂悲愤的感情波涛，会把我们深深地打动。

欣赏者从音乐中获得的这种感情体验，并不是由于标题或文字说明等所引起的，而是一种感性上的直接体验。当然，欣赏者能够在自己的意识中，把从听觉感受到的音乐音响转化为感情的体验，是要以正确的音乐感知为前提的，而当欣赏者对某种音乐音响及其艺术风格不熟悉，不能正确地进行音乐感知的时候，那他就不可能获得正确的感情体验。我在为学生讲课的过程中所做的课堂实验表明，学生们对于他们熟悉的音乐风格，尽管预先并不清楚听的是什么乐曲，但还是能够大体上正确地体验到乐曲的感情性质。例如，在对乐曲不作任何说明的情况下，我为学生们放了一段德沃扎克的《大提琴协奏曲》中第一乐章副部主题在展开部的变奏段落的录音，然后让学生们写出自己的感情体验，五个学生的回答分别是：

（1）回忆的、欲以挣脱某种纠缠。

（2）悲哀的、带有哭泣的主题音调。

（3）充满深沉的情绪。

（4）悲哀、哀怨。

（5）远方的倾诉。

五个学生的答案用语虽然不同，但他们的感情体验在性质上却比较接近，而且与原作的感情内涵基本上是吻合的。德沃扎克在这首乐曲中所抒发的对祖国的深切思念与身在异乡所感到的孤寂与愁苦的感情，学生们感性的直觉也是能够有所体验的。

然而，学生们对具有他们所不熟悉的音乐音响与艺术风格的乐曲，在感情体验上却表现出明显的差异。例如，我在课堂上放了宋代郭楚望的古琴曲《潇湘水云》的主题呈示段落的录音之后，照例让学生们写出自己的感情体验，五个学生却作出了各种不同的回答：1）叙述某种痛苦。

（2）忧郁而充满一种力量。

（3）典雅而明快的情绪。

（4）喜悦。

（5）酒狂。

这里之所以会产生如此之大的差异，甚至是截然相反的感情体验，主要原因是有些学生很少接触古琴音乐，对古琴音乐还不能正确地进行感知，因此也就不能正确地体验乐曲的感情内涵。

我们上面所讲的欣赏者对音乐的感性的或者说是直感式的感情体验，是音乐欣赏中感情体验的基本方式。然而，它毕竟是对音乐作品感情内涵的一种初步体验。如果欣赏者仅凭直感去进行体验，虽然有可能体验到乐曲的基本感情，但却往往会局限于喜怒哀乐的感情类型的体验上面，而不能更深入地体验乐曲感情的内在含义。因此，对音乐欣赏中感情体验的进一步要求就是要有理解认识的参与，即欣赏者要从各个方面去研究和了解乐曲感情的内在含义。只有在对乐曲感情赖以产生的思想和生活基础有了比较明确的认识之后，才有可能更深刻、更准确地领会音乐作品的感情内涵。这正如同志在他的哲学著作中所说?quot;我们的实践证明：感觉到了的东西，我们不能立刻理解它，只有理解了的东西才更深刻地感觉它。"①

当然，我们这里是指对那些的确表现了深刻的感情内涵的音乐作品的欣赏而言。而我们之所以对音乐欣赏中的感情体验提出这种进一步的要求，是因为音乐中所表现的感情既不是一种与人的思想没有什么联系的神秘莫测的东西，也不是没有生活基础的主观自生的东西。相反，音乐中的感情内涵是由一定的社会生活所引起，并且是和一定的思想相联系的。正如我国古典音乐论著《乐记》所说?quot;凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也"②。但是由于

①：《实践论》，《选集》四卷本，第263页。

②见《乐记》中的《乐本篇》。

音乐表现手段的特殊性，使得它在表现感情的同时，却不能把感情所赖以产生的思想和生活基础同样明确地表现出来，这就要求欣赏者在对音乐中的感情内涵凭借感性进行体验的同时，也能够有意识地运用理解因素，深入体验乐曲感情表现的内涵。

由于音乐中的感情内涵常常可以在音乐以外的因素中找到理解的根据，例如在声乐作品中可以在标题和文字说明中找到根；在标题音乐中可以在标题和文字说明中找到根据，因此，在对声乐作品与标题器乐作品的感情体验中，对这些非音乐因素予以充分注意是完全必要的。如果对这些非音乐因素不予注意，而仅凭感性体验是很难深刻领会乐曲的感情内涵，特别是它的社会意义的。音乐是一种表现生活的艺术，为了避免音响材料的局限性，更好地进行艺术表现,它往往需要和其他艺术相结合，这种做法早在音乐发展的原始时代的歌、舞、诗三位一体的形式中就已经开始了。由于这些非音乐因素已经和音乐紧密地融合一个有机的艺术整体，欣赏者在对音乐进行感情体验时，就需要运用理解认识这一心理要素去对这个艺术整体加以研究，从而加深对音乐的感情内涵的体验。

有些无标题音乐作品，并没有综合运用非音乐因素，但是却并不意味着这些音乐中的感情表现就没有它们的生活和思想基础。为了更深入地体验这类乐曲的感情内涵，欣赏者一方面要通过对音乐本身的反复倾听，凭借直感更准确、更细致地去体验乐曲的感情表现，另一方面也要从更广阔的方面，特别是从乐曲产生的社会环境、作曲家的生活经历、创作意图、艺术风格等各个方面去进行研究和了解，以求得对乐曲感情内涵的正确把握。例如我们前面提到的德沃扎克的《大提琴协奏曲》，如果学生们通过理解认识的作用，了解到这部协奏曲是捷克作曲家德沃扎克晚年旅居美国时写的作品，作者通过这部作品倾诉了他对远隔重洋的祖国和亲人的深切怀念，那么，学生们在欣赏过程中就会对这部作品的感情内涵获得更深刻的体验。又如，对贝多芬的《爱格蒙特》所写的十段配乐中的序曲，不了解这部戏剧的主人公爱格蒙特是十六世纪荷兰人民所崇敬的英雄，对他所领导的荷兰人民反抗西班牙统治和争取独立的斗争也毫无所知，那么也就很难体验到这部序曲中戏剧性的感情变化：痛苦的、激烈的反抗、悲壮的颂歌和胜利的狂欢。如果欣赏者能够充分发挥理解认时的作用，对这部戏剧的内容和人物形象有比较深刻的理解，那也必然会对乐曲的感情内涵有更深刻的体验，而这是单凭感性体验所不可能做到的。但是，对感情体验的这种进一步的要求，却并不是每一个音乐欣赏者都能够作到的。对音乐家和音乐作品创作情况的了解也不是每一个音乐欣赏者都有条件进行的。而且，有许多无标题的器乐作品，作者在创作他们时往往没有留下什么有关记述，作品本身也并没有表现什么深刻的社会内容，而只是某种情绪的表现。在这样的情况下，就很难对乐曲做出进一步的解释，而只能凭借音响感知和对作者总的创作个性和风格的把握来体验乐曲的感情。因此，我们必须正视这样一个现实，那就是对于绝大多数音乐欣赏者来说。音乐欣赏中的感情体验更多地还是以感受性的直观形式进行的。象通常所说，欣赏者是处于一?quot;只可意会，不可言传"的心理状态之中，更何况音乐中所表达的感情，在很多情况下的确是"只可意会，不可言传"的呢！这样判断一个欣赏者是否能够借助于某种概念把体验到的感情表达出来，而是要看要看欣赏者是否对音乐中表现的感情真正从内心里有所体验，欣赏者的感情是否能够在欣赏的过程中随着音乐的进行而起伏、变化，如果做到了这一点，那就可以说是对音乐中所表现的感受情有所体验了。当然，我们这样说也并不是否认理解认识对音乐欣赏中感情体验的重要作用，而是要说明，这种理解认识只有融注于感受性的体验之中，才能真正有助于音乐欣赏。

