设计风格分析模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇设计风格分析，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

一、现代室内设计的风格类型

（一）新古典主义风格保留了原古典材质、色彩的大致风格，跳过复杂的装饰和机理，散发出尊贵和典雅的气质，展现着现代美与古典美的完美结合。精雕细琢，透露着唯美与高贵，平和而富有文化底蕴。不仅满足了人们对高品质生活的追求，又达到了精神上对古典艺术的感官享受，所以倍受人们喜爱。

（二）现代简约风格主要通过对空间环境多功能利用，摆脱传统选材的限制，突出个性，展现出简约、清新舒适的室内设计，具有时代的气息。这种风格的设计，设计紧凑但不失时尚，创意新颖，既可以满足人们对生活品质和时尚风格的需求，又可以达到空间的节约与合理装饰。间洁、明亮的环境使人们在疲惫中得到放松，享受这种风格设计带来的舒适。

（三）现代前卫风格是一种打破传统设计理念、审美价值和生活方式，追求自我，凸显个性的前卫室内设计风格。大胆的机构设计和色彩布置、奇特的灯光效果，无不显示现代人对与众不同和时尚创新的追求。这种风格不拘一格，造型奇特，舒适基础上注重个性，满足了人们对独特艺术生活的追求。

（四）地中海风格设计来自地中海沿岸国家风格，色彩明媚，取材天然，呈现出流畅的自然美。拱形应用和镂空设计，加入传统的思想框架又不是地中海风格的随性，展现出罗曼蒂克的海岸风情。在浮躁的生活中追求一份纯美和恬静，成为现代都市人所心驰神往的。因此，地中海风格给人生活带来温暖与随性体验，打破了中式与欧式在室内设计中的垄断。

二、现代室内设计风格的优势

（一）设计简洁。现代室内设计简洁而不却美感，体现了人们对纯净生活的向往。新材料的选用，新技术和手法的表现，都体现出了设计者的设计思想和观念。例如，家具的摆放与空间紧密配合，更换那些繁琐的附加装饰，注重造型的简洁，体现现代室内设计构建组合的独创性。

（二）消费经济。现代室内设计在追求装饰艺术美观、风格时尚的同时，也力求支出最少。选择造价经济的材料达到最佳的效果，是对设计者的一种挑战。在进行室内设计时，设计师经过精密计算，斟酌用料。既要降低成本，也要寻求艺术设计美感的展现。

（三）使用的多功能。室内设计中，逐渐融入了“一物多用”的理念，以实现在有限空间内的使用最大化。对空间的合理规划和艺术性的组合构建，不但可以节约空间，同时也增加了空间设计的趣味性与独特性。比如对大型窗户窗台的榻榻米设计，为窗前小憩增添了无限乐趣。

（四）设计环保。随着全民环保意识的加强，社会也在大力倡导环保装修。室内设计也加入绿色环保的理念。比如，重视室内的通风设计，提升能源的利用率，提高新技术和新材料的使用，增加室内绿化设计等。

三、现代室内设计存在的误区

首先，盲目追求室内装修的豪华。部分设计需求者对现代室内设计风格认识不足，有失偏颇，错误的将室内设计的现代风格与豪华奢侈划上等号。在进行室内设计时盲目使用繁琐装饰材料，豪华的家具，忽视了空间设计的简洁性、经济性、多功能性。一味追求华丽，导致资源的利用率低，设计缺乏艺术美感和内涵。

其次，过多看重大尺寸家具。一些设计需求者忽视了空间的限制，偏爱大尺寸家具，增加了空间的压力感。片面地认为室内设计现代风格是依靠复杂的装修和大型家具所表现的。在家具配置中，热衷于选购大型沙发、茶几、电视机等大型家用家具。这不仅不会彰显特色，还造成了空间利用的不平衡。

最后，忽略了功能性。现代室内设计的一个要点就是多功能，在限定空间内满足人们的多方面需求。从选材、色彩、质地到艺术美感无一不展现现代室内设计的一丝不苟，刺激了人们的装修热情。但是，随着室内设计的盛行，盲目推崇流行风格的室内设计，使原本文明的文化设计渐入庸俗之列，成为富裕阶层争相玩味的宠物。室内设计要回归人性，回归本真，真正体现其功能性。室内设计是体现着深厚的文化底蕴，是对文化的继承和文明的彰显。在时展中，将中国文化与现代艺术完美结合，寻求独具特色和中国气质的设计风格才是明智的选择。

四、结语

室内设计不同的风格，体现着人们不同的生活的态度。随着设计风格发展更加人性化，功能多样化，不但增加了人们的生活乐趣，同时提高了生活的质量。对于现代室内设计发展中存在的误区要有清醒认识和理性的思考，不要盲目跟风。

【参考文献】

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网络被称为继书籍、广播、电视后的第四媒体，通过互联网传达的来自视觉、听觉的多元信息包括声音，图像，文字，视频等多种形式。平面设计师整合网络中有价值的资源，创造出有吸引力的广告界面，因此对于未来的平面设计师来说，善于灵活表达新视觉固然有用，但娴熟的计算机硬件和计算机软件使用技巧也十分重要。那么网络对于平面设计的要求和影响具体有哪些呢？

1.设计简练

互联网作为科学技术发展的尖端产物，网络环境相当复杂，但是互联网获取信息、资讯又相当便捷，互联网呈献给人们的事物或者设计含有大量丰富的元素，多样的字体，浓郁的色彩，它在使人目不暇接的同时，也很容易让人们过目即忘。因此网络的基本特性要求平面设计作品在简练的基础上做到更简练，在复杂的网络特性中寻求最直接有效方式来表达设计思想。因此，对于平面设计师的要求，绝不仅仅是熟识绘图软件这样简单。色彩的运用，字体的旋转度，文字的精确等等都需要设计师通过进行合理表达，简洁明确的表达往往能在短短时间内牢牢抓住读者的眼睛，并让读者印象深刻。值得一提的是，不同于传统纸质媒介对印刷精度的要求，在互联网上使用内存空间小的点，线或者图片，作品的加载速度会比较快，用户体验也会更好，读者对于作品也可能会增加好感。

2.合理布局

互联网媒体是基于计算机而存在的，而计算机呈现给人的视觉范围十分狭窄。因此，合理的布局在成就一个好的设计作品上，十分重要。通常来说，人的视觉是从屏幕中心向四周分散的，因此根据这个原则对平面进行分区是个不错的选择。从事平面设计行业的应该都知道，3DS-MAX就是一个十分优秀的平面分区软件。周密合理的分区是现代平面设计的非常重要的优化界面手段。

