古典艺术的特点模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇古典艺术的特点，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

摘要： 中华民族的舞蹈文化源远流长，是其凝聚力和创造力的集中体现。本文主要研究了中古典舞的艺术特征，并提出了笔者的看法和认识。

关键词 ： 古典舞；身韵；艺术特征

中图分类号：J70 文献标识码：A 文章编号：1006-4311（2015）03-0319-02

作者简介：刘建新（1970-），男，河南周口人，周口职业技术学院公共艺术教研室主任，讲师，研究方向为合唱指挥。

1 古典舞的实质与特点

中国古典舞是历代舞者经过不断的实践、演化和提升而形成的具有独特风格的舞蹈，是我们各民族代代流传至今的古代具有典范意义的舞蹈。古典舞是一种文化，学习并了解我国古典舞蹈艺术，有利于提高自身文化修养和对祖国文化艺术的认识与热爱。同时，舞蹈不但是一种艺术形式，也是一种文化形态，无论在古代还是在今天都有其独特的魅力和价值。在漫漫的历史长河中，中国古典舞以它特有的方式屹立于世界的东方，成熟而且自信，这种独特的文化样式不同于世界任何国家，历久弥新。

1.1 古典舞的实质 中国古典舞的历史文化漫长而悠久。无论是中国古代宫廷舞蹈或者是更为遥远时代的民间舞蹈都可以追溯到它的渊源。我国自周代至唐五代都设有专门的乐舞机构，以培养专业的乐舞人员。乐舞机构主要负责整理和加工具有浓郁地方特色的舞蹈，并吸收和借鉴民进舞蹈和宗教舞蹈中的一些精髓。宫廷舞蹈就是在这一阶段产生的。其中比较著名的舞蹈主要有周代的《六代舞》、唐代的《九部乐》和《大曲》以及《乐部伎》等，其风格特色各有差异。其中，女乐是宫廷舞蹈的主要内容，十分受统治者的重视。宫廷舞蹈作为统治者歌功颂德的宣传工具，历来以统治者的审美趣味为标准。因此，有相当一部分舞蹈作品的内容和风格存在片面性，无法代表当时整个社会的舞蹈审美倾向。但多数舞蹈作品是众多艺人辛勤整理和创作出来的，是传统舞蹈艺术的精华所在。

而到了宋元之后，战乱不断，整个社会处于一片动荡之中，文化艺术的发展受到了严重制约，舞蹈艺术也是如此。汉唐时期很多著名的舞蹈都在战乱中消失了，造成的损失不可估量。在这一阶段，宋代舞蹈逐渐兴盛和发展起来。同时，歌舞艺术也逐渐被戏曲的形成和发展所代替。到了元代，宫廷乐舞与滑稽戏、角抵戏、白戏等结合起来，形成了戏曲。戏曲具备了舞蹈、美术、音乐等多种因素，是一门较为全面和综合的艺术形式，深受当时人们所喜爱。而到了明清以后，社会矛盾更加复杂，而这诸多的舞蹈素材则由这复杂的社会所产生，从而才使舞蹈进一步得到发展和提高[1]。因此，学习者要想更好地掌握古典舞的艺术特征，就必须从整体上了解和把握艺术实质，熟悉其各阶段特点，明确其价值与作用。

1.2 身韵在古典舞中的重要性 “身韵”相当于书法中的笔体或者建筑中的风格。学习了身韵可以让人的形体更加优美、柔和、张弛有度，而且在形体上也有很好的表现力，从而赋予人一种独特的气质。舞蹈身韵是每一个舞蹈演员毕生所追求的可望而不可及的舞蹈神韵，也是最基本的东西，如果身韵不好，很多舞蹈演员演绎出的舞蹈也只是徒有虚表，更无意境而言，只有掌握了舞蹈风格的身韵，才具备了舞蹈的神似。继而就可以淋漓尽致地展现自己所要表达的舞蹈的特有风格。

2 对古典舞艺术特征的初步认识

2.1 形——古典舞之美的传达媒介 “形”是指人舞蹈形体表现的动作。形态是舞蹈艺术精华的具体展现，其变化与衔接无一不是舞蹈艺术的体现。因此，“形”作为舞蹈艺术的基本要素之一，既是表现其艺术魅力的主要表达载体，也是古典舞美感的传达媒介。

众所周知，“形”并非一般意义上的人体动作，而是从日常生活中选择、提炼、加工、改造、演化而形成的一种具有程式化、形象化的舞蹈语言。学习者要想深入了解和掌握古典舞艺术的审美特性，就必须分析和明确其各部分舞蹈造型的具体含义，并通过多次练习展现其特有的艺术美感。常见的古典舞动作主要有拧、倾、翻、俯、仰、卷等，各动作给人的审美感受不同。其中，圆、曲、俯等形体动作代表一种含蓄柔韧的气质美，而翻、仰、倾等动作较为大气，是一种刚健挺拔的阳刚美。要想掌握整套古典舞动作，练习者必须具备较强的肢体协调能力和动作记忆能力，并按照各舞蹈的形体要求进行多次尝试训练。

2.2 神——舞蹈的灵魂 古典舞讲求形神合一，即舞者必须将整套舞蹈的神采和气韵融入舞蹈动作当中，体现其艺术灵魂。练习者只有正确而精准地领会了神，才会赋予形以生命力。人们一直为中国古典舞的内在韵律感蒙上了一层神秘的面纱，虽然圆字是被人们最早所公认的，但究竟有着怎样的运动规律存在其中却不得而知，而从事古典舞的人们长期困惑的问题便是身体及手臂的运行轨迹。“三圆理论”是古典舞界中一个非常著名的舞蹈理论，此理论将舞者在整套古典舞中身体的运动过程精准地分为立圆、横圆和8字圆三种基本类型。因此，练习者可以深入认识古典舞的内在规律，理顺其运动思路，为其舞蹈学习打下坚实基础。

