文艺复兴艺术论文模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇文艺复兴艺术论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

日本著名解构主义设计大师三宅一生以“形”传“神”的无结构造型艺术设计理念，创造出民族审美文化与时尚完美融合的典范，他对东方服装内部和外部空间结构的把握，利用西方三维的裁剪省道变化，消除面料自然悬垂产生的内部空间，使服装尽量紧贴人体结构，同时运用胸衣、臀垫、裙撑等夸张手法使人着装后的外形达到凹凸有致的艺术造型效果。另外，在褶皱造型艺术上，三宅一生以其独特的造型设计手法，将平面的面料材质通过现代工艺手段，在充分考虑人体造型和运动的基础上，对压褶工艺处理中就直接依照人体曲线或造型艺术的需要来调整裁片与褶痕，并在整理阶段以高超的处理手段完成褶皱的艺术造型，使褶皱形成一种特别的艺术造型效果，使服装作品呈现出一种超越平凡的美，从而构成了三宅一生独特的服装造型艺术。服装造型艺术是典型的视觉艺术，主要通过视觉和感知获取造型的美感。服装造型艺术依据人体为基础，以美为理念，以创新为导向，以人体表现为对象，通过对款式与色彩、造型与风格、面料与工艺、形式与美感等元素的有效把握与融合，才能营造出既时尚又具有艺术意蕴的服装造型。

二、服装造型艺术的创造形式

在现代服装造型艺术的创新营造中，设计师要提倡锐意创新，出奇制胜，这是服装造型最基本的设计理念。然而，只有外表没有内涵，服装造型就失去了生命力。因此，服装造型的艺术意蕴就变得尤为重要。一种时尚服装造型的诞生与流行必定蕴藏着一个时期的文化与艺术形式，以及设计师在融合时代审美的基础上而形成的设计理念。他利用一种艺术思维，结合传统造型形态，通过材质与现代工艺手段，在人体基础上创造出一种时尚与经典的造型艺术设计，从而营造出优美的形式美感。服装造型艺术的形式美感，是著名设计师们提出的一个重要概念。

现代服装设计在构成形式上，非常重视服装构成的艺术效果，主要包括造型美、材质美、结构美和工艺美等形式。其中造型美便是现代服装设计的一个重要前提，并且由材质、结构和工艺等形式构成。设计师往往将一些时尚的造型概念融入艺术的形式美，创新出一种既有造型特点又具有艺术形式特点的服装，不只是渲染个人的设计才华，更重要的是带动着现代服装的流行，创造出时尚的、艺术的生活理念。日本服装设计大师川久保玲的设计更是独具一格，设计融合东西方的概念，她将日本典雅沉静的传统、立体几何模式、不对称重叠式创新剪裁，加上利落的线条与艳丽的色调与创意结合，呈现一种非常态的艺术形式。在2012秋冬折纸系列设计中，通过折纸艺术对服装造型设计的启发，服装造型借助人体以外的空间，利用面料的形式特点和立体工艺的装饰手段，营造出人体和面料共同构成的非常态的服装造型；并运用折纸艺术形式中的反复褶皱与材质组合拼贴，形成立体的造型艺术效果，既有具象的表达也有抽象的概括，作品往往形成多层面的艺术视觉美感，打破了传统固定的结构形式，以二维平面到三维立体结构形式的创作手法，运用全新的结构理念塑造创新的造型艺术，从而有效拓展了服装造型艺术的创新空间。服装造型艺术形式是多渠道、多方位的。从外部形态的基本形式上看，造型艺术既有整体的，又有局部的。整体是指服装的外观形态；局部是指领、袖、裤脚、衣身等单独形态的构成。服装造型依靠材质、结构和工艺等组成，不同的面料材质具有不同的形态表现；不同结构形式呈现出不一样的造型风格；各种工艺同样可以营造出时尚的造型。但是，只有艺术形式的融入，才能形成具有生命力的作品。约翰•加利亚若的设计更是把巴洛克、洛可可时期的艺术意蕴，通过服装结构轮廓的影子，应用异国情调的布纹和摇摇欲坠、夸张高耸的头饰设计，将服装塑造出既华丽又特别时尚的造型，表达出一种巴洛克、洛可可时期的艺术形式美，使华丽的设计通过艺术形态的表现成为现代服装造型的经典。服装大师范思哲则应用高贵华丽的面料，借助斜裁艺术的形式，在生硬的几何线条与柔和的身体曲线的巧妙过渡，以结构线条的形式美感为标志，性感地表达女性的身体柔美，并强调性感的领口常开到腰部以下，采取了古典贵族艺术风格的豪华造型，在充分考虑穿着舒适及恰当显示体型的同时，做到奢华的造型和优美的形态相融合，表现出极致、时尚的“A”型设计。对于造型艺术每个设计师都有着不同的理解和不同的表现手法。设计思想与设计理念奠定服装设计的形式美感，也体现出不同审美观和时代的追求。服装设计大师们考虑更多的是如何运用当代文化、艺术审美与个人追求的融合，表现出超前的服装造型艺术，从而带动时尚的流行。

现代服装的造型更是体现着时代气息，除了在大师设计作品的演绎之外，在成衣与时装设计中，新颖、时尚的造型也层出不穷。如“H”造型的服装打破传统宽松阔宽体的设计理念，较贴体的胸围、适度的臀腰设计，直型袖子、裤子以及简洁而短装的设计造型，体现着性感与时尚的形态，表现出时代的艺术审美情趣。“A”型设计更是以其丰富多彩、变化无穷的形式，营造出时尚的造型设计。层叠式的造型结合长短搭配，无论在连衣裙、半腰裙、袖子还是在领部等造型中都具有塔式艺术造型的美感，在人体与服装造型中，既可以松体造型又可以紧身塑体，运用底布叠加的工艺设计手法，或应用褶皱的艺术处理方法，使“A”型设计呈现出时尚缤纷的造型艺术效果。不同的形式都可运用现代设计理念表达出时尚的艺术造型空间。现代西服更是应用这一设计思想，运用特殊的结构艺术形式，将袖子塑造出时尚的抬肩袖、皱褶袖等，在传统袖型中融入省缝结构、皱褶结构等形式，使传统袖子蕴含着时尚造型的韵味，产生时尚的造型艺术效果，彰显出灵动的造型艺术之美。哈伦裤也是运用这一原理，在传统裤装造型中，加入宽松裤裆的造型设计，较深的裤裆和宽松横裆结构形式，使裤子形成一种自然悬垂的褶皱，无论是静止还是走动，一种律动的褶皱艺术美感油然而生，从而使呆板的裤子呈现出时尚缤纷的造型艺术效果。

篇2

中图分类号：G112 文献标识码：B 文章编号：1672-1578（2012）04-0249-01

文艺复兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的古代希腊罗马以人为本的科学文化走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革命。从拜占庭灭亡时被抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，再现了那个时代的光辉形象。人们打着“回到希腊去”的旗号。实际上新兴资产阶级召唤古希腊的亡灵并非是要重建奴隶制文化，而是借用其中有利于资产阶级需要的科学、哲学以及人文主义的艺术；是借用他们的名字、战斗口号和外套，以便穿着这种久受崇敬的服装，用这种借来的语言，演出现代世界历史的新场面。意大利作为古罗马的后代，是对古希腊罗马文化的直接继承者，得天独厚而无与伦比。

我们先来了解意大利文艺复兴时期的美术背景，意大利位于欧洲和东方之间，印度及东方物品（香料）通过意大利流向欧洲，刺激了它的商业发展。1921年至1906年八次促进威尼斯经济的发展。另一方面贵族力量的消弱形成了商人阶级。而13世纪发掘出的古希腊雕刻，学习和领会它的手法，是文艺复兴的发端。同时占庭帝国遭侵略，艺术家学者带着书籍、希腊艺术品逃往佛罗伦萨城。这样意大利形成了得天独厚的美术背景。

那个年代涌现出了一大批画家及代表作，《基督与受骗女子》洛托比乔尔乔内和提香小几岁，他们是同代威尼斯画派的画家。宗教神话题材富有人性特征，色调明朗。这些都是威尼斯画派画家所具有的共同特点，洛托并无例外。这幅画表现出善与恶、美与丑的精神对比，女子是美好善良的，而基督则体现光明正大和公正，它是真善美的化身。周围的人群美丑交织、善恶共存。

达・芬奇是文艺复兴最伟大的代表，我们都知道他的代表作有《蒙娜丽莎》，寄托了他对人像理想美的认识。这幅画令人惊叹的是人物的自然生动，她好像在注视着我们，但隐隐的微笑中却似乎透出一丝悲哀。达・芬奇巧妙地平衡了精确与储蓄的关系，使作品韵味无穷。他极为审慎地运用 了“空气透视法”使形体自然、柔和，消除了以往作品的生硬感，创造了朦胧、含蓄、微妙的动人境界，体现了一种人文精神，表现了人性的回归。另外还有他的《最后的晚餐》，这幅在格雷契寺院食堂墙壁上的宏大画面，严整、均衡，而富于变化，无论从构思的完美、情节的紧凑，人物形象的典型塑造以及表现手法的纯熟上都堪称画家艺术的代表。它也是人类最优秀的绘画作品之一，由于它的问世而使达芬奇名扬世界。

拉斐尔是意大利杰出的画家，和达・芬奇、米开朗琪罗并称文艺复兴时期艺坛三杰。《西斯庭圣母》是画家拉斐尔33岁时用蛋彩绘制这幅圣母画，用岩洞作圣母子的环境而绘画的。拉斐尔的《雅典学派》在雄伟庄丽的大厅里，汇聚着人类智慧的明星，他们是不同时代、不同民族、不同地域、不同学派的杰出学者、思想家，古今同堂，自由热烈地进行学术讨论，可谓洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类天才智慧的精华。