3.图形设计更加完善

由于互联网的迅猛发展，传统的平面设计产生了根本性的变化，这种变化是不可逆的，在这种条件下电脑图形应运而生。电脑图形的出现，为平面设计师提供了发挥无限想象的自由空间，激发了设计师的创作潜能。平面设计师通过电脑图形提供的新的表现形式，也开拓了平面设计更为广阔的发展空间。因此这标志着平面设计的人才需求向复合型新型人才转化，平面设计师必须在专业技能之外，成熟掌握电脑图形设计。在互联网大时代这种背景下，电脑图形设计也日趋完善。

4.内容更加丰富

平面设计由传统的二维空间向多维空间扩展，由静态平面转向动态平面，这都得益于网络的出现和普及。平面设计在环境、空间的展示和应用也十分广阔。平面设计加上互联网形成了新的平面设计风格。设计产业的发展使多元化的设计边缘学科、交叉学科及其他新兴设计学蓬勃发展，互联网为平面设计开辟出一条崭新的发展途径，电脑图形设计逐渐成为新的平面设计形式。5.网络环保在当今物质文明已经发展到一个高度的信息社会，发展已经不是时代的主旋律，可持续发展才是时代的主旋律。技术的发达并不是创造一个更好的社会的唯一因素，站在互联网的基础上看待平面设计，时代的建设离不开网络环保。不请自来的链接文件造成网络垃圾越来越多。作为平面设计师，更应当以身作则，坚守住自己的职业道德和道德底线，杜绝制作让人困扰的劣质的平面设计，空洞低劣的设计造成的视觉污染，令人厌烦。平面设计师还应该努力加强对自身的修养以及提高，提高专业水准，为美化网络环境贡献自己的力量。

二、平面设计的发展方向

互联网在未来可预见的很长一段时间里都将扮演着重要的角色。因此基于互联网时代的平面设计首先一定要把握信息时代感，通过多元化的表达形式体现平面设计理念。不同的时代需要拥有不同时代特性的平面设计，这样的设计才能体现出当代人的理想和时代对于社会文明的印记。其次，平面设计风格走向应向突出平面设计的变量思维彰显民族特性发展。我们认为平面设计里所代表的民族性和时代性一样重要，设计是一个民族文化的核心体现，而文化的传承才是人类社会最有价值的东西，也是每个民族所独具特色的东西，这是不能摒弃，也无法摒弃的，因此基于共同的文化以及价值观是平面设计永恒不变的主题。

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1.网站标志(LOGO)

LOGO是指网站的标志，标志可以是中文、英文字母，也可以是符号、图案等。标志的设计创意应当来自网站的名称和内容。比如：网站内有代表性的人物、动物、植物，可以用它们作为设计的蓝本，加以卡通化或者艺术化；专业网站可以以本专业有代表的物品作为标志。最常用和最简单的方式是用自己网站的英文名称作标志，采用不同的字体、字母的变形、字母的组合可以很容易制作好自己的标志。

2.网站色彩

网站给人的第一印象来自视觉冲击，不同的色彩搭配产生不同的效果，并可能影响到访问者的情绪。颜色搭配是体现风格的关键。“标准色彩”是指能体现网站形象和延伸内涵的色彩，要用于网站的标志、标题、主菜单和主色块，给人以整体统一的感觉。至于其它色彩也可以使用，但应当只是作为点缀和衬托，绝不能喧宾夺主。例如IBM的深蓝色，肯德基的红色条型。一般来说，一个网站的标准色彩不超过3种，太多则让人眼花缭乱。适合于网页标准色的颜色有：蓝色，黄/橙色，黑/灰/白色三大系列色。一般以白色和黑色的背景网页最好做，颜色搭配最方便；亮色与暗色配合，最容易突出画面，如黑与白，红与黑，黄与紫；而近似的颜色的搭配，能给一种柔和的感觉，如墨蓝与淡蓝，深绿与浅绿。最好能给主页定一个主色调，不要搞得花花绿绿的。

3.设计网站字体

和标准色彩一样，标准字体是指用于标志、标题、主菜单的特有字体。一般网页默认的字体是宋体。为了体现站点的“与众不同”和特有风格，可以根据需要选择一些特别字体。制作者可以根据自己网站所表达的内涵，选择更贴切的字体。需要说明的是：使用非默认字体只能用图片的形式，因为很可能浏览者的计算机里没有安装特别字体，他看到的只能是乱码，那么辛苦的设计制作便付之东流了。

4.使用精炼有效的语言

现代生活节奏加快，人们往往没有时间看大块文章。为了节约时间，在单位时间内获取最大量的信息，人们需要精练的信息，即信息精品，要用信息语言来表达信息内容。所谓信息语言是指以下公式：信息=基本事实＋数据描述＋专家观点。

信息语言摒弃一切广告性词句、文学性修饰词句，不欢迎一切关于意义、重要性的过分渲染。尽量采用数字说话，欢迎定量描述，反对过多的定性描述，特别是无法形成准确概念的定性描述。用信息语言描述，任何信息都应该有出处，有时间，分类准确。当然，应当满足信息的时效性、准确性、完整性、精练性等固有的特点。在此特别注意的是，不要出现错别字、病句。

5.设计网站宣传语

网站的宣传语也可以说是网站的精神、主题与中心，或者是网站的目标，用一句话或者一个词来高度概括。用富有气势的话或词语来概括网站，进行对外宣传，可以收到比较好的结果。

二、网站设计的色彩搭配

打开一个网站，给用户留下第一印象的既不是网站的丰富内容，也不是网站合理的版面布局，而是网站的色彩。色彩对人的视觉效果非常明显，一个网站设计成功与否，在某种程度上取决与设计者对色彩的运用和搭配，因此专业人士把色彩制作成色系表，根据这些色系让网站也有其自身的色系，网站的色系是浏览者整体的视觉观感，若一个网站色系能有一致性，不仅会使网站看起来美观，更能让浏览者对内容不易混淆，增加了浏览的简洁与方便。而网站的色系更能衬托出网站的主题，若色系能与主题合理搭配，将会增加浏览者的易读性。网站的色系包含了网页的底色、文字字型、图片的色系、颜色等等，这不单只是将颜色搭配得当就算完美，还要配合每个内容，及网站主题。1.网页的底色