2.3 劲——赋予了动作的外在节奏 “劲”即舞蹈外部动作体现出来的层次结构和力度，它是人体运动规律的体现。比如运动时点中之线（即静中之动）或线中的点（即动中之静），都是由劲才得以淋漓尽致展现的。劲自始至终地贯穿于舞蹈的动作中。

根据劲力度和幅度的不同，我们可以将劲分为以下几种：①刚劲：其力道强度大，运动幅度大，且持续时间短。刚劲的气较为饱满，主要出现在舞蹈亮相时，其爆发性极强。②脆劲：其力度大小适中，爆发力和气度一般，短促有力，给人以轻快洒脱质感。③寸劲：力度较小，同时其幅度也较小，但弹性极佳，显得伶俐而干净。④韧劲：实现了刚柔的完美结合，它可以将其力道蕴含至每一块肌肉当中，力量较强。⑤柔劲：张弛有度，配合呼吸进行，其特点是收放自如。

2.4 律——赋予古典舞特殊的审美性 “律”这个字包含动作中自身的律动性和运动中依循的规律这两层含义。一般来说动作间的衔接必须要流畅，这样所作动作便有行云流水，一气呵成之感，这便是动作之正律。而正律的对立面就是反律，其经典动作如双晃手。舞者要想准确掌握古典舞的艺术特征与精华，就必须明确其动作变化规律，了解其审美性，顺应舞蹈进行规律，将各部分动作有机组合起来，充分发挥人体潜能，不拘泥于陈旧的舞蹈表现形式，从而展示出鲜明的民族特色和深遂的艺术魅力。

3 古典舞的学习心得及其体会

3.1 系统地学习古典舞 要想系统地学习和掌握古典舞的内在艺术魅力，深入了解各动作间的深层联系，练习者就必须充分运用舞蹈中的“气”，即利用控制和调节生理呼吸的方式展现舞蹈的体态艺术，从而展现优美的外部舞蹈姿态。气是舞蹈形体训练的重要组成之一，它赋予了舞蹈艺术独特的表现力。中国古典舞将气作为其展现外部姿态的主要推动力。因此，舞蹈练习者可以强化形体训练，熟练掌握气的运用方法，将身体动作的扩展与吸气和呼气联系起来，实现二者的有效配合，从而展现中国古典舞所特有的气韵。

3.2 气息是表现舞蹈情感的一种方式 舞蹈中的气息与人们日常生活中所需的呼吸有着天壤之别，舞蹈中的呼吸是指人的生理呼吸在形体动态中的艺术化投射，是一种经过艺术加工和处理的状态。气息的运用不仅是舞蹈中最基本的，也是对整个舞蹈起着推动作用的推动力。而气息却又不是孤立存在于舞蹈中的，它往往完美的融合在舞蹈动作中。不论动作简单与否，都需要气息的配合。总的来说，气息的表现方式是多元化的，气息与舞蹈表现情感的关系也是多元化的。因此，气息作为舞蹈情感的一种重要的方式也是有迹可循的。

参考文献：

篇2

沃尔夫林以“古典艺术”一词来表征盛期文艺复兴艺术，也即 16 世纪艺术。与之相对应，他以“古风艺术”一词来表征早期文艺复兴艺术，也即 15 世纪艺术。“古风艺术”和“古典艺术”是借自温克尔曼在《古代艺术史》中发展而来的艺术史分期概念，沃尔夫林也籍此表明他所坚持的论点：文艺复兴时期，尤其是文艺复兴盛期是艺术发展的巅峰期，其独一无二的价值可以与古希腊艺术比拟。这种观念是与人类长久以来的普适价值观相联系的，它反映了人类自古以来最习以为常的观看世界的方式。

沃尔夫林认为，“古风艺术”拙朴天真，富于生活气息，于描绘中显现出对生活的热情，其表达是远未完备的，但又预示了在巴洛克艺术中将要展现出来的东西：运动。而“古典艺术”精炼集中，于理想化的艺术形象之中反映成为“完美的人”的生活理想和相应的审美理想，平静而高贵，庄严而持重。古典艺术的完美性源自对文艺复兴时期社会精英人士的生活理想的认识，而社会精英人士的代表就是拉斐尔、卡斯蒂利奥内伯爵等。

沃尔夫林在盛期文艺复兴――古典艺术中，不仅发现了“新的形式”，也发现了“新的理想”和“新型的美”。 ①他认为，相对于 15 世纪的早期文艺复兴艺术，这样的美更为平静、厚实、宽阔，所描绘的空间和其间所布置的物体间建立起新的关系，坚实的刻画形成鲜明的体量感，庄严持重。他从以下几个方面入手，诠释了堪称完美的“古典艺术”相较于文艺复兴早期“古风艺术”所表现出的不同审美体验。

一、古典艺术的审美特征

1、稳健简单的尊严美。与15世纪将人物动作处理得优雅、矫饰以及过分讲究不同，16世纪艺术体现的是一种稳健、简单体现人的尊严的审美风格，在绘画中，“人物的姿势越发稳重，那些过度装饰、生硬造作和立脚不稳的缺点已被克服。”②除此之外，16世纪的艺术恢复了古典艺术中对“体现坚强气质的有力动态的兴趣”③，在艺术表现中注重力量和生命力的表现。

