艺术与审美的关系模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇艺术与审美的关系，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

中图分类号：J702 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）12-0137-01

身体作为舞蹈艺术的载体，在舞蹈艺术发展中扮演着重要的角色，舞蹈不仅可以通过身体表达情感，还可以展现人与自然、人与人之间的冲突和矛盾。同时舞蹈艺术的发展与其所处的政治、经济、文化环境等有着密不可分的关系。由此可见，针对舞蹈艺术与身体的审美关系进行研究，有着重要的现实价值。

一、舞蹈艺术的身体审美特点

（一）舞蹈以身体为载体。舞蹈是通过身体形态来完成艺术创造的，借助一定的韵律以及节奏，表达舞蹈想要传达的思想感情。在情感表达的过程中需要注意三点：其一，舞蹈动作要有流动性，借助节奏和音律传达感情；其二，舞蹈动作要有连续性，表达情感的过程中需要有开端、、结局等多个环节，是一系列活动的连续，而不是某几个舞蹈动作拼凑在一起。即便在舞蹈过程中有短暂的停顿，也是为了能更好地表达情感，起突出强调的作用；其三，舞蹈动作要有节奏感和韵律美。舞蹈是对生活的总结，并通过身体形态展现出来的一种工具，富有节奏感的舞蹈动作使展现的情感更加充沛和饱满，塑造了完美的艺术形象。

（二）舞蹈艺术传达思想感情。尽管舞蹈艺术来源于生活，但并不是对生活人物活动的简单复制和传达，而是经过有机整合和创造，以一种更为奔放、刚柔并济的方式展现出来。从另一种角度上说，舞蹈诠释的是人类的思想感情，虽然这种表达方式没有语言那么直白，但在对情感的表达和人物塑造上比语言更有感染力，在一定程度上甚至超过了语言，所以舞蹈艺术是一种独特的展现思想感情的艺术形式。

（三）舞蹈艺术富有节奏。舞蹈与音乐有着密不可分的联系，舞者根据音乐的抑扬顿挫而变换身体姿态，由此展现内心情感的波动和起伏。好的舞蹈能够与音乐融为一体，使舞蹈更具有舞台表现力和张力，营造一种舞台氛围。舞蹈借助身体表达情感，通过音乐展现主题，两者的结合推动了舞蹈艺术的发展，使舞蹈的意境更加完美。例如傣族的孔雀舞，通过模仿孔雀而形成的丰富的舞步，全面展现了民族舞的特性。在与音乐交融的状态下，通过舞者肢体的变化形成视觉上的美感，并通过特殊的形式展现韵律美，使舞蹈更有节奏感，音乐成为孔雀舞中的画龙点睛之笔。

二、舞蹈艺术与身体审美相互依存

（一）身体是多种关系的纽带。从远古时代开始，舞蹈与巫术就有着千丝万缕的关系。巫术作为一种宗教形式，都是通过身体活动来表达的，所以身体是舞蹈艺术与之间的纽带。不少专家在研究中明确指出，舞蹈起源于巫术宗教，在原始人生活中有着重要的地位。随着巫术的发展，舞蹈艺术也取得了很大的进步，成为当今传达内心情感的重要方式。

（二）舞蹈艺术与身体审美都有民族文化要素。中国的舞蹈艺术历史久远，有着深厚的历史积淀，并在一定的理性思维指导下形成了完备的乐舞系统。在舞蹈形成之前，人类的身体比较拘束，随着社会的进步，想要表达的情感元素的增多，将感情融入身体，表现的不仅是舞蹈与身体之间的关系，同时也展现了人与人、人与自然之间的关系。不同地区由于风俗习惯、人文环境等不同，也会形成不同的舞蹈风格和舞蹈形式，但无论是哪种形式的舞蹈，都凝聚着中华民族深厚的民族文化。

（三）舞蹈艺术是身体艺术的自然回归。舞蹈艺术是否具有审美性和艺术价值取决于身体的伸展审美。同时舞蹈要通过表演者灵活生动的身体表现出来，所以对舞蹈者的要求较高，需要舞蹈者具有舞蹈表达的艺术气质：男舞蹈者要具有矫健的身躯，女舞蹈者要具有优美的线条。除此之外，舞蹈者还要有较强的舞蹈领悟能力，能够快速领悟舞蹈中蕴含的思想感情并完美演绎。如果舞蹈者具备更高的舞蹈技巧，可对舞蹈进行自主改编和创造。

（四）舞蹈艺术依赖于身体审美创造的意境。舞蹈美与否主要与身体形态有关，而身体审美主要传达的是一种意境美。意境美主要与两个方面的因素有关，一是舞蹈者的主观感情，二是意境的营造。可以将不同风格不同种类的舞蹈有机地融合在一起，形成一种新颖别致的舞蹈意境，同时将人们的生活方式加入到舞蹈艺术中，继而彰显人们所要表达的思想及情感。

三、结束语

总之，舞蹈艺术不仅要重视舞蹈本身的动作，同时还要加强对舞蹈表演者的培养力度，使舞蹈表演者有能力对舞蹈进行改编和创造，丰富舞蹈形式，更好地传达舞蹈中的思想情感。而舞蹈艺术与身体审美两者之间相互依存，要想实现舞蹈艺术的进步，就要重视两者之间的关系，并予以相互协调，从而实现共同进步及发展。

参考文献：

篇2

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）08-0063-02

一、艺术家的艺术个性与审美规则

（一）艺术的审美与个性与艺术家创作的关系和作用

艺术的美来源于艺术家个人的艺术魅力，美在不同时代有不同的意义和表现，由不同时代的艺术家来发展、发扬、叛逆等。在不同时代不同艺术家感受到不同生活经历，或深沉悲痛、或热情疯狂、或变态异类。以及后人对前人的或赞美或批评的众多评价，一代一代的传播着前代艺术家的创作经验和审美规则，这也是艺术家的价值。

在艺术家创作作品中究竟是什么在散发着吸引力？吸引我们去体会，去感受作品中的意义。这种吸引力为什么会使我们觉得美，而另外一些东西的感觉就是丑的。在种类繁多的作品中总会有一些东西吸引我们的注意。

我认为在艺术家创作的作品中有艺术家独特的艺术创作个性和独到的审美规则。艺术家创作会和观众之间形成共鸣，这就是艺术家作品的吸引力。这种独特的吸引力没有时间、空间的限制。它来源于内心深处的共同的感情，激情、伤感、爱情等不同时间、不同地点在记忆边缘中沉睡的记忆的碎片，忽然被唤醒的一瞬间，产生的观众与作者之间心与心的共鸣。艺术家在作品中有意无意的留下一些线索，引导观众去发现自我。这就是艺术家的吸引力是艺术家创作的个性，也是艺术家审美的规则。

艺术个性是艺术家在艺术创作中的独特性，艺术家独竖一帜的标志，是艺术家与其他艺术家的区别之处。审美规则是以时代为方向，不同的时代有不同的审美特点。艺术家的审美规则是在时代的背景下，结合艺术家个性的发展，而形成艺术家独特的审美规则。

艺术家在不同时代有不同的价值，但艺术家的个性与规则永远散发着魅力。

（二）不同时代艺术家对个性与规则的理解

1.古希腊艺术家的规则和个性

以古典希腊雕塑为例。古希腊的美学被认为是古典美的规则，在古希腊美学思想中，宇宙是一个整体充满生活秩序。以宇宙为大美，以人体为缩小的宇宙观，人体美是小秩序小宇宙。古希腊艺术家以人体雕塑来表现心中的英雄形象。比例、和谐、整体统一的规律，成为雕塑审美的规则。古希腊古典美学价值的中心是审美规则的形成，审美的规则是希腊审美生活的表现。古希腊的古典神话的神秘，古代人对神话的执着，对人体美的崇拜。使人体成为最真实、最可靠、最直接的表现形式。古希腊的作品的作者体会到的不光是审美规则，还有对自己当时生活的真实寄托。艺术家在作品中种下了自己的希望和向往，把自己的意愿传播后世。

综上述诉。审美规则，是古典美的审美标准之一，这种规则也成为以后雕塑审美评判中的重要依据。在观众的心理留下很深的烙印，即使欣赏者不是艺术家或对艺术没有什么研究，他们依然可以区分出古典式希腊雕塑。这也是古典美的魅力。

环境的不同、时代的不同、艺术创作的对象的不同，这些都会造成艺术作品的不同，艺术家的成长过程，对生活、文化修养的不同感受都会成为日后创作风格个性的不同，如素材的选择的不同，对颜色倾向的不同。而这些经历也许也会出现在观众的成长经历中。

2.文艺复兴时期雕塑的特点

在文艺复兴时代的米开朗基罗只从一件古典雕塑躯干上就发现了一个明确的原则“一定要以金字塔形的，蛇形的和摆成一种、两种或三种姿态的形体为自己的构图基础像火焰一样跳动”。这是米开朗基罗对古典美的研究和发展。他发现古希腊雕塑的美可能来源于艺术的运动，运动可能使作品更有生命力，更有表现力，像火焰一样跳动。在古希腊哲学中火是所有元素中最活跃的东西，因此火舌的形式是最易于描绘运动的。火焰具有角锥体或尖物的形状，它好像是以这种锋芒劈开空气，以便上升到它所固有的领域，因此这种形式的构图将会是最美的构图。（《绘画记》海多克译 洛马佐 第一卷 第一章）

在米开朗基罗的作品中我们可以发现这些特征，对轮廓线的提炼整体造型的严谨，既有希腊审美的特征，又有自己对雕塑的先发现，还有对当时社会生活的描写。这也形成了米开朗基罗独特的艺术个性和自己明确的审美规则。

在文艺复兴之后，由于思想的开放神学地位的逐渐衰弱，科学技术的逐渐发展，导致西方新兴的艺术流派层出不穷。尤其集中在世界大战前后，人们对人生的态度和观念有了更清醒的认识，对人性的反思，个性的觉醒。艺术大师的作品也有不一样的变化和发展。