网页的底色是整个网站风格的重要指针。举例来说，以黑色作为背景颜色的网页，因黑色本对人的视觉上会造成黯淡的感觉，若是拿来用作活泼的儿童网站，就是不适合了。因为小孩子是天真无邪的、活泼的、有朝气的，与黑色的沉稳、黯淡，很难联想在一起。当然，每个人的审美观不同，可能也会对颜色的代表性看法不同，但既然网站不是只写给自己看的，就应该要注意到大部分人可能会有的观点，然后以众人居多的观点出发，来设计网页。

2.文字字型

文字字型上的设计，最好的网站是以所有浏览者都能看到的字型为主。常会看到有许多网站要求浏览者须自行下载某种字型，才能达到最佳浏览效果，这是种非常奇怪的行为。毕竟浏览者只是来找资料或是来看网站的内容，不可能会因为这种“为达最佳浏览效果”，而自行下载所需要的字型。当所要求的字型若不下载，并不会影响到网站内容上的浏览与不便，那么对浏览者的要求就微乎其微不可能发生任何作用。这么一来，对于网页设计者来说，无非是非常可惜的，因为当初的设计风格却未能让浏览者一窥全貌，岂不是白费心思的吗？

3.图片的色系

以色彩学简单的区分，色系可分为冷色系与暖色系，再详细一点的区分，又可分出各种颜色的色系，而色系的区分，就在于主观浏览意识上的差异了。如何将图片的色系与网站整体色系相对应，就是比较困难的地方了。要绘制一张图并非易事，要绘制一张符合自己网页风格的图，更是困难重重。大部分的网页制作者，并不大可能驾轻就熟的使用影像处理软件或绘图软件，于是乎，网页素材的网站就开始盛行了。当然，不会使用绘图软件并不代表网页就不能设计的很出色，若是能将网络上的素材资源妥善利用，网站也是可以走出自己的风格的。而该怎么选择适合自己网站的图片，就是门很大的学问了。

以图片内容来说，能切合网站主题最好，若不能，也别差异太多。以颜色来说，若一个网页是蓝色的底色，但整个网页的图片却乱七八糟，各种颜色纷纷出笼，更糟的是，蓝色是属于冷色系的颜色，若以蓝色为底的网页，却尽都是大红色、橘色的图片，那将会使整张网页看起来就像垃圾堆，杂乱无章。所以，可以简单的归纳出，网页与图档的颜色，色系一致或是视觉效果一致，将会使网页看起来更为美观且有自己的风格。

4.网页的颜色

网页的颜色，并非单一就图文件、文字颜色、或是底色为主，而是以浏览者的角度来观看，整体网页看上去是偏向哪种色系。常常见到许多网站虽然色系搭配的很好，但却是没有自己的风格。以目前流行的柔色系、粉色系网站来说，就是失了自己独到的风格。因为使用粉色系的网站，不外乎都有相同的特点，文字颜色浅，底色也以浅色系为主，这样除了没有自己的风格外，看起来既不大方也难登大雅之堂。以各大搜寻网站来说，根本不会做这样的设计，因为文字颜色淡，加上底色浅，对浏览者来说，阅读上非常吃力，所以这样的设计风格也应尽量避免。一个有自己风格，且阅读起来舒适大方的网页，并不可能一次就写好，而是需要经过不厌其烦的修正、调色，才能达到最佳浏览效果的。

三、网页的美化设计

1.使用CSS优化网页外观

使用CSS来获得对整个站点所有WEB页面的外观控制。设置页边空白，页面填充，边界，颜色和背景。对任意网页元素设置字体大小及改变字体外观。创建动态活动链接。创建CSS风格的完全兼容的网页。

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的概念。过去，书籍装帧长期处于狭隘的二维平面的封面设计理念，而今，时代的发展要求

书籍装帧设计向“构造学”的三维空间发展，从而更好地体现 和书籍装帧设计向“构造学”

的三维空间发展，从而更好地体现 和谐对比之美，为读者创造精神需求的空间，创造视、

触、听、嗅、味五感之阅读愉悦的平台。

作为书籍装帧整体部分之一的内文版式设计，如何将版式设计构成要素中的文字、图片、色彩根据内容及市场的需要运用点、线、面和黑、白、灰以及形式美的法则进行排列组合，强化内文形式和内容的互动关系，突出版式风格和个性表现，把设计思想、意图用视觉美的形式表现出来，这是要进一步要探讨的问题。

版式设计的概念

版式设计的理论源于20世纪的欧洲。英国人威廉·莫里斯最先倡导了一场工艺美术运动，并随之在欧洲得到广泛响应。莫里斯讲究版面的编排，强调版面的装饰性，常用对称结构，形成严谨、朴素、庄重的风格。他的古典主义设计风格，开创了版式设计的

先河。

版式设计又称版面编排设计，即是现代设计艺术的重要的组成部分，也是作为设计师必须具有的艺术修养与技术知识。版式设计是书籍设计的重要的手段，是寻求通过艺术方法来正确地表现出书籍版面信息的一种创造性的活动，是建立有序版面的理想方式。

书籍的版式设计，是在版面上将有限的视觉要素进行有机的排列组合，将理性的思维个性化地表现出来。从广义上来讲，可理解为对封面、封底、扉页、版权页、护封、环衬、目录等内容的整体设计。

版式设计的目的就是将各构成要素，进行视觉上的编排和设计，使读者通过书籍版面的轻松阅读，产生美的遐想与共鸣，让书籍和风格通过设计师的观点、涵养及创意来打动读者的心灵。版式设计不再是单纯的技术编排，而是技术与艺术的高度统一，它要求设计师们不断跟新观念，重视版面设计，继承优秀传统，吸收国外现代思潮，拓宽设计思路，给读者以美的享受。

版式设计的形式风格

1.传统版式设计

东西方的传统版式设计都各有特点。我国的古籍版式的特点是版心偏下，天头大地脚小，版心内还有书口、象鼻、鱼尾等独特的形式，四周有单边或文武边；文字自上而下竖排于界栏之中，行序自右向左。这种版式常用于中国传统文化为内容的书籍版面，但这种排版形式对于阿拉伯数字、罗马字母、图表就教难处理。欧洲古典版式设计形式的特点是：以订口为轴心左右两面对称，字距、行距具有统一尺寸标准，天头、地脚、订口、翻口均按照一定得比例关系组成一个保护性框子。