《自画像》是拉斐尔作于 1506 年的一幅作品，是他早期创作的典型风格。与其他几幅成熟期的肖像画相比，这幅作品轮廓线缺乏变化，尤其是肩膀、帽子、脖子，不能很好地形成圆润过渡，略嫌生硬单薄。而其成熟期的《一个妇人的肖像》，通过强烈的明暗对照，形成了鲜明的视觉焦点，这个焦点就是眉宇和鼻梁的明暗转折处，我们可以感觉到，寥寥数笔就能将眼窝和鼻梁连接起来。在 16 世纪，这样的连接所形成的强烈对照总是得到强调，艺术家将表情线索汇聚于一个单纯的整体，这或许就是 16 世纪艺术稳健风格的秘密所在。沃尔夫林指出，这种美是以人的尊严观念为基础的。

2、丰满厚重的成熟美。在16世纪，丰满、厚重成为新的审美理想。15世纪，人们崇尚纤细、轮廓清晰的青春美，而到了16世纪，从前那些纤细处理的部分，被更丰满、更强壮的表现手法所替代。沃尔夫林认为，15世纪艺术体现的是青春美、而16世纪艺术则是一种成熟美的表现。这个时期，“美见于体现古想的丰满躯干的宽大臀部上，而且视觉追寻的宽大而统一的各个面。”④

16 世纪的意大利艺术开始发展比之 15 世纪艺术更纯粹、更强有力的表现，在这个过程中，主体形象的鲜明突出和空间延伸是同步展开的，对于 16 世纪的艺术家来说，其画笔仿佛就是最小的“光圈”，其画布就是最大的“景深”。人们偏爱紧凑、坚实、厚重之美，这并不与雄浑开阔的图像空间的要求相抵触，因为重要的是表现得充实，而不是题材的实际面积如何广大。

15 世纪的趣味是画得“漂亮”，16 世纪的趣味是画得“结实”。而且，主体形象之间开始更为紧密地联结，形成统一的整体。譬如拉斐尔的《圣母和圣子》，画面的水平线被压低，三个人物间形成一个三角形的团块，其充盈的体量感，通过与波拉约洛《圣塞巴斯蒂安的殉教》纸片一般的人物相比可以一目了然。

3、稳重庄严的细节美。在细节的处理上，16世纪绘画在对人物的细节的刻画上，相较于15世纪而言更为工整，给人一种稳重庄严的审美感受。比如在对人物的发饰的处理上，15世纪时期“趋于划隔分股的发型和细致的装饰倾向”，以及“改变前额的自然框架，超出原来的发际线而扩大前额的面积”，而16世纪则“更喜欢单一体块的简单发式的欣赏趣味”，“头发表现为梳得光滑服帖、有条不紊的体块”，并“以清晰的水平线作为前额与发型的分界线” ⑤，这两种不同的处理方式，就造成了前者娇揉而后者自然的视觉感受。在16世纪，艺术家在创作时追求“重量感和节奏感”，15世纪人物画中修长的颈脖，在这个时期由戴有沉甸甸的项链的粗壮脖子所替代，而原本那些“编织复杂图案的衣料”则变成了“具有重量感的能产生大效果而不必近观细察的衣料”，由此来凸显人物尊严而高贵的神采。

4、简朴庄重的空间美。古典艺术对垂直和水平轴向的强调是始终如一的，它赋予图像空间构成以稳定感、重量感和毋庸置疑的明确视域，引导欣赏者仅从一个唯一被作者确定好的角度去观看最能够反映形体常态的效果。

藏于乌菲齐美术馆的委罗基奥的《基督受洗》，是具有代表性的15世纪艺术，人物和各部分的景物都像剪纸一样，整个图像空间像是拼贴出来的，尤其是背景，就是一块紧贴在人物背后的幕布。右边中景那棵树，下半部像是和远处的山石紧挨在一起，而其上半部分由于刻画得过于清楚，似乎已经跑到前景里来了。主体人物刻画得筋脉毕露，近乎平面装饰图案。而左边的残垣断壁又压在人物背上，再次令人物嵌入背景之中。一个开阔的场景，由于缺乏有秩序的表现而显得平板拥塞。同时，人物的动作也过于局促，慌慌张张，尤其是耶稣基督被表现得像是凡人，他的身体几乎是在瑟瑟发抖，画家似乎仅是粗略地将日常生活中的行为举止排列在一起而已。

而在拉斐尔的《圣母子与小圣让・巴蒂斯特》中，远景的白云与天空融为一体，自然地向后伸展。前景圣母子和圣约翰的轮廓总的来说是清晰的，但在阴影旁边的部分相对会模糊些，使形体与气氛融合。同样，相对锐利的边缘也并非象刀刻出来的那样，而是有一个巧妙的圆转过渡，仿佛形体沐浴着空气，在委罗基奥《基督受洗》中的生硬效果被避免了。在形体与形体相接的地方，相互交搭的线条总是穿插避让，形成多种变化。其中最基本的变化就是刻画靠下、靠后形体的线条在即将与压在其上的线条相交时，会稍稍变淡，隐去刻露的痕迹，并形成图像空间局部近实远虚的空间推移。形体绷紧的一侧，边缘轮廓清晰光滑；形体松弛的一侧，边缘柔和微妙。在拉斐尔的作品中，有了明确的前景、中景、近景划分，色调对比、形体刻画的清晰程度也相应逐层递减，使形体自近处的平面向远方伸展，这样，平静与开阔联系在一起，简朴庄重的空间美感油然而生。