《哀悼基督》米开朗基罗接受这件雕刻时，正值萨伏纳罗拉被教庭火刑，此事深深地震动了他的心灵，他决定将自己的怜悯和崇敬注入永恒的石头。1501年，他回到佛罗伦萨，用了四年时间完成了举世闻名的《大卫》。1508年，他又奉命回到罗马，用了四年零五个月的时间完成了著名的西斯廷教堂天顶壁画。1513年，教皇陵墓恢复施工，米开朗基罗创作了著名的《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。

乔托的《逃亡埃及》充满世俗的人情意味。波提切利的《春》寓含着对现实的惶恐不安。三美神的舞姿似乎是受命起舞，颇有逢场作戏的感觉，令观赏者不解。《最后的审判》是圣经的传统题材，在教堂里必须装饰有这个主题的画，它是宣扬因果报应的；人死后凡善者升天，恶者下地狱。这是米开朗基罗设计的宏大壮丽的图画。

篇3

在艺术领域，文艺复兴时期是最具有深远意义的一段历史时期。人文主义艺术家们创造了大批流传至今的作品，奠定了至今沿用的艺术规则和程式，并在这些作品中体现了新兴资产阶级的思想观念，以其直观的形象表现出了人文主义的特征。

1.以“人”作为其艺术作品的表现中心

人文主义者认为人是万物之本，主张探讨人性，研究人的生活。艺术家们作为其中的佼佼者，在他们的作品中贯彻了这一思想主题。

1.1“人”是其作品的主体，是表现的中心，任何艺术形式的作品最终都要做到为人服务

15世纪时，佛罗伦萨的建筑师们在保持原有宫殿建筑布局的同时，改变了其坚垒的感觉，使它们变得亲切起来，并大量增加窗户的数量及注意其重叠一致，而且在上面增加了精美的装饰，以达到适合人居住的同时还能保持美感；马萨乔的《奉献金》（又名《纳税钱》）在构图上就以人为主题，其他的景物只是作为背景和陪衬，其中突出表现的是耶稣、彼得和税吏三人；在波提切利的画作《春》中，作者运用了明暗对比的手法来刻画诸位女神；达・芬奇的《蒙娜丽莎》更是将大部分的画面空间用于人物刻画。

1.2探讨和颂扬了人性，即便是宗教神话中的神，也将其加以人性化

人们认识到，上帝既然把自己的智慧给了人，那么人与神是能够相通的，人性其实与神性也是同一的。此时的画像，尤其是宗教人物画像，已不再带有中世纪那种呆滞而古板、严肃又冰冷的气氛，相反的是将人性的美丑表现得淋漓尽致。在吉尔兰戴欧的《老人与儿童》一画中，全无夸张美化之处，该作依靠逼真的描绘体现了儿童对老人的依偎之情和老人对儿童的亲切慈爱之情，形象的表现了人性中宝贵的亲情。

2.反对宗教禁欲主义，颂扬尘世生活：

2.1在题材的选择上虽仍以宗教故事为主，但是已融合了尘世因素，有的题材更是直接来源于现实生活

如波提切利在其代表作《污蔑》中提示了污蔑者与被污蔑者的可笑与可怜，实际上，该画是作者对自己以往的经历所给予的形象的总结，内含了作者晚年精神上的危机。吉尔兰戴欧在《来访》中，虽是描写宗教场景，但却借用丰富的明暗对比把该时代人物的形象、服装、房屋等纳入画面，以接近自然的方式追求画作的现实性。

2.21在内容上追求实用主义，颂扬尘世生活，反对宗教禁欲主义

1445年，布鲁内莱斯基为佛罗伦萨设计了彼蒂宫，它通过巨大石块，造成强烈的阴影和粗糙而古朴的效果，外形简洁朴实却又充满宏大庄严的气势，是为佛罗伦萨民用建筑实用风格之先河及典范。前述费力颇・利比的画作《三王来拜》也是颂扬了当时人们节日游行活动的佳作。波提切利的《春》是一幅描绘大地回春、欢乐愉快的画。画面上充满了散发着青春活力、体态优美的众神。她们姿态飘逸而生动，丰腴而曲线的身材隐约可见。场面虽欢快，但是人物却含着一种莫名的忧伤。其中的维纳斯，旁若无人、若有所思，完全沉浸在自己的内心世界里。该作品打破了中世纪宗教作品刻板的趣味，维纳斯的祝福与众神的舞蹈伴随着果实与花朵，在歌颂佛罗伦萨豪华繁荣的时代的同时又有所保留。

3.在探索大自然中，提出新的艺术理论，并改进艺术技巧

3.1新的艺术理论的提出

人文主义艺术家们认为，艺术是对自然的临摹，所以就该把艺术摆在自然科学的基础上。这是一种现实主义的艺术观。人们应当从“艺术临摹自然”这一点出发，在观察大自然的基础上来进行艺术创作。达・芬奇认为：“画家的头脑应该像一面镜子。应该懂得，如果你在用自己的技艺再现大自然的产物的一切形态时不是一个高超的能手，你就不能成为一个卓越的画家；如果你不观察大自然的产物，并且不把它们记录在心灵上，那么你就不能把它们画出来”，[1]“如果他师法大自然，那么他会创造出优秀的作品。”[2]果左利在其壁画《乔装东方三贤士的美第奇家人》中对马的鞍鞯和托斯卡纳的树木山石的精心描绘，波提切利的《维纳斯的诞生》中对清澈透明的大海、晴朗无垠的天空、飘洒的玫瑰花瓣的细致描写便是他们对大自然细心观察的结果。

他们也对一切与艺术相关科目，如解剖学、透视学、配色学、采光学等等进行研究，并将其应用到艺术创作中去。阿尔伯蒂的《绘画论》便是这种艺术理论的集大成者。在他那里，艺术家首先要通过透视法则，理性的解释和再现大自然；其次，绘画的题材和构图必须具有文化亦即他所说的智性和社会的基础；最后，真正有价值的绘画是受过完善教育、人品高尚的人的产品[3]。达・芬奇著有《绘画论》，主张对于一切艺术，个人的观照必须扩张到理性的境界内，假如一种研究，不把教学的抽象的理论当作根据，便算不得科学。他使科学研究跟美术探索有机的结合在一起，通过科学研究去寻找客观现实中的真与美，然后再运用恰当美术形式去表现这种真与美。他从不轻信或盲从任何前人的经验；他反复强调不论当科学家还是当美术家，均需通过“眼睛的观察”去工作。[4]

3.2新的绘画、雕刻技艺的发明和运用

在画法上，由于无古代原作留存可资中介，佛罗伦萨人便发展了独特的技法以创造自然世界的现实主义的形象。正象人文主义者发现并利用了时间的尺度作为他们感知模式的一个基本因素一样，艺术家们使用了有机空间的透视和比例及明暗对照的实体表现法来表现他们特有的现实感。

作为文艺复兴绘画的先驱，乔托“把希腊绘画艺术，改变成拉丁绘画艺术。”[5]也就是说，乔托把拜占庭艺术改变成为罗马的古典艺术，并发扬了古代的艺术传统。后来，这个潮流成了整个文艺复兴时期艺术风格的一个标记。在艺术上开创的人文主义道路和写实主义的表现方法为文艺复兴时期绘画的发展奠定了基础，开创了绘画的科学时代。他被公认为使西方美术摆脱中世纪美术程式的第一人，从而成为开创写实画风的鼻祖，被誉为“欧洲近代绘画之父”[6]。

马萨乔是乔托之后佛罗伦萨画派的重要成员，他在透视学和解剖学以及色彩的运用上比乔托更进了一步。他放弃了哥德时期的繁琐及复杂性，而追求更简洁有力的造型，其中以人物之表情及实体感的表现成就最为突出。《纳贡》在画法技艺上解决了乔托未曾解决的的一大课题：刻画人物的体积和表现自然的空间感。传记作家瓦萨里在评价马萨乔的艺术成就时说，他“经过穷年累月的探索而掌握了极为丰富的知识，使他成为那些能摆脱艺术上的僵硬呆滞而把运动精神和生气赋予人物形象的大师中的第一人”[7]。

达・芬奇研究了如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题，他首创了明暗渐进法，用光线和阴影的技巧来描绘人物、景致，将人物的边线逐渐消失，若有若无，使画面呈现逼真的立体感，更加接近现实。这种写实性的手法一直影响至今。达・芬奇解决了造型艺术三个领域――建筑、雕刻、绘画中的三大难题：纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题、15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题以及当时绘画中两个重要领域――纪念性壁画和祭坛画的问题。

总之，文艺复兴时期佛罗伦萨的艺术家们在人文主义的指导下，重视世俗的现实生活，反对僵硬死板的神学权威和封建特权思想。他们重新发掘出古典的艺术形式，创造和运用新的艺术形式，在为世界奉献出无价的艺术瑰宝的同时，用真实理想的外在形象和生动丰富的现实情境，体现了人文主义者强调的人性崇高与身心的全面完美。■

【参考文献】

［1］达・芬奇.阿斯贝恩海姆的手抄本.艺术大师论艺术.文化艺术出版社.1992:120.

［2］达・芬奇.大西洋法典的摘录.艺术大师论艺术.文化艺术出版社.1992:118.

［3］曹意强.欧美艺术史学史与方法论(第三讲).新美术.2000,(3).

［4］朱伯雄.世界美术史(第六卷).山东美术出版社.1986:336.

