公共艺术的基本概念模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇公共艺术的基本概念，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

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当代艺术的产生，其出发点是对前代艺术的价值观和语言形式进行批判。现在大部分当代艺术的批判性已经消失，只剩F越来越“私人化”的自我表达，对社会、政治和公共性的批判越来越少，至多是一种中产阶级的无关痛瘁的讽刺。某种程度上，当代艺术成了一种有“前卫教养”的艺术，但是很难再找到梵高这样有宗教激情的艺术家，波伊斯这样具批判性的知识分子艺术家，或者培根这样有“肮脏”美学的艺术家。现在“肮脏”的美学也成了一种“新唯美主义”。当代艺术近二十年处于停滞状态和“平庸化”，其原因还是在于人类的社会模式及关于人的看法没有根本突破。

社会主义和资本主义的冲突已经告一段落。全球大部分国家采用了在资本主义经济模式上吸收社会主义的福利制度。关于社会模式近二十年没有提出新的观念，其核心是让“资本控制国家”，还是“国家控制资本”。中国也走到了这样一个十字路口，即如何使用资本主义又能控制资本主义，中产阶级社会变成人类的一个理想模式，但中产阶级文化没有变革的活力。

艺术的本质是关于人的基本概念，但人的基本概念在启蒙主义之后没有大的变化。西方社会近二十年对人的“概念”理解主要是在大众文化领域，如好莱坞半人半机器的“生化机械人”、半人半妖的“人魔”，它们并未像从启蒙主义到那样对“人”的解放有新的定义。马修・巴尼的“人魔”，还有《黑客帝国》，都不是社会解放意义上“人”的定义，而是集中在高科技以及人体基因等关于人的技术观念的一些变异特征。

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插画艺术的产生历史和发展历程悠久而复杂，因而插画的表现形态多种多样，种类繁

多。首先，笔者将首先浅要的说明插画的基本内涵和主要类别以及它的主要特性。

1.插画和插花艺术

通常意义上的插画是指以报刊或书籍为载体、以创作者的设计理念为核心、以文字的表达内容为依据、以版面的排列为引导的一种插入式图画。

随着应用范围和领域的扩大，插画的载体不再局限于书籍和报刊，还包括了餐饮用具、服装服饰、家居建材、广告杂志等，渗入到人们衣食住行的各个方面，成为了人们生产和生活不可或缺的一个元素。由此，插画从一种单一的视觉图案发展成一门具有商务导向的艺术形态。

2.插画艺术的类别探究

从插画艺术的形成时间来看，插画艺术可以划分为：古代插画艺术、近代插画艺术和现代插画艺术。本文所要谈到的是现代插画艺术。

从插画艺术的应用领域来看，插花艺术可以划分为：文学类插画艺术、影视类插画艺术、商务类插画艺术和公共类插画艺术。本文所要谈到的是商务类插画艺术。

3.插画艺术的性质探究

插画艺术作为一种意识形态，其来源是人们长久以来的生活活动和生产活动，因而插画艺术具有历史性、意识性和实践性。

插画艺术作为一种发展历史悠久、应用范围广阔的艺术形态，具有经验性、实用性、传播性、经验性、主观性、商业性和全球性。

平面设计的概念探究

同插画艺术一样，平面设计也是视觉传达艺术的一种，这也是两者的交织点，都是为

了构建出更完美的视觉传播效果而衍生的一门艺术形态。在用途上，平面设计主要用途由=有纸质媒介、互联网络、广告标识等，具有浓烈的商业色彩和商业导向。

综上所述，平面设计是以二维平面为主要载体，依据设计者的主管意识将包括插画在内的多种视觉表现元素整合在一起进行编排设计，吸引受众的关注，使受众最终产生购买欲望和行动的视觉艺术形态。

本文主要论述的内容是插画艺术在平面设计中的应用，故此不占用更多的篇幅来论述平面设计的相关概念。

在平面设计中应用插画艺术的问题探究

在当今的平面设计中，插画艺术的应用还存在着或多或少的问题，使得平面设计没能

达到应有的视觉效果，甚至还起到了相当严重的反作用。

其一，平面设计者所应用的插画过于老旧，与时代脱节，陈腐气息浓重，这很容易使得受众对整个广告文案丧失继续阅读的兴趣，甚至造成受众对平面设计所宣传的产品产生反感。这就要求平面设计者使用时鲜的、贴近当下人民生活的插画，使整个平面设计更接地气，更容易引发受众的兴趣。

其二，平面设计者所应用的插画过于抽象，或者与文字没有关联，使受众很难获得想要在广告设计中想要获得的信息，这就使得整个广告文案过于文字化，丧失了插画原有的辅助功能。

其三，平面设计者所应用的插画内容过于低俗，更有甚者存在黄色、暴力等元素，直接违背了国家的法律法规。无论是平面设计还是插画艺术，都具有传播功能和社会影响力，因而也承担的着重要的道德责任和法律责任。有些平面设计片面的追求流浪量，使用低俗的插画，这不仅会拉低了整个平面设计的档次，影响所宣传的产品形象，更在社会上引起不良的思想影响，同时也践越了国家的法律法规，需要承担严重的法律责任。这就要求平面设计者在应用插画的过程中始终警醒自己，提高法律意识，坚决不使用任何违背法律规定和道德约束的插画。

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中图分类号：J506 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）03-0241-01

环境艺术设计是将艺术和科学相互融合的综合学科，是将精神和物质环境进行有效结合的艺术产物。人类归属于自然，并且能够运用自身的独立思维能力设计出人工的自然，艺术设计是表现原始自然和人工自然和谐的方式。个性化设计不同于一般的标新立异，而是通过对设计素材和环境的艺术加工创造出的独特美。个性化设计不能一味追求特立独行，更应追求艺术设计和周围环境的和谐。

一、环境艺术的概念及其特征

（一）环境艺术设计的基本概念

环境艺术设计是一门新兴的系统工程学科。阿纳森认为“环境艺术”是与环境相关的绘画、雕塑等艺术设计，这种理解方式无法真正体现环境艺术的本质，从广义上讲环境艺术体现在不同的层次上。环境艺术包含了城市和地区规划、建筑设计等公共空间设计，以及景观设计、雕塑、绘画等艺术作品设计和室内设计等。它涵盖了人类环境从宏观到微观的设计过程，也是一种人们生活的协调设计方式，对社会行为和人类行为具有引导作用，可以看成一门回归人类生存环境的综合艺术。