结语

肯尼斯・麦克利什曾说：“尽管古代社会可能是专横的，但它所提供的典范作品的情感丰富性和风格多样性，常常使它成为一个生气勃勃的社会。这种丰富性和多样性，在艺术中表现得格外强烈，因为它们所反映并使之不朽的文明的宏伟成就，赋予它们内在的生命。”⑥因此，人们总是对“古典艺术”表现出趋之若鹜的向往情怀。

沃尔夫林对于文艺复兴时期艺术的研究，不仅仅是关于艺术风格的，也是关于我们如何观看这个世界的。通过沃尔夫林的古典艺术理论，我们将清晰地意识到科学作为一个文化过程，既负载了人类对真理的永恒追求，也负载了人类永无止息的批判精神。

如果把文艺复兴艺术的全过程归纳为一个观看造型艺术历史发展的基本图式，那么通过上文的分析，可以这样说，艺术的进程既是连续变化的，又是循环发展的，在连续变化中，存在草创期、成熟期的渐次发展。无论如何，无论是15世纪早期优雅、轻盈、娇柔的艺术表现，还是16世纪盛期庄严、稳重、厚重的艺术形式，对于今天的我们而言，都是珍贵的艺术体验。

注释：

①沃尔夫林，潘耀昌译.古典艺术[M].北京：中国人民大学，2004 ：2.

②同上：第270页. ③同上：第275页. ④同上：第281页. ⑤同上：第312页.

⑥[英]肯尼斯・麦克利什，查常平等译.人类思想的主要观点――形成世界的观念（上）[M].北京：新华出版社，2004：71.

参考文献：

篇3

《故都的秋》用细腻诗意的笔触，给我们描绘了一幅风景素雅的北国秋色图。“早晨起来，泡一碗浓茶，向院子一坐，你也能看得到很高很高的碧绿的天色，听得到青天下驯鸽的飞声。”作者以味觉写出了茶的浓醇，以视觉写出了天空的高远，以听觉写出了鸟声的清脆、环境的清幽。“一丝一丝漏下来的日光”，从视觉和触觉上将日光的细碎表现得精细入微。蓝天、白云、鸟鸣、日光，衬上几朵蓝色或白色的牵牛花，再来几根疏疏落落的秋草作映衬，北国之秋的早晨简直美不胜收。这故都的秋乃是作者心中之秋，亦景亦情，以情驭景，以景显情。“像花而又不是花的那一种落蕊，早晨起来，会铺得满地。脚踏上去，声音也没有，气味也没有，只能感出一点点极微细极柔软的触觉。”这里从视觉上写出花铺满地，从触觉上写出落蕊的细、软，给读者以逼真的感受；从嗅觉上写出空气的清新，令人心旷神怡。这里寂静无人，只有作者与自然相交融，物我合一，极富神韵。

二是“清”

郁达夫的《故都的秋》中的秋色之美，是一个平民化的文人视角中的清雅秋景。故都古迹遍地，胜景如云，但作者把对于故都秋的钟情，定格到故都中最常见、最平民化的百姓家院、普通街道中常见的秋花、落蕊、秋雨、枣树、秋蝉等自然景物上，落笔于“着着很厚的青布单衣或夹袄的都市闲人”，写他们雨过天晴时用“缓慢悠闲的声调”闲谈着秋雨秋意。郁达夫把笔触定位在社会下层人民的普通生活上，这是作者平民意识的艺术体现。作者生活在平民中间，为一点点清秋的气息而沉醉，为一声声秋的啼唱而感动，决定了故都的秋有些落寞却不荒凉，有些清冷但不衰败，清闲恬静，香远益清。如故都之秋中的落蕊，本可能给人以飘零衰败的哀伤，但在作者的笔下，却是与极其细腻柔软、非常微妙的清闲联系在一起的，显得灵活隽永。作者眼中的牵牛花，“以蓝色或白色者为佳”，这不仅是在表现景物色彩，更是在物化一种淡泊清冷的心境，这里的景物完全情感化了。“扫街的在树影下一阵扫后，灰土留下来的一条条扫帚的丝纹”，令人觉得北平人细腻，但又清闲；在不知不觉之中保持了一份心灵的宁静。郁达夫的这篇散文，其特点恰恰就在于他写出了一个平民知识分子身居故都的恬静心态，意境悠远。

篇4

顾太清的词，题材和情感比较丰富。游赏、唱酬、交游、题画、咏物、咏怀等文人士大夫作词的基本媒介和主要题材，顾春都一一尝试过。太清词写得最多的是她自己的生活感触，其中有时令节序与春花秋月的咏叹、亲朋闺友的聚散、家庭天伦的欢乐等等。并且，在最能检验词人的艺术功力和灵性感受的题画词、咏物词的创作上，大量的作品是属于纪游咏物和诗词绘画的题咏，表现她生活的哀乐，感情真挚，笔法细腻。她完全可以与吴藻平分秋色。

闺秀词心思致密，往往赋物擅长。词题尤有绝韵者。西林顾太清《东海渔歌》、《定风波》序云：古春轩老人，有消夏集征咏夜来香，鹦哥纫素馨以为架，盖云村手制也。歇拍云：“闲向绿槐阴里挂，长一夏。悄无人处一声蝉。此则以意境胜，无庸刻画为工也。”[1]