2.网格版式设计

网格版式起源于20世纪30年代的瑞士，它是一种运用固定的格子设计版面的方法。把版心的高和宽分为若干栏数，由此规定一定的标准尺寸，运用这个标准尺寸控制和安排设计要素，使版面形成有节奏的组合。网格版式运用数学的比例关系，具有紧密连贯、结构严谨等特点。在设计时，不要一味地考虑网格的结构而忽略了灵活的应用，应该创造性地进行应用。

3.自由版式设计

自由版式突破了人们原来对版式设计的认识和传统设计界限，强调视觉规律在版式设计中的心理作用，强调各种形色以及点、线、面所营造的视觉效果。当然，自由版式的创作也是有规律可循。首先自由版式既不像传统版式那样中规中矩，也不像网格设计条理清晰，它的版心是无疆界的，设计对象中的文字、图形可以自由编排。版面中空白间隙同样是表现版面形式的重要因素。其次，可以进行文字图形化编排，并与图形结合起来。将版面上的文字图形看作一幅绘画作品，运用节奏、韵律、垂直、倾斜、虚实等手法来增加版面的空间厚度和层次。还要注意的是，文字在图形化编排中，也可以作为图形符号来进行虚化处理，通过文字的旋转、重叠等手法弱化其表达功能，使其成为非阅读部分，丰富版面的形式语言。再次，在自由版式中字体的大小、形态可以打破一般规律，根据版面需要进行变化。此外，还可以运用“后现代”的反视觉规律、反美学的思维，采取破坏视觉规律的手段来解构和重组画面，以表达设计者的艺术

情感。

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中图分类号：J045 文献标识码：A

1艺术设计风格的历程简介

（1）追溯近现代设计的导火索，目前一致认为是1851年举办的第一届伦敦世界工业博览会。在这次博览会上，以莫里斯为代表的一些设计师们，竭力主张要实现手工业与艺术的结合，主张在手工业制作中，艺术家应参与其中，以实现制作与设计的相结合。但他们却忽视了一个问题，在这个时期资本主义经济正在迅速发展，其本质是要发展现代工业的，而以莫里斯为代表的这些设计师所主张的是排斥这一点的，所以这注定是要失败的。

（2）在世纪之交，一些年轻的设计师们又发起了新艺术运动，这场运动总体来说是与工业时代相符合的，但是还有些跟不上经济发展的节奏。进入20世纪，出现了各种流派，这些流派相互融合，正确认识到了机械工业的主导地位，对时代有了明确的认识，从而对设计风格也有了正确的定位。

（3）到20世纪中期，战争结束，整个世界开始处于一种逐渐恢复的状态中，文化方面也呈现出不同的状态，人们不再满足基本的生存需要，而是生活有了富裕。设计也突破了之前的冷漠简洁的特色，开始转向能够满足丰裕社会需求的设计风格，即后现代主义的设计，这种设计更多的体现出一种反抗，向稀奇、古怪靠拢。

（4）到80年代，因为以牺牲自然为代价而发展经济，所以导致了一系列的问题的出现，突出的问题是环境污染等问题。而且这一时期信息化技术也在迅速发展，人们所处的是一种完全不同于以往的生存环境，所以设计理念与风格也发生了很大的转变。这一时期出现了绿色设计有机设计等与环保相关的设计风格。

从上述对各个时期的艺术设计风格的具体分析，我们可以发现这一规律，在艺术设计风格的转换中，继承、反叛和超越贯穿始终，后一种风格必然是在继承、反叛、超越前一种风格的基础上发展起来的，不可能脱离前者而单独存在。这里的继承与我们通常所说的继承是一样的道理，就是说，后者一定是在前者的基础上形成的，而且一定吸收了前者的比较精华和可取的内容。一般来说，反叛性与创新性是紧密联系的，其表明并不认同前者现有的内容，而是基于时代的发展，对前者提出质疑，进而在其基础上做出进一步的发展。新的风格往往就是在这种情况下产生的，如果没有反叛性，新的内容是无法产生的。超越性，往往与突破相关联，超越往往是比较难的，要做出很多的付出和努力，而后者的完善往往是与超越相联系的，超越往往是在一些实质性方面的转变，比如理念、内容等这些方面。而这些具体在不同的时期往往会有不同的表现，也正是这三者的存在，设计风格才能在不同的时期有所新的发展，才能不断的发展完善到今天的程度。

2对该规律的分析

以上我们对艺术设计风格做了整体的历史性的回顾，从中也了解了其每一次的继承、反叛和超越的过程。每一次的反叛、继承和超越都是与其所处的社会的政治、经济和文化等各方面分不开的，而经济因素往往在这些因素中是起决定性的作用。继承的内容往往是与现在所处的时代相吻合，于现在而言是比较合理的部分。反叛的则是跟现代社会不相容的部分。超越则是立足当下，根据现实的需要，在原有基础上做出突破以适应时代的需要。但这三者在具体处理时，必须要全面、辩证的对待，切忌不能以偏盖全的看待问题，这样容易出现问题。同时，也要注重创新，敢于突破现有观念的束缚，对好的东西也要虚心的接受、学习。

现代设计以后的整个设计风格，均将功能放在第一位，这一功能始终贯穿始终。当然，不同的设计风格对此理解也会有所不同。但不论怎样，所有的设计必须以功能为前提，不具有功能的设计是没有任何实际的存在的意义的。一旦没有了功能性，就只是个空壳子。所以我们在继承的时候，也要避免这个问题的出现，一旦只是单纯的继承，就不会有创新，没有创新就没有发展。而对于创新这个问题，反叛传统则是最为有效的方式，对不合理的因素剔除掉，然后根据时代的新需求，加入新的元素和内容，这样才会得到更好的发展。但这个过程也不是那么容易的，新事物要得以产生，必须要经历一个漫长的斗争过程，不断地进行反省与再反省，在此基础上不断的完善，不断的进步，然后向着更加合理的方向努力和发展。

3结束语

以上，我们在对现代艺术设计的发展历程进行回顾的基础上，对其在不同时期的发展状况有了大致的了解。然后我们对其在不同时期的继承、反叛、超越做了进一步详细的分析。最终得出结论，后一种风格都是在前一种风格的继承、反叛、超越的基础上发展起来的，也正是这三种方式的不断的循环往复，才使得现代艺术设计风格在不同的时期能够及时的很好的适应社会的发展。