篇4

1.1宝花纹的艺术结构

唐代服饰上的宝花纹因其工艺、材质甚至着装人地位的不同而有相对的繁简之别,但是它严谨的艺术结构决定了宝花纹端庄圆润的整体外形。这种有序对称的艺术结构决定了内部装饰题材的排列方式，并让有限的纹样空间可以容纳如此丰富的装饰题材。宝花纹是一种团窠花卉纹。团窠图案的大小关系着图案的风貌，体现了持有者地位的尊卑，图案越大，持有者地位越尊贵。它以“十”字、“米”字，甚至“”、“”为艺术构架，以圆形辐射或正菱形辐射为基型。其中，“十”字、“米”字、“”的艺术结构以中心对称为主，“”则以轴对称为主。在此基础上,以圆心(花心)为中心，再分别以四出、八出、六出、五出的花瓣基数向外排列，做出层层放射的圆形或菱形方形适合的装饰纹样。宝花纹的花瓣、蓓蕾及枝叶组合也以上述原则为基础，做疏密适度、变化有致的有序对称布局。其整体纹样造型圆润、外观华丽，构成骨架统一规整、对称有序，具有静态、平衡的造型之美。其中以“十”字为艺术构架的宝花纹多作为辅助纹样。而最简单的瓣式宝花就是“柿蒂花”，其基本形状是以“十”字为艺术构架的普通的四瓣花。以“米”字为艺术构架的宝花纹是对“十”字结构的扩展与丰富。它具有更加繁复与饱满的结构特点。以“”为艺术构架的宝花纹会出现于敦煌佛像、飞天、供养人身上绚丽多彩的衣饰上，并成为敦煌唐代服饰艺术的代表符号之一。以“”为艺术构架的宝花纹在敦煌彩塑佛像及供养人穿着的衣饰上也有少量出现。这是宝花纹在服饰上进行组织结构排列的单位依据和规范。

1.2宝花纹的组织形式

纹样的组织形式即纹样间组合排列的构图，是整体纹样组合的章法和骨架。根据纹样的艺术形式、内容、用途、工艺等，按照相应的构成法则会形成不同的组织形式。它是组织纹样和整体布局的依据和规范。宝花纹会被运用在织锦、绫、绢、纱、罗，甚至织成、丝棉混纺、毛织物等面料中，按照一定的组织结构排列后被用于服饰的领、袖、底摆边缘、腰带、裙身等装饰部位。作为单独纹样，宝花纹可以以自由形单独纹样的形式装饰于服饰上，即没有一定外形轮廓、独立的造型表现形式。它是纹样组织形式的基础。宝花纹结构严谨完整，每一个单独的宝花都属于对称式单独纹样。作为适合纹样，可以将完整、二分之一或四分之一的宝花纹作为单元纹样，以边缘或者角隅适合形装饰于服饰的边角，使其有强烈的装饰美。作为二方连续纹样，可以以宝花纹整剖的构成形式向上下或左右两个方向无限延伸，在空间上形成一种呼应与联系,在严谨朴实的反复节奏中获取宁静、回转的节奏美。作为四方连续纹样，可以以单个宝花纹作为单元纹样，也可以以多个宝花纹作为单元纹样以散点式向上下左右四个方向延展，由此循环往复、连绵不断。宝花纹可以作为主纹，也可以作为宾花纹样存在于四方连续纹样中，由此形成纹样排列的主次和疏密关系，使装饰效果更加丰富。

1.3宝花纹的色彩构成

唐代服饰色彩繁丽华美，其中有娇柔俏丽的单色服饰纹样，亦有丰富艳丽的多彩服饰纹样。在封建时代，服饰纹样要体现贵贱尊卑、服用者的社会地位，因此服饰纹样品格有高下之异。品格越高的服饰纹样也就越有影响，越具有代表性。在唐代常见的服饰中，锦的品格最高。因此，多彩的服饰纹样中尤以织锦上的纹样色彩为代表。织锦上的宝花纹设色富丽炳焕，它以平面式的“固有色”来组合色彩关系、“随类赋彩”，在视觉上形成极具概括性和创造力的艺术形象，具有浓厚的装饰性。织锦上宝花纹的色彩就如同它圆润饱满的造型一样，能在空间形成一种富丽饱满的视觉审美感受。服饰上的宝花纹虽用色多而大胆，但色彩的整体效果却高度和谐统一。它通过大面积出现的一两种色彩控制主色调，并在各处小的局部与之呼应，使纹样本身具有明确统一的色调，形成整体和谐的色彩氛围。除此之外，宝花纹本身的色彩还会与服饰背景色彩协调一致。而与主色调形成对比关系的其他色彩运用的多少、面积大小、分布与形态则决定了宝花纹甚至服饰色彩的丰富程度。在表现手法上，宝花纹的花瓣会通过以浅套深逐层变化的退晕方法使其色彩更加丰富自然，外勾白线或加饰金银线使花纹和底色形成强烈的对比。在处理红与蓝、红与绿的强对比色调时，通过对比色的穿插布局与相互渗透，减弱了过于强烈的对比关系。再加上其它色彩的烘托，整体色彩的丰富活跃避免其陷入由于稳定对称结构而带来的僵滞感。彩塑菩萨织锦缎裙子边饰上的宝花纹，它以红色a作为纹样底色，通过蓝色、墨绿、白色显花。其中以红、蓝两色作为纹样色彩的主色调，花瓣通过蓝色、浅蓝和白色塑造出简单的退晕效果，丰富了宝花纹的色彩层次。绿色作为红色的互补色降低了本身的纯度，以小面积退晕的表现形式点缀在宝花纹的花瓣层中。花瓣的白色勾边，在缓冲由对比色带来的视觉冲突的同时更丰富了宝花纹的装饰效果，整体色彩丰富绚烂的同时又和谐有序。

1.4宝花纹的表现技艺

唐代服饰上的宝花纹蕴含着其特有的精神价值和文化意识，体现了当时的社会风尚。宝花纹的艺术形式因为唐代纺织印染技艺的纯熟而更加丰富。唐代织物可以分为丝、棉、毛、麻等。其中丝绸的用途极其广泛，不仅服用消耗最多，还具有实物货币的地位。唐代的丝织工艺十分发达,在丝绸的装饰里，织纹的数量最多，应用最广。而其中织锦的图案最精美，也最具代表性，一般称其为“唐锦”。它区别于唐代以前经线起花的传统织法而采用纬线起花的织法。比起中国传统的经锦，纬线起花的织法更利于图案的换色与花纹的细腻表现，能织出宝花纹复杂的装饰和丰富的色彩效果。而该时期的织成锦技艺也更加成熟，因其精美奢华甚至已经成为皇家御用珍品。织成泛指按服用之需，设计、织造其形状和图案的各类高档织物，其制作通常极其费工。唐代丝织物的品种十分丰富，除织锦与织成外，档次较高的丝绸品类还有纱、罗、绫、绮、缂丝等。在唐代，织物的印染技艺水平也很高。根据20世纪70年代初期不完全的统计，在吐鲁番出土的丝绸中，共得二十四色。染料主要取自植物，其品类不下三十。丝绸的印染图案主要通过染缬工艺实现，宝花纹则主要通过其中的夹缬、蜡缬技艺实现。其中夹缬的图案最精美，可根据需要印染出多种色彩的丝织品。唐代的蜡缬已使用型板，亦能套染多种色彩。敦煌第130窟中出土不少蜡染织品中图案便有宝花纹。唐代的刺绣技法因题材的扩大而不断丰富，约在中唐出现了平绣法，不仅使纹样的线条变得光润平滑，还可以通过晕色处理使纹样色彩丰富自然，甚至以捻金、捻银线勾勒纹边。唐代的宫廷刺绣讲究奢华，常见金银线的使用。如在陕西扶风法门寺地宫出土的宫廷刺绣中便有以宝花纹为题材的随捧真身菩萨的蹙金绣小衣物。

篇5

自从索绪尔的《普通语言学教程》在中国出版以后，国内掀起了研究索绪尔语言理论的热潮，特别是他的语言符号任意性理论更是激起了语言学界内部激烈的讨论。各种论文和著作纷纷发表或者出版来论述语言符号的任意性理论的真正含义，褒贬不一，但都有各家之言。本文试将普通语言的任意性和个别语言的约定性及传统性统一起来，结合索绪尔在他的论述中多次谈到约定俗成、集体习惯和传统，从一般意义上对中西方关于数字的文化差异来进一步论证语言符号之间的任意性。

一、任意性是“能指和所指”在特定语言系统中的联结

索绪尔认为：“能指和所指的联系是任意的，或者，因为我们所说的符号是能指和所指联结所产生的整体。我们可以更简单地说：语言符号是任意的。”他还指出，“语言间的差别和不同语言的存在就是证明：比如‘牛’这个所指的能指在国界的一边是b-ǒ-f,另一边却是o-k-s。”然而“从心理方面看，思想离开了词的表达，只是一团没有定型的、模糊不清的浑然之物。哲学家和语言学家一致承认，没有符号的帮助，我们就没法清楚地、坚实地区分两个概念。思想本身就像一团星云，其中没有必然的界限。预先确定的观念是没有的，在语言出现之前，一切都是模糊不清的。……语言对于思想所起的作用不是为了表达观念而创造一种物质的声音手段，而是作为思想和声音的媒介，是他们的结合必然导致各单位之间彼此划清界限。”从这里我们可以看出，索绪尔所谓“先于语言的思想”，即使是存在的，也是模糊不清的浑然之物，因此只有当它在具体的语言中以“所指”的身份与“能指”相结合的时候，才从浑然之物变成界限相对清晰的概念。而在不同的语言里“能指”与“所指”结合的时候，都会体现出不同的特点。所以确切的说，语言符号的任意性并非一般的指“能指”和“所指”的任意结合，而是不同的民族语言运用不同的能指划分出不同的所指。换言之，索绪尔提出的语言符号的任意性实质上是要突出自然语言不同于逻辑思维的地方，要突出语义的民族性。