3.现代艺术中艺术家的个性发展以及中国艺术的特点

欧洲的艺术发展和中国艺术的发展是不同的，但艺术家的个性发展是相同的。中国的传统文化一直是以封建统治为主，封建的传统文化一直比较稳定，中国艺术家以文人艺术为主，文人艺术的发展也随着时代的不同或是个人不同的生活经历的变化，在由于中国历史的发展以朝代为时代分界，所以导致中国艺术品的时代风格明显。文人艺术家的生活比较自由，作品的题材与生活联系紧密，生活向往高尚道德，这也符合中国人的封建传统文化，例如：修身、齐家、治国、平天下，老子的“无为而为之”，孔子的“己所不欲勿施于人”等，以中庸为人生最高境界。这导致中国文人艺术家对人生的探索更深入、更细腻、更有禅意，在艺术的材料上也比较固定。

不同时代、不同的人、不同的观点，这些就是艺术存在的价值，已不一样的观念来表先自我，这是艺术家存在的价值。艺术家个人的价值就在于个人的审美规则和个性被观众所认同。

二、艺术家的生活经验和专业技术与艺术家的个性与审美规则之间的联系

为了体现自我，求新、求变是艺术家的创作的愿望，这和观众的审美相一致。变化就是艺术创品的生命，就必须时刻以良好的心理在艺术活动中永远保持清醒的创作意识。

（一）艺术家的观念的重要性

艺术家明确自己的审美规则和个性，在创作中按照自己的艺术意识，选择最适合自己理想的创作方法去表达自己对外界事物的感受、认识和情感。每一个艺术家都按照自己的理解择选一个属于自己的角度和情感去表现这种情感，最后呈现于作品中的就一个完全不同的形象和境界。“创作个性就是一个艺术家，区别于其他艺术家的主观个性方面。各种具有相对稳定性的明显特征的组合，它是在一定的生活实践、世界观和艺术修养基础上所形成的独特的生活经验、思想情感、个人气质、审美理想以及创作才能的结晶”（王潮闻《美学概论》）。由此可见创作个性就如同每个人的长相都会不同，是属于每个人所特有的。可以与他人相近，但在细节的感受和处理上绝不可能有相同的地方。一个艺术家以他个人的创作个性抄袭成自己的创作个性，那只能证明这名艺术家还未形成自己的创作个性、审美规则，或对自己的创作个性和审美规则没有足够的信心去面对创作的冲动。艺术不可以模仿、抄袭或代替。如同一个人带着不同的面具在照镜子。艺术家的情感和审美理想经过艺术家的选择在艺术方法和所运用的艺术语言得到具体而真实地实现。这就要求艺术家在把握自己艺术个性和规则的同时，要发现和创作出与之相适合的表现方法和自己的艺术语言。只有二者在创作过程中能够相互融合艺术家的创作个性和规则才能最终得到完美的体现。没有创作个性和审美规则的艺术家，其创作意识的实现因为缺乏强烈的自觉性而显得平淡无味，而失去了个性所应有的鲜明性和独特性。如果艺术家单纯为了炫耀自己的创作意识而无度的夸大，张扬或虚伪、浮夸的创作个性，过分强调自己对事物感受的独特性以及艺术方法和语言的独特性，那么这种创作个性只能算作虚张声势，所谓的创作也因此变得毫无意义的自我欺骗。

（二）艺术家的灵感与天赋对作品的影响

艺术家的选择往往对外界事物具有高度的敏感突出的审美感受能力、丰富的情感并且倾向于以何种艺术手段表达其感受、认识想法和情感的理想途径。这些艺术家在艺术方面的天赋往往高于一般人。他们对艺术的思维方式和表现手法等通常比常人表现的更具有理解能力和接受能力。天赋只是一个人，成为艺术家的潜在可能性，最终能否成为真正以艺术为表达情感手段的专业艺术家，首先要取决于艺术家的这种天赋是否得到开发和施展的机会这就是走向专业艺术家所必须进行的第一步修养，既专业技能的训练，艺术家的专业技能必须通过特别的学习和训练才能获得专业技术包括意见具体作品所必须的艺术手段和特殊技巧。天赋在艺术创作中有无意识的作用，天赋与技能在艺术家创作中是相辅相成的、相互促进的。对于一切选择艺术事业的人来说无论他的天赋有多高，过硬的专业技能学习和训练都是未来创作实践中不可缺少的重要因素，而天赋只是众多因素中的一个。艺术家生活中的灵感，是一个由量变到质变的过程。单一的灵光闪现不是艺术风格的确立，但可以沿着灵感的方向继续前行。

（三）艺术与技术的关系

专业技能的训练只为艺术家进入创作实践准备必要的本领和能力，而如何利用这种本领和能力则要依据艺术家的审美观念和艺术情趣，也就艺术家的个性和审美规则。艺术家在生活体验中按照自己对美的本质的认识和理解，对外界事物进行分析、判断和观点，最后形成了自己关于美的看法和态度，以及规则。观众的审美观世界观与艺术家的审美创作规则之间有焦点也有不一致性，没有必要一定要把作品做到十全十美。

篇3

审美经验是审美实践的集合

其一，审美潜能是人的一种自然禀赋。审美潜能有着生物性的自然规定，它是由人类的生物性和身体性所决定。人类对色、形、声等形式元素以及平衡、对称和节奏等形式规律的审美感受也是自然界大多数动物所普遍具有的能力。换句话说，无论是色彩、声音、还是形体，都能够给予它们一种强烈的愉悦感受。除此之外，人类和大多数动物在身体结构上都有左右对称的特性。生命活动也带有节奏性，如呼吸、心跳、脉搏和作息等。这正是人类对于对称、平衡喜爱的生物性原因；人类还有一些作为高等动物才具有的高级生物性能力，作为审美潜能的活动，人天然地具有一种视觉抽象能力和遵循视觉规律的行为惯力，如人对形状、色彩、声音的灵敏感知，人们自觉地将画在一个正方形中的正三角形看成一个整体，而不会把正三角形中的三条边看成是正方形中的三条线，等等。这些能力是人本身感官机能所知觉形成的人类的审美“共识”，常常称之为“审美规律”，它无关个体、无关民族、无关文明，是人的一种与生俱来的自然审美潜能；人的自然审美禀赋是神秘的，或许是由一种诸如是弗洛伊德所说的“爱洛斯”之类的物质驱动。这种审美能力在人类共同的实践过程中形成的“成果”构成了人类审美的“底层经验”，成为每个人审美经验中的“潜能部分”。

其二，审美潜能是建立在人类社会群体文化基础上形成的审美能力。除自然禀赋外，人类的审美潜能更有赖于文化的积淀和社会的提升。在长期的社会性群体实践中，人类不仅创作出无比辉煌的外部世界，而且也培育出复杂精致的文化心理、感知结构和思想观念。不同地域因地理和风光的差异，在人们的心理上投射为不同的精神特质和情感格调，影响到一个地区的审美和艺术。这些与不同地域关联的文化、伦理、价值观念等产生特定的审美心理结构以及特有的审美对象，构成了人类世界极其丰富的“有意味的形式”。它们是关于文化和文明的，有明显的地域性、集群性和差异性特征。如不同民族对同一色彩有着迥异的认知，对同一形象有着差异极大的感受。因此，在世界上有着数量庞大、风格迥异的区域性艺术类型和造型形式。

另外，人类个体也发挥能动的自由意识和思辨能力，生产和积累着个性的审美经验。作为一种社会的存在物，每个人都在与环境的相互作用中拥有自己的生命经验和认知观念，这种生命经验和认知观念是随着主体不断的发展对集群文化“突破”的结果，是个体超越大众经验的表现。个人生命经验和认知观念不仅决定了其特定的生命模式，也带来个体独特的审美体验和审美经验，而且也会形成其特有的审美趣味，并且这种审美趣味被直接地带到个体的审美艺术活动中来。潜在的环境给个体带来的往往是一种深层的生存情绪，这种情绪对个体审美情感的生成有很大的作用。某一对象之所以被从杂乱的背景中作为审美对象选择出来，往往是因为这一对象的形式契合了该个体的生存情绪。不同的艺术家总是有着自己独特的表现形式和观照对象。美有其规定性，艺术亦有其范式，但二者都不能完全的界化，它们永远处在“客观”与“主观”博弈和共构的关系中。所以，对艺术与美的解读永远是“多义”的。一幅绘画，不同的观者会产生不同的感受；一首曲子，不同的听者会产生不同的情绪；同一幅画同一人两次观赏可能产生两种感受。从这一角度讲，审美体验不仅与固有经验相关，而且还与观者的心境有关系。观者在对自己美观经验的“提取”时总是带有主观性，总是在心境的驱使下偏向某一方面的微妙情感，并形成情感与艺术的融合，作品与观者“共鸣”。而这种观者用审美经验“推理”作品的意义的过程，是非常自主的、私密的、不可言传的和直觉的。

人类的视觉本能、集群的文化构筑以及个体生命经历在与审美对象的相互作用中，积淀出了丰富的审美经验，它或是关于直觉的、体验的、情感的；或是关于理智的、思辨的、推理的；或是关于形象的、过程的、动态的，等等。总之与审美对象相关的直接、间接、衍生的全部信息都成为对该审美对象的审美经验，成为审美主体整体审美经验的部分，融入审美主体的生命意识之中。

审美经验是艺术创造的源泉

艺术仅存在人类社会中。人具有从繁杂的环境中“抽象”出自己需要部分的能力，如审美直觉。当人进入审美状态，他可以无视审美对象的其他物性，仅仅关注于物品的形式和色彩所构成的艺术形象。这带有选择性的关注是人动用“意念”的移情过程。移情包含了用“心”的环节，哪怕仅仅是一刹那的“动心”就完成了人能动地用“经验”筛选对象的复杂过程。所以说审美实践是人感官直觉活动，是借助人的可知环境物品并调取人的知觉和情感来完成的，而这些“可知”、“知觉”、“情感”部分正是人类群体或者个体生命体验的“经验”。艺术从来都是从“生活中来”，包括艺术创造中的想象、联想乃至创新也是对既有生命“经验”素材的解构与重构。