参考文献

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从1850年伦敦第一届世界博览会算起,西方近现代设计也大致经历了150多年的历程。近现代设计的兴起是新时代的要求,是由传统手工业时代向工业时代转化的标志之一。从18世纪中期英国的工业革命开始到19世纪中期的100年时间里,可以看做是西方近现代设计黎明前的黑暗期。在这一时期,现代工业设计在传统手工艺设计面前虽然还显得唯唯诺诺,但已经蓄积了足够的爆发力量。进入19世纪50年代以来,西方近现代设计迎来了自己的曙光,以“现代设计之父”威廉・莫里斯为代表的新生设计力量开始崭露头角,用自己的设计实践扛起了西方近现代设计的大旗,掀起了轰轰烈烈的工艺美术运动,开启了世界近现代设计的发展之门。

纵观西方近现代设计的发展,每一次设计风格的转变都不是偶然的,而是一种必然,是一种社会、经济、文化、政治、科学、技术等共同支配下的必然要求。

1851年,在斯托克顿设计的“水晶宫”中举办了第一届伦敦世界工业博览会。这次博览会可以看做是西方近现代设计兴起的导火索,以莫里斯为代表的年轻一代设计师、艺术家们,发起了一场旨在“振兴手工艺设计,提高艺术设计水平”的设计运动――艺术与手工艺运动。在这次运动中,设计先驱们从当时的工业设计现状出发,提出了重视传统手工艺并进一步发扬广大的观念,以期实现设计与制作的统一,借此来抵抗现代工业生产对传统手工艺的排斥和压制,以及由此引起的设计与制作相互脱节的问题。号召通过艺术家与工艺匠人的通力合作,实现艺术与手工艺的相互结合。因此,这一时期的设计产品大都带有明显的手工艺的影子。但是,由于以科学和技术为先导的大工业社会正在到来,资本主义经济迅速发展,而艺术与手工艺运动所倡导的设计风格从根本上来讲是排斥现代工业的,这就违背了社会及设计自身发展的基本规律,没能捕捉到时展的脉搏,也就最终注定了其昙花一现的命运。

19世纪和20世纪交接之际,整个西方在文化艺术思想等领域显得异常活跃,以萨穆尔宾、吉玛德、霍塔等为代表的新艺术运动开始兴起,设计师们开始站在正确的工业时代的立场上,抛弃一切旧有的传统,开始追求新的符合时代的设计形式。对机器工业时代的肯定是新艺术运动与艺术与手工艺运动的最大区别之一,设计师们力求以“新”的姿态摆脱“旧”的装饰、造型和样式。但从总体上来看,新艺术运动时期的设计在形式上仍然没有彻底跟上机器工业时代的步伐,到处还充斥着类似于艺术和手工艺时代的造型和纹样。

进入20世纪以来,西方的工业化体系基本上已经完全确立,文学艺术等领域取得了空前的繁荣,新的艺术流派不断涌现。立体派、分割主义、构成主义、未来主义等全新的文学艺术思想充斥于当时的社会文化艺术领域。这一时期的设计也极大程度上受到了这些新兴艺术流派的影响,并形成了与新艺术流派密切相关的新的设计风格与流派,比如荷兰的风格派、俄国的构成主义、德国的青年风格等。这些纷杂的设计流派在相互的影响与交流中最终融合成对现代设计影响巨大的现代主义设计运动。以包豪斯为代表的西方现代主义设计紧紧地把握住了当时时代的脉搏,捕捉到以速度、力量、简洁为特征的时代气息。现代主义设计师门不仅承认机械工业的主导地位,而且大力歌颂工业文明,表现工业文明。“功能主义”、“理性主义”、“形式追随功能”、“少则多”的设计理念贯穿着当时的整个设计界。现代主义设计的这种冷漠、理性的设计风格恰好吻合了当时以机器工业为代表的时代特征。

到了20世纪50年代,西方世界开始从战争的创伤中慢慢恢复过来,整个社会从经济到艺术、设计等文化领域呈现出一种全然不同于以往的面孔。人们的生活开始从“基本生存状态”向“丰裕的生活状态”过渡。在设计领域,那种为满足生存状态而产生的冷漠简洁的设计必然会遭到排斥,人们开始呼唤与丰裕社会相对应的设计形式的出现。以波普设计、解构主义设计等为主体的后现代主义设计便登上了设计历史的舞台(本文关于后现代主义设计的界定,以“现代主义设计风格之后”的观点为出发点,而不是作为一种以“崇尚装饰、象征”为特征的独立设计风格看待)。这一时期的设计基本上以标新立异为标杆,追求新、奇、怪,体现出一种强烈的反传统、反现代主义的设计倾向。

从20世纪80年代开始,伴随着一系列资源、污染等问题的日益加剧,再加上信息化技术的迅猛发展,人们又迎来了一种不同于以往的社会生活环境,与之相对应的新的设计理念和设计风格也应运而生。绿色设计、有机设计、高技术派设计等则成为现代设计新的风向标。

通过对西方近现代艺术设计发展历程的简单分析可以看出,继承、反叛和超越是艺术设计风格转换过程中的重要规律之一,任何一种新的设计风格的出现都必然与前一设计风格之间存在着一定的继承、反叛和超越的关系,没有哪一种设计风格是完完全全脱离前一历史风格而独立出现的。其中,继承性就是指在艺术设计风格的演换中,后一风格必然是在前一风格的基础上形成,而且会在一定程度上继承前一风格中对其自身风格来讲的可取之处。反叛性则是新风格得以确立的关键,是对前一风格的背离。而超越性更多的是指后一设计风格是对前一设计风格的完善及设计理念的突破,是人类的艺术设计得以不断进步与完善的根本。以后现代主义设计与现代主义设计为例,继承性体现为后现代主义继承了现代主义设计中的功能主义设计理念,反叛性则体现在对于现代主义设计所推崇的“无饰之饰”设计装饰理念的反叛,后现代主义设计中针对现代主义设计所提出的“少则多”的装饰原则,提出了与其针锋相对的“少则烦”的装饰原则。从而实现了一种设计装饰理念的超越。