（二）环境艺术设计的基本特征

环境艺术设计不同于一般的艺术形式，它追求对人类生活环境的改善以及对审美需求的满足。现代环境艺术设计具有和谐性、整体性和特色性的艺术美，注重个体在整体中的核心地位，将环境因素作为艺术设计的重要条件，追求艺术设计和周围环境的和谐，以在不同的环境中设计出不同效果的艺术作品。现代环境艺术的基本特征有：现代环境艺术设计作为一门实用性的艺术形式，在其具备服务的同时，还需要在设计过程中注重人文性，以通过作品体现人的根本利益。现代艺术的不断发展和设计材料的多样化，为现代环境艺术设计多样性的发展提供了有利条件。现代艺术设计应该体现整体性的特点，具备科学、合理、统一的设计理念。

二、环境艺术设计的个性化问题

环境艺术设计的个性化问题是近几年艺术界讨论的热点，是对以往设计过程概念化、公式化、生搬硬套的反思。个性化设计需要设计者通过多年的设计实践，积累和总结设计经验，以此在设计实践的基础上形成自己的设计特色和设计风格。环境艺术设计的个性化是设计者在设计构思过程中对整体和局部的把握。个性化设计中带有设计者强烈的主观色彩，这种带有艺术色彩的设计能够激起人们的思想意识，给人们以文化和艺术的启迪。在环境艺术设计中为打破程序化、概念化的问题，人们开始探索已有个性化设计的创新点，重新认识个性化设计的作用和内涵。

（一）环境艺术设计个性化受到风格化的制约

现代环境艺术设计中设计者对室内设计的个性化创造不是个人浪漫主义的体现，而是设计者创造力和想象力的发挥，也是设计者追求新颖、独特，摆脱平庸的表现。设计师在众多设计构思中选择最佳的设计方案，也是综合考虑最大限度、合理利用设计空间的必要艺术手段，这种艺术方式来自设计者的勇敢探索，不同于一般的平庸设计。

（二）室内设计的个性化能提升空间使用功能

随着经济和科学技术的不断进步，环境艺术设计涉及的领域和内容也越来越广泛，要想在艺术设计中体现独到之处，更应该在设计中注重提升环境质量。在艺术设计中融入环境理念是环境设计健康发展的必要途径。环境艺术设计中需要满足不同层次人群的需求，室内设计中的空间使用功能和业主的个人爱好和阅历有一定的关系，设计过程中设计者应该根据业主的具体情况，制定科学合理的设计规划，充分利用各种有利条件进行室内设计。

（三）个性化设计体现了科学与艺术的统一

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杉本博司的《闪电原野》系列作品以有机物的组合结构以及原始形态为主题，流淌着奔放的动态和能量，影射着生命起源之时迸发出的第一个火花。更重要的是，这些作品以摄影为载体寄托了杉本博司对科学研究和实验的热情。他并未使用照相机，而是在暗房里将未曝光的胶片放到预先设计好的、能够产生不同电压电流的设备上，以创造出特殊的效果。

《概念形式》系列，体现了杉本博司对于数学模型拍摄的浓厚兴趣，这一系列的灵感来源于杜尚和曼·雷。杉本博司曾说：“这些19世纪石膏模型的纯粹形式和脆弱感令我痴迷。”《概念形式》将杉本

博司对时间概念的理解融入数学空间，勾勒出这一概念发展变迁的文化历程。

《影院》系列，“一个晚上，当我在美国自然历史博物馆拍照片的时候，忽然有一个想法，我问自己，如果把一整部电影在一张照片上拍摄出来会是什么样？我心里回答说，你会得到一张发光的帆布。为了能实现这个想法，我马上开始实验。一个下午我带着一架大画幅相机来到东部一个很便宜的电影院，电影一开始，我就打开大光圈按下快门。两个小时后电影结束时我闭上光圈并在当天晚上把这张底片冲洗出来，我想象中的画面猛的呈现在我眼前”（杉本博司）。这就是《影院》系列创作灵感的来源，整组照片每一张画面正中心都是一块方方正正的长方形，这块规整的长方形是一部完整电影的痕迹，是某段时间一种有形的记录，静静的屏幕和仍然残存一丝人体温度的座位，以及属于影院建筑中的一切，它们见证了时间的流逝。每件事当经历了时间的洗礼，身上就会承载无数的故事，而每一个故事都会或明显或不明显地改变着事物的本身。而影院就是这样一个有着无数故事的地方。

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    图片媒介经历了从照相到造相的发展。摄影家阿尔弗雷德?斯蒂格利茨、布勒松都是直接摄影,也就是没有对底片进行修饰,布勒松的“决定性的瞬间”更是用一种自然而然的抓拍方式获得影像。而新一代摄影家杰夫?沃尔、纽顿、大卫?霍克尼、布拉德?弗孔、斯科兰德都是“制造决定性瞬间”,通过摆拍或者拼贴的手法来制造图片,这种照相是用抓拍的方式寻找决定性的瞬间,是一种基于视觉美学的纯粹摄影。而造相是用摆拍的方式制造决定性的瞬间,是一种观念形态的实验摄影。现在的年轻艺术家普遍采取的是造相的方式,并且他们的摄影观更为开放。摄影带给我们一种新的视野,一张图片可以是艺术的,做图片的过程也可以是艺术的,展示图片的方式可以是艺术的,传播图片的方式也可以是艺术的。这种拓展了的摄影方式,也暗示着有修正的可能,新的摄影活动正是从这些可能性出发的。这种摄影之后的摄影是把摄影当做了一种文化生产,而这种文化生产的每一个环节都体现着个人意志与社会浅谈新媒体艺术的发展及问题文/段舜婕新媒体艺术是科学和技术的完美结合,通过数字化合成技术虚拟现实并重构世界,强调交互感应。现在有很多介入虚拟艺术的沉浸式作品,包括建筑、雕塑、绘画、剧院、电影、摄影,甚至全景图或幻景这类历史性图像媒体。数字艺术能够深入地发掘和延伸图像潜在的美学价值。虽然还存在这样或那样的问题,但也正是由于这样或那样的不确定性,才使艺术创作有了更为广阔自由的发展空间。影视传播心理的共同作用。从媒介形态的角度看,当代摄影活动的分布还是很广的,它分布在传统的图片印刷品上,也分布在美术馆空间中,既成为了图片装置,又与行为艺术结合而成为摄影行为,进入社会空间。虚拟空间中的摄影活动,则成为摄影的最新游戏场所。