综上所述，我认为欣赏者在欣赏音乐的过程中，首先对音乐表现为感性上的直接体验，其次欣赏者要从各个方面去研究和了解乐曲感情的内在含义。换句话说，欣赏者要准确、深刻和细致地体验音乐作品中的感情内涵，这是欣赏者在音乐欣赏中感情体验的基本要求。当然，我又认为问题还有另外一个方面，那就是音乐欣赏者的欣赏能力各不相同，而且每个欣赏者都只能根据自己的不同生活经验来体验乐曲所表达的感情，因此，我们可以再从另外的角度去论证音乐欣赏活动是一种欣赏者的主体活动，欣赏者意识中的乐曲，必然渗透着他自己的主观色彩，而不可能和作者创作这首乐曲时的感情体验完全一样。也就是说，音乐欣赏活动中主体与客体（欣赏者与被欣赏的乐曲）的关系是既一致又不完全一致的辨证统一的关系。希望大家能对我提出的问题感兴趣，能同我一起探讨。本篇论文的写作，我得到了郭星辰老师与郗力红老师的帮助，在此，对他们表示感谢！

主要参考文献：

篇2

（一）电影音乐发挥着替代角色的重要功能

在王家卫电影中，主要人物都有其特定的代表音乐。《重庆森林》中的女主人公一直想到地球另一端真正的黄金宝地去，而其主题音乐《加州梦游》就直接代表了女主人公的梦想和思想，进而成为女主人公特有的背景音乐和角色隐喻代表。直到有一天女主人公将警察663喜欢的歌曲《多么不一样的一天》换成自己喜欢的《加州梦游》，意味着女主人公想要取代警察内心深处的恋人。《花样年华》中《梦二的主旋律》变化不大的和声、提琴忧郁暗淡的调式风格，带给人一种萦绕于心、难以忘怀的感觉，这与孤独、无助、郁郁寡欢的女主人公的心情十分吻合，以至于成为女主人公角色的隐喻代表。每次画面出现孤独忧伤的女主人公身影时，音乐就会缓缓响起，似乎在向人们诉说着她内心的忧伤、无奈和悲切。《堕落天使》中的台湾歌曲《思慕人》不仅暗示了父亲是一位来香港的台湾移民，真实地再现了父子之间的关系，而且巧妙地表达了父亲对子女的关爱。而在王家卫的第一部科幻影片《2046》中，音乐所代表的角色功能则表现得更为明显：主题音乐《摇摆》节奏舒缓、跳跃，以大提琴的弹拨衬托小提琴，演奏出具有迷人怀旧风格的音乐，代表着表面多情、游刃于各种女人之间，内心却孤傲、失落、焦灼的男主人公周慕云；具有美式拉丁风格的Siboney代表的是余香难留、风尘无依的交际花；而歌剧《诺玛》中的《圣洁的女神》则勾勒出执着的女歌手形象。

（二）电影音乐替代剧情参与叙事的功能

电影主题音乐是电影故事情绪的基调。人物的内心活动有时很难用语言来表达，电影音乐的出现则刚好弥补了电影语言的空缺，积极地表达着人物的内心世界。在王家卫的电影中，电影音乐的使用都是经过精心挑选的，无论是音乐的节奏，还是音乐的风格，不仅能够表现影片人物内心细微的变化，而且对电影故事情节的发展也起着重要的推动作用。《花样年华》中《梦二的主旋律》先后在男女主人公孤独地在面摊吃饭时，在狭窄阴暗的楼梯口擦肩而过时响起，舒缓的音乐将语言无法表达的内心寂寞、徘徊、无奈继而探寻对方内心世界的情感展露无遗。影片《堕落天使》中，男女主人公的身份注定他们之间是不能产生感情的，但感情这东西很难捉摸，在合作过程中两人产生了朦胧的爱意，此时男主人公“借用”关淑怡的歌曲《忘记他》表达了两人间没有结果的爱恋，结局尽在不言中。影片《阿飞正传》中选用的音乐都是具有热带雨林风格的古巴音乐，这与影片故事发生地马来西亚的地域背景是相同的，影片中音乐的选用不仅符合故事发生的地域背景，而且预示着所有挥霍青春的人像梦一样莫名的开始，莫名的结束。电影音乐使碎片式的故成了统一的有机整体。王家卫电影中的音乐不仅发挥着普通配乐的暗示角色行动、推动故事情节发展、奠定影片感情基调的作用，而且具有情节过渡、替代人物角色等参与电影叙事的重要功能。语言是一种抽象符号，传递的是特定的含义，但音乐不同，它比语言更丰富、更生动。在王家卫的电影中，音乐能够替代剧情将非线性的、碎片式的故事情节连贯成有机的整体，揭示影片复杂的背景、人物和情感。王家卫使用大量独特的音乐表现手法既向观众展示了现实的荒诞、异化和虚无，又描写了社会底层人物心理的边缘化、落寞感和无归宿感。