从艺术设计风格更替的继承、反叛和超越的特性来看,每一次设计风格的更替,所继承的都是前一风格的合理因素和与时代吻合的因素,所反叛的是与其时代特征相背离的因素。设计风格的继承、反叛和超越的发展规律要求现代的艺术设计要对已经过去的和当下依然存在的设计风格有着全面而深刻的认识,以辩证的眼光看待历史,既不能照搬照抄也不能完全否定,要虚心接受和继承其中值得肯定的一面,同时要敢于否定其不合理的一面,敢于挑战和反叛,敢于创新。从现代主义设计开始,“功能第一”的设计信条几乎贯穿了整个设计风格的更迭转换中,所不同的是不同设计风格对于“功能”的理解和阐释有所区别而已。功能是设计产品得以存在的根本,因此,“功能性”也是任何一种风格的设计的核心追求之一,万变不离其宗。一旦某一设计风格抛弃了设计的本质核心内容,就会沦为纯粹的形式主义,设计上的这种对功能性的一贯追求所体现的就是设计发展中的继承性特征。同时,设计本身也不能仅仅停留在继承上,如果只是一味地继承,设计就不会有进一步的发展,设计的发展离不开创新。反叛传统是设计创新的最有效途径之一,敢于去除旧有的不合理因素,确立新的符合时代的新的设计形式和风格。新事物的产生和旧事物的灭亡都要经过一段时间的艰苦斗争才得以实现,艺术设计的发展也是一样,每一种新的设计风格的确立都会充满着诸多的坎坷,也正是在这种曲折磨练中艺术设计才得以逐渐成熟起来,最终实现了一次次的自我超越,向着更加合理、更加人性化、更加科学、更加完善的方向不断进步。

对于当代的艺术设计教育而言,要以历史为鉴,把握艺术设计发展过程中的继承、反叛和超越性的规律特点,找准正确的设计发展方向,尊重和运用设计发展的规律,培养真正符合时代需要的优秀设计人才。继承、反叛和超越性作为艺术设计风格转变的重要特征,既体现在思想理念方面,又体现在具体的外在形式上。任何的艺术设计都需要继承和学习前人的先进合理的经验,但又不能裹足不前,还要敢于跨出具有前瞻性的一步,实现历史的超越,只有这样,艺术设计才能真正造福人类。

参考文献:

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关键词：

室内设计；主题；风格

设计是一种具有创新性的活动，设计师对人们的生活、学习和工作等各方面进行规划和提出方案。设计本身是是一个复杂的思维过程，目的是改变人类生存方式和优化生活状态，它在社会的发展与变革过程中产生了重大的影响。室内设计的主旨是营造舒适与协调的室内场所，并能够体现文化氛围和审美情趣，让人们情感产生共鸣，那么设计主题在设计表达中就成为了关键。

1表达设计主题的方法

1.1室内设计主题的内涵

室内设计是在“以人为本”这一主题下展开的创造，是将功能与审美结合的室内环境氛围的活动。它必须在社会经济与文化需求不断发展的环境下，满足人们的生理和审美的需求。在现代室内空间设计中，代表物质表象的“主题内涵”是设计师所必须遵循的设计与行业规范，而象征着精神表象的“主题内涵”是设计师创意过程中最能体现其设计风格的重要因素。因此缺少主题的空间实际上是失去了意义的空间，“主题”空间设计是现代室内设计理念的重要特征。

1.2关于地域自然、文化主题

室内设计中对地域文化、历史民俗、自然生态特点的发掘是设计主题创意的重要工作之一。包括国家、民族、地区、民俗、文化特征、地域性自然环境，还包括了参与社会活动中获得的物质与精神财富。现代室内设计是多元文化融合的结果，室内设计方案中往往包含着社会意识形态、自然科学、科技，政治、文化、艺术等多方面因素。具备设计主题的空间，可以传承地域文化的精神，也可以为传统文化注入新的元素，使传统文化更具备生命力，与此同时赋予空间亲和性和厚重感。在主题设计表现过程中曾经出现过度关注和渲染文化主题元素，忽视自然元素，这是不可取的。人与自然和谐共存是人类与社会发展的基础，自然万物为设计提供了设计素材，也是设计师创意思维的灵感来源之一。人类从诞生开始，一切生存、生产活动都依附于自然，设计者应借助自然中一切物质的原理要素而从事室内空间的创造活动，努力谋求“人”与“自然”和谐并存的方式。

2室内设计风格的发展

设计风格是室内设计主题表现在发展过程中形成的，是一定时期内经济政治、历史文化、自然因素、科学技术、宗教、民俗等因素的地域性反映，经过艺术处理，逐渐发展起来的具有代表性的艺术形式。不同的时期具有不同的主题风格，下面对具有代表性的室内设计风格进行分析。

2.1简约风格

简约主义起源于20世纪初期的西方现代主义。建筑大师路德维希•密斯•凡德罗的名言“Lessismore”被认为是简约主义的核心思想。简约主义风格的特色是将设计的构成形式、色彩、光环境、建筑材料简化到最少的程度，同时对建筑材料的色彩和质感等细节要求非常严格。因此，设计的空间环境往往能达到以少胜多、以简胜繁的效果。以均衡协调和极端简洁的风格来满足人们对空间环境理性的需求，这是当今国际社会流行的设计风格——简洁明快的简约主义。

2.2新中式风格

新中式风格是中国传统文化在当前时代背景下的演绎，是传统中式风格在中国当代艺术环境下的重新理解。新中式风格不是传统的中式元素还原，而是通过对传统文化的认识，将现代设计手法和传统设计元素结合在一起，以现代人的科学技术与审美需求来打造富有传统韵味的空间，让传统历史文化在现代设计得到合适的体现。

2.3古典欧式风格

古典欧式风格兴盛于文艺复兴运动之后，具体分为罗马风格、哥特式风格、文艺复兴、巴洛克风格、洛可可风格、新古典主义风格等。具体介绍巴洛克风格和洛可可风格。巴洛克风格的主要特色是强调力度、变化和动感，华丽的布面与精致的雕刻互相配合，把高贵的造型与地面铺饰融为一体，气质雍容。它强调建筑绘画与雕塑以及室内环境等的综合性，突出夸张、浪漫、激情的特点。打破均衡，平面多变，强调层次和深度。使用各色大理石、宝石、青铜、金等装饰华丽、壮观，突破了文艺复兴古典主义的一些程式、原则。洛可可风格主要起源法国，代表了巴洛克风格的最后阶段。浮华的宫廷文化影响了当时的设计风格，这个时期的风格被称为洛可可风格。在室内设计中大量运用半抽象题材的装饰，以流畅的线条和唯美的造型著称，常使用贝壳、卷涡、水草等等自然形象的设计元素。在构造上尽量回避直角、直线和阴影，色彩上多使用饱和度较高的颜色，如金、白、粉红等，同时工艺技术上也具有很高的水平。

2.4地中海风格

地中海风格是地域性艺术形式代表之一，形成于文艺复兴前的西欧地区，以其极具亲和力的田园风情与柔和的海洋自然色调搭配很快被广泛接受，给人们以返璞归真的感受。拱形的结构十分常见，例如拱门与半拱门、马蹄状的门窗，成为了“地中海风格”的建筑特色。建筑中的圆形拱门及回廊通常采用数个连接或以垂直交接的方式，在走动观赏中，出现延伸般的透视感。

3结束语

在中国室内设计多元化的今天，更多的设计主题也应运而生。事实上很难辨别各种主题、风格及设计思潮在设计历史上具有多么重要的意义，现在所能做的是在宽松、开放的环境下创造出更优秀的作品，期待中国不断发展的设计行业有个真正美好的未来。

作者：韩丽萍 单位：辽宁现代服务职业技术学院

参考文献：

[1]孙晓羿.室内设计中的色彩研究[D].青岛理工大学,2013.