二、数字文化中所体现的语言符号的任意性

数字是人类最早认识和使用的词类之一，而数字也是一种语言，他与人们的生产和生活也有密切的关系。在语言中，不同的数字也有不同的文化意义内涵，而有的事物也可以用特定的数字加以指代说明。从这些数字词语的特征和文化差异的背后，我们可以发现其中所折射的各种文化的历史特点、不同地区的风俗习惯、不同民族的心理特点等。在英汉两种语言中，数字词语使用的范围、方式与含义各有其独到之处。例如在中国文化中，数字尤其具有神秘色彩。我们通过对两种语言的数字词语进行对比，不仅可以发现他们背后的民族文化差异，我们还可以上升到理论的高度，把这些差异归结为语言符号最初的任意性特点上。也就是说，数字在文化的意义上从一开始是没有什么理据性的，它代表什么样的文化含义是在不同民族的的发展当中由当地的人们根据自己的文化特点逐渐赋予的特有的含义。从这一点上讲，数字的文化含义和其他的语言符号一样是具有任意性的。

数字本无好坏、褒贬吉凶意义之分。但在不同的语言和文化当中，人们却寄予了不同的内涵和色彩。在中西方都有关于数字的禁忌，在汉民族的文化中，人们讲究对称，注重成双，喜好吉祥，总是小心刻意避讳因语言似同或构字相关而引起的不详意义的联想。比如数字“4”因其谐音“死”而成为人们敬而远之的数字。人们在选择电话号码或者车牌号时，都不愿意有“4”。然而西方有的民族却对“four”极为崇拜，认为“four”是公平、正义、力量的象征。早期的基督教象征主义者则认为“four”代表福音传教士，象征着统一、坚韧和稳定。英语中“the four corners”就是“十字路口”的意思，“the four corners of the death”是“天涯海角”的意思。

再比如数字“13”，对西方人来讲象征着“倒霉，灾难”。据说在人类的蒙昧时期，他们用十指加上两只脚也只能数到12，凡是超过12的数目就感觉神秘莫测。后来他们发现12可以均匀的被分成两份、三份或四份，而13却无法均匀分开。因此他们就认为13是很不吉利的数字。另外在圣经中，亚当让夏娃吃禁果是在13日星期五，耶稣和弟子共进最后的晚餐时犹大坐在第13个位置上，耶稣被钉在十字架也是13日，古代通往断头台的台阶也是13级，给侩子手的赏钱也是13个银币，所以数字“13”就成了禁忌数字。西方人避讳这一数字的场合很多，如他们就餐时一桌从不坐13个人，不上13道菜；门牌、楼层、火车、飞机等均无编号13；医院也不设13病房和病床；13号也是很多西方人所憎恶的日子，就好似中国的“黑煞日，诸事不宜”一样。而“13”对中国人来说却没有如此多的忌讳，相反可以引发人们好的联想，如两千年来主宰中国思想文化的儒家经典俗称“十三经”；明代帝陵称为“十三陵”；清代有京腔“十三绝”。数字的禁忌虽然带有某种迷信的色彩，但因其根深蒂固的隐含于不同的民族文化当中，也是应当值得引起我们的注意的。

汉英数字文化源远流长，从古代到现代，人们对数字的认识和使用无不反映着民族文化内部所隐藏的文化心理和风俗习惯，汉民族在思维方式上讲究“天人合一”、“道法自然”，溶于自然中去认识自然。对自然的认识显得丰富而亲切，并且因感受方式、认知方式的直观，在语言中体现出只求“意合”而不重“形式”的特点，大大摆脱了语言的束缚，使语言表达具有很深的内涵思想。因而汉语数字的表现方法显得琳琅满目，异彩纷呈。西方人讲究个体独立，认为人要生存必须征服自然，所以他们重形式、重分析、重理性抽象，而数字符号则成为他们进行抽象思维的工具，他们在运用数字时力求精确严谨，将注意力更多放在“形合”上。这在某种程度上会限制对数字词语联想意义的发挥。由此可见，正是由于中西方文化的性质，双方的思维方式和文化心理的不同，所以才导致了汉英数字代表的思想内涵、感彩和修辞效果等的不同。

三、小结

“事实上，一个社会所接受的任何表达手段，原则上都是以集体习惯，或者同样可以说，是以约定俗成为基础的。”数字的文化含义也是同样如此。“一个是使选择得以自由的任意的约定俗成;另一个是使选择成为固定的时间。因为符号是任意的,所以它除了传统的规律之外不知道有别的规律;因为它是建立在传统的基础上的,所以它可能是任意的。”人类已经进入“数字化”时代，对数字语言文化的研究，也许更具有深远的意义和价值，我们也能从中发现隐藏在数字背后的更多的内涵和文化寓意，从而更好地认识语言符号的任意性特点。（作者单位：山东外事翻译职业学院）

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中图分类号：J05文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）29-0063-01

文艺复兴精神体现在美术作品中的就是温情主义思想，是一次对知识和精神的空前解放与创作：希望摆脱宗教禁欲主义的束缚，歌颂自然的美和人的精神价值，以人为中心，重视人的权威。文艺复兴时期的温情主义思想在当时的美术作品中主要通过以下三个方面得出结论。

一、中世纪时期美术作品思想与文艺复兴时期美术作品思想的比较

中世纪美术和文艺复兴美术都是西方文化特殊表现形式。体现在当时美术作品中的温情主义主要是从建筑，绘画和雕塑作品中的温情主义来分析与总结：

1、建筑方面，中世纪建筑风格主要有拜占庭、罗马式、哥特式和巴洛克式等艺术风格。而占主导地位和最具代表性的是哥特式建筑风格。文艺复兴建筑师希望借助古典的比例来重新塑造理想中古典社会的协调秩序。2、绘画方面，最主要的还是宗教绘画的比较。在中世纪时期，理想的人应该是自卑、消极、无所作为的，绘画的基本特征是呆板、僵直、生硬、缺乏真实性，没有立体感，非常程式化。而文艺复兴的绘画特征：文艺复兴时期绘画都讲究透视原理、真实比例、合理构图，人像充满了世俗的生活气息。3、雕塑方面，在中世纪雕塑作品方面不是很突出，这时的雕塑作品都带有明显的宗教色彩，这种宗教的神秘性和庄严性无意的压抑了人性的发展。

二、温情主义思想在文艺复兴时期作品中的具体体现

节下俩我们通过对这个时期作品的构图、人物形象的动作和神态分析作品的情感、思想和象征意义来剖析这些作品所带给观者的温情思想。

（一）从中世纪艺术脱胎而出，注重线条与优美造型的走向

相对于中世纪艺术的点线面所构成的庄严而神秘的氛围，文艺复兴则是转向准确、柔和的线条和鲜明的色彩，从中世纪艺术的禁锢中解脱出来。正如波提切利的《春》是一幅抒情的寓意画，画面的情节是在一个优美雅静的树林中展开的，美丽端庄的维纳斯位居中央，她以闲散优雅的表情等待着春之降临。这无疑于又唱响了温情思想的前奏。

（二）引雕塑感入画，强调形体的浑重感

在文艺复兴开始后，很多画家开始把绘画艺术从单薄而毫无生气、呆板直白的表现手法中走出来，开始向现实主义和生活情趣靠拢，着重空间的透视表现和人物的坚实造型，佛罗伦萨伟大艺术家乔托就是其风格的典型代表。他的绘画特征空间意识和雕塑特征；他画中的圣母不是头上带有光环正面坐在那里单一僵硬的雕像，而是有血有肉有实感的人间妇女。

（三）追求氛围，即借助发挥光、影、色的变化而创造所再现对象的错觉

在中世纪，绘画作品上都是追求单一的光源和不注重形体随着光影色的变换而呈现出纷呈的效果。也没有空间透视的说法而是呈现出一种直线透视的效果。《最后的晚餐》是达.芬奇一身最富盛名的作品，其构思巧妙、布局卓越、细部写实和严格的体面关系引人入胜。它体现了人的外在与内在美的统一。这些都无可厚非的体现出画家关于人的崇高概念、对现实世界的强烈兴趣、对自然美的向往，既追求严格的现实体系，又不放弃强烈的主观情感。

三、文艺复兴时期的审美理想中孕育着温情主义思想

（一）从题材分析

新瓶可以装旧酒，旧瓶也可以装新酒。创作宗教题材绘画，却注入崭新的温情主义精神。这时期所画的圣母形象都生世俗生活中的形象，娇憨、妩媚、宗教气息完全消失。《亚当与夏娃》，但在马萨乔的画笔下又多了很多生活的灵气。

（二）从主题和宗旨分析

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随着我国教育体制的不断改革，艺术设计专业似乎“一夜春风花满枝”，成了多年来的大热门，各类高校争先恐后地上马设置和扩招，大有成为制造艺术设计师的“世界工厂”之势。然而我们只要稍加审视便会发现：作为其成败的关键核心——课程的教育方式却依然没有走出由工具理性所支配的课程体系，显得较为滞后。那么到底怎样才能摆脱该体系的束缚呢？从现阶段来看，美国著名教育学者小威廉姆E·多尔的后现代课程观无疑给了我们很大的帮助和启迪。他的核心观点就是“四R”，即丰富性、回归性、关联性和严密性。其中丰富性和回归性对于艺术设计课程来说尤显重要。下面笔者就围绕这两点针对当今的艺术设计教育略作探讨，以期抛砖引玉之效。