篇3

二、个性展现丰富了音乐艺术的表现形式

一首曲子可以通过钢琴演奏，小提琴弹奏，歌手演唱，舞蹈表演等多种方式进行表达，而每一种表达方式又独具魅力，给人不同的效果，由于欣赏者自身的成长经历，人生感悟，音乐技能，经济能力以及文化地位等不同，歌手以及表演家在进行歌曲表演时，其对歌曲的接受能力是有限的，即便同一首曲子，不同的欣赏者往往获得不同的感受，如果欣赏者多为钢琴爱好者，那么这首曲子通过钢琴演绎则将会起到良好的效果，同时，欣赏者对表演者的肯定将会更好，由此可见，个性展现使得音乐表现形式更加多样化。例如，湖南卫视举办的综艺节目《我是歌手》，其参赛选手多为不同年龄段，不同音乐风格的歌手，韩磊年纪最大，以演唱经典歌曲为最佳，而邓紫棋为新生代歌手，浑身充满活力，爆发力极强，因此受到青年群体的喜爱，而欣赏者也包含了各个年龄段的人群，这在一定程度上维护了比赛的公正性，当选手进行歌曲演绎时，观众便能根据自身的体会选出其所认为的最佳冠军。《中国好声音》则以声音为标准进行选手争夺，盲选阶段，每位导师都是根据所听到的声音做出是否转身的决定，而每位学员的声音则是其对音乐的特色表达方法，正所谓，一张嘴便听出了其音乐功底，正是凭借这种独特的选拔方式，才将最佳的声音甄别出来，给观众一个满意的答复。

三、个性展现增加了音乐欣赏的多样性特征

表演者将音乐以同样的方式分享给观众时，观众对音乐的欣赏能力不同，因而对音乐的接受程度也不同，由于欣赏者自身的能力存在一定差异，不同的社会阅历，欣赏时的心境等导致对同一首歌的欣赏水平不同。例如，当欣赏者心情愉悦，生活压力小，人生一帆风顺，那么欣赏音乐的情景也完全不同，在整个欣赏过程中，对音乐作品本身的内容，音乐的表现形式，演绎作品的歌手以及使用乐器的种类对欣赏者来讲都具有一定的个性化表现。例如，当欣赏者情绪低落时，其即便在欣赏一首激情奋进的歌曲，其仍能在其中品味出悲伤的味道，相反，当欣赏者情绪高涨时，其从音乐欣赏中体会的完全是积极，乐观的情感。在音乐欣赏中，欣赏者对音乐本身所要传递的情感并没有特别突出的关系，但由于欣赏者处于不同的欣赏境地，因而体会到音乐作品的多样性特征，这种差异的存在，正是音乐艺术个性展现的重点，从这个层面来讲，个性展现使得音乐艺术的表达情感变得多样化。以《老有所依》为例，如果欣赏者正遭遇人生不幸，对人生失去了追求，生活缺乏激情，在听到这首音乐作品时，心里便充满悲伤的味道，感慨人世多变，生活充满波折，一阵凄凉油然而生;若当欣赏者已处于花甲之年，儿女孝顺，子孙满堂，每天与老伴潇洒度过，在欣赏这首音乐作品时，便会感叹时光飞逝，从而更加珍惜当下的生活，用心过好每一天。

篇4

在目前经济全球化的环境下，西方文化同质化趋向尤为突出，高校音乐教学内容多以西方音乐为主，理论知识上重视西方乐理、音乐史，音乐实践中又以美声唱法、钢琴、西方交响乐等更受关注，而关于中国音乐史、民族民间音乐教育内容比较少。这种观念导向使得学生对中国传统民间音乐认知有边缘化的倾向。

2.社会和家庭对传统音乐文化重视程度较低，未形成良好的学习氛围

历代封建统治者对民间音乐都持鄙视和压制的态度，因而其长期以来处于自生自灭的状态，民间音乐更多是民众自娱自乐的一种形式。家庭教育也存在诸多问题，在实用功利的驱使下，父母认为“学好数理化，走遍天下都不怕”，而传统音乐文化对现代社会的适用度不高。长期漠视导致大学生对民族艺术、民间音乐文化缺少认同感，人文素养浅薄，精神家园缺失。

3.大学音乐课程设置单一，缺乏创新性与独立性

普通高校较少提供民间音乐相关方面的专题选修课程，导致学生对民间音乐认知度较低，感情淡漠。此外，民间音乐因为缺少与现代音乐的结合，缺乏创新性和独立性，难以适应学生对音乐欣赏的要求，也是导致学生对民间音乐兴趣不高的原因之一。

4.人数众多的大班授课制，难有教学互动和交流

大学音乐课都以“欣赏”为主，大班授课学生一般都在80－300人不等，传统教学方式是“按部就班”进行大量的知识传授，教师以“我教你学，我讲你听”代替了很多本该学生在音乐实践中体验感受、体悟到的审美经验的积累。忽视了学生的态度、独立思考和独到见解，禁锢了大学生的思维，以及自由想象和创造的空间。大学生缺少同音乐的直接交流，很难激发和培养对音乐的兴趣，音乐课的魅力也难以展现。

5.学科地位不高，学科属性不明确

一般高等院校只把音乐课程当作附带学科，有些理工科学校甚至没有开设音乐课程，更别说专修民族民间音乐了。为了应付检查，也只是作为选修课或只面向部分专业的学生。并且多数高校音乐教材少有创新性，缺乏本地区风格和特色的音乐作品。

二、民间音乐在高校艺术素质教育中的作用

1.弘扬民族音乐艺术，让其重新焕发生命的活力是大学生的使命

民间音乐教育是传承和保护文化遗产的重要方式，通过高校这一有效平台，开发民间音乐与提升高校学生艺术素养相结合，可以实现地方传统音乐文化的传承与高校学生素养提升的互动共赢。每个人都诞生于不同的文化摇篮，吮吸着民族文化精神的乳汁而成长。当妈妈哼唱着带有乡音的摇篮曲和童谣轻抚孩子入睡时，民间音乐的甘露便悄悄浸润着孩子们的心田。而今，民间音乐中的许多品种出现了断流，濒临灭绝。在民间音乐将要失去生态环境的情况下，让每个大学生都会演唱自己家乡的民歌，熟悉家乡的民间音乐，不仅是对民间音乐的传承，同时也是对文化遗产保护的重要方式。让民族音乐焕发新的生命力，这是大学生不可推卸的责任和使命。