艺术家的创作活动常由“灵感”激发而起。灵感是“来不可止、去不可遏”，因而，艺术家必须有瞬间抓住灵感，能快速地进入忘我的创作状态：兴致高涨、情思飞扬、手疾眼快。艺术创作过程是艺术家精神意念脱离“世俗事务”心境的过程，艺术家忘记一切烦恼、杂事乃至自身肉体的存在，达到了“物我两忘”的境界。这种现象常常是一些人反驳“艺术即经验”的例证，他们认为这种艺术即创作情境是没有经验参与的。其实不然，首先，灵感毫无疑问是人受到物的刺激而感“兴”的，经验是其必需的部分。其次，如庄子所说的“坐忘”、“心斋”的创作状态则只是一种理想，是人类不可能达到的境界。否定人的“经验”和“认知”，也就从根本上否定了人，因为不存在没有任何“经验”和“认知”的人。一个人无论在创作中是如何的“忘我”，也不能否定他的意识的“在场”，而意识是离不开经验的，甚至意识、认知、知识本身就是“经验”的部分。艺术作品是远远不能去掉“人格”的，也就是不能去掉人的“经验”的。

美国现代艺术家莫里斯·路易斯认为人的经验参与是对艺术的损害，他总是期望艺术以超常的无人格性打动人们，因而他对传统素描持回避的态度。他拒绝让他的手、腕、臂参与绘画，使绘画看起来仿佛没有艺术家的介入而凭自己本身达到存在，因而他开创了前所未有的条纹画的艺术形式。持类似态度的还有美国画家杰克逊·波洛克、朱尔斯·奥利茨基等，开创了泼洒、喷绘等绘画形式。然而他们的理论似乎过于“形而上”，且走向极端。事实上，无论是艺术家自己还是解读者（看画的人）都不能如他们所愿的那样“离心去智”地对着艺术作品。人一旦有了经验，经验则永远不能从人的生命体中剥离。这些艺术家“回避”传统的艺术态度以及创建新的表现方式实际上只是他们刻意解构“传统艺术经验”，重新建立一套新的绘画理论体系，它从本质上讲依然是“经验”的。

艺术的赏析需要审美经验的参与

对艺术作品进行赏析，人们更难做到与作品脱离“经验”的自由对视。我们看到一件作品大脑就会立刻进入“信息”搜寻状态，将大脑中相关的信息“调”出来。信息包括观者认为与作品有关的所有资料，而不仅仅是观者对作品视力所及的部分，这些资料就是“经验”。这些经验不断与作品进行“比对”和“匹配”，寻找作品的“参照元”与“解说词”。如果经验和作品不能匹配，此作品对于观者来说就成为一个不能理解的“困惑”，不会引起观者的审美意识，这一作品与此一观者形成“对牛弹琴”的关系。然而，这种状况无论如何都不会出现的。面对艺术作品，人无论如何都会“抽出”自己的经验来印证自己的“认识”和“推理”作品的意义。有时，面对的是某种艺术的新形式，人们也会伴随着提炼自直觉经验的启示发现作品新的精神内涵。有时在极端的情况下，观者会以自欺欺人的方式赋予作品一个从自己经验里抽取出来的“意义”，然而对于艺术体验来说，这一意义依然具有“合法性”。因为审美经验是“某种私人的和心理的东西”。在欣赏艺术作品时，观者审美知觉是积极参与的，并尽力地试图与艺术家创作时所经受的经验相比拟，从而最大限度地接近作品的“真实”。所以，某种程度上，一个人审美能力等同于其拥有的审美经验的数量与丰富性的集合。如果看到一件作品，我们认为他没有值得我们关注的地方，实际上不是作品自身没有什么明确的或者显而易见的地方，而是恰恰说明了我们自身审美经验库存过小导致审美能力的乏力。我们一旦经过某次的审美体验，审美体验则转化为审美经验，变成人的审美经验的有机分子。美感经验的积累对审美活动是非常重要的。

篇4

声乐作为一门综合性十分明显的现代化艺术门类，对人们的生活产生了十分直接而深远的影响，优秀的声乐作品不仅仅能够满足人们的生活消遣，还可以提升一个人的审美价值以及精神层次，最后达到在多个方面提升一个人的精神素养的目的。在越来越关注提升个人价值的今天，声乐审美在具有共性认知的基础上，也具有了个性化的审美倾向。本文在经过全面的审美艺术要求探讨之后，进一步研究出提高现阶段声乐教学质量的有效方法。

一、声乐审美艺术要求基本知识介绍

听众在声乐艺术中充当的是审美主体的角色，其构成并不是单一的。在众多听众中，不仅仅有音乐专业人士，还有大量的非音乐专业人士； 有单纯的音乐爱好者，也包含大量的普通群众。换句话讲，在生活中凡是在听觉上十分健康的人，他们都能够具有声乐审美的能力，然而由于审美主体个人生活经历、兴趣爱好、文化修养以及年龄上的千差万别，每一个人在审美的过程中不可避免的会出现自己喜欢的审美爱好。在现代评论家眼中，“一千个观众心中便会出现一千个哈姆雷特”，这就导致音乐审美艺术不可避免的会出现十分明显的差异化。但是，这并不意味着声乐审美艺术是毫无规律可循的。现实研究证实，人类作为生理以及心理基础在结构上有着很明显相似性特征以及联觉规律的一个群体，在聆听声乐的过程中，进行审美判断人们又往往会展现出一定的共性特征，这样为新时代艺术家可以明确的提炼出音乐审美的基本特征提供了可能性与可实现性特征。实际上在经过多年的探索之后，现阶段关于声乐审美艺术的共性特征已经总结如下：

1.情感必须充沛，语言表述清晰，可以十分生动贴切的展示出歌词所蕴含的内容，能够引起人精神上的共鸣，具有很高的精神震撼力。

2.音调准确、节奏清晰明了，可以十分准确的享受中演绎出歌曲旋律，从而给人以美的享受。

3.音色多样化，音量变化拿捏自如、可以熟练掌握，能淋漓尽致的的为表达歌曲所描绘的意境，在整个艺术创作中，具有很强的渲染效果。

4.音质十分优美，音域涉及面广、跨度大，能够让听众在聆听的过程中真正的感受到美的愉悦，使人们感受到精神上的愉悦。

5.演唱者可以十分准确把握所表演作品的风格，抓住演出精髓，而不是简单地模仿，让人一眼看穿。

6.在表演的过程中，演唱者的形体必须十分优雅，表演得体、与整部作品相吻合，最好能够为表现歌曲的效果上锦上添花。

在实际表演过程中，声乐审美艺术的差异性则表现在不同听众对于声乐作品的风格、演唱者年龄、性别以及不同语言的喜爱程度上，在当今越来越注重个性化的今天，声乐表演有着为了满足不同的受众需求已经越来越倾向于个性化、多样化的发展。

二、基于声乐审美艺术要求开展声乐教学的具体策略

在声乐艺术审美系统中，听众是以审美主体的身份出现的，观众对声乐艺术的审美要求可以十分直接而深远的影响着声乐这一艺术的全程：无论是在现场表演、还是早期声乐创作亦或是在课堂进行声乐教学的发展趋势还是方向上，都有着十分明显影响。伟大哲学家马克思曾经说过：“艺术对象可以创造出懂得艺术以及可以欣赏美的受众，正如其他任何一样产品，正是因为这样，在艺术产品创作的过程中，生产不单单是主体的生产对象，同时也扮演着服务对象的生产主体”。在分析声乐审美艺术要求之后，本文认为在声乐教学中应当着重从以下几方面着手：

1.在声乐课程设置上应当尽可能的多样化

我国音乐界泰斗周海宏教授在分析高雅音乐以及通俗音乐两者关系的时候，曾经论述道： “追根究底，音乐艺术是从属于听觉领域的一种审美消费品。在一个现代化、健康、文明的社会中应该可以尽量的满足不同人群的消费需要，前提是它必须是有益和健康的。通俗音乐和“高雅音乐”并不是对立的，两者需要的是共存、伴生在相得益彰的关系下互相支持，这就像我们饮酒一样，不仅仅需要优雅的红酒，还需要白酒、啤酒等进行消遣”。声乐审美在艺术要求上的个性化以及多样化倾向需要让广大授课教师意识到，人们在对声乐形式以及体裁上有着多种多样的需要：在审美倾向日益多样化的今天，通俗唱法会受到一部分人的喜欢，这并不意味着美声没有市场空间；民族唱法大受欢迎，然而戏曲唱法同样可以找到生存价值。高等音乐院校本身就承担这项社会培养声乐艺术人才的重要职责，在进行声乐课程设置的时候应当充分考虑到社会上人们在声乐审美中所存在的差异性需求，从而设置多种形式以及体裁的声乐门类。举例说明，假设戏曲唱法被划分为民族传统唱法，那么在进行相应的教学以及传承便是戏曲专业院校义不容辞责任，我国现阶段公认的三种主流唱法分别为美声唱法、民族唱法以及最广为人知的流行唱法。高等音乐学院在进行人才培训的时候，必须承担起应有的职责。在阶段的人才培养过程中，我国各大高等音乐院校基本上都设置有美声唱法以及民族唱法，并且有较为成熟的尝试，然而流行唱法却由于受到人们传统观念的影响和制约，在高等院校并没有及时有效的进行开设。就笔者调研结果来看，我国现阶段的九大音乐学院中，专门开设有流行音乐演唱专业仅仅有四川音乐学院、武汉音乐学院以及位于我国东北地区的沈阳音乐学院以及星海音乐学院、天津音乐学院无所院校，且在具体的教学过程中各大院校的教学水平存在这十分明显的差异。这对于现阶段我国人民多样化的音乐需求来讲是十分不利的，因此必须高度重视起多样化教学这一基本教学方针。

2.声乐教学实施过程中必须将歌词教学看做是一大重点

就审美而言，声乐与器乐最为明显的差异便是，器乐是以纯音乐的形式出现的，其本身不仅没有逻辑语义性，在进行空间造型性上，同样不具备可塑性。器乐主要依靠将音响进行组织并且用听觉的形式将其表述出来，人们在音乐聆听的过程中，寄托思想情怀的对象只能够是某个特定的人物。然而在现实生活中，每一个人生生活经验都具有十分明显的独特性。每个人在听到同一段音乐的时候都会给与其符合自身经历的意象。正是因为这样。器乐作品在感情表达的时候十分明显的一个特征就是模糊性以及不确定性。然而对于声乐这门艺术而言，声乐作

品本身构成的两大部分就是歌词以及音乐，歌词最突出的作用就是让声乐作品本身具有十分确定的意义以及内涵。声乐作品所具有的旋律以及演唱者自身独特的音色全部是为了更加精准表达歌词本身所蕴含的感情而服务的，这样的特征决定了声乐表达在内