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二、公共艺术的概念及发展现状

（一）公共艺术的基本概念

我们通常所说的公共艺术实际上就是指在公共场所用来向人们传递艺术内涵的一些艺术品，公共艺术所包含的种类有很多，比如说雕像、喷泉、城市标志、纪念碑以及美术作品等。除此之外，一些现代化的媒体作品，如摄影、装饰品、观赏物、拼图等也可以作为公共艺术。公共艺术最先在20世纪60年代起源于美国，在起始阶段，人们主要将相关的艺术品放置在美术馆中进行展览，然后在相关政策的扶持下才开始在公共空地上进行展示，长久发展下去就逐渐形成了公共艺术。同其他的艺术形式一样，公共艺术同样能够给人们带来极大的视觉盛宴，通过其本身的艺术形态使人们的艺术内涵在潜意识中得到升华。但是当下许多人单纯地认为公共艺术只是一种装饰品或者艺术展览品，这种观点明显是不全面的，公共艺术除了能够作为装饰物以及艺术展览品，同时还可以依靠其优美的物质形态进行人文艺术的表达。在现阶段的城市建设过程中，公共艺术在城市中的应用和发展主要用来进行城市文化的宣传以及公共精神、集体合作精神的传播，公共艺术在一定程度上可以说是与城市的发展共同进步、共同成长。

（二）我国城市公共艺术的发展现状

随着人们对城市文化建设重视程度的不断加深，公共艺术也逐步受到人们的重视，城市文化建设过程中公共艺术的应用范围变得越来越广，公共艺术在城市发展过程中呈现出一种从无到有、从少到多以及从粗到精的趋势，并且越来越多的城市开始研究和开发自身独特的公共艺术，从而最大程度地体现自身的艺术特色以及城市魅力。相对于之前公共艺术只是作为个人行为的现状，现阶段城市发展中的公共艺术逐渐被大众人民接受和传承，公共艺术中参与的人越来越多，并且其性质逐渐由早期的商业性和实用性转变为人文性以及文化性。公众群众通过对公共艺术的分析和研究，其审美水平得到极大地提高，城市的公共艺术建设及发展取得了长足的进步。然而，我们在认识到公共艺术带来的优点的同时也应该正视其发展过程中存在的弊端。虽然公共艺术在当下的城市建设中其发展速度以及形式都得到极大地改善与转变，但在这一过程中越来越多的粗制滥造、抄袭模仿的公共艺术开始出现在城市的各个角落，这些低劣公共艺术产品的出现与城市的文化发展不相协调，从而严重影响了城市的文化建设。公共艺术与城市文化建设不协调的原因一方面是由于城市的经济发展水平不足，公共艺术在发展的过程中需要一定的经济基础作为保障，经济水平的不足在很大程度上会阻滞公共艺术的发展；另一方面，部分城市对公共艺术建设及发展的意识不够清晰也会成为公共艺术发展的阻碍。城市规划者对公共艺术建设和发展的意识不足容易造成城市发展中所使用的公共艺术大多是模仿以及复制所得的，城市居民对公共艺术的形成及发展没有参与权，造成城市公共艺术发展滞后的现状。

三、我国城市公共艺术发展中存在的问题

（一）我国城市公共艺术在发展过程中容易出现不均衡的状态

通过工作人员的研究和调查我们可以知道，城市公共艺术发展过程中的首要问题就是其发展存在不均衡的状态，城市公共艺术发展不均衡可以分为地域发展不均衡、自身发展不均衡两个方面。城市公共艺术地域发展不均衡主要是指各个城市之间的公共艺术在经济水平以及其他因素的影响下发展程度各不相同，一些城市的公共艺术比较新颖和时尚，能够作为城市的亮点体现城市的特色及艺术魅力，而一些城市的公共艺术的发展程度却比较薄弱，对城市本身的文化建设以及经济发展难以起到促进作用。另外，公共艺术的地域发展不均衡主要表现为其主要在地级市中推广和发展，在一些县城或者乡镇渗入和发展程度都比较小。第二，城市公共艺术自身发展不均衡主要体现在现阶段的公共艺术建设主要通过环境建设来实现，对公厕、城市标志等基础设施的建设和重视程度不足，造成城市公共艺术发展过程中缺乏统一性和全面性。

（二）城市公共艺术在发展过程中缺乏规范性以及系统的规划和指导

城市公共艺术发展过程中需要有科学规范的规划和指导，通过短期目标以及长期目标等的确立来逐步实现公共艺术的全面建设和发展，但同时要注意其短期目标和长期目标的共同目的都是实现城市公共艺术的全面发展。但是在现阶段的城市公共艺术发展过程中，城市领导者并没有对其进行规范系统的规划和指导，造成其在发展过程中缺乏统一的管理，公共艺术发展及建设的过程中艺术性和科学性严重缺乏。即使一些城市建立了相应的体系作为公共艺术发展的指导，但是在实际的发展过程中并没有得到贯彻实施，城市公共艺术发展中缺少规范系统的规划和指导也造成了粗制滥造、抄袭模仿现象的出现，使城市的公共艺术发展存在种种不足。

（三）城市公共艺术发展过程中公众的参与积极性不高

城市公共艺术的发展需要人民大众的广泛参与，并且其与大众的生活、学习以及工作息息相关。但是目前城市的大众在公共艺术发展过程中却没有清楚地认识到公共艺术的重要性，对公共艺术建设和发展的参与积极性不高，再加上部分群众的审美能力以及文化修养不足，即使参与到公共艺术的建设和发展中来也很难取得预期的效果，对城市公共艺术的发展并没有起到明显的推动作用。