2.民间音乐是感情真挚、自然美好，最具丰富内涵的音乐形式

民间音乐比起其他传统音乐来，更具有优美动听的旋律、丰富多彩的风格、乡土气息鲜明浓郁的特点。感人肺腑的艺术表现力以及勃发旺盛的生机，使得民间音乐挣脱一切狭隘审美理想的束缚，而追求真挚的感情、鲜明强烈的表现手段和朴素自然美好的音乐艺术形式，是我国传统音乐中最具丰富内涵的音乐种类。大学生在民间音乐的学习中，情感得到陶冶的同时，可以培养他们丰富想象力、审美力、创造力，特别有利于提升大学生的艺术素养。开展民间音乐采风还有利于增强师生对民族音乐艺术的自信心和自豪感，树立理论联系实践的良好学风，提升对知识的感知、理解和实际运用的能力。

3.民间音乐是传统音乐的核心，学习民间音乐有助于大学生养成正确的审美观

民间音乐是传统音乐中最古老最基础的音乐形式，宫廷音乐、文人音乐和宗教音乐往往是对民间音乐改制、选择、吸收和精致化的结果。如宫廷燕乐取材于民间音乐，宗教音乐吸收了民间音乐的成分，中国文人音乐，多以民间音乐素材为基础创作发展，其即兴性与乡土性的特征与民间音乐相同。文人贤士常在直接参与民间音乐的创作和表演中丰富文人音乐的内容，使得有些音乐形式———如昆曲就融汇了民间音乐和文人音乐的特点，备受人们的青睐。西安鼓乐三大流派之一的“俗乐”———何家营鼓乐便是民间音乐与唐代宫廷音乐及道家音乐的结晶。

三、利用民间音乐提升大学生艺术素养的对策

1.完善相关课程设置，创建大学地方艺术特色课程

陕西传统文化积淀深厚，音乐文化的地域特征鲜明。目前陕西省的民间音乐研究，已经有许多成熟的民间音乐作品和形式，可以直接运用到高校音乐教学和艺术活动中。如陕北的信天游，酒曲、唢呐、大秧歌、腰鼓等，关中的秦腔、皮影戏、秧歌、跳戏、曲子等，陕南的号子、山歌、端公、锣鼓草、佛曲等，以及由五大类十一个曲种组成的陕西曲艺音乐，如丝弦清曲类、说书类、道情渔鼓类、踏歌走唱类等也是陕西民间音乐体系中的一个重要组成。可以开设以陕北民间音乐、关中民间音乐、陕南民间音乐和陕西曲艺音乐专题欣赏课，将本土民间音乐的研究成果引入高校公共音乐课教学，此形成普通高校进行民间音乐教学的一个重要特色。

2.组建大学生艺术社团，并纳入课程管理中

民间音乐的学习重在实践活动，只有欣赏类的课堂教学，难以让学生真正体验感受理解民间音乐的魅力。大学生艺术社团是一个学校校本教研的侧面体现，艺术社团的组建和其活动的有序开展应纳入到学校校本教研和课程管理的范畴。将艺术社团建设与课程观、教学观、学习观联系起来，避免将艺术社团和常规意义上的各类兴趣小组混为一谈。如本院相继成立的“大陕北”音乐社团，“秦韵”女子合唱团等。在社团活动时记考勤，表演演出作为考评成绩的一部分。还可以组织高校学生走进社区搭台唱戏的广场艺苑，让学生参与更多的艺术实践活动。

3.采用灵活多样的授课方式，以及多种教学方法及评价方式相结合的模式

我国民间音乐文化丰富多彩，而非音乐专业大学生因为对此了解甚少，因而不太感兴趣，所以要打破只有课堂授课、以教师为中心的单一灌输式教学方法。授课以鉴赏、讲座、观摩等多种方式相结合。鉴赏不能只是单一聆听，更应加强感受、理解和创造的环节。如对山歌不同地域唱腔的理解，高腔（如陕西民歌）、平腔（如云南民歌）、矮腔（如江苏民歌）山歌体现了不同的旋律和节奏特点。陕西民歌以高腔为主，可以让学生们演唱陕北民歌，以独唱、分组对唱等展开。还可以让学生学习简单的曲调，借曲填词，任意发挥创造性演唱。讲座式可以聘请当地民间音乐艺人到大学课堂，向师生们传授知识。让学生、教师、民间音乐艺人有机互动，加强师生对民间音乐的认识。同时对民间音乐文化的功能、内涵、种类、风格和作品资源有更真切、客观和进一步的理解。如2005年邀请陕北歌王王向荣在本校进行讲学时，校园刮起了陕北民歌风。原生态的民间艺术走进教室，使课堂呈现出了多姿多彩、激情互动的特点。观摩式指利用地方民间音乐艺术活动，让大学生观赏或参加地方民间音乐表演，或组织大学生观看由文化部门组织专业人员演出的专场“本土民族民间音乐”演出，引导学生从多方面走近民间艺术，激发学生的学习兴趣，拓展学生的民族音乐视野，而从中受到感染与熏陶。开放型的课堂、多类型的教师、互动性的教学、原生态的内容催生出绚丽多彩的艺术教育之花。教学形式上还可以将课堂教学与课外艺术社团活动相结合。将学生社团活动的成果引入到高校公共音乐课教学中，新生看到和她们同样身份的师哥师姐在民间音乐的浸染中享受到音乐的快乐，定能引起强烈共鸣，不但拓宽大学生音乐视野，更激发出他们学习民间音乐的兴趣。课堂上采用师生互动为中心的园丁式、交流式，丰富教学内容，增强教学内容的新颖性、趣味性和综合性。在传授本地区民歌过程中，可以结合当地的民间生活，将歌曲与情景剧、表演相结合。评价方式采用形成性评价和终结性评价有机结合。形成性评价注重大学生学习兴趣的培养、自信心的树立以及学习策略的形成等方面，同时也是检测教师教学过程设计是否合理，教学手段是否多样，教学内容安排是否丰富，这是促进教学相长的一个重要方式。将大学生平时课堂上的表现及在音乐社团活动中的学习和实践状况结合起来作为形成性评价，分数可以占到50％－60％。终结性评价注重考察学生对民间音乐基础知识和基本技能的掌握和运用情况。该评价有利于学生了解自己的学习成效，以及教师了解所教学生群体及个别的差异，进一步完善教学目标的制定，优化或调整教学内容、过程、方法及手段［5］。这一部分占总评的50％－40％。