容以及情感上都有着十分明显的指向性，而想要将这种指向性表现到极致，必须始终依靠歌词以及艺术化的人声两大部分内容，然而在声乐教学的过程中，绝大部分教师都十分重视对学生进行视技能技巧的教育，但是对歌唱语言却并没有给予应有的重视。最明显的表现便在于在国际比赛中，我国选手往往失利的原因并没有体现在技巧上，而是语言所带来的障碍。因此声乐教学过程中，必须及时扭转以上不良观念。着重从以下几方面进行：1.必须在教学中，注重让学生加大对于歌词的含义进行体会，从而在更深层次生领悟到隐藏在歌词背后的情感。2.在歌唱中尽可能地让学生可以清晰地咬字吐字，高水平的掌握普通话、方言以及在国际上影响较大的意、法、德发音规律以及特征。3.在学生歌唱的过程中应当准确的掌握不同语言所存在的重音以及断句，确保听众可以听清楚演唱者的语言。4.必须咬字吐字能够实现与歌唱的合二为一，不能够仅仅为了声音而导致吐字不清，也应该杜绝单纯为了吐字清楚而导致声音丧失美感。

3.声乐教学应当突出表演以及伴奏的作用

声乐是一种综合性十分明显的艺术形式，它不仅仅囊括人声，也和器乐伴奏有着十分紧密的关系。甚至我们可以说无伴奏合唱而单纯的进行纯人声的声乐形式是十分罕见的。在现实生活中我们接触到的绝大部分声乐表演都是人声与器乐相互配合而形成的。声乐伴奏自身承担这声乐表演不可或缺的构成部分，它是依据每一个作品的歌词内容，而选择与之相对应的作曲和配器技巧的，在各种独特乐器音色协助下，歌唱的艺术感染性才能够得到淋漓尽致的发挥。因此在声乐演唱以及教学过程中，必须重视起奏不可或缺的作用。在教学的过程中，教师应当引导学生学生在平时的演唱终究应当注意与正谱进行伴奏，从而确保自身演唱的规范性并在这一过程中，提升自己的艺术修养。除此之外，声乐艺术本身还十分关注舞台表演，舞台表演作为关系到整个演出质量的另一因素。笔者以为只有注重在教学过程中加强学生对情感的领悟，才能够更好地用表演感动听众。现歌曲。

三、结语

在声乐艺术审美系统中，听众是以审美主体的身份出现的，观众对声乐艺术的审美要求可以十分直接而深远的影响着声乐这一艺术的全程：无论是在现场表演、还是早期声乐创作亦或是在课堂进行声乐教学的发展趋势还是方向上，都有着十分明显影响。伟大哲学家马克思曾经说过：“艺术对象可以创造出懂得艺术以及可以欣赏美的受众。”笔者通过对声乐审美的个性与共性考察之后，认为在声乐课教学的过程中，应当采取在声乐课程设置上应当尽可能的多样化、声乐教学实施过程中必须将歌词教学看做是一大重点、声乐教学应当突出表演以及伴奏的作用的教学策略，从而全面提升我国现阶段声乐教学质量。

参考资料：

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篇5

我国有五十六个民族，每个民族都有自己独具特色的文化艺术，苗族舞蹈便是其中之一。纵观苗族舞蹈的发展历程，它主要是来源于苗族人民的生活和生产的状态，保留了大量的苗族传统文化，是苗族人民美好理想追去的具体表现，具有独特的审美艺术。

一、苗族舞蹈艺术的形成

我国是由五十六个民族组合而成的，每个民族都有属于自己独具魅力的艺术文化。在这些艺术文化中，苗族舞蹈正是由于具有魅力和特色，因此使得很多专家和学者对其展开了研究。苗族舞蹈在原始社会便已经形成了，从而具有悠久的历史。在远古时代，苗族人民迫于生活或者是躲避战乱，从而选择人烟比较稀少的偏远山区，过着原始社会的生活，由于生活困苦，他们的精神生活也非常贫乏。但是勤劳勇敢的苗族人民坚韧不拔、质朴善良，向往美好的生活，并执着于此，于是在平时的生活和生产过程中，根据劳作的动作，创造了苗族舞蹈，长期以往，从而形成了独具湘西特色的苗族舞蹈。苗族舞蹈彻底体现了音乐与舞蹈艺术的完美结合，同时苗族舞蹈又具有强烈的文化性和地域性，它通过生动形象的舞蹈动作，向人们展示了苗族人民的生活和生产场景，甚至可以说它是一副动态的“清明上河图”，记录着苗族人民从古代到现在的发展历史过程。除此之外，由于历史、文化、审美、政治以及经济等各种因素的影响，使得苗族舞蹈具有一定的叙事性，通过苗族舞蹈向人们描述了苗族人的性格。在历史中，苗族舞蹈产生于祭祀活动，与傩歌、傩戏结合表演或交换表演。对苗族舞蹈进行深入的研究，可以对我国的音乐、舞蹈以及傩文化等有着十分重要的影响。也正是因为如此，使得苗族舞蹈不仅真实反映了苗族人民的生活状态和物质精神文化，而且还充分的表达了具有丰富内涵的艺术特色。

二、苗族舞蹈艺术的艺术特色

（一）摹拟性

苗族舞蹈主要是根据苗族人民日常的生活和生产情况而产生的，因此使得很多舞蹈动作都是模拟人类在生活和生产过程中的动作，例如农夫插秧、犁地耕田、收割打鼓、绣花数纱、美女梳妆等等，还有的舞蹈动作是动物的行为习惯而模仿的，例如公鸡啄米、大鹏展翅、猴子摘桃、黄牛摆尾等，这些动作都是与苗族人民的生活有着紧密的联系。由此可知，模拟性在苗族舞蹈中，是一个非常重要的艺术特色。

（二）娱乐性

苗族舞蹈与苗族人民的生活和生产息息相关，每逢苗族的传统节日，例如踩花山，只要有苗族人民的生活的地方，都会立花杆，举行非常盛大的踩花山活动，这不仅是苗族年轻男女谈恋爱的最佳时机，也是苗族人民开展娱乐活动的重要地方。每年这个时候，无论是是男女老少，都会盛装打扮，从各个地方感到花杆脚下，弹响篾、吹芦笙、跳脚架、斗牛、耍大刀、斗画眉、爬花杆等，从而使得苗族舞蹈具有浓厚的娱乐性。

（三）竞技性

一提到吹芦笙，大家都会想到芦笙舞。芦笙舞一般在重要的节日和集会中以竞技或献技的形式进行表演，有的地方还以村寨为单位举行跳芦笙舞比赛，例如黔东南的傍洞、从江县一带，只要每次到了重大的节日时候，附近的村寨都会以单位的形式举行吹芦笙以及跳芦笙舞的比赛，比赛的主要内容又吹奏乐曲的多少、声音是否动听、动作是否优美、步伐是否丰富、舞蹈时间是否充实等，有的地方则是以个人比赛的方式进行表演，这种竞技性的表演为苗族舞蹈增加了另一大特色。

（四）宗教祭祀

苗族舞蹈将苗族人民生活的方方面面，不同阶段的生活生产状态都反映了出来，自然也包含着宗教文化。苗族与其他民族一样，对自然进行崇拜，例如苗族人民非常重视参拜树神、雨神、火神、水神、猎神、山神等，同时还有祖先崇拜，这些崇拜都需要一场祭祀舞蹈。例如花鼓舞，在农历的赶夏、六月六、赶秋、八月八等时节，苗族人民便会在广场的中央拜访着一个非常大的打鼓，由两个人击打鼓皮，一人负责击打鼓梆，参加舞蹈的人们，没有人数和性别的限制，在跳舞之前，击鼓者会用苗族语言歌颂木鼓的发明者，以此对祖先进行祭奠。

三、苗族舞蹈的审美艺术分析

（一）苗族舞蹈艺术中的民族风格和特征

苗族舞蹈中具有独特的民族风格和特征，例如在木鼓舞，木鼓舞是苗族人民每隔13年便举行一次“吃牯脏”时才跳的一种舞蹈，最开始的时候，木鼓舞使用的是一根挖空的树干，在树干的两端用牛皮蒙上。按照风俗，跳木鼓舞时，需要一新一旧的鼓进行舞蹈，跳完后需要静旧鼓送到悬崖峭壁上任其风化、腐朽，新鼓则是保存在下来，待下次使用。随着社会的发展，木鼓舞已经发生了巨大的变化。

（二）苗族舞蹈的服装艺术

苗族是一个非常爱美的民族，每次跳舞之前，苗族人民都睡穿金戴银，盛装打扮。苗族服饰样式繁多，色彩艳丽，是中国民族服装之最，苗族传统的盛装，插在头发上的头饰就有几十种，苗族妇女一般上身床大领、窄袖、对襟短衣，下身穿的是百褶裙。而苗族男子上身穿的是对襟短衣，肩披羊毛毡，头缠包头，小腿上裹着绑腿。当苗族男女在舞蹈的时候，这些服饰随着身体动作左右摇摆，从而形成民浓厚的族舞蹈风格。

（三）苗族舞蹈的肢体语言艺术

随着发展，勤劳聪明的苗族人民对生活和生产中的动作进行了大胆的创新和改变，除去糟粕，取其精华，根据“形式美”的原则和要求，对各种各样的舞蹈动作进行了总结和贵南。例如在苗鼓舞中的“旋、闪、拧、翻、倾”的舞蹈动作和多种“抡、翻、盘、绕”的手腕动作，对其进行了重新的组合，从而体现出了优美的舞蹈动作。除此之外，苗族舞蹈还体现出了苗族人民的肢体语言，例如《刀梯舞》、《巾舞》、《迁徙舞》等，表现的是苗族人民稳健的性格，并在舞蹈中体现了苗族人民的彪悍勇敢、气势浑厚的形象，通过这些肢体语言，反映出了苗族人民对于生活和精神上的追求。