一、丰富性

在后现代课程观中，“丰富性”指课程的深度、意义的层次、多种可能性或多重解释。它强调课程应具有适量的“不确定性、异常性、无效性、模糊性、不平衡性、耗散性与生动的经验”，以达到既可激发课程的创造性又不会使之失去形式或形态的“适量”。由于艺术设计专业是属于应用型学科，其目的性极强，所以大多数的教育工作者在课程之前往往就设定了严谨的目标和要求，甚至规定了标准模式。一旦这种教育方式得以确立也就使课程失去了创造性。虽然从表面上看课程的形式完好无损，但内部则显得机械和单一。因此，加强课程的丰富性是改善当前艺术设计教育状况的重要途径之一。根据该专业教学的特性，课程的丰富性可以从教学内容的开放性和师生之间的互动性这两方面来具体分析。

(1)开放的教学内容是构成课程丰富性的基础条件。由于国内教育长期处在工具理性思维的支配之下，课程已沦为一种封闭性的科学教条，被彻底工具化了。首先，从我国艺术设计专业的理论教材上看，各专业方向彼此有着严格的区分。这种区分固然能使其符合各个专业方向的特性，却难免会把学生挤到狭窄的纵向道路之中去，不利于学生在课堂上充分地发挥。根据后现代课程的观点，对于课程的理论内容，我们都应在满足自身专业的要求下，尽可能地拓宽本专业的横向广度，产生适量的不确定性和模糊性，让学生在纵向和横向的多角度中思考与探索，使横向内容辅助纵向核心的发展，以全面理解课程的要点，从而能在广阔的空间中不断进步。例如对于基础素描课，平面设计专业目前最新的观点就是追求画面的形式美和装饰感，但与此同时我们也应该兼顾到对明暗、结构和线性素描的理解，让生动的线条、变换的空间和虚实的明暗产生于学生的作品之中,以更好地表现出装饰之魅力。其次，从目前的艺术设计专业教学模式上看，布置统一的作业要求依然占其主导地位。这种一刀切的手法固然有利于作业的最后评估，却无法弥补和提高学生的不足之处。同一种作业，在不同的要求下，学生得到的锻炼效果差别十分巨大。例如在做五个方块间的构成组合练习中，可有以下几种要求：①表现“大小长短”等形式，②体现“危险、安静”等内容，③表达“甜酸苦辣”等词汇。第一种要求有利于培养造型的能力，但无法起到给抽象元素表达感情的作用；第二种要求则有利于情感的表达，却由于其内容在生活中可视而容易陷入到对具象的简单模仿中去；第三种要求能增强对感性的认识，可画面往往会因过于主观而迷失方向。由此可见，教师只有在布置作业的过程中列出多种不同目标的要求，让学生在这其中多角度地尝试与探索，充分展现才能或显露其缺陷，教师才能深入、全面地了解每个人的特点，引导他们在发挥最佳优势的同时弥补不足之处。理论和作业是艺术设计课程中不可缺少的两个要素，我们须同时入手，教学内容的开放性作用才能得以真正体现，从而构成课程丰富性的基础条件。

（2）师生之间的互动性是构成课程丰富性的必要手段。教师不仅要运用渊源的讲述、图片的分析、变化的解释和文化观念的讲解等各种手段来诠释课程的内容，更重要的是要通过与学生展开热烈的讨论甚或争论来传授内容和完成练习。其结果有可能与原先的想法相左，但经过多次的讨论之后便可让学生深刻地理解课程的内容，并且在这过程中还有可能迸发出全新的思想火花，从而又可推动课程的发展进程，使教学内容不断丰满起来。例如环艺专业中的人体工程学原理课程，仅靠教师单方面的讲解必定会显得十分枯燥，只有让学生加入到热烈的讨论当中去体验和感受，方能最终记住那些原本单调的数据。并且正是有了这些年轻人的新感受和观点，使某些数据得以修改与补充，课程之内容也就更加符合了时代的要求。这种互动式的教学方法首先要求教师必须放弃“以教师为中心”式的权威教育思路，转变为“以学生为中心”式的服务型教育方式，让学生真正能够参与到课堂之中。其次，教师要树立教学过程大于结果的观念，鼓励学生多角度、破坏性地尝试所要达到的目标，而不仅仅只看重作业的最后效果。

总的来说，教学内容的开放性与师生间的互动性是相辅相成、缺一不可的两个重要元素。教学内容的专、窄易使学生对课程的理解产生片面性，而缺乏师生间的互动则会使课程变成“耳边风”，学生很容易淡忘。只有两者都得以加强，课程才可真正称得上具有丰富性，才能符合当代艺术设计专业的教学质量要求。二、回归性

根据多尔的诠释，所谓回归性，它与数学的循环运算相关。在重复中，等式一次的运算结果是另一次运算的输入，于是一个公式便一次又一次地运行下去。这种观念不等于原先封闭性的框架重复方式，它强调一种变量关系，即每一个终点就是另一个新的起点，每一个起点又来自于前一个终点。它不把课程的片段、组成部分看作孤立的单元，而视其为反思的机会。由此可见，回归性具有事半功倍的效果，若想把这种优点融入到艺术设计教育中则可从以下两个方面着手。

（1）从课程设置的方面看，我们应该注重各个课程之间的衔接。艺术设计由于具有很强的应用性，因而其课程数目繁多，一般都要在40门左右。这些课程可分为基础与基础、基础与专业、专业与专业、理论与实践、实用与概念等关系。我们应仔细研究与寻找各门课程内容之间的联系性，通过这些关系，把前面课程与后一课程之间的内容衔接好，使前面的课程内容能为后面所用，而后面的课程能够建立在前面所有的课程之上，并且起到反思前者的作用。例如平面设计专业中的包装设计课程，就应安排到三大构成、图形、文字、广告设计和印刷工艺等课程之后，在教学中它能够归纳、总结到先前的课程，使所学的知识更加扎实。此外，艺术设计是一门紧跟时展的专业，其课程变化极快。在几年前还是主干的课程如今却有可能面临改良或淘汰，新产生的内容又需要教师进行自我吸收和拓宽。这种课程内容的不确定性使其关系的设置难度增加，所以我们不能满足于既定的方案，而应与时俱进，随时调整以求达到最佳状态。

（2）从单个课程的教学方面看，我们首先应该把握好课程内每个知识点间的内容。一般说来，一门艺术设计课程需要花费20至80个课时来完成。在这有限的时间里，教师不宜采用逐次独立式的单线教学方法，即把内容分割成若干块单独讲解。这种方法如同一根链条，看似效率高，但易使知识点间脱节，造成“肠梗阻”而影响到整个课程的最终效果。若采用后现代课程的“回归性”教学观点，所讲的内容和布置的作业能主动反思、利用先前所学的知识点，并以此为根基，再去积极探寻、推进新的知识点，使前次的结束又成为后个的开端——对于学生所学过的知识来说，可以不断得到巩固和加强。这就如同一张渔网，因相互连接而非常结实。其次，我们在讲解知识点的同时还应该对先前所学的课程进行有效利用。作为一个整体，每个艺术设计课程的理论之间必然有着千丝万缕的联系。俗话说“温故而知新”，教师在讲解中积极寻找并利用这些联系，有利于学生迅速投入到新的课程学习之中，从而轻松地掌握知识要点。例如在色彩构成课程中，有些人喜欢将明度、纯度、色相间的关系稍作解释便进行分开独立讲解和练习，可最终学生依然一头雾水。若在讲解这三个知识点时始终围绕色彩层层推进，并且适当地与先前所学的色彩写生课联系起来，使学生牢记三者间的关系，该知识就显得清晰容易多了。

课程之间的设置关系应遵循每个课程中的内容，让前面所有的课程都能起到推动下个课程的作用。而课程内知识点不仅要不断反思和累加，还应对先前所学课程进行回顾。只有这样才能达到多尔所推崇的回归性，从而使学生全面、完整地吸收艺术设计的精髓。

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中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1673-2596（2013）08-0203-02

文艺复兴是在14世纪的意大利兴起的一场波澜壮阔的思想文化运动。它是以复兴古希腊、罗马文化为标志而全面推行的一种新的人生观和新的生活方式，并引发了学术思想、艺术和美学观念上的全面变革。文艺复兴运动波及了整个欧洲大陆，先后持续了300余年之久。这一运动预示着欧洲近代社会的产生，并为近代社会的发展奠定了思想和文化基础。

作为一个持续了近300年的思想运动，文艺复兴对艺术的冲击和影响是非常显著的。文艺复兴运动中兴起人本主义、自然主义和科学主义直接改变了中世纪以来的美学观念和艺术形式。而在14世纪的意大利，文艺复兴所带来的突出影响首先冲击到的是绘画艺术，在意大利文艺复兴运动中，涌现了一大批杰出的画家，他们在艺术上取得了极高的造诣，所留下的绘画美学理论惠及整个西方绘画领域。

一、绘画题材的突破

（一）宗教

在文艺复兴时期，艺术所服务的对象和赞助人仍然是教会，所以绘画题材依然是耶稣、圣母、圣徒事迹等从中世纪传承下来纯宗教的题材。但与中世纪绘画根本不同的是，在文艺复兴时期的绘画艺术中已经极少出现表达单纯基督教宗教含义的绘画。当时的教皇、主教、国王、贵族等都想要通过永恒不变的艺术形式使自己的形象保留下来，借以获得不朽，由此促进了世俗性艺术题材的绘画作品大量出现。面对世俗性题材的客观需要，艺术家们必须使绘画成为“一切艺术之花”，使“死人在许多世纪之后还栩栩如生”。①也就是说画家必须把写实、逼真放在创作的首要位置加以研究。