四、如何促进我国城市公共艺术的发展

（一）城市公共艺术发展的过程中应该充分应用当地的人才资源

一个城市公共艺术发展的最重要保障就是具有充足的人才资源，这也是实现公共艺术发展的决定性因素。但是从我国整体上分析我们不难发现，我国目前优秀的公共艺术人才相对于国外来说并不充分，在实现公共艺术发展的过程中往往存在一定的阻碍。因此，城市文化建设者在进行公共艺术发展的过程中应该充分应用当地的人才资源。首先，公共艺术发展过程中应该通过举办学术交流或者艺术培训的方式为众多的公共艺术人才提供一个交流的平台，通过相互之间的交流学习取长补短，对当地的公共艺术建设和发展起到完善和推动的作用，并且还应该鼓励当地公共艺术人才加强对其他城市人才之间的交流和合作，通过相互之间的切磋完善自身的创作能力，从而更好地服务于本地公共艺术的发展。其次，城市相关部门应该加强对公共艺术人才的培养，在平常的生活中多给他们提供锻炼和提升的机会。比如说一些城市的艺术学院中专门培养公共艺术的人才，对于这些在校学习的学生，学校可以通过设计比赛的形式锻炼学生进行公共艺术设计的能力，比赛过程中一些优秀的作品也可以直接在实际的公共艺术发展中进行推广和应用。这种策略不仅能够通过锻炼提高学生的设计能力，使之在以后的城市公共艺术发展中贡献自己的一份力量，同时本地的学生对自身文化了解更深的优势也决定了其公共艺术的设计更能与本地文化相结合，设计出的公共艺术更能体现城市的艺术特色，彰显城市的文化魅力。

（二）城市公共艺术的发展应与城市的规划相结合

城市公共艺术在发展过程中与城市的规划相结合能够保证公共艺术实现与城市生活的紧密结合，更能体现城市的发展现状以及艺术特色。比如说在河北邯郸的公共艺术建设和发展过程中，其主要就是在城市规划以及设计的基础上发展而来的，并且通过与城市规划的结合形成了一套“六区、九带、多节点”的发展布局。相对于普通的公共艺术发展格局而言，这种发展局部更加全面地实现了邯郸公共艺术的发展。除此之外，公共艺术在发展的过程中还应该综合考虑城市的生态文明建设，在保护城市环境的基础上发展城市的公共艺术。

（三）城市公共艺术发展过程中应该深入挖掘其本身的传统文化

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在一般意义上，博物馆具有收藏、研究、展览和教育等多元社会职能。在这些不同社会职能中，为教育服务是其最终目的。①随着近年来社会整体对于文化认识的不断提升，博物馆在公共教育方面的职能表现得更为突出，博物馆的公开展览和随之产生的文化、审美体验已成为当代公共艺术教育的重要方式之一。许多博物馆尝试通过举办更多更丰富的展览，开展公益讲座、亲子活动、座谈交流、印制教材等形式多样的活动，吸引更多的观众近距离地参与到博物馆的公共艺术教育活动之中。因此，博物馆各种教育资源也正在被不断挖掘，而在一系列展品资源之外，还有可利用的文化资源即庞大的衍生品资源，本文试从博物馆衍生品的的基本概念、国内外博物馆衍生品发展的情况以及博物馆衍生品作为博物馆艺术教育资源等方面加以分析和阐述。

一、博物馆衍生品概念阐释

“博物馆衍生品”是近年来出现的一个新的概念，虽然目前对于博物馆衍生品尚没有确切公认的定义，然而，博物馆衍生品是以馆藏文物或外来展品为基础，通过对原作形式进行再创作所产生的新的产品，其在内容、表现形式、主题思想等方面与原作有着密切的联系，又因其同时具有艺术性和纪念性，因此兼具商品性。②

目前，世界上大多数博物馆都开发有艺术衍生品。特别是在旅游业日趋火爆的今天，我国各类博物馆也都在积极开发相应馆内藏品或展品的艺术衍生品，各个博物馆内都有艺术品商店，衍生品种类也十分丰富。目前所看到的大致有以下各类：复仿品类、日常用品类、出版物类、纪念品类以及饰品类。

1.复仿品类

复仿品类衍生品多是高精度复制、仿制展品的艺术品。复制类衍生品最大的特点就是高近似度地复制原作，从研究和观摩角度来说，其清晰度和观赏性方面有时会胜过原作。例如，美术出版界家喻户晓的日本二玄社复制的历代中国国宝级书画，就显现出精微的还原能力、高超的制作水平。

仿制类衍生品制作要求没有复制品那样严格，有些只是复制原作的局部。如印刷画片、热版画，将原作进行等比例缩印，衍化成了精美摆设品。

2.日常用品类

日常用品类衍生品几乎包括了日常生活中的方方面面，最常见的有服装、丝巾、背包、冰箱贴、茶杯垫、钥匙扣、U盘、文具盒、书签、便签本……种类庞杂并且设计空间极大，设计者可以从馆内文物藏品或展品中直接提取出设计元素，巧妙地附加在一些日常用品上，既赋予了普通物品文化艺术信息，又令观众易于接受。这类产品也是最接近普通商品的艺术衍生品。

3.出版物类

出版物类衍生品多指出版印刷的展览画册、明信片、光盘等。一般会附带展品信息的介绍和说明文字。出版类衍生品通常具有文献性、记录性和媒体传播性。

4.纪念品类

纪念品类衍生品是针对原作或与原作相关的某一场合或事件制作的衍生品，通常具有很强的主题性，限量性。例如，为博物馆建馆周年庆或者大型展览周年庆设计制作的徽章、工艺品等。

5.饰品类

饰品类衍生品是将馆内展品内容体现在项链、戒指等佩带装饰物上，或者直接仿制著名画作、雕塑中人物佩戴的首饰。但目前国内博物馆衍生品在此类衍生品方面的开发还比较少。

二、博物馆衍生品的社会认知状况

笔者近期在首都博物馆和中华世纪坛、世界艺术馆等地针对不同的看展人群做了一份对于衍生品认识情况的调查问卷③，结果显示，很多观众目前对“博物馆衍生品”这个概念尚十分陌生，只有少数人曾在博物馆内购买过相关文化产品，这部分看展人群中的78%倾向于购买博物馆衍生品中的徽章、书籍、明信片等；倾向购买具有实用性的日常用品、饰品类的人较少，只占到22%。从这些现象可以看出，大多数观众对于衍生品的认识仅停留在旅游纪念品的概念上。观众认识不够的原因首先是目前博物馆展示给观众的衍生品有一定局限性，再就是价格昂贵的高仿瓷器、书画，这些衍生品的相对单调导致难以激发多数观众的购买欲望。其次，博物馆对文化衍生品的宣传也不到位。