（四）宗教神话特点

在苗族的宗教文化中，苗族人民把龙当做是吉祥和幸福的象征，认为只有龙才能为人们的生活带来幸福安康，因此而创造出了接龙舞。接龙舞主要表现的形式是由一个人穿着盛装，在队伍前面手捧瓷碗，后面的人拿着红旗和绿旗形成一个龙的形状，紧接着一群漂亮的苗族姑娘穿着美丽的服饰，左手执花帕，右手拿伞，跟着领舞者翩翩起舞，并不断旋转手中的伞，表示龙随雨来。这种舞蹈形式具有浓厚的宗教神话性特点，在国际的舞蹈领域中是非常罕见的。

结束语

总之，苗族舞蹈之所以能够得到我国甚至外国人民群众喜爱和赞扬，这主要是由于苗族舞蹈具有独特的艺术功能，鲜明的民族文化和浓厚的文化气息。随着我国传统文化的发展，很多人越来越关注民族性的东西，而苗族舞蹈的“民族性”又集中体现在了它的审美艺术上，因此才使得其拥有顽强的生命力，经久不衰。

（作者单位：湖南民族职业学院）

参考文献：

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篇6

【关键词】凝血酶；凝血酶受体；PN- 1；中枢神经系统；缺血缺氧

越来越多的研究表明，凝血酶在神经系统正常发育和病理状态下发挥重要作用。凝血酶及其抑制物在脑软组织伤和脑脊液流速改变后进入血脑屏障增多。在发育的大脑或成人脑内凝血酶原和他们的受体局限于几个特定的区域。凝血酶具有毒性作用，包括在体外引起不同神经元和非神经细胞突触回缩、死亡。这些作用可通过细胞表面的受体调节，而且能被特异的丝氨酸蛋白酶抑制剂阻断。最近研究显示，应用PN- 1治疗能提高脊髓运动神经元凋亡的存活率，促进遂后损伤的修复。小剂量凝血酶(1～2 u/ml)能保护神经元和胶质细胞免受低血糖、缺血缺氧等损伤引起的细胞死亡［1］。用小剂量凝血酶预处理可明显减轻遂后脑内注射大剂量凝血酶引起的脑水肿、脑缺血的程度，若同时给以等剂量的水蛭素，则保护作用减弱。资料显示凝血酶在大剂量时发挥毒性作用而小剂量则具有保护作用［2］，现就凝血酶及其抑制剂在中枢神经系统的作用作一综述。

1凝血酶及其受体的生物特性

1.1凝血酶及其抑制剂的特性

1.1.1凝血酶的特性：凝血酶是丝氨酸蛋白酶家族中重要的成员。分子量36 kD，由A、B两条链组成。两链间以二硫键相连。A链由36个氨基酸残基组成。B链是其主要部分，由259个氨基酸残基组成。在人类，凝血酶原基因位于11号染色体，含14个外显子，13个内含子［3］。凝血酶原在肝脏翻译修饰，成熟后以72 kD的酶原形式分泌。凝血酶的主要功能是激活纤溶酶原成为活性纤溶酶。除了在凝血和纤溶过程中发挥重要作用外，凝血酶还参与肿瘤浸润、炎症、卵母细胞成熟和细胞迁移。此外，凝血酶还参与神经轴突生长，刺激β样淀粉酶合成，诱导神经母细胞瘤cGMP形成，刺激培养的星形胶质细胞分泌神经营养因子增多，而且，可使神经胶质细胞增殖，形态改变［4］。长期以来，人们认为凝血酶原只在肝脏合成，但最近PCR、 Northern印迹、原位杂交技术显示凝血酶原在发育中的鼠和成年鼠脑内也有表达。在初生鼠脑内凝血酶原表达很低，到成年后显著升高，凝血酶原在嗅球、大脑皮层、上丘、下丘、纹状体、脑室均有表达［5］。凝血酶原/凝血酶在中枢神经系统发挥重要作用。新陈代谢或物理损伤可使凝血酶原转化成有活性的凝血酶［6］。据报道，外伤性脑损伤［6］、脑缺血和脊髓损伤可导致凝血酶水平升高［7］。

1.1.2凝血酶抑制剂在脑内的表达：脑内的凝血酶抑制剂主要有两种，PN- 1和纤溶酶原激活物抑制剂(PAI- 1)。PN- 1分子量43 kD，是脑内重要的凝血酶抑制剂，定居于毛细血管和大血管周围，在神经元、星形胶质细胞和微小血管平滑肌细胞均有表达，PN- 1可调节凝血酶引起的细胞增殖和形态改变，高浓度时也可抑制纤溶酶原激活物的活性，研究认为其可能通过防止凝血酶在脑血管损伤或病理条件下渗透入脑组织发挥保护作用。在脑缺血和脊髓损伤后可观察到PN- 1的延迟性升高［8］。PAI- 1通过抑制凝血酶原向凝血酶的转化抑制凝血酶的产生，但其在中枢神经系统的作用较弱。此外，在脑缺血或脑出血等疾病时脑内有HSP47表达，HSP47可通过改变细胞外基质成分抑制凝血酶作用［9］。

1.2 凝血酶受体的特性Northern blot和原位杂交技术显示凝血酶受体mRNA分布于全脑和脊髓背根神经节。脑部定位显示凝血酶受体表达最多的部位在新皮层、扣带回、 海马下脚、视丘下部、小脑和嗅球［10］。这些受体在神经细胞和非神经细胞都有表达［11］。凝血酶受体(TR)属于蛋白酶激活受体(PAR)家族，最早发现的凝血酶受体命名为PAR1，PAR1mRNA在中枢神经系统中广泛表达，包括大鼠星形细胞和脑毛细血管内皮细胞、小胶质细胞、星形胶质瘤细胞、神经元和鸟脊髓运动神经元［12］，脑内主要表达于海马、皮质和扁桃体等部位。PAR2和PAR3高表达于海马、皮质、扁桃体、丘脑、下丘和纹状体。PAR4与PAR2和PAR3表达类似，只是在纹状体不表达［13］。不像传统的生长因子如EGF、PDGF直接激活细胞表面的络氨酸激酶受体，凝血酶激活G蛋白耦连受体。凝血酶受体有7个疏水的螺旋状跨膜区域，形成3个胞外环状结构和3个胞内环状结构。胞外N端在第1个穿膜区之前大约有100个氨基酸，其中紧靠41位精氨酸的N端序列与凝血酶识别切割位点有关;与水蛭素的C端具有同源性的TR53～64序列， 既可与凝血酶活性位点结合，也可与其阴离子结合位点结合［15］。凝血酶与上述2个序列相互作用，在PAR1的41位与42位间通过蛋白水解作用使其分裂，产生一个新的称为"栓系配体"的N末端，与受体胞外第2个环和靠近第1穿膜区N端的结合位点起作用，产生跨膜信号传递［13］。受体激活刺激第二信使如cAMP和Ca2+，进而调节蛋白激酶活动。在细胞研究发现，凝血酶可激活PLC、PLA、PKC、MAPK、络氨酸激酶和腺苷酸环化酶。主要通过以下途径：①凝血酶激活PLC形成IP3和DAG，IP3激活一方面使细胞膜上钙通道开放，Ca2+内流增加；同时开放细胞内钙池，Ca2+释放增加。胞内Ca2+浓度升高。PLC抑制剂、内质网Ca2+抑制剂、钙通道阻制剂和胞外Ca2+降低均可使培养的脑微血管内皮细胞内Ca2+升高幅度降低［14］。说明凝血酶通过影响Ca2+跨膜内流和钙池的释放引起胞内Ca2+升高。②DAG和Ca2+激活PKC，引起核转录因子活化和转位。③激活MAPK激酶，促进细胞增殖［15］。由PLC- IP3/Ca2+- PKC或IP3途径激活MAPK系统。MAPK磷酸化激活细胞内PLA2，PLA2诱导花生四烯酸释放和前列腺素及白三烯合成，这一系列反应对于调节血管通透性和血管平滑肌细胞增殖是非常必要的。然而，这一系列反应在神经系统可导致神经细胞死亡。前列腺素导致血小板聚集，血管收缩，引起组织缺血、细胞死亡。而花生四烯酸可引起膜破裂，细胞破坏［16］。

2凝血酶及其抑制剂在神经系统的作用

凝血酶可使蛋白水解激活，可抑制几种无血清培养细胞的长期形态分化，包括脊索和脑内的神经元、成神经瘤细胞、星形胶质细胞和神经上皮细胞。星形胶质细胞对维持脑的正常生理功能是非常重要的［11］，包括维持离子平衡，调节神经递质浓度，抗氧化，参与信息传递。还有关于成熟神经胶质细胞形成胶质网络限定脉管系统，并深入脑膜参与脑出血控制的报道［17］。星形胶质细胞也合成和分泌神经营养因子，为不同神经细胞生长提供营养。星形胶质细胞与神经元联系依赖星状突起，改变突起可以干扰星形胶质细胞与神经元的联系。如果星形胶质细胞培养在含血清或凝血酶的介质中，其周围的突起就会改变，增加凝血酶浓度将使培养的细胞突起减少、回缩、细胞变圆，加入凝血酶抑制剂这些作用将被阻断或逆转。加入凝血酶后的作用发生迅速，在加入后几分钟就有作用，而加入抑制剂后需要几个小时才能恢复［18］。总的来说，凝血酶如不被其抑制剂阻断，可消弱星形胶质细胞与周围环境联系的能力，星形胶质细胞参与血脑屏障处紧密连接的形成，凝血酶将破坏星形胶质细胞形态，导致血脑屏障的破坏。凝血酶还可通过降解细胞外基质成分抑制神经元分化，Jalink 和 Moolenaar的实验分别显示，凝血酶可使神经瘤细胞N1E- 115和NG108- 15变圆，轴突回缩［19］。加凝血酶受体激活肽段到无血清的N1E- 115或NG108- 15 成神经瘤细胞内，也可引起锥体细胞的快速崩溃、突触回缩、神经细胞变圆。Lucren等实验研究显示凝血酶抑制培养的鸡脊髓运动神经元突触生长，诱导细胞死亡，加入PN- 1能使鸡的脊髓运动神经元免于死亡，其效应是剂量依赖性的。凝血酶的毒性效应在预先或同时给予凝血酶抑制剂水蛭素时可被抑制。凝血酶处理后的几小时内可诱导运动神经元死亡，引起DNA裂解，细胞凋亡［4］。这些研究均说明了凝血酶的毒性作用；而PN- 1则具有保护作用。然而，新的研究证实，凝血酶在低浓度(1~2 u/ml)时可对抗缺血缺氧和低血糖引起的细胞凋亡［1］。小剂量凝血酶预处理可明显减轻随后脑内注射大剂量凝血酶引起的脑水肿、脑缺血的程度，若同时给以等剂量的水蛭素，则保护作用减弱。如上所述，凝血酶在高浓度时有毒性作用，而低浓度则具有保护作用，以上作用可被凝血酶抑制剂阻断；凝血酶和其抑制剂之间的平衡对神经细胞的正常发育具有重要作用。