所以，画家对于耶稣、圣母等宗教人物的描绘，也不再是以超尘脱俗的神圣面孔出现，而是用现实生活中人的形象来表现神性。他们创作的重心已不仅仅是在塑造人物形象上，而是深入人物的内心情感世界，立足在常人常情来展示圣人的崇高感，由此唤起人们普遍的同情和共鸣。在文艺复兴早期卓越的画家乔托的壁画《哀悼基督》中，他将圣母塑造成一个用手臂搂住儿子的头，左手轻抚着他的颈项，悲痛不已哭泣着的普通妇女般的形象，而其他的人物也以各种形态体现着他们无法遏止的悲痛的心理状态，从而使作品具有了强烈的生活真实感，使人物形象更加富有人情味。

（二）人体

中世纪的基督教禁欲主义认为，赞美人体、欣赏人体是一种重大的罪恶，然而文艺复兴时期的画家们重新发现了人体美，他们在复兴古希腊和古罗马文化之时，巧妙地利用了基督教“上帝造人”的理论来开创对人体美的表现。这正如丢勒所说：“上帝按照人应有的样子一劳永逸地铸造了人。我认为，完美的形式和美都包含在一切人的总和之中。”②而在当时的意大利上层社会的聚会中，总是会有参与其中，那些助兴取乐的往往在聚会上受聘于画家的人体模特儿，这从客观上增强了人们对人体美的欣赏兴趣和审美能力。

可以看出，当时社会流行的享乐主义对基督教禁欲主义产生了冲击，开创了一种新的面对现世的生活方式，为绘画艺术开辟了一个全新表现人体美的创造领域。从此，无论是表现基督教思想的题材还是表现古希腊罗马的题材，都成为了不可或缺的形象。虽然当时的教会对人像进行了猛烈的抨击，但是画家们关于人体是最难表现、最高境界之美的信念已坚定不移。正是在这种信念下驱使下，才成就了拉斐尔、提香等一批卓越的画大师。

（三）自然和谐之美

除了对人体美的发现外，享受大自然之美也是文艺复兴时期审美情感的重大转变。15世纪弗兰德斯画派的胡伯特和约翰・梵・艾克开始专门创作风景画，这对意大利绘画产生了极为重大的影响。

阿尔贝蒂是文艺复兴时期较早倡导艺术“师法自然”的理论家，他认为：“大自然，只有它才能充满自己的各种形象，所以我们要师法自然，并且要师法到那种程度，使观者能与哭者同哭，与乐者同乐，与悲者同悲。”③他强调大自然可以提供绘画的各种形式，绘画也当逼近大自然而进行。

自古希腊以来，“美”和“和谐”都是艺术家和美学家所追求的目标。中世纪时，这两者被理解为“神圣上帝的整一性”，而艺术的“和谐”就只是对这种整一性的模仿。对于文艺复兴时期的艺术家们，“这种和谐，就是指艺术客体各个不同部分相互之间及与整体之间的完全一致”。④触发这一对自然风景题材新诠释，正是来自大自然自身的和谐。

二、绘画技巧的创新

（一）透视法

早在希腊化时期，艺术家们就已开创出“短缩法”，但他们不知道为什么物体离我们远去时体积会越来越小，也不懂得如何让物体在画布上逐渐变小。正是在此基础上，文艺复兴时期的艺术家们借助当时的数学和物理知识开创了“透视法”。吉贝尔蒂发现了直线透视法，马萨乔发现了空间透视法，而佛罗伦萨画家保罗・乌切洛在研究“透视法”数学原则的基础上，在创作中把“透视法”付诸实施。在他们的努力下，过去绘画上平面的二维空间变为虚拟的三维空间，事物在空间中的比例关系逐渐明确起来，画家在画布上表现的空间同人们的视觉感受开始吻合起来，产生了逼真的艺术视觉效果。

（二）人体的数学比例

文艺复兴时期，科学技术的观念和思想方法的变革也推动了绘画艺术的更新。意大利的画家们为了更科学、准确、生动地表现人体美，将数学、解剖学与绘画人体相结合，并亲自去解剖尸体，研究人体的内在组织、肌肉结构和在运动状态下的变动等。达・芬奇就曾解剖过30多具尸体，在他的笔记中留下了大量的解剖图和文字说明，为人体比例学成为绘画科学中的重要部分产生了重要的影响。达・芬奇对比例相当推崇，他认为：“美感完全建立在各部分之间神圣的比例关系上，各特征必须同时作用，才能产生使观者往往如醉如痴的和谐比例。”⑤

（三）渐隐法

在前人的研究透视学的基础上，达・芬奇通过创作实践延展了透视中的隐没透视和色透视（又称空气透视）。隐没透视是研究物体为何离眼睛越远会越模糊，而色透视则是研究物体离眼睛远近其色彩的变化规律的。达・芬奇认为：“透视学是绘画的缰辔和舵轮。”⑥在透视学和光学的理论基础上，达？芬奇发明了绘画中著名的“渐隐法”。“渐隐法”是用极为柔和的色彩与柔和的明暗对比使物体呈现渐淡甚至消失轮廓的视觉感。这种模糊不清的轮廓使得描绘的物体互相融入，从而造成一种晕光效果，使物体的层次感更加丰富。色透视法从根本上打破了人像绘画千百年来以轮廓线划分空间位置和范围的传统。

三、范畴与理论的重构

处在文艺复兴时期的美学思想总是在新旧之间徘徊。这个时期的艺术家们的创作，无论是内容还是形式，都同时带有新旧两种时代特征。在从中古时代到近代的转型过程中，一些新的美学命题和美学范畴出现了。

大量世俗性绘画题材作品的出现，使画家们把作品的写实性、逼真性放在了创作的首要地位加以研究。古希腊罗马艺术中提出的“模仿说”和写实精神也成为了艺术家们的倚照和借鉴对象。他们用中世纪的“镜子”比喻来说明“艺术是一面镜子，艺术反映自然”，虽然这样的解说已不符合中世纪“镜子说”的观点。

达・芬奇等人为代表的“镜子说”代表了当时新的写实和审美观念，在此基础上，“逼真”、“真实”等美学范畴产生了，这些新的美学原则奠定了近代绘画美学的基础，并直接促进了艺术领域中科学主义、自然主义精神的出现。

文艺复兴时期意大利的绘画美学理论以乔托、阿尔贝蒂、达・芬奇为代表，他们在探讨艺术的真实性上取得了高度的一致。乔托提出了画面构图的新美学观念，他认为绘画“不仅仅是文字的代用品”，“好像亲眼看到真实事件的发生，跟舞台上演出时一样”。⑦由此他的构图多主题鲜明，情景集中，多组人物趋向一个中心，显示出多样化统一而形成的和谐。

而对新古典艺术理论影响巨大的阿尔贝蒂则有着丰富的创作经验和渊博的理论修养，他倡导的艺术的“师法自然”，师法到“使观者能与哭者同哭，与乐者同乐，与悲者同悲”。这正是强调了艺术应当模仿自然，并且要真实地表现人类的情感及行动。

阿尔贝蒂的理论思想直接促成了达・芬奇关于艺术理论的宏伟构思。除了以上已经提到的“镜子说”，达・芬奇提出的透视、光影色、比例等都是绘画创造第二自然的标准，这也正是文艺复兴时期自然科学同艺术创作实践相结合而不断创新发展的结果。正如达・芬奇所说：“绘画，实际上是科学和大自然的合法女儿。”

综上所述，文艺复兴时期，因社会变革而引发的美学观念的变革，新的写实的美学追求，它所蕴含的写实性、逼真性，迫使艺术家改变了过去使用的绘画表现手法，使新的革新成果广泛应用于艺术领域，使文艺复兴的艺术以崭新、独特的形态展现在人类的艺术舞台上。

注 释：

①加林.意大利人文主义[M].北京：三联书店，1998.63.

②凯・埃・吉尔伯特，赫・库恩.美学史[M].上海：上海译文出版社，1989.249.

③彭立勋.西方美学史[M].北京：中国社会科学出版社，2005. 53.

④凯・埃・吉尔伯特，赫・库恩.美学史[M].上海：上海译文出版社，1989.234.

⑤彭立勋.西方美学史[M].北京：中国社会科学出版社，2005. 65.

⑥阿・阿・吉贝尔，符・符・巴符洛夫.艺术大师论艺术[M].北京：文化艺术出版社，1992.120.

⑦贡布里希.艺术的故事[M].北京：三联书店，1999.201.

参考文献：

〔1〕米凯尔・列维.文艺复兴盛期[M].重庆：重庆出版社，1990.

〔2〕雅各布・布克哈特.意大利文艺复兴时期的文化[M].北京：商务印书馆，1979.

〔3〕彭立勋.西方美学史[M].北京：中国社会科学出版社，2005.

〔4〕B.鲍桑葵.美学史.桂林：广西师范大学出版社，2009.

〔5〕约翰・阿尔伯特・梅西.文学史纲[M].西安：陕西师范大学出版社，2006.