在调查中，79%的观众认为文化产品的开发是有必要的，认为开发博物馆衍生品更有利于文化的传播；91%的观众认为目前国内博物馆衍生品并不理想。其中有很多观众还为衍生品的开发提出了建议。

从以上可知，在一些观众眼中，博物馆衍生品在少儿教育、提升公众文化审美水平的过程中是可以发挥作用的。目前国家对于博物馆衍生品的开发也十分重视。2009年我国国家文物局在北京组织召开了全国博物馆文化产品开发工作座谈会。全国各大博物馆都参与了会议。会上，中国博物馆学会向全国博物馆发出了《关于加强博物馆文化产品开发倡议书》。如今，各大博物馆也已经意识到衍生品在博物馆附属功能当中能够发挥的重要作用，国家博物馆、故宫博物院、首都博物馆等都已将博物馆文化产品的进一步开发提上日程。全新亮相的国家博物馆计划将文物的衍生品做到世界一流的水平，国博馆长吕章申预言，未来国家博物馆文化属性的延伸将是的四五倍……并希望能通过衍生品达到“无处不历史，无处不艺术，无处不学术”的文化教育理念。④

三、博物馆衍生品对公共艺术教育的积极作用

让公众亲近文化艺术，让文化艺术走近群众，是当今博物馆肩负的重要使命。如今，博物馆逐渐从以往单调的展览展示性质中脱离，开始走向更加多元化的博物馆公共空间，公众的文化艺术教育成为博物馆发展的重要目标之一。博物馆衍生品作为一种依托文物展品资源而产生的文化产品，恰恰能在传播和弘扬传统文化的过程中、在文化教育和艺术体验中发挥独特的作用。因此，综合博物馆衍生品在公共艺术教育中的积极作用，突出体现在以下三个方面。

1.可拓展体验式教育

从展品的艺术观赏形式来看，博物馆内的展品往往是隔着玻璃，很难让观众真切体验到展品的形式和质感，观众对绝大多数展品的欣赏和理解，仅仅停留在讲解员口头介绍的层面上。例如对于中国古代书画或小件器物的欣赏，不近距离观看很难观察旧时的纸墨以及艺术家的独到之处，而传统意义上对于书画或小件器物的欣赏，却恰恰是要在手中把玩时有所体验。在这一点上，复制品就能够帮助人们还原艺术品的传统欣赏形式，零距离体验艺术品的美感价值，故宫书画部一位专家曾指出，有很多书画复制品的清晰度甚至比原作更胜一筹。

近年来，国外很多博物馆也在不断增加对于展品的体验项目，如在日本的一些博物馆，就在普及古时衣装穿着的体验活动，博物馆工作人员根据对古代服饰的研究，制作了相类似的装束，可以让观众试穿。这些衣服有传统贵族服饰、佛教衣装，等等。这种方式不仅抓住了观众的好奇心，也真正做到了寓教于乐，让很多观众很快理解掌握了过去衣物的穿着讲究和穿着方法。⑤

2.可推动生活化教育

目前，国内多数观众对于博物馆的教育职能范围的认识，多是从博物馆举办的展览讲解、讲座，或是针对少年儿童的亲子活动和手工体验课程等活动中获得。而事实上，人们对于文化艺术的接受，并不单单通过口头讲解或视觉观赏。听讲座往往是灌输式的受教过程；看展览以及手工体验课也毕竟是短暂性的感官接触，观众在这些过程中多属于被动式接受。笔者认为，直接教育是普遍方式，而日常生活里的耳濡目染，同样可以起到重要的作用。在博物馆开发的展览衍生品中，有许多常见的生活用品，比如笔记本、手机链、手表、口杯等等，这些用品经过精心设计，使之包含了文物信息和文化含义，人们在日常使用的过程，也可以说是文化体验的过程。例如，中国博物院将乾隆八玺中的“宜子孙”印跟珊瑚、钻石结合，做成珠宝吊坠，既好看，又有中国传统延泽后代的吉祥含义。时下流行的iphone手机，由与SIPALS⑥公司合作开发了系列青花图案、王羲之《兰亭序》行书纹样硅胶手机套，让使用现代科技的人们，无论走到哪里都能感受到典雅的元明青花缠枝、充满隐士味道的魏晋文人曲水流觞、吟诗作赋的文化乐趣。

3.可拓宽观展受众群

进入现代社会以来，博物馆的受众群体的范围在不断拓宽，从过去仅仅提供给少数人群的展览到免费开放面向更多的观众，博物馆逐渐成为了除学校之外的另一种教育机构。而实际上目前多数社会公众对于博物馆的教育认知仍不全面，很多人还未认识到博物馆的文化教育功能。在国外，很多博物馆研究人员如今已经不仅仅单纯讨论博物馆所发挥的教育职能，对于观众群体的进一步扩大也成为很多博物馆人员所要研究的课题。

随着人们物质生活水平的不断提升，普通人对于生活的艺术化、审美化都有了不同程度的追求。博物馆大量文物藏品的展出可以调动起观众欣赏和学习文化艺术的热情，越来越多的观众在了解展品信息后，希望能够通过拍照等方式将其永久保存，此时，博物馆更需要架构起展品与百姓需求之间的桥梁。而博物馆衍生品就可以起到这个作用，它可以拥有比博物馆展品本身更能够满足当今人们内心需求的效应，因为过去只有少数人能够收藏珍贵的艺术品，如今博物馆的衍生品却可以走进平民百姓的家中，并且它是能够将艺术原作的价值最大化释放的极佳工具。这些由博物馆文物衍生出的文化产品，其艺术内涵能够加深观众对于展品信息的认知，也因为它具有的实用功能使得人们能够在身边随时使用，既可以传播文化，也可以吸引更多的观众走进博物馆，成为博物馆的常客，从而有利于帮助博物馆拓宽来馆参观的观众群体。例如，在博物院，工作人员直接把衍生品售卖处设置在展厅的最后部，使其成为展览的一部分，从而使礼品商店成为每位游客参展的必经之地。同时建立起礼品销售互联网，观众可以通过网站订购其产品。这些服务的层面不仅让衍生品拥有的文化价值能够最大化得到扩展，而且扩大了博物馆自身的影响力，同时，因其售卖方式的灵活性，在很大程度上也拓宽了观众群，从而拓宽了文化普及的范围。