3凝血酶及其抑制剂在神经病理发生时的变化

脑内存在凝血酶及其受体，在病理情况下内源性凝血酶可被激活；脑内脉管系统的形态和生理功能异常，如脑外伤、血管瘤破裂、脑梗死等疾病时血脑屏障破坏，血浆来源的凝血酶可以进入胶质细胞和神经元周围。凝血酶增加的同时也伴随着其抑制剂PN- 1的变化。研究认为，凝血酶和其抑制剂之间存在拮抗作用，共同调节组织细胞损伤的程度。凝血酶可提高培养的单层内皮细胞对白蛋白的通透性，提示凝血酶可提高神经系统局部的通透性。在凝血酶作用下各种分子游出血管的通过率提高，并进入神经元生长的空间，使神经元易受攻击。同时凝血酶自身在神经元和胶质细胞周围可引起神经元和胶质细胞突触回缩、死亡，胶质瘢痕形成。高水平的凝血酶局限于阿尔茨海默病（AD）病人衰老脑片，对AD病人尸解，采用免疫组化技术研究发现，病人脑室和血管周围的PN- 1表达较对照组显著降低，表现在PN- 1活力降低和蛋白表达减少两方面，其降低是因为PN- 1与升高的凝血酶结合。推测凝血酶和其抑制剂PN- 1之间的平衡失调参与AD的发生［20］。雌激素可诱导PN- 1分泌，调节丝氨酸蛋白酶平衡，临床上应用雌激素治疗AD病人。对海马脑片培养研究显示，脑缺血后，凝血酶原表达升高，而PAR和PN- 1表达未见变化。应用RT- PCR技术发现，大鼠短暂的脑缺血后出现凝血酶原表达上调，PAR1- 3变化无显著意义，PN- 1未见变化［21］。但是2001年，Striggow等的研究显示，严重缺血后海马区四种PAR表达均升高［12］。

转贴于 对沙土鼠四动脉结扎缺血模型的研究发现，PN- 1表达上调持续1年以上［22］。由上述研究推测凝血酶、PAR和PN- 1的表达变化和缺血形式、损伤程度有关。此外在脊髓损伤、脑外伤等疾病也有凝血酶、PAR和PN- 1表达升高的报道。虽然这些蛋白酶在神经系统的具体作用和作用机制还不太清楚，但可以肯定凝血酶、凝血酶受体和其抑制剂参与了神经系统疾病的发生和随后的损伤。

总的来说，越来越多的事实证明凝血酶和其抑制剂与神经系统的发展、可塑性形成和病理疾病发生密切相关。除了参与神经形成和突触可塑性改变，这些蛋白酶还可能在神经系统损伤如阿尔茨海默病、脑出血、脑缺血等疾病中发挥重要作用。进一步阐明其在神经系统的作用是非常必要的。了解凝血酶、凝血酶受体和其抑制剂在神经系统的功能将有助于阻止脑血管疾病导致的细胞死亡，将有助于其治疗策略的发展、改进。

（第一作者杨丽娟为中南大湘雅医学院在读硕士研究生）

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篇7

作为素质教育的重要组成部分，艺术教育受到了愈来愈多的高校教师的关注，对大学生鉴赏美、创造美的能力及创新能力的培养也逐渐地被提及。审美教育是教育者借助审美媒介，开展审美活动的教育方式，对大学生的全面发展有着不可替代的作用。审美教育形成的良好的审美素养，不仅有利于大学生的思想品格的提升，而且有利于丰富他们的文化知识，有利于大学生心理素质和性格的健全。本文主要立足于艺术教育与审美教育的关系，分析了审美教育在艺术教育中的作用。

一、概念界定

艺术教育，就是通过艺术作品和相关的艺术理论知识，运用艺术鉴赏和创造的规律，去影响受教育者的感官和心理，培养受教育者的感知能力、想象力、洞察力和创造力的教育活动，具有情感性、形象性、愉悦性、渗透性和典型性的特点。[1]有狭义和广义两个方面。从狭义上讲，艺术教育是为了培养艺术家或专业艺术人才所进行的各种理论和实践教育，如各专业艺术院校培养的是艺术创作和艺术表演方面的人才。从广义上说，艺术教育作为美育的核心，根本目标是培养全面发展的人。这种理论认为，世界上的职业和分工不同，有三百六十行之多，但无论从事何种职业的工作的人，都会涉及到艺术，他要么阅读小说，要么聆听音乐或者观赏舞蹈活动等等。因此，无论是广义上还是狭义上的艺术教育，都强调普及艺术的基本原理知识，通过对优秀艺术作品鉴赏和批评，提高人们的审美修养和鉴赏美的能力。

审美教育，就是教育者借助一定的审美媒介，开展审美活动的教育方式，以提高受教育者的审美修养，激发和强化学生的学习热情和创新能力。一方面，审美教育的内容包括自然美、社会美和艺术美，其中对艺术美的追求是人类最主要而集中的。因此，审美教育中教育者运用的审美媒介以艺术为主。另一方面，审美教育的目的，以采取多种活动的形式和方法，引导受教育主体参与审美活动，使其在活动中获得审美体验和受到美的感染和熏陶，促进受教育者的和谐发展。[2]

二、艺术教育与审美教育的关系

1、审美教育的核心是艺术教育

审美教育的核心是艺术教育，但审美教育不只是艺术教育。首先，艺术教育是审美教育的核心，这是由艺术教育的本质属性决定的。艺术教育的本质是审美，只有突出了其审美的本质，艺术教育才能够塑造出美的灵魂，才能培养出受教育者的感知力和理解力。滕守尧认为，艺术教育并不是专指某种艺术技能的教育，而归根到底是培养受教育者的一种有机的和整体的教育。这种教育使学生置身于审美活动之中，获得审美愉悦体验，体验到一种具有节奏性、平衡性和有机统一性的完整形式。

2、艺术教育是审美教育主要途径

审美教育的内容和途径有许多种，其中艺术教育是其最主要、最根本的途径，也就是说艺术教育是培养大学生审美修养、人格品质的主要内容和途径。正如前苏联著名美学家斯托洛维奇所说的:“人的审美教育可以通过多种途径实现，但是不能不承认，艺术是对个人目的明确地施加审美影响的基本手段，因为正是在艺术中凝聚和物化了对世界的审美关系”。可以这么说，艺术教育和审美教育的关系十分密切，没有艺术教育，就没有审美教育，更说不上审美修养的培养。

3、美育是艺术教育的直接目标

虽然艺术教育与美育在根本目标、具体任务、实现途径等方面不同，但艺术教育的直接目标是培养大学生鉴赏美、创造美的能力的，这和美育的目标非常符合。素质教育是现代普通高校教育的最终目的，而审美修养是大学生综合素质中不可缺少的组成部分。美育的目的是使大学生树立正确的审美观，提高鉴赏和创造美的能力。

三、审美教育在艺术教育中的作用

美育在人类生产实践中形成和发展起来的，既是人类认识世界、改造世界的重要方式与手段，也是一种特殊的美感教育。审美教育的内容包括自然美、社会美和艺术美，其中对艺术美的追求是人类最主要而集中的。

首先，美育以塑造鲜明而感人的形象为物化手段。在美的实践环节中，美的欣赏、美的创造都不能离开形象，因为美的事物具备动人可感的个别形象。离开了艺术形象，美就失去了存在的依据所。著名的文学作品《钢铁是怎样炼成的》，主要描写了英雄人物保尔•柯察金，作品中保尔的奋不顾身的斗争精神，而且顽强的革命意志塑造了主人公崇高的人物形象，使读者深深地受到教育和感染，影响了一代又一代的苏联青年和中国青年。

其次，艺术教育是美育的核心。由于艺术教育培养着受教育者的感知、洞察与想象能力，具有以情感人、潜移默化、寓教于乐等特点，使得艺术教育成为了审美教育的主要内容。美的形态有很多种，其中艺术美是美的集中表现形态。在创造和欣赏美的能力的培养上和促进人的全面发展方面，艺术美具有极其重要的作用和意义。

最后，审美教育的最终功效是陶冶人的情操，使受教育者在潜移默化中受到教育。通过审美教育，大学生能更好地处理人与人、人与社会及人与自然之间的关系，更能够对他们健康的心理的培养起到重要的作用。在审美教育中，大学生可以根据美的形象的塑造，增强情感的交流和人际关系沟通的能力，丰富自身的知识体系，从而达到审美修养的提升和创新能力的培养。

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中图分类号：J701 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）11-0136-01

舞蹈作为一种通过人的身体动作传达艺术的形式，在表演当中能够反映出人物的生活、思想及情感，舞蹈不但能够根据身体的动作来进行情感的表述，还能够通过动作和舞者所处的政治环境、经济环境等联系在一起，所以笔者认为对身体审美及舞蹈艺术的关系研究，主要应该研究二者的现实价值。

一、舞蹈艺术中身体审美的特征

（一）身体是舞蹈艺术呈现的载体

身体的形态变化造就了舞蹈艺术，再辅以一定的节奏和韵律就能够将舞蹈所要传达的思想和情感传达给观众。那么身体作为舞蹈艺术的载体，应该要保证身体动作的流畅性、连续性、节奏感及韵律美，只有这样才能够使舞蹈这种艺术形象更加完美。

（二）身体是舞蹈艺术传达感情的渠道

舞蹈来源于生活，但舞蹈并不是将生活中人物身体动作进行简单复制，而是对生活进行了创作和整合，通过艺术形式进行展现。舞蹈虽然不如语言表达感情直接，但却比语言有更多的感染力，有的时候甚至超过了语言，可以说身体作为载体为舞蹈艺术进行感情的传达提供了有效的渠道。