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一、在食品包装中运用艺术插画的价值

物质越来越丰富的今天，货架上的商品五花八门，让消费者第一眼就能看到、关注到自己设计包装的商品，是设计师面临的最重要的问题。不同表现手法的插画艺术能够创造出装饰性、引申性、趣味性的多元化形态，能够让食品包装在琳琅满目的商品中脱颖而出，给予消费者更细腻的情感体验，并引发消费者的购买欲望。该书在第一章中就明确了插画在包装设计中的作用，认为作用主要体现在这样几个方面：突出产品信息、传递人文情感、实现艺术价值向商业价值的转换、促进设计表现手法的创新。在这其中，作者介绍了盖苏亚克设计工作室为饼干创作的包装设计，不同颜色的黏土代表不同的饼干口味，蓝色大海是奶酪口味、红色花卉是洋葱口味。色彩明快的黏土背景上的小饼干显得那么可爱、诱人，让人忍不住要买一袋试试味道。

二、食品包装中插画艺术风格设计案例

对于食品包装插画设计师来说，必须首先了解消费者对相关食品的消费欲望，从而做出既展示商品的视觉信息，又能让消费者准确了解商品的特性与个性，这是优秀设计师必须做到的。对于新手设计师来说，从优秀设计师的作品中吸取经验是十分重要的。该书用了一整章的篇幅对经典的食品包装插画案例进行分析，让读者在阅读大量经典案例后得到设计风格与能力的提升。从书中介绍的相关案例可以看出，食品包装设计是商业与艺术的结合，是将文化创意转化为视觉符号，那些具有艺术性、民族性、国家特点的艺术插画食品包装特别受到青睐。比如MAROG创意公司为武士日式料理餐厅寿司外卖盒所作的设计，就融入了浓浓的日本武士道精神，变形的拉丁文字体又与日本书法联系起来，向顾客表达出新鲜的海鲜用牺牲自己的方式满足每一位顾客的味蕾。

三、食品包装中插画艺术风格设计实践

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随着现代生活节奏的不断加快，人们在纷扰的生活和工作中更希望得到一份简洁、宁静的生活环境。基于这种因素的影响，人们生活中的各项事务都逐渐摒弃繁杂的风格，呈现出简约化的趋势，尤其是现代化的居室环境，居室作为人们放松身心的最佳场所，其设计风格和效果直接影响着人们的生活质量和心理健康。因此，现代化的居室环境在适应人们生活需求的情况下逐渐具备了简约化的风格。

一、现代简约风格的简述

对于室内环境设计流派中的简约风格，社会上没有形成一致的定义和评价，不同的人对于现代简约风格有不同的理解。有些人认为简约是将额外的符号删除掉之后剩下的部分；还有些人认为简约是将繁琐的细节抛弃之后，剩下事物本质的部分。虽然人们对现代简约风格的说法不尽相同，但是实质性的意识还是一致的，就是要求将多余的元素进行剔除，通过尽可能少的方式和手段来对事物进行感知和创造，以一种简约的形式来对事物的本质进行反映。

二、现代简约设计的内涵

1.量的简约

在现代的室内环境设计中，将大量的造型内容进行删减或者是更改，然后再将这些内容进行重新的排列，使之以一种单一排列规律的形式表现出来，这就是所谓的量的简约。各种简约的几何形态构成了整个室内环境的整体，在统一的同时又不失情趣。

2.风格的简约

在简约的室内环境设计中应该尽量避免繁琐无用的细节；将生活中的艺术元素和纯真元素提取出来；应该保障室内空间的层次性、整体性、流畅性以及自然性；形成一种协调、自然以及统一的审美感觉，体现一种简约的艺术氛围。

3.质的简约

其实，真正的简约设计是一种质上的简约。室内环境中的构成元素没有减少，只是按照一种比较科学合理的方法和规律进行了重新的整理，让这些元素从无序变的有序，让人看上去比较的简约，并且能够满足人们的审美需求。

三、现代简约风格室内环境设计中需要注意的事项

1.在功能方面

利用有限的空间来使事物的使用功效最大限度的发挥出来。在家具的选择方面，不能够过分的要求家具的形式美，而应该对家具的使用功能多加重视，坚持实用性原则，去除多余无用的装饰。简约风格体现的不仅是一种现代生活方式，更能够体现深刻的人生哲学。

2.在空间方面

哪怕是最小的室内空间，也一定要显现给人们一种宽敞的感觉。在家具的安装、装潢设计、室内的造型等方面，都要要充分的将家具和空间的协调性最大限度的表现出来。所以，在进行简约现代风格的室内环境设计的时候，应该在专业人员设计方案的基础上，对室内的空间元素进行全新的排列。此外，应该注意做好室内和室外环境的过度设计。最后，现代简约风格在空间的设计上方面还强调在方面要尽量选择几何图形或者结构。只有一个能够引起人们心灵共鸣的室内环境，才能够让人们对生活产生美好的愿望和感受，才能够让人们的身心得到真正的放松。

3.在色彩方面

实现合理科学的色彩搭配才能够突出室内环境设计的简约和自然。色彩是室内环境设计中最能够凸显效果的一种因素，并且具有造价低廉以及施工方便的特点。要想改变室内环境的氛围，那么，对室内环境的色彩进行设计和施工成为最实惠同时又最节省时间最佳方法。色彩的使用影响着人们对室内光线和空间的感觉。所以，在色彩的设计上首先就是要进行色彩的选择，通过对色彩的选择来改变室内环境的感觉。要将各种自然色彩引用到室内环境设计中，实现装点室内的作用。其次就是避免室内环境中使用过多的色彩，过多的色彩会给人造成一种杂乱的感觉。最后就是要尽量多使用一些干净的色彩进行搭配，给人一种耳目一新的感觉。