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人类的科技知识，正在以惊人的速度增长。19世纪每50年增加一倍，现在每3—5年增加一倍。各种学科门类，出现高度综合的整体化趋势。艺术设计专业就是学科门类高度综合的产物。学科的最大特点是技术性和艺术性的相融合。因此，传统的艺术设计专业有两种生存模式，一种是生存在建筑设计的工科院校，另外一种是依附在美术院校的艺术设计专业。然而，随着社会对设计人才需求的不断增加，各个院校纷纷开办艺术设计专业，其中有诸如南京财经大学在内的多所文科院校。当各高等院校开办的专业门类大致相同时，要想在日益严峻的竞争中生存并发展，在人才培养上就要避免不必要的重复，抓住自身特点，形成合理的学科教学体系，创造自己的人才培养特色，适应社会对人才的多层次需求。

“信息时代”的21世纪又可以称为“设计时代”。艺术设计成为当今世界艺术与科技相结合的纽带。然而，普通院校的艺术设计教育是从传统美术与工艺美术教学中转型而来的，不可避免地存在着转型期的种种迷惑和困难。众多文科院校的艺术设计教育，和综合类大学的艺术设计教育一样，还处在新开办期的模仿和摸索阶段。中国现实的艺术设计教育状况并不令人满意。社会不满意，认为设计人才的知识结构单一、实践能力差，不能适应市场需求；教育者自己不满意，症结是没有一个基本可以成为指导思想的设计教育理论。中国的艺术设计教育必须尽快为社会提供必需的现代设计人才，以适应信息时代对现代设计人才高起点、批量化的需求。

现代设计的实践，需要艺术设计教育构筑一个新的教育体系或培养模式回应社会的需求。设计教育的重点要从过去单一的技法和造型训练向掌握系统的设计思维方法的训练，从只关注美感和设计语义的形态研究转向对生活形态、产品策划和设计管理等方面的研究。文科院校的优势，就在于其学校金融和管理等文科众多学科专业的背景和优势，设计战略和设计管理教育既然已经成为设计教育体系新的发展趋势，而现代教育需要培养“一专综合”型的设计人才，来满足社会需求，那么，文科院校艺术设计教育的发展方向，应该是既对艺术设计专业精通或熟练，又对相关专业有一定的了解和掌握，能够有效地综合各方面资料来解决问题的复合型人才。

所谓复合型人才，即具有较强的综合能力和实践能力，不仅对本学科的各种专业知识能全面掌握、运用自如，对本专业相关的其他学科知识也能了解和掌握，融会贯通，并能有效地综合各方面资料，达到解决问题的目的，即“一专综合”型人才。“一专”就是对自己的主要业务方向做到精通或熟练，“综合”就是要对相关专业做到了解和掌握，并能够有效地综合各方面资料，达到解决问题的目的。目前社会需要的复合型人才，要具有扎实的基础、宽阔的知识面、较强的知识运用能力、全面的素质和科学创新精神，即使学生成为具有科学的知识结构、坚实的专业基础和专业课题实践的一专多能型的高效率人才。

一、 文科院校艺术设计专业复合型人才培养要树立创新教育观念

艺术设计具有艺术性和技术性融合的特点，因此复合型人才的培养，首先要树立现代的科学的教育观念。即：终身教育观念，素质教育观念，创新教育观念，知识整体化、国际化观念。

1.终身教育观念

艺术设计是艺术与技术融合的产物，而信息时代科学技术的快速更新，要求从业者必须不断学习，终身学习，艺术设计高等教育要在人才培养模式方面，要着眼于学生发展的教育观念，注重对学生学习能力的培养，学生美学修养的培养，要体现终身教育思想，具体表现在：学生在校期间要注重基本艺术设计方面工具性知识的传授，例如设计表现、计算机辅助设计等；注重培养学生创新能力思维方法；注重培养继续学习的技能和方法；注重综合性整体性的知识结构的传授。

2.素质教育观念

“一切彻底的成功都是做人的成功，一切彻底的失败都是做人的失败。”学会认知、学会生存、学会做事和学会与他人相处，是复合型人才培养的核心。教育应注重加强学生综合素质的培养，使学生全面发展。素质教育的提出是针对当今高等教育中过弱的人文社会科学教育、过窄的专业教育、过重的功利导向提出的一种观点。素质是个体获取知识的内在力量和能力，因此，艺术设计复合型人才的培养要从思想道德素质、文化素质、业务素质、身心素质等方面树立素质教育观念。在课程设置方面，突破专业面过窄的状况，进行学科复合，建立复合型人才培养的素质教育观。 转贴于

3.创新教育观念

现代高等艺术设计教育，应该实现从传授知识向着重培养学生创新能力方面转变。首先，要向学生传授有效的知识，所谓有效是指这些知识能为创造能力的培养和发挥奠定基础，因此，在复合型人才培养中，要注重学科知识的选择和非智力因素的培养。学生的动机、兴趣、情感、意志和性格等非智力因素是创造性活动中始动、定向、引导、维持、强化、调节等的原动力。在艺术设计人才培养模式、培养计划、各门课程教学活动中，创新教育都是贯穿始终的主题。教育的生机和活力在于培养不同的有个性的人。在艺术设计教育中，要根据学科特点和小班化教学的优势，因材施教，重视培养学生的创造性思维能力，发挥学生的创造力。

4.知识整体化、国际化观念

学科之间的联系和相互交叉，是高等教育的发展趋势。艺术设计专业复合型人才培养，在知识构架上要体现整体化、国际化的特点，认真制订培养方案，确定具体的知识结构框架，正确吸收和借鉴国外教育改革的经验和成果，真正做到各学科的交叉融合，避免简单的叠加，以拓宽专业面，增加适应性。

二、 文科院校艺术设计专业复合型人才培养要有科学合理的人才培养模式

人才培养模式包括三方面的内容，一是人才培养目标和专业培养规格，二是教育内容和课程体系，三是教学与管理方式。按照科学的教育观念，构筑合理的科学的培养方案，是复合型人才培养的重要环节。

复合型人才培养的教育框架可参见下图。文科院校的艺术设计专业人才培养，与艺术院校、理工科院校、综合院校的人才培养应该有所不同。根植于文科院校的艺术设计专业，在复合型人才培养上，要从学校的全局出发，进行跨学科跨专业的整合，寻找不同于其他院校的人才培养的突破口。

人才培养模式中重要的环节是专业学科的复合，以艺术设计专业为依托，寻找和其他专业学科的契合点，对相契合的专业做认真的剖析，然后融入到培养模式中，形成学科复合后的综合课程。例如，文科院校的艺术设计专业，可以通过与管理学科的复合，构建设计管理复合型人才培养的模式，理工科院校的艺术设计专业，可以和计算机学科课程复合。进行学科复合后产生的结果可以多种多样（如下图中标有“”的位置），因此，在培养模式中会有不同的体现。

培养复合型人才的一条重要途径是对四年制本科专业的课程体系与教学内容进行跨学科的重组与整合，即把培养某种类型的复合型人才所需要具备的多学科知识，有机地整合成一个新的、复合的整体，而不是把各个学科并列在一起形成一个多学科知识的大拼盘。高等院校在优化课程体系结构时，应加强专业课程设置的综合化，把课程设置从传统的深入型改为横向宽广型，淡化专业界限，形成互相联系的学科群体，使学生的主体作用和能动性得到进一步的发挥，促进人才全面发展和个性发展。

具体到文科院校的人才复合培养模式来说，要为艺术设计专业的学生开设其他学科的课程，课程要和艺术设计专业有一定的关联性，课程的知识内容应该是艺术设计专业人才所具备的，并符合社会需求的；此外，复合的学科课程，要冠以“设计”，即在授课内容上要进行整合，在课程中以“设计”为主线，把复合的学科内容扩展到“设计”领域，进行“设计”的专项研究和研讨。

以文科院校的设计与管理学科的复合为例，对于艺术设计学校的艺术设计与管理复合型人才培养，应该着重培养学生拟定设计策略之能力，决定设计政策之能力，撰写设计专案规范之能力，监督与控制设计专案进度之能力，界定、分析设计问题，评估设计资讯及评价研究方法之能力， 选择设计师之能力等。为艺术设计学生开设的设计管理课程的目标在于培养学生的设计企划、设计控制与设计执行管理等管理设计的能力。

文科院校的艺术设计专业复合型人才培养包括三方面结构的培养：知识结构、能力结构和素质结构。在知识结构上，要体现文科院校的特点，除了专业基础知识、专业知识的培养，更应借助学校优势，加强人文社会科学、经济管理等方面知识的培养；在能力结构上，要在自学能力、思维能力、实践能力、应用能力、适应能力、创新能力等方面进行重点培养；在素质结构上，要在思想道德素质、文化素质、科学素质、工程素质、身心素质等方面着重培养。

社会真正需要的人才，是具备了完善知识结构的复合型人才，是具备了宽广胸襟和视野的复合型人才，是具备了融合与应变能力的复合型人才。时代在发展，社会在前进，面对新的需求和变化，艺术设计人才培养模式尚缺乏成熟完善的理论指导，艺术设计的复合型人材培养也需要努力探索前行的方向，在实践中寻找科学合理的培养方案。

参考文献：

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自1965年独立后，新加坡坚持把政治管制与经济自由相结合，把共同理想与多元文化相结合，把一党独大与争取民众相结合，社会安定，经济繁荣，为大多数亚洲发展中国家树立了现代都市发展的典范。在2009年世界经济体竞争力排名中，新加坡仅次于美国，位居世界第二。笔者认为，新加坡经济社会的飞速发展与其独特的政府公共管理理念是分不开的，对其进行分析和研究，对于促进我国经济社会的全面发展具有非常重要的启示。

一、新加坡政府公共管理的独特理念

新加坡经济属于高度发达且成功的市场经济模式，政府不仅廉洁、高效、勤政、务实，而且创建了优良的营商环境，吸引了大批外商前来投资。几十年来，新加坡着力打造服务型政府，以民生为本，服务人民，促进了经济的发展和社会的繁荣。在这一发展过程中，新加坡政府形成了自己独特的公共管理理念。