一

顾太清的咏物词数量及范围在整个中国古代词坛上都是相当醒目的。她的词仅明确咏物的就有50余首，如果再加上其他题材中咏物倾向较突出者，约占近一半的数量。这些词不仅吟咏梅（《入塞·盆梅》、《辊秀球·咏绣球梅》、《玉连环影·灯下看腊梅》等）、海棠（《海棠春·海棠》、《忆秦娥·白海棠》、《定风波·雨中海棠》、《金缕曲·咏白海棠》等）、茉莉（《浣溪沙·立春前三日咏盆中茉莉》）、荷花（《凄凉犯·咏残荷，用姜白石韵》）、（《破沙蛮·端午前三日咏盆中茉莉》）、荠菜（《鹧鸪天·荠菜》、《鹧鸪天·元日咏荠菜》）、柳树（《垂柳·秋柳》）等多种植物，还咏蟋蟀（《凄凉犯·络纬》）、蝴蝶（《醉花阴·咏蝶》）等之类动物。各种手工艺品（《定风波·咏紫玉簪》、《玲珑四犯·自制凤凰衣萤灯》、《舞春风·咏花幡并序》、《浪淘沙·冰灯》、《太常引·玉簪》）、食物（《定风波·谢云姜妹赠蜜荔枝有感》）和其他事物，种类繁多。太清所咏之物多是生活中之常物，在对这些事物的吟咏中，融入了作者的细致观察和灵心慧眼。

二

顾太清的咏物词多借鉴宋人技法，特别是一些著名的咏花词的写作更是深得宋人之技巧。咏物词中，咏花技法的运用似乎从清真始。其花犯《咏梅》实堪代表，白石的《暗香》亦是如此，碧山的花犯《苔梅》、玉田的红情《荷花》也大抵如是。

以清真之花犯为例，“粉墙低，梅花照眼，依然旧风味”是写眼前景，是现在，依然二字交代清晰。“露痕轻缀。疑净洗铅华，无限佳丽”是继之的状物和抒情。“去年胜赏曾孤倚，冰盘共燕喜。更可惜、雪中高土，香篝熏素被”是转入对过去的回忆。下片开头“今年对花最匆匆，相逢似有恨，依依愁悴”又转回眼前，“吟望久，青苔上、旋看飞坠”是眼前景继之。“相将见、脆圆荐酒，人正在、空江烟浪里”是从眼前想到未来，不仅时间在变化，场景亦变，是为时间之变也。“但梦想、一枝潇洒，黄昏斜照水”是想象未来时空之人之幽思，而未来时空里的人思的却还是异时异地之人事。如此循环往复，真是百转千回。表面上写梅花，其实是在梅花的大背景下写人事，写情事，梅与情交替反复，美不胜收。这种写法的特点，是在咏物中穿插感情变化，故时空交替正好有助于此。它往往是以时间线索为主，穿插空间线索，最后达到咏物、叙事、抒情的目的。太清十分善于借鉴先人这方面的成就。

其次，太清的咏物词以语言清新自然和意境高远为其特点，尤擅长用常语来铸造新意，深入浅出，从平易流畅中见出情趣盎然。我们且来看她的一首词《长相思·咏双獾佩》：

大獾欢，小獾欢，白玉裁成两个獾。常随佩带间。肱相连，股相连，肱股相连心自安。君臣父子全。

词作于乙未，道光十五年（1835），太清三十七岁。

关于双獾佩，奕绘也有《醉太平·戏咏双欢佩》词一首同咏，表现夫妇闺房之乐。太清此词上片写出双獾佩的玲珑可爱，可体会到主人公把玩之间爱不释手的欣喜心情。下片突出其象征之意，因为它是用“白玉裁成两个獾”，象征着肱股相连之情。但末句“君臣父子全”的心愿，不免流露了词人的正统的封建伦理观念。

再次，太清的咏物词具有画意，充分融入了绘画的技法。近人张菊玲称赞她：“西林春以其擅长丹青的彩笔，倚声填词……借助文学语言，她从这些琐碎的生活中，发掘出无穷的审美情趣，给自己这样的末世贵族妇女留下了具有很强艺术真实感和动情力的真面目。”[2]如《鹊桥仙·牵牛》：

丝丝柔蔓，层层密叶，绿锁柴门小院。朦胧残月挂林梢，早已是、牵牛开满。一天凉露，半篱疏影，缥缈银河斜转。枉将名字列天星，任织女、相思不管。

此词调动了视觉、触觉和联想，一并打造了这幅朦胧静美的月夜牵牛图。柔枝、密叶、月色、凉露、疏影、缥缈的银河、美丽的神话传说，和隐身于句读中的不眠人，幽思心，真真是“心如柔丝，细过于发”。[3]

顾太清的咏物词以其独特的艺术魅力，为她在词史上的地位奠定了坚实的基础，此外，顾太清以其满族女词人的特有身份，为八旗词人群体更增添了绚丽的色彩。以纳兰性德始，而由顾太清殿其终，清代满族词人是有着一部独异的倚声之史的。

注释：

[1]况周颐撰，屈兴国辑注：《蕙风词话》，南昌：江西人民出版社，2000年版，第465页。

[2]张菊玲：《清代满族作家文学概论》，北京：中央民族学院出版社，1990年版，第235页。

[3]严迪昌：《清词史》，南京：江苏古籍出版社，1999年版。

参考文献：

[1]叶嘉莹主编，卢兴基编著.顾太清词新释辑评[M].北京：中国书店出版社，2005.