4.倡导大学生进行音乐采风和社会调研活动，开展民间音乐教学

长期以来，我国高校教育因为对民族音乐缺少足够的重视，所以民间音乐文化的保护和传承更多依靠民间社团和当地文化馆来进行。通过组织师生到各民族各地区进行采风，走访当地文化馆相关音乐研究者，收集、整理当地民间音乐素材，改编为适合大学音乐教学内容。把这些教学内容编入教材，对民间音乐也起到了保护和传承的意义。还可以利用当地民间音乐文化资源，邀请民间音乐社团与大学生社团联谊合作，方式上可以采用“走出去”，让大学生课余参与到民间音乐社团活动中，大学生社团成员拜民间艺人为师学习；或者采用“请进来”的方式，邀请民间音乐艺人来学校做教师，传授相关器乐的演奏方式，通过与民间艺人零距离对话，开展民间音乐的教学活动。

5.倡导大学生在继承的基础上推陈出新，在民族音乐中融入时代元素，发展大众音乐文化

民族音乐之所以有顽强的生命力，就是因为它的民众性和广泛性。但由于当今信息时代的冲击，大学生对自己民族音乐艺术陌生了，只有让他们重新熟悉，唤醒他们对民族瑰宝由衷的热爱，才可能继承和发展。因此可以尝试，融入时代元素，如民间音乐与流行音乐的结合。

6.加强教师的民间音乐教学能力，完善艺术课师资队伍建设

民间音乐内容丰富，涉及面很广，因此要求教师既要有深厚的民族民间音乐文化底蕴、扎实的知识储备，还得有一定的演唱和器乐技能技巧方可胜任。因此，对于普通高校音乐教师来说无疑是巨大挑战。这就要求教师们必须在工作中不断完善自身的知识结构，提高自身文化艺术素养和业务能力水平。除了教师自身刻苦钻研外，国家教育部门对此应高度重视，借助社会和地方民间团体举办各种各类培训班。聘请相关专家和民间艺人开设不同专题、不同地域，不同民族特色的教学课程，对全国高等学校相关音乐教师进修培训，以此更快更好的提高音乐教师的民族民间音乐素养、能力及业务水平。

7.投入必要的经费，建立健全相关制度，将民间音乐教学管理纳入良性循环的轨道

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二、存在于音乐中的画家们

很多著名的音乐家，不仅在音乐上有非凡的成就，在绘画上也有着较高的天赋。天才的音乐家勋伯格就是一个天才的画家，他1907年才开始涉猎绘画领域，三年之后，就在慕尼黑、柏林和维也纳举办了“勋伯格画展”，维也纳的博物馆已经收进了七十余件他的画作。他独树一帜的“音色旋律”创作方法，和绘画领域的“点彩派”绘画心契神会。康定斯基对他的绘画才华也赞叹不己，并写出文章对他的作品做了分析。德国歌唱家狄斯考很早就开始接触绘画，他说“音乐的意向可以隐喻地用线条和色彩来再现，有时我真的想表现我所歌唱的事物”，并与于1980年在德国的班贝格，1983年在日本成功的举办了个人画展；法国作曲家古诺髙强的绘画才艺曾让他在选择自己发展道路时左右为难。他获得罗马大奖后被派到罗马去进一步学习音乐的时候，每周都要到西斯廷教堂去做礼拜，他一面玲听弥撒曲，一面观赏米开朗琪罗的壁画，并能把它们临蓽得惟妙惟肖，音乐院院长为此忧心忡忡，他善意地提醒古诺：“天啊!你以为我们给你奖学金是要你来学绘画的吗?”；圣桑的心智包罗万象，音乐上的早慧让他享有"莫扎特第二”的美名，而在音乐之外，他精通几国语言，对美术、数学、天文学、考古学、哲学、动物学、植物学等都有浓厚的兴趣，皇室曾根据他的请求为他拨數购买了一台天文望远镜用于观察星空，他写过不少的科学论文或研宄文章。在美术方面，他著文《论古罗马剧院的装潢装饰》，讨论庞贝城的壁画。17岁就写了著名的《仲夏夜之梦序曲》的门德尔松在他周游世界的时候，总忘不了随身携带的画本，他不仅用音符刻画了优美的名胜风光，也用画笔勾勒所见所想。瓦格纳虽然和门德尔松友谊不佳，但在听过门德尔松的《赫布里底岛序曲》之后，也忍不住由衷的称赞他是“第一流的风景画家”；除此而外，被誉为“钢琴诗人”的肖邦在绘画上所表现出的才能也不容小觑 音乐家与美术家们所结成的深情厚谊，也使得他们在彼此的交流、欣赏中互为影响并推动着音乐与视觉艺术创作的共同发展。如在古典音乐的创始人斯特拉文斯基的艺术生涯中，许多美术家和诗人都是斯特拉文斯基的好友，交往密切，其中对他影响较大的则是画家毕加索。毕加索曾为他的而芭蕾舞剧《炫技》、《普尔欣奈拉》设计了舞台的布景、道具、服装和海报，毕加索由于经常改变风格而在美术界成为最著名的人物，而音乐界的斯特拉文斯基与毕加索恰像是一对孪生兄弟，也并不愿意重复自己的风格，不满足于刚刚创立的辉煌，当人们刚刚熟悉了他的某一风格、或者刚学会对他的某一音乐特征加以模仿时，却又困窘地发现这种风格的创始人己经又开拓了一个新的领域。正如《春之祭》引起的骚乱余波还未平息，斯特拉文斯基又己经开始了他新古典主义风格的探索了。正是对美的共同追求使他们心意相通走到了一起。