综上所述，博物馆衍生品作为一种从展品直接派生出来的文化产品，能够帮助人们随时接受潜在的文化熏陶，也能够辅助博物馆进一步履行艺术教育的职能。事实上，文化修养的提升往往是一个潜移默化的过程。博物馆衍生品不单单是保留了传统文化，其本身也是经过再加工而生成的艺术品。当日常用品也具有了文化的内涵，就会产生所谓的“生活美学”。在生活中时刻体验博物馆传统文化，也必然接受了博物馆的隐性教育。

同时，以提高广大群众的文化素质和艺术修养为出发点，以体验与赏鉴、娱乐与学习相结合的、多管齐下的方式为教育手段，应该是每个博物馆的文化教育宗旨。而博物馆所拥有的丰富资源如何能够得到充分挖掘，如何能够进一步利用文物展品丰富公众的精神生活，仍然是博物馆的一项长期的工作。博物馆展览衍生品作为一种文化商品，不仅能够成为博物馆的融资新渠道，还可以有效地传播博物馆展览文化信息，提升博物馆自身形象，推动文化普及，从而进一步提高受众对于文化艺术的认知。而优秀的博物馆衍生品甚至可以成为某件文物，甚至整个博物馆的形象标识。

因此，在教育多元化、教育手段多样化的今天，博物馆衍生品作为一种将文物展品的文化艺术属性进一步延伸的艺术品，能够辅助博物馆的公共文化艺术教育，成为公共艺术教育的一种资源，同时也能够为博物馆自身带来利益。相信随着各博物馆对衍生品的进一步开发，未来会更加彰显出它对于公共艺术教育的作用。

注释：

①丁新豹.博物馆与历史教学.香港历史博物馆刊物专题文章，2006.

②依据来源：笔者结合化学衍生品与金融衍生品的学术定义，以及文化创意产业概念所综合推衍出的定义。

③笔者于2010年在故宫博物院、首都博物馆、中华世纪坛三地针对展厅观众做“博物馆衍生品公众认知情况”问卷调查，对象人群有在校学生、高校教师、公司白领、文化学者、少儿家长等。

④段泽林.中国国家博物馆将全新亮相[DB/OL].省略/xinwen/content/2010-12/22/content_727679_2.htm， 2010―12―21.

⑤桥村爱子.2010年日本博物馆、美术馆的社会公共教育――现状与未来之展望[J].张雅静，译.美术观察2011（2）：15.

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中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312在进行公共空间设计中，首先应该了解和色彩有着密切联系的几个问题：空间的方位，不同方位在自然光线的作用下的色彩不同，冷暖感有差别，因此可以通过色彩来进行调整。空间的大小、形式。色彩可以按不同空间的大小、形式来进一步强调或者消减。空间陈设品的使用。不同的陈设品的使用，如：会议室、病房、娱乐场所等显然在考虑色彩的要求、性格的体现、气氛的形成各不相同。使用空间的用途，空间的使用用途不同，色彩使用的选择上也有所不同。

在符合色彩的功能要求原则下，才可以充分发挥色彩在公共空间设计中遵循的规律。

一、色彩设计的整体统一的规律

在公共空间设计中，各种色彩相互作用与空间中，和谐与对比是最根本的关系，如何恰如其分地处理这种关系式创造室内空间的气氛关键。色调一般可归纳为同类色调、邻近色调、对比色调等，在使用时可根据环境的不同灵活运用。在公共空间设计时，首先要考虑空间的主色调，色彩的主色调在渲染室内氛围中起主导作用。

（一）色彩的重复和呼应

将同一色彩用到关键的部位上去，就会使其成为控制整个公共空间的关键色。同时也能使色彩之间相互联系，形成一个多样统一的整体，色彩上取得彼此呼应的关系，才能取得视觉上的联系和唤起视觉的运动。

（二）色彩的对比

色彩由于相互对比而得到加强，公共空间一旦有了对比色的存在，其它色彩退居次要地位，人们的视觉很快就集中在对比色上，通过对比，各色的色彩更加鲜明无论采取何种加强色彩的力量和方法，其目的就是为了达到公共空间的同一和协调，而非加强色彩的孤立。

二、公共设计中的色彩表现

（一）空间色彩的个性

公共空间设计艺术和其它艺术形式一样百花齐放，它是科技和艺术的完美结合，优秀是设计必须别开生面具有独到之处。公共空间的设计色彩的个性讲究的醒目。如何创造色彩的个性是摆在现代设计师面前的一个重要问题。

（二）公共空间色彩搭配

当人走到一个公共空间时，给人的第一个印象就是色彩，在公共空间装修中，色彩是嘴容易出效果的、最不可缺少的一个元素、色彩运用恰当、搭配合理的空间，比起单纯用贵重材料堆砌的空间更让人赏析悦目。千变万化的色彩是经过组织和调整出来的。

三、公共空间色彩的基本要求

（一）色彩的协调问题

室内色彩的根本问题是配色问题，这是公共空间色彩效果优劣的关键，孤立地颜色无所谓美或者不美，就这个意义上说颜色之间没有高低贵贱之分，只有不恰当的颜色，而没有不可用的颜色。色彩的协调的基本概念是由白光光谱的颜色，按其波长从紫和红得排列，这些纯色彼此协调，在纯色中加进行等量的黑或白所区分出的颜色也是协调的，但不等量时就不协调。在色环上处于相对地位并形成一对补色的那些色相是协调的，将色环三等分，造成一种特别和谐的组合。色彩的近似协调和对比协调在公共空间色彩设计中都是需要的，近似协调固然能给人以统一和谐的平静感觉。但对比协调在色彩之间的对立、冲突所构成的和谐和关系却更能动人心魄，关键在于正确处理和运用色彩的统一与变化规律。和谐就是秩序。