篇5

二、出于上述原因，中国古代雕塑的装饰性相当突出。这是它孕育于工艺美术所带来的胎记，无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛，南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理，使之显出浓厚的装饰性。和写实的西方宗教神像相比，中国佛像因装饰性的虚拟成分，更带有一种非人间性的神秘，但又包含一种蔼人的亲切，因为装饰性既不同于生活真实，却又是中国人在生活中无处不在司空见惯的艺术真实，所以有此效果。同时，装饰性对于增强佛像所要求表现的庄严肃穆气氛，也十分有效。辟邪石狮的整体造形，完全经过装饰化变形，犹如青铜器或玉器上的某个装饰部件。身上更有线刻图案来加强这种装饰品格。装饰性的变形处理是夸张概括的手法之一。经过这样处理过的石兽，往往比写实的雕刻石兽更威风、更勇猛，且更神圣不可侵犯，能更好地发挥它们作为建筑装饰的功能。（辟邪和石狮多为陵墓的仪卫性装饰品，用途在于显示墓主的权威。）

三、中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟，都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起，塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后，仍然“塑形绘质”，在雕塑上加彩（专业术语称作“妆銮”）以提高雕塑的表现能力。现存的历代雕塑，有许多就是妆銮过的泥塑、石刻和木雕。今天的雕塑艺术完全西化了，不再加彩，但民间雕塑仍保持妆銮传统。西方古代雕塑也有加彩，到文艺复兴以后，除宗教神像为求逼真效果，大多继续加彩外，一般雕塑不再加彩。中国塑绘不分家，导致了雕塑与绘画审美要求的一致性。在中国古代，绘画受到比雕塑高得多的重视。雕塑始终由工匠从事，文人士大夫极少参与。早期绘画的作者也只有工匠，但从东汉晚期开始，文人士大夫乃至帝王参与了绘画创作，从此成为中国古代绘画创作队伍的骨干力量。他们是国家、社会及文化的统治者，自然也统治了绘画，使绘画地位高高凌驾在雕塑之上，并以其艺术观念影响雕塑，因而雕塑染上了明显的绘画性。其绘画性表现为不是注意雕塑的体积、空间和块面，而是注意轮廓线与身体衣纹线条的节奏和韵律。这些线条都象绘画线条一样，经过高度推敲概括提练加工而成，和西方古典雕塑以块面和空间的丰富变化来体现轮廓与衣纹的形状完全异趣。后者体积感强，前者只有大的体积关系，局部大多平面性很强。有时在平面上运用阴刻线条来表现肌肤和衣服的皱褶，仍然没有立体感，只有绘画的平面效果。因此，通常雕塑表面光滑，没有西方雕塑那么多明暗起伏的细微变化。这种特点，在教材最常引用的汉唐陶俑、敦煌莫高窟唐塑和麦积山石窟宋塑佛教造像，以及太原晋祠宋塑侍女，大同下华严寺辽塑菩萨、平遥双林寺明塑和昆明筇竹寺清塑罗汉像等等作品上都可见到。中国雕塑从这一特点历代相沿，至今民间匠师仍然大都先勾人物线描草稿，象人物画白描一般，再复制成雕塑。也有人直接在硬质材料上勾线描稿，再雕而刻之。这样创作雕塑，带有绘画性就可以理解了。中国古代雕塑绘画性强，自有一种东方趣味，符合中国古人的欣赏习惯，他们是从绘画艺术的角度去看待雕塑艺术的。今天我们欣赏古代雕塑，也需要借用中国画的审美眼光，才能把握美感要点。如果只用西方古典雕塑的艺术标准来指摘中国古代雕塑缺乏雕塑性，那无异于为适履而削足。

四、中国古代雕塑的另一个特点是意象性。西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。在漫长的几千年间，它们只是工艺美术品的两种装饰手段，这是塑绘不分的主要原因，也是线刻和平面性浮雕——画刻高度结合的中国式造型方法特别发达与持久的主要原因。装饰不求再现，只追求表现物象，因此发育出中国雕塑与绘画的共同品格——不求肖似（高度写实地再现自然），形成了高

度的意象性特点。中国画无论工笔还是写意，都不象西洋画那样精确地写生刻画对象，而是主要依据观察体验所得印象，再加上想象，经过主观加工美化而成艺术形象，和客观对象保有相当距离。中国画不画光影（这是表现主体感真实感的重要因素），色彩只表现固有色（所以写实性有限），造形与画面效果的平面性很强。背景一般为纸、绢的空白，不求空间深度，而把注意力放在物象的“神韵”表现上。因此，若按西洋画的解剖、比例、透视和色彩等等准确度很高的科学化标准来衡量中国古代绘画，便会觉得一无是处。但若理解中国艺术自成体系、自有追求，便懂得和喜欢品味中国画的美感。中国雕塑也是如此，它和中国画观念是一致的，而且贯穿了整个古代雕塑史。秦始皇陵兵马俑虽然表现出高于其他时代的写实性，但那也仅仅集中在俑的头部刻划上，而且形象也只是分为几种类型，不是每一件都各不相同，身体部分则无一例外是十分写意的。就是比较写实的头部，也不能和西方雕塑同日而语，它只是象中国画有工笔一样，比较深入细微而已，本质上依然属于意象性造型。其他汉唐陶俑、霍去病墓石刻、历代宗教造像无不显示意象性特点。它们和中国画一样，追求神韵，不求肖似。如果用西方古典雕塑的标准来看待它们，就能挑剔出解剖、比例不够准确，质感塑造不够充分等等不足，造成欣赏上的障碍。我们必须换一种眼光，使用我们自己民族的艺术标准和审美习惯，来欣赏中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。这样，当我们从敦煌菩萨，晋祠侍女、筇竹寺罗汉塑像上体会到“栩栩如生”这一句成语的含义时，就不是象欣赏西方古代著名雕刻，如欣赏教材常会介绍的掷铁饼者、拉奥孔群像和奥古斯都像等等那样，是个从形到神都准确得象真人一般的概念，而只是感受到一个艺术品所传达的人的生命力、精神状态和宗教境界等等形而上的东西。