三、美术流派影响下的音乐

音乐中一些流派的形成无疑也受到过视觉艺术流派的影响。如以法国作曲家德彪西为代表的印象主义音乐就是在印象主义画派和象征主义诗歌影响下形成的。印象主义艺术首先是在视觉艺术方面兴起的，19世纪末，以马奈、莫奈、和雷诺阿为代表一些年轻艺术家们，他们希望打破学院派的严谨和保守，反对单一的在宗教和神话故事中汲取题材，主张走到大自然中去，把注意力放在自然光色的变化效果上，尽量避开写实体裁，以光和色彩为视角，去捕捉一个个瞬间飞逝的印象，用精细的笔触，模糊的构图，借助光、色的变幻来表现渲染闪烁的气氛与色彩、倏忽朦胧的自我感觉和印象。1874年，这帮年轻人在法国举办了一次叛经离道的画展，莫奈风景画《日出.印象》的出现，在当时更是受到众多的非议和攻击，从而这些年轻的艺术家们被贬为“印象主义者”》正是由于这些年轻艺术家们的“离经叛道”的思想，深深的影响了力求在音乐上突破传统的德彪西、拉威尔等作曲家。开创了一种注重和声的倏忽变幻，音响色彩的细腻斑斓，模糊的曲式轮廓，细致入微的听觉感受，突出精致、纤巧的风格，从此确立了印象主义音乐流派，对后来的音乐创作产生了巨大的影响。20世纪音乐的主要流派一表现主义最初也是受到视觉艺术思潮的影响，1911年，画家康定斯基、马尔克、玛克等人在德国创办了《青骑士》杂志，刮起了一股表现主义运动的风潮，发表了多篇有关视觉艺术的表现主义言论。以勋伯格和他的两个学生贝尔格、威伯恩为代表人物的表现主义音乐，无疑是受了视觉艺术中表现主义画风的影响。他们在艺术上的观点也是相同的，都认为表现主义应该表现的是人们内心，而不是对外界的印象的形象描绘，强调的不是客观物体的外貌，而是人们内心和灵魂深处的感觉和情绪。表现主义音乐与18世纪的理性、均衡与和谐，与19世纪浪漫主义的注重自我世界，关注和听众通过音乐进行情感上的交汇的音乐描述完全不同。对此勋伯格就曾说过：“艺术家为之奋斗的最伟大的目标只有一个，那就是表现他自己……我们的心灵才是客观世界的真实反映……”。如同常用变形和扭曲手法描写真实的表现主义画家一样，他们用怪诞、奇异的音响去表现压在自己内心深处的那种绝望、压抑、恐惧。在当时的社会环境中，他们目睹到种种黑暗、腐败现象，感到强烈不满，却又无力改变，从而陷入迷茫、无助的境地。所以惊悚、死亡等等是表现主义常常关注的题材，充满了精神上的荒诞。伯恩斯坦曾在评论勋伯格的代表作品《月迷彼埃罗》说：“这些歌永远使我感动，但也使我有点恶心。连唱带讲，还加上。在这些歌曲的有些地方，我真想跑去打开窗子，呼吸一下健康而清洁的空气。但这也就是它的成功之处。”另一位评论家却说：“如果这是音乐，求求上帝，别让我下次再听它了。”下面的两幅作品中，僵硬平直线条、变形的构图、大片涂抹的色块，似一声声尖利的喊叫刺透我们的耳膜，充满了绝望、惊恐，形象的表明了这两种艺术形式内在联系。和音乐家爱画、作画相映成趣的，另一边就是画家爱乐、作曲了。在美术史上，出现过许多用绘画表现音乐的大师和杰作，如：美国早期画家华尔特狄斯纳，他曾根据贝多芬的《田园交响曲》创作了三幅画作；被誉为19世纪最优秀的俄罗斯风景画家列维坦所创作的名画《墓地上空》表现的也是是贝多芬的名作《英雄交响曲》中的“葬礼进行曲”。据他的一位女学生回忆说：“当列维坦创作这副作品时，坚持要我为他弹奏贝多芬的曲子”，可见，正是贝多芬的音乐唤起了画家的创作灵感。美国绘画史上第一位纯抽象派大画家斯图尔特?戴维斯(1894—1964)的创作是与他对爵士乐的热爱分不开的，他认为，画家可以从现代爵士乐中发现一种新的绘画观念，他就是利用夸张变形的色块、色调、线条、等绘画语汇，运用抽象化主观化的写意传神手段进行着一幅幅只可以眼观的“乐曲”创作。当观众们走过他1932年为纽约一座新落成的音乐厅所绘制的大型壁画前都不禁感叹这是一幅‘‘可以用眼睛来欣赏的变化莫测妙不可言的音乐作品”。另一位出生于美国近代著名绘画大师惠斯勒(1834-1903),—生都试图把绘画艺术与音乐艺术巧妙地结合为一体，并在这方面做了有益的努力，有着突出的成就，可以说是历史上最负盛名的“音乐画家”。他采用音乐术语为他的画命名，如把《白衣少女》称之为《白色交响曲》、《母亲的肖像》称之为《灰色与黑色的交响曲》、《茫茫之夜》则称之为《夜曲》。另外他还用和声、变奏曲、旋律、音调、幻想曲等音乐名词来命名他的画作。这样的画家还有很多，如马蒂斯从小酷爱小提琴，他常一天练六个小时的琴，因此在他的绘画出现了很多关于音乐的主题《钢琴课》、《音乐》、《内景和小提琴》、《爵士乐》等作品也就不足为奇了。俄罗斯抒情抽象绘画的大师康定斯基在绘画中表现出的独创性更是值得一提的，从小表现出很高的音乐天赋，钢琴弹的特别好，作品《送葬队伍》，基本上是从瓦格纳的《众神的黄昏》得到暗示的，还有《相互的和音》、《赋格》、《带伴奏的中心》、《有规律的飞翔》等等与音乐有关的作品，都无不体现出康定斯基在用绘画表达音乐、抒发自己的情感方面，有其独到之处。

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2现代传媒的特点存在模式更具开放性。现代传媒以信息技术为基础，其存在模式并非封闭，而是开放的，较之传统媒体具有传播范围更广、传播速度更快的特性。利用新技术进行传播是现代传媒的主要方式，不仅能使受众突破时空限制，更能极大提高获取信息的自由度。此外，现代传媒传播模式呈网状结构，极大地减少信息传播的限制，增加了受众获取信息的宽度与深度，而且受众成为信息的传播者。由此可见，现代传媒突破时空限制与传播的主体限制，更具开放性。传播载体更具兼容性。现代传媒的传播载体兼容了数据、文本、图形、动画、音频以及视频等多媒体呈现模式。在全球化大背景下，现代传媒的包容性要求也随之提高，新媒体不断向外拓展生存发展的空间，开拓传输范围，打破地区之间、国家之间的隔阂与壁垒；此外，媒介技术与媒介话语具有包容性和拟真性的特点，使得媒介信息对受众认知行为产生影响，塑造着受众的世界观，多样化媒体的相互融合愈加明显。传播速度更具时效性。较之传统媒体的传播速度，现代传媒更多的是借助于网络体系、数字技术，具有更快的制作与传播速度，让受众获取的信息更具时效性。而基于网络传播的多媒体格式，能够将图像、文字、音频以及视频等一系列的信息融汇起来反复传播，使信息更为具体、形象、生动，受众在短时间内能够获取更多、更有效的信息。影响力范畴更具广泛性。随着科学技术的发展与进步，现代传媒凭借技术上的优势和稳定的存储系统，突破时空地域、文化水平以及经济条件的限制，其影响范围不断延伸。无论是城市还是乡村、国内抑或国外，都已成为现代传媒影响的范畴；受众范畴也囊括不同年龄、不同职业、不同文化程度的群体；与此同时，受众的教育、生活、工作无不广泛地受到现代传媒的影响。