（二）色彩构图

色彩在公共空间构图中常可以发挥特别的作用。色彩可以使人对某个物体引起注意，充分发挥室内色彩对空间的美化作用，正确处理协调和对比、统一与变化、主体与背景的关系。在进行室内色彩设计时，首先要定好空间色彩的主色调。色彩的主色调在室内气氛中起主导、陪衬、烘托的作用。形成公共空间色彩的主色调的因素很多，主要有室内色彩的明度、色度、纯度和对比度，其次要处理好统一与变化的关系，要求在统一的基础上求变化，这样，容易取得良好的效果。为了取得统一又有变化的效果，大面积的色块可适当提高色彩的明度和纯度。此外，室内色彩设计要体现稳定感，常采用上轻下重的色系室内色彩的起伏变化，应形成一定的韵律和节奏感，注重色彩的规律性，否则就会使空间变得杂乱无章，成为败笔。

色彩在公共空间设计中是不可或缺的，它不仅仅是公共空间设计中的一个重要角色，更会使人对环境产生不同的审美感觉。由此可见，色彩是公共空间设计中的不可缺少的重要元素。

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(一)广告发展的历史

在广告学所涉及到的研究领域，要对广告产生、发展和演变的历史过程中每一阶段广告现象进行剖析，以探索广告发展的历史必然性。

(二)广告人与广告人培养

广告学要对广告活动中的主体策划者，即广告人的问题进行研究。广告人在广告业中存在了上百年时间，对于广告人的界定、广告人的素质分析和广告人的培养，都与广告发展紧密相联，也是广告学科进一步完善的重要问题。

(三)广告组织

广告组织是进行广告活动的职能性部门和职业性机构的统称。广告组织的性质、设置的必要性和内部运行机制，对于广告活动的开展都会产生直接的影响。如何规范广告组织，使其更好地适应广告活动，为广告学研究的重要课题之一。

(四)广告计划

广告活动的有序化开展，直接依赖于广告活动的计划情况。基于广告调查围绕广告目标所制定的广告计划是广告活动的前提保证，又是检验广告成功与否的标准和依据。界定广告计划的内容和范围，成为广告学必不可少的内容。

(五)广告策略

广告策略具体包括广告定位、广告创意、广告文案。这是广告表现中的核心与灵魂。这些问题在广告学的大学科范围，都以重要专题形式加以研究。

(六)广告媒介

广告是一种传播信息的活动，在传播时；不同媒介的优缺点以及对社会公众的影响力，会对广告效果产生很重要的影响。广告媒介分析研究，就是指对各种大众传播进行分析，以根据不同媒介的特点，选择相应的媒介或媒介组合策略，有效地传播特定的广告内容。

(七)广告管理法规

广告作为一种经济活动、传播活动，必须遵循相应的法律法规。这既对广告活动本身是约束，又是对广告活动行为合法的正当保护。在世界范围内，各个国家都陆续制定了广告法规，从宏观上管理国家的广告行为。我国也于1995年正式实施广告法，从而使广告管理活动有章可循、有法可依。各国广告管理法规在内容规定上不尽相同，但在具体规定上许多是具有相互借鉴意义的。

二、广告学的性质

广告学是从20世纪初开始出现的一门边缘科学，是一门既涵有社会科学，又涵有自然科学性质和心理科学性质的综合性的独立学科。在对广告学与经济学；市场学、，管理学、美学、心理学、公共关系学、文学艺术等的既联系又独立的分析中，可以勾画出广告学性质的轮廓。

(一)广告学与经济学和市场学

广告学是市场经济发展到一定阶段的产物，广告学随着市场经济的发展而不断完善与成熟。经济学和市场学中揭示的许多规律，广告活动照样适用，也必须遵守。广告现象又是市场经济中存在的重要现象，它服务于市场经济，推动着市场经济的发展。经济学和市场学的研究成果可直接用于广告学，而广告学理论的发展又影响到经济学和市场学的理论演变，每一次广告学理论的突破都对社会经济产生了重大影响，促使经济学和市场学对新问题、新现象的研究。

(二)广告学与传播学

广告学与传播学的联系最为密切，甚至在许多研究成果中，都把广告学视为传播学的一个重要组成部分。但是，广告学不同于传播学。第一，广告学以广告现象为自己研究的出发点，传播学以信息传播为自己研究的出发点。广告的目的是通过传播广告信息而诱导社会公众，传播学中信息传递的目的是与公众进行交流。第二，广告的媒体是大众传播媒介；而传播的媒体既可以是大众传播媒介，也可以是自身传播媒介和组织传播媒介。第三，广告讲究突出重点信息，强化形象，可以采用多种艺术形式进行形象塑造和文案设计；传播讲究的是信息的完整性、准确性。第四，广告追求广告效果，注重投入产出效应；而传播追求的是信息到位。第五，在约束机制上，广告信息传播受到广告法规的限制和保护，广告信息一旦失真、失误要受法律制裁；一般的信息传播大多不受到什么约束，即使失真、失误往往并不负任何责任，法律也并不追究。

(三)广告学与管理学

广告活动作为一种社会活动、经济活动和传播活动的综合，在其活动中必然要求以管理行为来计划、组织、指挥、协调和控制。广告学借助于管理学的理论和方法指导广告工作，以达到完善广告学的理论体系并指导广告实务。

(四)广告学与心理学

广告作为说服社会公众的艺术，它与心理学有着密切的关系。心理学提供了人的心理构成的机理和心理活动的特点和性质，广告借助于心理学的理论和规律才能达到说服的目的。一则广告从确立主题、构思内容到选择媒介，无不体现广告学与心理学的结合。甚至一则广告的版面设计、文字语言多少、辞义准确度、刊播媒体、背景材料等，都要求心理学理论体现于其中。

(五)广告学与美学、文学和艺术

广告要利用各种文学和艺术手段来达到广告的目的，它与文学和艺术有着不可分割的关系。文学、艺术可以通过其特有的形式去影响、传达、感染，甚至支配人们的感情，有时乃至改变着人的观念和行为。广告作为一种特殊意义的艺术形式，正在吸收美学、文学和艺术的理论方法，逐步形成自己独特的艺术方式和规律，不断推动广告美学理论、广告艺术和广告活动的发展。