五、中国古代雕塑语言精练，这是意象性衍生的另一艺术特点。中国古代雕塑始终没有发明西方雕塑的造型术(modelling)来精确地塑造物象，而多从感觉和理解出发，象中国画一般运用经济的语言，简练、明快，以少胜多而又耐人寻味，常常给人运行成风、一气呵成、痛快爽利的艺术享受。夸张乃至变形来强调人与动物的神韵，是普遍运用的手法，汉代四川说唱俑和霍去病墓石兽最有代表性。这些作品只是服从作者对物象的感觉和理解，他们所关心的不是准确比例和真实效果，而是说唱者眉飞色舞，手舞足蹈的表演神情以及虎、象、马、牛、野猪等动物的不同习性和旺盛活力。这样必须有所取舍，有所夸张变形甚至抽象，其效果更突出对象的特征，更具有艺术感染力，给人的印象更特殊而深刻。这一点和西方近现代雕塑有相似之处。西方近现代雕塑一反传统的写实为变形，追求雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性，不被客观物象所役，使艺术创造更纯粹。中国古代雕塑实际上也是达到雕塑语言的多变性和雕塑空间的自由性这种艺术境界的。霍去病墓石兽采取“因势象形”的手法，充分利用岩石，自然的令人联想接近某种动物的形状，只进行最低限度的艺术加工，使石兽的造形显出空间的自由而不斤斤计较于形似。加工的语言有圆雕、有浮雕、也有线刻，是根据岩石形状与动物形象的双重需要加以多变性运用的。这种圆、浮、线雕并施的语言，在汉唐陶俑、历代石兽以及佛教造像中均可见到。它们使中国雕塑在精练中块面更整体，因而有时更具雕塑感甚至建筑感，例如云岗北魏露天坐佛和龙门奉先寺唐代大佛，就是杰出代表。 转贴于

六、中国古代雕塑既然是意象性的，注重“以形写神”，必然也象中国绘画一样，注重头部的刻划。中国古人认为“头者精明之主也”。（《黄帝素问》）“头者，神所居，上圆象天。”（《春秋元命苞》）从原始时代起，人面或人头，在工艺装饰中就受到特别重视，这应是中国古代造型艺术发展为特别重视传神的原因之一。这种重视贯穿了几千年，直到今天，在民间雕塑和农民画中，头部仍是艺术家首要表现的部分。头部以外的人体部分，便被看作是从属的，较为次要的。这样，在中国古代雕塑和绘画中，头大身小逐渐变成一种习惯造型，一旦头身关系处理不好，在视觉上便难免造成不舒服的特点，这是不必为古人护短的。然而优秀的作品常常把人们的注意力，从缺点中吸引转移集中到刻划精彩的头部来。这些头部看似没有西方雕塑深入，可是结构十分严谨。搞过雕塑的人都有体会，临摹西方雕塑易，临摹中国古代雕塑的头部却相当困难。它们不如西方雕塑结构准确分明，却另有一种完美性，神完气足，很不易临摹到那种境界。在头部以外，又用充满韵律的身体衣纹线条来发挥美感，使人受感染的不是比例结构的准确本事，而是传神美化的功夫。龙门奉先寺大佛、服侍菩萨与天主力士像都严重头大身小，但依然很美，非常典型地说明了中国古代雕塑的这一特点。

七、中国古代以“温柔敦厚”为诗之旨，这和中华民族的气质、生活条件、地理环境、哲学思想、伦理道德观念及其他文化因素密切相关。另的艺术也如此追求，表现在造型艺术上便是含蓄美、内在美。雕塑亦然，中国古代雕塑给人的感觉不象西方古典雕塑那样一览之下、历历在目，而是神龙露首不露尾、含不尽之意于象外。没有剑拔弩张，向外张扬的火气，而是象中国书画用笔藏锋那样将力量包裹在内部，给人更多品尝的余味。例如严阵以待的秦始皇陵兵马俑、载歌载舞的汉唐女俑、孔武威风的唐代天王力士，乃至雄强猛厉的南北朝辟邪和唐代石狮，都有这种效果。比较一下掷铁饼者力量的紧张迸发和拉奥孔群象情绪的激烈发泄，就能够领会中国古代雕塑含而不发的美感特点。它是与其他中国古代艺术的审美理想相一致的，就象西方雕塑与绘画的审美理想也相一致一样。欣赏中国雕塑时也许会觉得不如西方雕塑痛快顺溜，这就象喝酽茶和喝咖啡不同一样，不能相题并论。喝茶需要品味，如若不谙茶道，便永远进不了茶的境界。

八、中国古代雕塑风格往往体现了中国古代哲学精神。儒家哲学尊天命，受其影响，中国艺术反映为崇高、庄严、壮丽、重穆、典雅等等风格。道家哲学崇自然，在艺术上则表现为飘逸、雄浑、淳厚、古朴、淡泊、天真、稚拙等等风格。中国画和雕塑都具备这两个系统的风格特征，例如佛教造像和陵墓仪卫性雕刻，一般具备前一系统的风格，龙门奉先寺大佛最为典型。它是唐代武则天出资修造的，寓有帝王的精神气度，