二、现代传媒与音乐艺术的关系

在现代传媒尚未产生之时，音乐是借助于口传心授和手抄记谱来完成传承的，但是这种传承方式有其局限性，在传播过程中易造成音乐的失去本真乃至被遗失。随着网络数字化的普及，现代传媒技术被广泛应用，音乐艺术的发展与现代传媒息息相关。音乐的传播需要借助现代传媒，而传媒也因音乐的参与而内容愈加丰富，现代传媒与音乐艺术之间彼此依存、相互促进。一方面，随着现代传播技术的日益发展，基于互联网的数字广播技术被广泛应用于传媒，实现了跨地域无限传播的可能性，作为广播传播的主要内容的音乐，能够让不同地域的受众同时接收。另一方面，数字电视技术在我国的大范围应用和普及为数字信号走进千家万户提供了可能性，脱离了距离因素的限制后，电视事业获得了长足的进步，音乐电视也迎来了更广阔的发展前景。对音乐艺术而言，电视媒体在引导其潮流发展,推进其艺术创新方面功不可没；对媒介载体而言，音乐已成为十分重要的内容构成。基于现代传媒，音乐艺术呈现出许多新的特性。现代网络数字化技术的广泛应用，对音乐艺术的发展产生深远影响，为音乐艺术注入新鲜血液、赋予了新的生命，使音乐艺术表现出许多新的特性。第一个特性是传播的全球化。现代传媒是在全球范畴内进行传播，网络传播不受任何限制，所以现代传媒视域下的音乐同样具备全球化这一特性。世界各地的人们都可以通过网络的传播，获取相应的音乐产品。第二个特性是创作个性化。现代传媒数字化的优势为音乐艺术家提供了一个展示才华的平台，音乐创作艺术家们通过数字化手段，创作出极富个性的音乐艺术品。第三个特性是涵义的表层化。随着多媒体技术的广泛应用，视觉媒体逐步介入到传媒制作之中，音乐通过视觉这种屏幕化的辅助手段被呈现出来，其深层次的涵义被简单直白地传递，造成音乐接受者无暇或是没有机会对音乐艺术的意蕴进行深层次的挖掘，这就造成音乐艺术涵义的表层化特性。

三、现代传媒背景下的音乐艺术发展

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二、创造性发展价值

艺术是审美的世界，音乐是听觉的享受，在词曲旋律的创造上，音乐没有止境。创造最好听的音乐是所有音乐人的梦想。高中生年龄在l4—18岁，正处于青年初期。研究发现，14岁是创新的最佳时期。这一时期高中生的成人意识开始觉醒，有了独立思考问题的能力，是非观念是这个年龄段学生的主要心理特征。“为什么学习”和“怎样学习”是他们首先需要解决好的问题。高中生开始有了独立的思考能力，有了自己的创造性的思维能力，他们有自己认识世界的方式，他们也想用自己的创造让大人们正确的认识和评价他们，成人感和认同感及自我价值的实现是他们渴望成功的动力。创新能力的培养，其核心是培养学生的创新思维。创新思维不是来自高考的应试教育，而是非智力因素的综合运用。创新思维是在人的意识中潜移默化的培养应用性能力的直接体现。心理学研究揭示了这样的一个事实，培养中学生的创新思维，必须要和培养与创新思维有关的非智力因素结合起来，这里的非智力因素主要包括求知欲、独立性、灵活性、坚韧性、强烈的动机、热情、自信心、吃苦耐劳等等。创新是每个人都有的内在潜能，要有效地开发出这些潜能，需要个体有从事创新活动的驱动力，个体的兴趣和动机是从事创新活动的内驱力，非智力因素减弱以至降到很低水平，是创新思维不活跃的关键因素。要培养学生的创新因素，就要激发强化他们的非智力因素。要做好这项工作，首先，要培养学生的自信心，要让他们相信自己有创新能力，有能力受到他人的尊重，有能力独立地解决各种问题。其次，要尊重学生的想象力，鼓励学生展开想象的翅膀，永远保持好奇、质疑、探索的自觉意识。最后，要形成一种商讨气氛，允许不同意见的存在，这应成为每个集体成员的共识。培养中学生的创新能力，除了创新思维，还要有实现创新设想的能力。这些能力既包括思维能力，也包括实践动手能力。21世纪极具挑战性和竞争性，发展中学生的创新思维，开发其创新潜能，是中学生教育必须解决的重要问题，没有中学创新教育的成功，就没有中华民族强大的创新能力。

三、社会交往价值

音乐的功能体现在情感的共鸣，进入21世纪，物质文明得到了极大的丰富，但是精神文明却在钢筋水泥的城堡里被高强度的生活所抛弃。人类自己的精神家园需要维护，人们在沟通和交流中需要情感的相互关怀。音乐是传递情感的最恰当方式，无论什么样的心情，无论什么样的状态，也不论什么样的视听要求，都可以找到合适的音乐，音乐类型的无疆界和音乐创造的多维性，给人们的生活带来了丰富多彩的艺术享受。同时也在人群中起到剂的作用。身教胜于言教，我们的音乐老师站在讲台上，不仅仅教学生们知识文化，更是给他们树立榜样，让他们有理想，有追求。在音乐的课堂上，在试听歌曲的享受中，我们开始不需要去懂得歌词的意思，跟着节奏和旋律就能自己哼唱；自己学会唱歌的时候，了解了歌词的深意，更会身临其境。《长大后，我就成了你》就是即可以安静欣赏的歌曲，又是可以歌唱的音乐，在歌词的表达中把我们老师和孩子们紧紧地拉到了一起。可以互动，可以沟通，更可以角色互换。很多学生谈理想的时候，都希望自己将来当老师，榜样的力量是无穷的，《长大后，我就成了你》就是最好的榜样，歌曲具有很强的代入感，让老师想起上学时候的样子，也让坐在教室里的高中生有空间去想象自己以后当老师的样子。这份感动从音乐中款款而来。也就形成了教师和学生的良好互动，同时又把现实和理想进行了对接，对高中生思考和审视自己的未来具有良好的缓冲作用。