（三）身体的节奏感带来了舞蹈艺术的节奏感

舞蹈表演是节奏感较强的艺术形式，而这种节奏感实际上是通过身体的节奏感来表现的，身体根据音乐而进行动作的变换，从而将舞者内心情感的起伏呈现出来。例如孔雀舞，舞者在音乐的指引下，利用肢体动作的变换呈现出了更多的韵律美，使得舞蹈更具节奏感。

二、舞蹈与身体审美二者关系分析

（一）舞蹈艺术激发出了人类对身体的审美意识

西方艺术中，人体艺术强调真与美的结合，对形式美的呈现更为关注，而我国更为强调的是善与美的结合，是一种对人伦的鉴赏、对人的气韵的传达、对人的神韵的表现。人的直立行走为身体的审美提供了基础，丰富的体态语言下产生出了对身体的审美评价及审美观，于是人类在面对未知的身体动作及已知的动作的时候，有了对身体审美的意识。一连串的舞蹈动作将人类的情感和思想表达了出来，但是这些情感和思想从根本来说还是透过身体动作来展示的。

（二）舞蹈艺术能够有效地塑造身体

舞蹈艺术是由塑造身体开始的，而身体的健美就是通过舞蹈来实现的。例如芭蕾舞要求舞者的头和身体、大小臂等的比例都要符合黄金分割律，只有符合这点舞者在表演的时候才能使视觉形态更加完美和谐。当前人们已经认识到了舞蹈对于人身体发展、健康、塑造方面的作用，例如拉丁舞、普拉蒂舞蹈等的盛行，就是基于人们认识到了舞蹈对人身体的塑造作用。舞蹈的学习过程当中，例如手位训练，要求手臂要呈现出波浪式的舞蹈动作，脚尖要进行华圆训练，腿部主要是进行各种跳跃的动作训练，这些训练的目的是有效调节身体的姿势，这样就能够实现对身体的塑造。

（三）舞蹈艺术和人的身体审美二者是相互依存的

1.身体衔接着舞蹈和多种关系：例如古代巫术比较盛行，而巫术的表达则是通过身体动作来实现的，所以这时候身体就成为了舞蹈与巫术之间的纽带。同时随着古代巫术的发展，舞蹈艺术也随之取得了更大的进步，并且成为了当前人类内心情感表达的方式和途径。

2.身体审美和舞蹈艺术都具有着丰富的民族文化内涵：我国的舞蹈艺术有着深厚的文化和历史底蕴，并且在长期的历史发展中形成了较为完备的体系，而实际上在舞蹈艺术形成之前，人们的身体动作相对是较为拘束的，而随着人类需要表达的思想的增加，将思想融入到了身体当中，将人与自然、人与人等的关系利用身体的动作展示了出来，这也就是说不管是舞蹈艺术还是人身体的审美都凝聚了大量的民族文化内涵。

3.身体审美为舞蹈艺术的发挥创设了意境：舞蹈是否美和人的身体审美有着直接的关系，身体的审美传达的是一种意境上的美，一方面舞蹈者通过身体动作去表达感情，另一方面舞者通过不同的舞蹈展现出了需要展现的舞蹈意境，在身体所创设出的意境中进行情感和思想的表达。

三、总结

不同的历史时期人们对于身体的审美是不同的，而以身体为载体的舞蹈艺术也随之变化，身体审美不仅是舞蹈艺术呈现的载体、舞蹈艺术传达感情的渠道，身体的节奏感还为舞蹈艺术带来了节奏感，舞蹈艺术激发出了人类对身体的审美意识的同时还塑造了人类的身体，而身体审美则为舞蹈艺术的发挥创设了意境。另外二者还都具有着丰富的民族文化内涵，这些关系使得人们在舞蹈创作和舞蹈艺术的展示过程当中，更加重视身体审美的作用。也就是说舞蹈通过身体审美，将韵律及超越性更好地展示了出来，使得身体审美和舞蹈艺术都有了更多的发展空间。

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教学具有不可忽视的艺术价值，艺术则具有不可忽视的通过教学过程体现的教育价值。教学活动和艺术活动同属人类的创造性劳动形式，教学的创造性决定了它的艺术性。

教学艺术的正式提出，首推捷克教育家夸美纽斯。他在其《大教学论》一书中说：《大教学论》阐明“把一切事物教给全人类的全部艺术。”

“艺术，是人类按照美的规律创造世界，同时也按照美的规律创造自身的实践活动。艺术是人类能动的、创造性的实践力生产出来的精神产品。艺术创造的目的，主要是实现它的审美价值，它要满足的是人们心灵的渴求和精神上的需要，要唤醒的是人们超越美学贫困的自创力。”（孙美兰，《艺术概论》，高等教育出版社，1989.1）所以教学艺术的本质特性也必然是审美的，是一种具有创造性的意识形态和生产形态。教学艺术活动必然要按照美的规律去培养和造就具有创新意识和创新能力的人才。教学艺术活动必然是能够真正体现美的活动，必然是师生高度追求美的活动。所以，审美性是教学艺术的核心。没有教学美的存在，没有使受教育者在教学活动中获得真正的美的享受，就谈不上教学艺术的体现。

一、教学艺术的审美性

教学艺术的审美性，是指教师自觉地运用美的尺度去指导教学活动，一切教学行为都渗透着美的形象、美的情感、美的趣味和美的创造，使教学本身成为审美的对象，学生能够在教学过程中欣赏美、体验美，在学习知识、获得能力的艰辛中始终伴随着教学艺术美的享受，从而具有轻松愉快积极向上的良好心态。

（一）教学艺术的审美性使教学具备了神奇的综合魅力

教学艺术具有激情夺魄的魅力，这是教师有意识地按照美的规律和原则进行教学的结果。这就使得教师的课堂教学艺术本身成了审美的对象。教学艺术美的最大特点是对人心灵的影响。面对充满浓郁的美的气氛的教学活动，学生会沉浸在具有艺术魅力的教学活动之中，在体味教学的艺术影响的同时，默默地接受着新思想、新道德、新知识、新情趣。由此，他们的视野拓宽了，人生的台基加高了。他们在欢愉的心境中开发了认知、记忆和思维、想象的心理机制。虽然他们对教学艺术美的心理反映各异，但从教师的富于哲理的又饱含艺术趣味的教学中，激发了学习的兴趣，明确了人身的价值和自身的责任。他们与学习建立了和谐的关系，学习的目的明确了，愿望和信心都增加了。正如有人所说：听上海特级教师于漪的语文课，知识会像涓涓的流水，伴随着美妙的音律，流进你的心田，潜入你的记忆。她的学生也说，听于老师的文学课是一种美的享受，一堂课往往几年、十几年不忘，它不光影响着自己的审美观念的形成，而且对自己的品德的培养，未来工作的选择，都产生积极的作用。这正形象地说明了，教学艺术的审美性使教学具备了神奇的综合魅力，给学生带来了审美感受，并引发了学生心底的审美效应，产生了潜移默化的影响。

（二）教学艺术的美是内在美和外在美的有机统一

教学艺术的内在美主要是教学本身的各要素具有科学美。科学美来源于自然美，但它不是指大自然的美的景色，而是指潜藏在感性美之后的理性美，并为理智所能领悟的自然界内在结构所显示的和谐、秩序、简单、统一的美，是审美者通过理解、想象、逻辑思维所体验到的美。教学各要素的科学美主要包括教学内容的清晰性，教学目标、教学内容、教学方法、教学评价之间的逻辑关系的清晰性。我国学者提出的审美化教学论认为，要使教学内容逻辑清晰化，必须首先使教学内容知识点清晰化。教学内容的知识点就是该学科知识体系中的理论逻辑基础，即概念或原理。教学活动中的不成功的例子，多数是由于呈现的知识结构不尽合理而造成的。教学活动中概念的教学不到位或者概念之间的关系阐述不清晰，学生就难以在头脑中形成完美的逻辑图式，因而就难以顺利地完成信息的逻辑加工，学生的学习自主性也就无法调动起来。教学内容的逻辑清晰化除了一门学科的概念之间的联系外，教师还要注意不同学科知识之间联系的清晰化。另外教学艺术的内在美还应包括教学目标、教学内容、教学方法、教学评价之间的逻辑关系的清晰化。这就要求教师不能孤立地制定教学目标、选择教学内容、实施教学方法或形成教学评价。

教学艺术的外在美主要指教学表达的形式美。诸如诙谐幽默，抑扬顿挫的教学语言美；层次清晰，简洁明快的板书板图美；水到渠成，天衣无缝的衔接自然美；有张有弛，劳逸结合的教学节奏美；起伏有致，疏密相间的课堂结构美；启发诱导，虚实相生的教学方法美；突破时空，回味无穷的教学意境美等等。

思想家、教育家孟子曾说：“充实之谓美”。可见，教学艺术对美的追求不应流于形式，只有以内在精神美为根本追求，将内在美与外在美有机结合起来，教学艺术才会焕发出整体美的风采。

（三）教学艺术的审美性与教育性是紧密结合的

审美观因人而异，不同的人对美的认识不同，因而其审美情趣也就大不相同。所以每个教师都会有自己的教学审美观。有的教师受传统思想的影响，只看到教学活动的教育价值，而忽视其审美意义。在他们看来，除文学、美术、音乐等传统的美育学科外，其它学科的教学基本上与美无关，无美可言，这是一种狭隘的教学审美观。有的教师则正好相反，他们在教学过程中片面追求美的成分，为美而美，不考虑教学的实际效果，这是一种唯美主义的教学审美观。教学艺术的审美价值与教育价值应当是有机统一的。离开了教学艺术的教育价值，其审美性就没有生命力了。因为教学艺术的审美价值仅仅是充分地发挥其教育价值的有效手段。所以，审美价值不过是教学艺术存在的必要条件，没有它就难称其为教学艺术，而有了它，也未必就是教学艺术。前苏联教育家巴班斯基曾经指出：一堂课之所以必须有趣味性，并不是为了引起笑声，趣味性应该使课堂上掌握所学材料的认识活动积极化。教学中的趣味性应该引导学生去研究问题，而不是诱使他们把问题撇在一边。