(一)以“外包”理念建设高效政府

新加坡政府素以高效著称。在人民行动党看来，新加坡要持续发展必须依靠“一个有效率的政府”。为建设高效政府，新加坡政府在公共管理中引进了“外包”理念。“外包”理念是从企业的经营管理延伸到政府的工作中来的。欧美等国的企业家常把费时、费力、费资本的工作外包给别的企业、别的国家去做，自己只保留创意、设计等最核心的部分。新加坡政府把这一理念运用到公共管理领域之中，政府通过整合资源，将非核心的工作采取合同外包的方式交给社会中介组织，让政府充分“瘦身”。如汽车违章的处罚、离境退税的审核等这些原本属于政府的职能都通过招标而“外包”。从实践效果来看，政府“外包”部分职能不仅没有影响政府的信誉和形象，而且提高了运作效益，有效地杜绝了这些领域中腐败现象的产生。

(二)以“亲商”理念优化经济环境

新加坡营商环境开放且清廉。2009年，《福布斯》杂志发表营商环境排名报告，新加坡被评为表现最佳的亚太经济体，全球排名第四。良好的营商环境得益于政府树立的“亲商理念”。“亲商理念”是新加坡政府公共管理的核心。该理念认为，政府并非真正的社会财富创造者，只有当政府成功地提供了一个适应工商业发展的环境，并使企业取得比其他地区更高的投资回报率时，政府的作用才能得到体现。‘‘亲商理念”把政府—企业—公民三者统一于社会经济发展的全过程，通过发展经济以提高人民的生活水平和国家的竞争力，也就是政府创造环境，市场创造财富，促进经济社会的发展。

在“亲商”理念的指导下，政府充分发挥自身的调控、服务、管理等职能，创造各种有利的投资条件吸引外资。比如，大力完善基础设施，使新加坡交通发达、通讯便利、水电供应充足、金融服务与银行系统完善可靠；拨出廉价工业土地，协助厂家建厂房；提供低息贷款，给予外资以国民待遇；等等。新加坡也是世界上对企业干预最少的国家之一，政府完全“放飞”企业，让企业自由地“单飞”，使企业有了良好的发展环境。经济环境的优化吸引了大量的海外客户到新加坡投资，与此同时，政府也采取多种措施协助本地企业向海外发展，拓展海外市场，有力地促进了新加坡经济的发展。

(三)以“人才立国”理念加强人力资源开发

新加坡吸引外资的有利因素之一就是人才荟萃。李光耀曾指出：“新加坡所实行的是人才主义制度。”重视人才、培养人才、善用人才、吸引人才是其“人才立国”战略的重要内容。首先，是人才就尽力去用。新加坡政府建立了重用人才的制度，主张善用人才、不浪费人才、不践踏人才，让真正的人才脱颖而出、为国效力。李光耀认为，“只要有五位真正肯做事的领导者，十年岁月里，就可能建造出新的国家”。“假如新加坡被平庸与投机主义者所控制，就要付出极大的代价”。执政的人民行动党大力推行精英治国方略，把精英选拔到国家最重要的领导岗位，保证国家机器高效率运转。其次，是人才就尽力去培养。政府拨出巨款投资教育，改革教育制度；通过奖学金、助学金制度为政府和社会培养大量优秀人才；注重各类企业职工的在职培训，注重培养本地的科技实业精英。再次，是人才就尽力去挖。李光耀曾提出“与私人部门争夺人才”的战略，大幅度提高工资，改善福利待遇，以“高薪抢贤”，吸引了大批优秀人才到政府部门工作。政府还成立了国际人力资源小组，专门负责吸引外国高科技人才到新加坡来工作。

(四)以“亲民”理念服务于人民

人民行动党成功的根源不在于其一党独大的威权主义政治体制，而在于其树立了“以民为本，心系群众，关怀草根”的“亲民”理念。为了赢得了人民的支持，新加坡政府采取了一系列“服务于人民”的措施，比较主要的有以下几种：

一是实行议员接待日制度。人民行动党在全国设立了数十个选区，由国会议员“划片包干”，所有本党议员每周必须安排两个晚上的时间用于走访本选区选民和接待上访群众，处理各种事务，为民服务，即使政府部长、副总理和总理也不例外。

二是建立完善的社会保障体系。新加坡政府制定了多种政策来“防止形成一个下层社会”。比如，把收入较低的人分散到各个选区居住，让他们得到更多的接受帮助的机会；政府实行教育援助政策，使低收入阶层的子女能够通过接受教育摆脱贫困。此外，在基层社区还有“社区基金”和“人民协会”等非营利利机构，为中低收入家庭提供各种帮助。

三是建立了成熟的社区管理模式。新加坡政府通过对社区组织的物质支持和行为引导，把握社区活动的方向。在新加坡，社区内主要有三个组织，即居顾委、社管委和居委会。居顾委主要负责社区内的公共福利，根据社区内居民的要求与政府沟通，维护居民权益；社管委负责社区中心运行并制定从计算机培训到幼儿体育活动的一系列计划；居委会主要负责治安、环卫工作，组织本小区内的活动。三者各司其职，共同管理社区。

二、借鉴新加坡政府公共管理的独特理念，促进我国经济社会的全面发展

古人云：“他山之石，可以攻玉”。我们可借鉴新加坡政府公共管理的独特理念，转变政府职能，构建高效与有限责任政府，提高行政效能，优化经济环境，改善民生，促进经济社会的全面发展。

(一)树立“外包”理念，提高行政效能

新加坡的“外包理念”告诉我们，政府必须从一些领域抽身而退，不能既“掌舵”又“划桨”，而应该把更多的精力投向“掌舵”，为“划桨”做好服务工作。因此，要切实转变政府职能，按照“大部门体制”和“精简、统一、效能”的原则设置政府机构，可把非核心的工作“外包”给社会中介组织，让政府充分“瘦身”，提高行政效能。

首先，要大力培育社会中介组织。政府要“瘦身”，必须放权于社会和企业，把属于企业的职能还给企业，属于社会的职能还给社会，属于中介组织的职能还给中介，从而实现管理的高效。目前我国的中介组织发育明显不足，运作不规范、不成熟。政府要因势利导，积极扶植和培育行业协会、商会、环境保护组织、咨询机构、慈善团体等社会中介组织，规范其运作，发挥其在各个领域的重要作用。

其次，要完善电子政务，打造透明政府。建立透明政府，把政府变成“玻璃缸里的金鱼”，除了积极推行政务公开制度外，还要大力实践“电子政务”，切实推行“政府上网”工程，将“市民提申请、政府来审批”的模式转变为“市民有需求、政府来服务”的模式。推行电子政务有助于增加执政透明度、降低行政成本、提高办事效率、加强廉政建设，可为政府与公众、企业之间的互动与回应带来一场革命。

(二)树立“人才强国”理念，为经济发展提供保障

人才是第一生产要素，是经济发展的第一资源。我们必须树立“人才强国”理念，重视智力投入，完善引进人才的体制机制，以人力资源开发提升行政效能。一要努力做到“用人唯贤”。要从传统的人事行政向重视人力资源管理转变，做到人尽其才，不受条条框框的制约，给人才以充分发展的空间。二要加大培育人才的力度。新加坡重视员工培训的做法值得我们借鉴。从当前来看，我国应改革教育制度，注重培养高科技人才、各领域的专业人才。在干部教育培训上，要创新方式方法及内容，进行境外培训和异地教学，提高培训质量，大量培养经济社会发展所需要的各种人才。三是引进外来智力资源。新加坡政府设立了咨询委员会和经济检讨委员会，请一些国内外专家为政府出谋划策。我们也可聘请一些国内外知名学者专家担任咨询委员，听取他们对我国经济发展的意见，提高政府工作的国际化水平。

(三)树立“亲商”理念，优化经济环境

经济发展的主体是企业，政府的主要职责是为市场创造一个公平的环境，维护市场秩序。政府应转变传统的管制思维，树立“亲商”理念，建立亲商服务体系。在“亲商”理念的指导下，政府与企业的关系不再是管理与被管理的关系，而是服务与被服务的关系。政府不干预企业的正常生产经营活动，只担负维护市场秩序、优化经济环境之类的职责，让企业自由“飞翔”。具体可采取以下措施：

一是改善投资环境，吸引外来资金。为了吸引外来企业落户，需大力完善基础设施，如建立畅通便利的交通网络和发达的通讯系统，健全金融服务与银行系统，建立电子商务和物流平台，搞好征地拆迁工作，在税收方面给予优惠政策等，让外来企业引得进、留得住。

二是大力改革行政审批制度。在新加坡，公民只要花极少的钱，就可以注册公司，政府所担负的是服务和监管职责，而不是审批职能。与新加坡相比，我国的行政审批制度存在着许多弊端，如效率低下、存在寻租行为等。我们可借鉴新加坡政府的一站式服务模式，建立一站式服务中心，形成高效的服务体系。一站式服务中心的独特之处，就在于它作为政府的直属机构具有充分的授权，企业和公民办事只需到一站式服务中心的一个窗口就可把所有事项办完，既提高了办事效率，又可防止腐败的滋生，大大优化了投资环境。

三是建立社会服务承诺制度，强化政府服务职能。要建立社会服务承诺制度，规范政府行为，严格整治乱收费行为，使收费透明、公开、合法；相关部门在执行对企业的管理服务职能时，不得推诿扯皮，不得敷衍塞责；在接受企业的申请、咨询及办理正常审批手续时要做到速度快、服务好、效率高，给企业创造良好的发展环境。