四、文化传承价值

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2、音乐艺术鉴赏课中应加强对世界其他音乐文化的学习鉴赏

以此推动学生对世界音乐文化的了解，并进一步使学生了解世界各地区各民族的音乐文化是平等的，使学生学会从文化的角度阐释世界各国的音乐，进而引导学生以文化相对主义价值观的眼光来看待世界各国的音乐文化。音乐艺术鉴赏课自开设以来大都以西方欧洲文化为主要内容，其鉴赏发展脉络也是以西方音乐史为主，而对于除此之外的其他国家地区音乐文化提之甚少，对于这些内容有些教科书干脆忽略。自多元音乐文化进入我国音乐教育视野以来，我国许多音乐学者提出了开设世界音乐课程的建议，并在当今音乐教育中已有部分高校已实施，但其普及程度及其教学质量仍不乐观，音乐艺术鉴赏课作为普及音乐文化知识的课程应在此基础上应承担此重任，加强对世界多地区音乐文化的普及认知，一方面有利于多元音乐文化的传播发展，另一方面推动了世界音乐文化的传承，使更多的学生接触并欣赏的不同地区不同世界的音乐文化，提高学生的音乐视野及其文化修养。

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（1）电影表现形式的突破和实践。电影《音乐之声》在表现形式上做出了重大的突破，与一般电影常规表现形式中主要体现画面与语言对白的组合不同的是，此部电影将百老汇音乐剧的表现形式有效的融入其中。音乐作为剧情的主要表现形式，是这部电影的灵魂，在剧中占据了绝对的比重和分量。电影将部分对白用歌曲演唱的形式来加以表现，用穿插其中的舞蹈来代替角色的人物动作，采用音乐来烘托人物的感彩，表达人物内心的情感活动，唤醒人们心中最真挚的情感体验，从而激起观赏者心中的共鸣，并以此推动剧情发展。电影《音乐之声》中音乐的成功运用，极具欣赏与审美价值。在此剧中利用音乐的方式表现了剧情的整体艺术思想，将音乐艺术与故事情节紧密联系在一起，更好地将电影故事进行了完美表现，使得电影的音乐创作的立美意蕴得以最大的展现。

（2）音乐与剧情的高度统一。音乐是电影《音乐之声》的重要表现形式，也始终是剧情中重要的组成部分。从电影开篇画面，玛丽亚站在阿尔卑斯山绿色原野上放声高歌“Thesoundofmusic”到修道院嬷嬷们谈到玛丽亚时诙谐的音乐对白“Maria”；从孩子们在家里邀请父亲——冯•崔普上校用吉他弹唱“Edelweiss”，再到孩子们成长过程中第一次参加的家庭晚会中七个小孩和声演唱的“Solone，farewell”，以及在雷雨天为了帮助七个孩子克服对雷雨的恐惧而唱起了的歌曲“MyFavoriteThings”，无一不流露出音乐、歌曲对剧情的铺垫、衬托和牵引作用。由此可见，音乐在这部戏中扮演了双重角色，既是电影所要重点描述的内容，也是电影重要的表现手段。

（3）音乐与舞蹈的完美融合。舞蹈作为一门融时间、空间为一体的视觉艺术，与音乐在远古时代就是同源同种的一对姐妹，都是人类古老的文化事象。法国舞蹈家诺维尔在强调音乐与舞蹈关系时说：“音乐之于舞蹈，就像歌词之于音乐一样”。音乐与舞蹈的珠联璧合既发挥了音乐情感的特征，又能获得造型性空间的再现，最终使得观赏者通过视听的交融，唤起对现实的联系，形成了多一种的审美体验。电影《音乐之声》有效地将此种结合发挥到了极致，其中的很多场景。例如，“玛利亚给孩子们示范奥地利民间舞蹈‘兰德勒’时与冯•崔普上校共舞时的情感流露”、“孩子们在家庭演唱会时所唱的木偶舞蹈曲‘thelonelygoatherd——孤独的牧羊人’时的欢快表情”以及“表达玛利亚轻快跳跃的‘TheLonelyGoatherd’和欢快活跃的‘Do-Re-Mi’”等，均充分展现了音乐与舞蹈的完美融合给观赏者带来的美感，让人情不自禁。

（4）唯美主义的大胆实践。电影《音乐之声》伴随以音乐为主的线条展开的同时，各种唯美的画面逐一展现在观赏者的眼前，音乐与画面的水融，构建了一幅幅美丽的篇章，如果说画面是以点、线、面来表现感性的、可视的空间艺术，那么音乐则是以音响的物质材料诉诸人的听觉器官，以时间艺术来展现音乐无形的绘画之美，使得“音画相连”。《音乐之声》开篇缓慢流出的管弦乐与连绵起伏的群山、阿尔卑斯山林中不时传出的鸟鸣融为一体、辽阔秀丽的奥地利萨尔茨堡美丽的自然、人文风光以及剧中人物随着剧情的推进依次出现，此时与交响乐恢宏壮丽的效果相互融合，生动地向观赏者展示了祥和安静、自然相融的欧洲原野，唯美、大气、引人入胜。在此唯美的画面和动听的歌声中，音乐通过听觉的传递，涌入人的心扉，引发观赏者的共鸣，在观赏者脑海中各类“符号”转化为音响画面更加诠释了“音画相连”的审美意境，也是《音乐之声》在审美艺术表现形式上的大胆实践，美学内涵得以更广泛的外延，观赏者的审美愉悦感更加丰富。

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二、音乐艺术中通俗音乐的发展

一般来说，通俗音乐指的是那些富有个性的自然的嗓音演唱为主的，主要表达的就是一种普通人的思想感情，贴切的反应了人们日常生活的状态，旋律优美、易于弹唱，具有一种强烈的现代感气息。通俗音乐最早是由黎锦晖创作的《毛毛雨》、《妹妹我爱你》等歌曲，这些歌曲的出现，标志着中国的通俗音乐由此诞生。这是早期通俗音乐发展历程中最为重要的。随后在改革开放之后，通俗音乐的发展步伐在不断加快。通俗歌曲包含的种类包括现在比较容易被大众所接受的影视音乐、校园歌曲、流行歌曲等。每一种不同种类的通俗音乐都有着不一样的发展特点，因而发展过程也是不一样的。影视音乐是人们在欣赏影视剧的同时欣赏的一种音乐，由于剧情的需要，借助音乐可以更好地传达某种需要表达的情感，来强化艺术感染力，从而调动观众的情绪。而校园歌曲是以校园中的小故事为题材，深刻地展现出校园生活的一面，校园歌曲的内容一般而言都比较新鲜、曲调优美、形式简单，给人一种清新脱俗的感觉，在人欣赏这种校园歌曲的同时，也容易让人会想到自己的校园时光。现在的流行歌曲，唱起来比较脍炙人口，容易被人所接受，这也是它流行的主要原因。