二、教师的审美素养

教师的审美素养由教师的审美观和审美能力两方面构成。

（一）教师的教学审美观与教学艺术的审美性

教师的审美观在教学领域内具体表现为教学审美观。所谓教学审美观是指教师在教学实践中形成的关于教学美的理性认识，是对教学审美现象的基本看法和观点。其主要内容包括教学审美趣味、教学审美理想和教学审美标准。教学审美趣味是教师在教学实践中对各种具有审美性质的事物和现象所表现出来的主观偏好和兴趣，它在一定程度上标志着教师审美能力的发展水平，反映了教师的审美修养和审美经验所达到的程度。教师审美理想指的是教师对美的教学境界的一种观念和蓝图，它体现着教师进行教学艺术创造的目标，激励着人们追求和创造教学艺术的热情，吸引着人们为创造更加美好的教学而努力。教学审美标准是衡量和评价教学现象的美丑及其审美价值高低的尺度。教学审美标准是客观存在的，作为教学审美过程中的理想因素，它是教学审美主体对教学审美客体的能动反映，是由教学审美经验上升到教学审美理想的结果。教学审美标准为人们的教学审美实践所规定，又不断受到人们的教学审美实践的检验和修正。一般说来，每个教师都具有自己的教学审美观。作为教学艺术创造的主体，教师的教学审美观直接影响教学艺术创造的性质和价值。正确而高尚的教学审美观对于教学艺术美的创造具有重要的指导价值和促进意义；反之，错误而庸俗的教学审美观则会阻碍教学艺术美的创造和发展。

（二）教师的审美能力与教学艺术的审美性

审美能力即人们感受、鉴赏乃至创造各种美好事物并将之表现出来的一种能力。作为人类独创的教学活动，其各个要素以及各个方面都蕴含着丰富的审美内容，所以，教学领域理应成为充分展示美的重要场所。作为审美主体的教师能否发掘、展示这多姿多彩的美，关键在于他们是否具有较高的审美能力。如果缺乏起码的审美能力，就会对教学中美的事物、美的现象无动于衷，或熟视无睹，或充耳不闻；而如果具有较高的审美能力，则会经常以艺术的态度对待教学，以审美的眼光观照教学，从而易于发现教学中的丰富多样的美。教师的审美能力还直接影响到教学艺术的创造。优秀教师与一般教师的重要差别，可能不是他们所具有的知识、技能或道德水平，而在于他们的审美能力。在优秀教师的教学中，往往都有取之不尽、用之不竭的美的资源，他们都能充分地发挥其作用，使学生在掌握知识、培养能力和陶冶品格的同时，还能获得精神的愉悦和美的享受。

综上所述，教学艺术美的创造与教学艺术水平的提高都要求教师具有较高的审美素养。而教师审美素养的提高与完善则有赖于后天的审美实践活动。十九世纪法国伟大的雕塑家罗丹说过：“美是到处都有的。对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”所以，对于提高教师的审美素养来说，最重要的是在教育教学实践中直接感知美的事物，接受美的陶冶，进而积累有关美学知识，使自己对美的认识由感性上升到理性，从而达到不仅能够欣赏美、领悟美，而且能够创造美的境界。

参考文献：

［1］夸美纽斯.大教学论［M］.人民教育出版社，1997.

［2］孙美兰.艺术概论［M］.高等教育出版社，1989.1.

［3］李宇升，张谦.教育艺术比较论［M］.天津大学出版社，1998.8.

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21世纪是信息高速发展的时代，同时也是认知多元化和审美多元化的时代，在过去，艺术代表的是至高无上的一种追求，是一种灵魂上和心灵上的享受，艺术之所以能够成为艺术就是因为能够真正懂得欣赏的人才能够理解这其中的精髓。但是当代社会对于艺术的审美却发生了新的变化，崇尚流行性、标新立异和表面化，这反映出当代社会新一代人内心的浮躁和不确定性。

一、艺术与审美的概念

（一）艺术的概念

艺术从出现的那天开始就不再是两个字组成的词，通过分解两个词的意思可以得出，“艺”字当属于人们所表现出来的才艺和才能，而“术”字所包含的意思就是技术和技巧。随着人类社会和世界的不断发展慢慢就演化成了人们对于美的欣赏和理解。

（二）审美的概念

审美从字面上理解的意思就是对美的看法，联系着人类与社会的情感关系，是把自己的喜好和对是非的评判标准灌注其中，对创造美的人给予的一种感情上的认可和回应。

二、当代艺术的审美现状及发展走向

（一）崇尚流行性的大众审美

大众审美与审美的大众化是两个根本不同概念，大众审美指的是流行性的审美，在短暂时间内具有一定的消费价值，但是大众审美过时的也比较快，过了流行的时间就会变得一文不值；审美的大众化指的是能够被大众所理解的美，但不是为了消费而生。

1.偏向于消费型艺术。消费型的艺术单纯为了消费而生，例如很多知名的画家举办各种画展就是榱税炎约旱囊帐醣湎郑这就是为了消费而生的艺术。消费型的艺术都有一个共同的特点那就是迎合某一个阶段的大众品味，而自己对艺术的理解在大众品味之后，从目前比较低俗的流行歌曲、消费型艺术品、恶俗的书刊中我们都可以看到消费型艺术的身影。从中我们不难看出大众的艺术审美已经在消费型方向上越走越远，而且越走越深。

2.流行化审美趋势严重。当代艺术审美的走向中流行化审美趋势比较严重，也就是说对于艺术作品的感知能力受到流行文化的影响很大，流行文化相对于经典文化来说是短暂存在的，从某种程度上来说就是快餐形式的艺术欣赏，过了这个审美的流行时代艺术也就失去了其存在的价值。但是偏偏目前大众对艺术的审美方向越来越趋向于流行化的审美，只要是流行的艺术作品什么都是好的，哪怕在艺术水平上没有达到应有的价值高度，但是还是被大众炒卖出天价艺术作品来，这是一种非常可怕的艺术审美走向。

（二）艺术审美畸形现象普遍

1.标新立异受到欢迎。当前社会上的中坚力量是80后和90后的年轻人，他们在审美上的诉求是非主流，也就是标新立异的艺术感觉，所以当下的艺术审美走向中标新立异的艺术更受到年轻一代人的欢迎。标新立异的艺术指的就是在思想上很新奇一般人所不能够理解或者一般人根本就无法体验到的一种艺术，属于一种新生代追求的艺术形式，也有可能成为未来社会的主流审美趋势，但是过于标榜标新立异和与众不同就显得个人审美畸形化，世界上的艺术有其本身的规律和价值，标新立异并不代表艺术上的造诣，这与艺术本身是相悖而言的，是一种畸形的审美走向。

2.艺术审美流于表面化。艺术是一种处于灵魂之上的精神，不是我们表面上看到的美就可以称之为艺术，也不是一时流行的画风或者歌曲就是艺术，真正的艺术是灵魂深处的烙印，不是所有人都能够欣赏上去的。但是随着我国经济的不断发展人们的生活水平不断提高，很多人都想在艺术上拥有一定的造诣，包括艺术品收藏和艺术事业的从业者，这就造成了艺术审美表面化现象严重的情况，认为只要是美的就是艺术，把艺术欣赏审美当成是表面上的美，忽视了其内在蕴含的深意。

（三）片面追求哲学意义上的艺术审美

世界上任何一个领域都是有关系的，不可以割裂开来存在同样艺术和哲学也是这样的，从哲学领域来看艺术有着很高的思辨及思考价值。但是到了当代社会艺术和哲学的关系被曲解的很严重，很多艺术家都把自己作品极尽哲学化，把具体的美转化成抽象的图画，但是美是有很多种的，这种片面追求哲学的艺术审美让大众很难懂得其中的含义，甚至根本看不懂所谓的艺术。如果艺术家都让自己的作品成为哲学意义上的艺术，那么美是不是没有区别了呢？每一位艺术家都应该有自己的表现方式而不是趋同于哲学，而且抽象的艺术也不是多数人所能够理解的。

三、当代审美现状及走向出现的原因

（一）思想普遍浮躁

随着社会的不断发展和变迁人们的思维也发生了根本性的变化，从当初物质贫瘠年代的朴实无华到现在追求物质生活忽视精神生活，很多人的思想都变得越来越浮躁了。而这种浮躁的思想也同样影响了人们对艺术的审美，都开始追求自己不能理解的东西，把对艺术的审美追求当成炫耀的资本。

（二）社会主体人员结构发生了重大的变化

我国的社会主流人员结构从2000年左右开始发生了重大变化，这个时期80后走向了社会开始工作成为社会中的主体人员，而80后的一代与之前人们的思想有着根本上的不同。他们生长在一个物质社会之中，习惯以金钱的价值来衡量艺术的价值，也就是说这个时候消费型艺术已经开始正式走进了人们的生活，审美走向畸形的方向是不可避免的。

（三）受到西方审美的影响过重

1.西方文化的优势被过度放大。在艺术领域中国和西方有着本质上的不同，这是因为中西方本身对艺术的理解就不相同而且文化上也有着根本的差别。但是艺术上不存在好坏和优劣之分，只是思想和主旨的不同而已，在西方文化大量进入国内之后很多人开始认为外来的就是好的，外来的艺术在造诣上就一定是超过国内的，而且直到现在为止受到西方审美影响过重导致的畸形思想依然存在，西方文化的优势被过度放大。

2.中国传统文化被遗忘。每个民族每个国家都有不同的艺术审美观点，这是与民族文化关联程度较深的，而在对艺术的审美上之所以会出现上述的现状主要是因为我国的传统文化思想被遗忘大家开始竞相追逐西方文化中对美的看法时也把国内最传统的东西丢弃了。所以才会出现审美走向的偏差，才会致使艺术审美变成了利益和消费。

当代艺术的审美走向中出现了很多的问题，从根本上说是社会原因和人们的思想原因造成的，不同的社会背景下人们的审美观念自然会有所不同，当代艺术审美现状中存在的问题是急需解决也是必须解决的。

【参考文献】

[1]周建萍.“美是生活”与“日常生活的审美化”――由车尔尼雪夫斯基的美学理论想起[J].湖北师范学院学报（哲学社会科学版），2006（05）.

[2]刘悦笛，许中云.当代“审美泛化”的全息结构――从“审美日常生活化”到“日常生活审美化”[J].西北师大学报（社会科学版），2006（04）.