4.在材料的选择方面

随着人们生活质量的不断提高，各种自然材料被广泛的应用到了现代室内环境的设计中，天然材料不仅能够反应出人与自然之间一种和谐的关系，而且还给人一种健康、淳朴的感觉，帮助人们放松心情，保持一个愉快的心情。所以，简约现代风格的室内环境设计在材料的选择上，应该尽量的选择自然的材料，充分的体现简约和淳朴的风格。避免使用过于华丽的材料和繁琐的装饰，要体现出装饰材料的质感和肌理，在体现天然美感的同时，给人一种简约的感觉。此外，在材料的选择上慎用玻璃、铝合金的材料，这类材料给人的感觉会比较的冷漠。奢华材料的使用仅仅能人们带来了视觉上的美感，但是却忽视了整个室内环境的内涵和气质。相比之下，只有仿生材料或者自然材料的使用才能够实现现代居室的简约和自然，才能够让人们在喧扰生活的影响下得到身心的放松以及心灵的净化，从而使生活更加的健康和理性。

结束语

综上所述，简约的现代风格已经成为了室内环境设计的全新发展趋势。简约设计注重的是以一种简约的方式来体现人与自然之间的和谐。因此，人们要想拥有比较简约的室内环境设计，就需要从材料的选择、色彩的搭配以及空间的设计方面入手，对室内环境进行科学合理的设计，营造一种简约大方的生活环境和氛围，从而实现人们心灵的净化，帮助人们健康快乐的生活。

【参考文献】

[1]张敏言，张立太，孙薇.可持续发展战略与室内环境设计[A].2012年工业设计国际会议论文集[C]，2012.

[2]盛忠谊.现代室内设计目的及材料与照明[A].2012国际现代包装学术研讨会会议论文集[C]，2011.

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“芬兰风”是北欧设计的一面鲜明的旗帜，是现代设计在战后发展的一个非常重要的组成部分。芬兰不像斯堪的纳维亚半岛的其他国家那样受手工艺传统的过分沉重束缚，所以设计师就可以采用多种材料进行设计，除了木材还有金属、玻璃等材料，加上荷兰人对于设计的精细态度、高水平的设计鉴赏标准，使得60年代的芬兰设计成为世界设计中一个非常特殊的、异军突起的力量。芬兰设计是在1951年和1954年的“米兰设计三年展”才得到世界的公认。在这次三年展中，芬兰玻璃制品公司“伊塔拉”展出了大量玻璃器皿，得到世界几乎是异口同声的赞扬，从而奠定了芬兰设计的国际地位。

提到芬兰就不得不提“伊塔拉”，有人说20世纪北欧的玻璃器皿现代技术可以归纳成一个词，那就是“伊塔拉”。“伊塔拉”是芬兰的一个国粹品牌，也是享誉世界的“芬兰设计”概念的诞生地。芬兰人对于玻璃的喜爱是至深至纯的，在1881年，瑞典的玻璃吹制工匠亚伯拉汉森创建了伊塔拉玻璃制造厂，芬兰的玻璃制造业以此为起点，经过120多年的发展，形成了朴素自然、简洁明确、功能至上的设计风格。1936年，芬兰建筑大师和玻璃艺术家阿尔瓦?阿尔托的一款经典设计作品“阿尔托花瓶”，瓶口由连续的、不规则的弧线组成，犹如春季到来湖面上渐渐消融的冰雪边缘，让“伊塔拉”名扬世界，并以此为标志，在20世纪50年代创立了“芬兰设计”的概念。如今的伊塔拉已经成为芬兰颇具规模的玻璃生产、研发基地和旅游观光地。

塔皮奥・维尔卡拉(1915一1985)就是在1947年“伊塔拉”公司举办的设计竞赛中两位得奖中的其中一位，早年于赫尔辛基工艺学院学习雕塑的他从来没有做过玻璃设计，但是他设计的玻璃器皿别出心裁，独具一格，具有强烈的表现特征，在战后取得了世界一致的好评。他是芬兰设计史上一个中心人物，是一位敏感而又多才的设计师，还是一位富有启发性的教师，他负责设计了1951年“米兰三年展”上的芬兰设施，并且率领其国家的设计队伍获得了巨大的成功。作为赫尔辛基工业艺术学校的艺术指导，他在决定芬兰设计发展的进程上起到了颇有影响的作用。他自己以木材、金属、玻璃及其他材料所设计的作品，具有偏爱曲线、来自自然界的形式及尊重材料的特点。他的家居作品充分体现了芬兰设计的自然主义传统。他的木盘设计在1951年“米兰三年展”上被誉为“世界上最美的物品”。

塔皮奥・维尔卡拉的成名作是1946年设计的“坎塔瑞丽”花瓶和1951年他的“树叶“和“苔鲜“碗，他的设计显示出一种全新的视觉效果。由于塔皮奥・维尔卡拉在材料和技术方面敏锐的判断力和对于形式的绝佳品位，使得他在以他国的工艺手段进行创作时，同样表现的游刃有余，60年代的塔皮奥・维尔卡拉处在职业生涯的巅峰时期，此时他先后完成了自己最为重要的设计。在“世界尽头”系列水杯中，充分的体现了形式的完美之外，还展露了其工艺的灵活性，它既可以被运用到限量版的艺术品生产当中，同时又适用于批量的餐桌器皿的生产。他的作品尽管自然不雕，却是严格的工艺流程之下精确的产物。此外，在陶瓷、家具、珠宝，餐具、平面设计等也颇具造诣。他的灯具作品“Pendant”吊灯，现在仍然在生产，深受人们的喜爱和追捧，他还擅长设计杯子、花瓶等台面的玻璃制品。作为一名图案设计师和室内设计师，同时也是战后公认的国际设计改革家，将大量抽象概念注入到设计当中，有机现代主义和北欧文化都驾驭得游刃有余。

不管是设计师阿尔瓦?阿尔托还是塔皮奥・维尔卡拉；不管是对材质的精挑细选，还是对工艺至真至纯的执着；不管是对出于对大自然的热爱，还是对节约型设计理念的追求，作为北欧设计的旗帜，芬兰设计以其优雅娴静，温馨的人性化，兼具深厚的美学底蕴，为北欧设计带来青春与活力。

参考文献