(六)广告学与公共关系学

在现代信息社会中，广告和公共关系都是运用一定的传播媒介，宣传自身、树立形象。广告学与公共关系学既相互联系又有一定区别，各自具有本学科存在的质的差异性和规定性。

1．广告学与公共关系学的差异

首先，广告学与公共关系学出现的先后时间不同。广告学先于公共关系学而成熟和系统化。广告学产生于20世纪初，是随着商品经济的发展和心理学已由普通理论向实验阶段转变而产生，并受到传播手段多样化和现代化趋势的直接推动。而公共关系学作为一门学科是在20世纪20年代后随着经济领域高度社会化和商品化、政治领域和文化传播手段现代化的发展而形成。广告学的产生和发展推动了公共关系学的形成和发展。其次，广告以树立产品形象为核心，目的在于促进产品销售。而公共关系学以树立组织形象；提高组织知名度和美誉度为核心，目的在于树立组织的整体形象。最后，广告一般是一种单向式的传递诉求信息，以影响人们的观念和行为。而公共关系活动是呈全方位和双向沟通模式，充分显示组织的宗旨、实力、信誉和社会责任，造成一种全面的社会舆论，影响公众，使其对组织产生良好的总体印象。

2．广告学与公共关系学的联系

在现代社会中，广告学与公共关系学出现了诸多领域的融合与交叉。首先，公共关系必须在许多时候利用广告的形式来宣传自身，树立自己的形象，广告也在不断地吸收公共关系的思想来调整、修正、完善传统的广告活动。传统的广告往往直接诉求自己产品信息，而现代广告则开始以树立产品的形象为侧重点。其次，公共关系和广告在传播组织信息时，是从不同角度传递给公认有关组织的不同信息，但目的都是为组织整体目标服务，从而树立组织及产品服务的完整形象。最后，广告学与公共关系学出现融合趋势。

三、广告学的学科任务

广告学作为一个独立的学科，其学科任务有以下几个方面：

(一)广告学应该以探索框架我国社会主义市场经济下广告法律

广告学的首要任务，就是立足于我国国内实际，基于我国现有的经济发展水平，注重我国民族文化实际，探索适合我国现阶段和未来一段历史时期里广告活动的规律，框架符合于我国国情的能够行之有效的广告学体系。

(二)规范广告基本概念和范畴界定广告理论内在逻辑

在我国目前广告活动中，对于广告和广告学中诸多的基本概念和范畴，常常众说纷纭，在广告理论的内在逻辑的界定上，往往各执一辞。在广告实务中，大量存在着“重视觉设计、轻文案创意”的现象，似乎广告活动就是色彩、点、线、面的问题。因此，这些问题的根本解决，必须使广告学成为一门有严格概念、范畴和严谨理论逻辑的学科，以科学化的理论规范广告行为，从而使广告理论和实务达到有序化和规范化。

(三)抽象成功广告案例和优秀广告艺术

广告学是一门实践性、操作性极强的学科，广告学应该时刻注意广告活动实务，从广告实践中抽象、概括和归纳出具有对实践指导意义的广告理论。在广告学的研究上，我们要做到既要宏扬民族文化，挖掘传统文化中优秀的广告表现方法和技巧，又要积极学习国外成功的广告经验和理论。

(四)从理论上指导广告实务提高广告事业的水平

自从改革开放以来，我国的广告业和其他行业一样，也得到了迅速发展。从总体上看，目前从事广告经营活动的广告创作和主创人员，在综合知识背景上、技能素质上，尤其是对于现代广告理论的掌握上，常常显得力不从心。这必然限制了我国广告业的发展。改变广告界现存的人员素质较差、广告水平较低的现状，应该成为广告学的任务之一。

总之，广告学的学科任务应该是在立足于我国国情的基础上，从广告活动的现实出发，吸收各种成功的广告经验和理论，规范广告学的概念和范畴，完善广告理论体系；探索在我国现阶段和未来一段时期里行之有效的广告规律；推动我国广告事业的发展，促进我国的经济繁荣。

三、 广告学的研究方法

根据广告学自身的性质 ，在学习和研究广告学的过程中，应该采用以下几种方法：

(一)比较借鉴法

所谓比较借鉴法师把广告学的概念、范畴以及相关的广告理论，进行比较性研究 。借鉴成功的广告和广告思想从而探索出规律性认识的方法。

(二)具象观察评析法

具体观察评析法，就是要对自己所见所谓的广告做到捉摸一番、思考一下分析其优与劣，成功与失误，提出自己的观点和见解，不断积累自己对广告的感性认识。

(三)定性与定量结合法

在广告活动和广告理论中，应该在广告的确定与评析上，学会运用定量化的内容来界定其确定性。要把统计的方法应用于广告之中。坚持定性与定量相结合的方法，就是要尊重广告效果客观事实，尊重社会公众认可标准的观念。

(四)理论与实际操作结合法

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杉本博司于1948年出生于日本东京。30多年以来，他一直被定义为跨学科的当代艺术家。他模糊了许多艺术形式的边界，比如：摄影、绘画、装置，最近他又开始对建筑进行探讨。他的摄影代表作品一路追溯着时间的起源与社会进步，在东西方的不同意识形态间搭建了一座桥梁。1975年，杉本博司开始摸索戴维·艾略特在他的散文《无穷的表面》所描述的“艺术家作品发展源头的三元基础流派”。杉本博司的摄影作品也基于三个基础系列：立体模型、剧院和海景，它们被时间的力量启动并相互连接在一起。不管是转瞬即逝、深邃凝重，还是遁空无形，杉本博司作品的主题终究离不开时间这一基本概念。

凭借对银版印刷制作的敏锐理解，杉本博司成功地诠释了黑、白、灰三种色调所蕴含的全部潜能。他的摄影作品在东方和西方意识形态中架起了一座桥梁，一路探寻时间起源和社会发展的脚步。杉本博司通过自己对明胶卤化银媒介的理解与应用，将这种材质的特有属性融入艺术的表现过程中，最终在这种媒介上仅通过黑、白、灰三种基本色系就呈现出了自然色调所蕴含的全部潜能。

杉本博司的最新系列作品《闪电原野》以有机物的组合结构以及原始形态为主题，流淌着奔放的动态和能量，影射着生命起源之时迸发出的第一个火花。更重要的是，这些作品以摄影为载体寄托了杉本博司对科学研究和实验的热情。他并未使用照相机，而是在暗房里将未曝光的胶片放到预先设计好的、能够产生不同电压电流的设备上，以创造出特殊的效果。