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贯穿整个古代史的美学思潮是和谐思想，所谓和谐，就是主体与客体、人与自然、个体与社会、内容与形式在实践的基础上和谐自由的关系。古典主义艺术就是以这种关系为基础的和谐美的艺术。在和谐美的艺术中，主观与客观、再现于表现、现实与理想、情感与理智、典型与意境、内容与形式、以及形式构成的诸要素，既相互区别对立，又相互联系，相互渗透，相辅相成，组成一个均衡、稳定、有序的统一整体。它平稳、舒缓、宁静，给人的感觉是轻松愉快、毫不费力的，像黑格尔所说，就像坐在自己的家里那样自由自在。作为一种艺术的类型和美学的表现形态，古典主义艺术的审美特征表现在这样几个方面：

一．主体与客体、再现与表现的素朴的和谐统一，要求在表现艺术中有丰富的再现、模拟、写实的因素，在再现艺术中有浓厚的表现、抒情、写意的成分，再现与表现水乳般的融合在一起。古希腊诗人摩西尼德斯把绘画称为“无声的诗”，把诗称为“有声的画”。直到文艺复兴的达·芬奇还说：“画是嘴巴哑的诗，诗是眼睛瞎的画”，本来诗与画是两种不同的艺术形式，诗在语言艺术中是属于表现、抒情的，画则是典型的再现，但是在这里诗和画这两个概念又超出它狭隘的题材范围，扩大和上升为深刻的美学范畴。诗相当于表现，画相当于再现，“诗中有画，画中有诗”也就是表现中有再现，再现中有表现。抒情的诗和模拟的画在古典和谐美的时代，有一个共同的审美本质，这就是坡说的“诗画本一律”，也就是再现与表现在古典美的时代所特有的一种素朴的辩证的和谐结合。

二．理想与现实的单一的、素朴的统一。它一方面满足于现实的理想，不追求现实之外的东西，另一方面又认为具体存在的现实美是不充分的，需要把现实中分散的美挑选出来，集中概括起来，来创造一个兼具众美的范本式的形象。这样创造的古典和谐美，既是现实的，又是理想的，它是现实的，因为它的组成元素都是现实中可以找到的，不迷恋于现实之外的幻想；它是理想的，因为没有任何一个具体的现实事物的美可以符合它，可以达到它。对个体的现实美来说，它是一个理想的范本。

三．情感和理智、想象和思维的和谐统一。客体的再现与理智、思维直接相关，主体表现更多的诉诸情感想象。古典和谐美艺术，再现与表现，主体与客体的和谐，也制约着情感与理智、想象与思维的和谐统一。苏格拉底即要求“塑造优美的形象”又要求“描绘人的心境”，“表现心理活动和精神方面的特质”，亚里士多德也是既强调模仿和认识，又重视悲剧的情感净化作用。艺术的再现与表现，与时间和空间紧密相联。一般的说偏于再现的艺术，侧重在空间展开，时间凝练在空间上，时间空间化了；偏于表现的艺术侧重于在时间中运动，空间随时间流转，空间时间化了，偏于再现的艺术重客观的物理时空，偏于表现的艺术重主观的心里时空。古典主义美学由于要求再现与表现的的和谐统一，既重视时间的空间化，又重视空间的时间化，既重视客观的物理时空，又重视主观的心理时空，总之，强调时间与空间的均衡和谐。西方古典艺术偏于再现与空间，它以再现、感性、空间为基础结合表现、理想、时间的因素，它的趣味是把时间空间化，它的时间因素在空间的动势中暗示出来，它把对象按自然的、感性的、认识的原则来组合结构。

四．内容和形式的统一。亚里士多德早就强调内容和形式诸因素有机统一的整一美，直至布瓦罗的《诗的艺术》，还在说：“不管写什么主题，或庄严，或谐谑，都要求情理和音韵永远相互配合”。西方艺术本来是偏于再现 、内容和理智的，从《诗学》的模仿说，到文艺复兴的镜子说，都在不断的论说这一点，但美在形式和谐的观念却是从毕达格拉斯学派，经亚里士多德，直到康德的《判断力批判》的一个传统的理想，被人称为形式派的美学。这种本来偏于内容，却强调形式的现象，正是为了强调内容美和形式美的和谐统一。

古希腊、古罗马和中世纪的艺术都鲜明的体现出这种和谐的思想。

古希腊神话包含着丰富的和谐思想。这种思想最鲜明的表现就是宇宙大和谐的思想。人跟自然的和谐是原始人的目的，人跟神的和谐是实现目的的手段。原始人把想象中的神话世界当作真实的世界，认为自然跟人的和谐与不和谐，都是控制自然的神使然的。人跟神是同源的，存在和谐的基础，人只有通过对神的信仰和与神的沟通，才可以使神驱使自然为人类服务，形成人、神、物统一的宇宙大和谐。所以，古希腊神话凝聚了人跟自然的理想关系，凝聚了人以和神通神为中介达到跟自然协调统一，形成宇宙和谐格局的理想。这是古希腊神话最为根本的美学意味。

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中图分类号：J722.4 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）07-0142-02

舞蹈《红豆》是以我国唐代极盛时期为背景，以红豆的故事为素材的中国古典舞作品。舞蹈结构严谨、层次清晰，以“红豆”贯穿于整个作品。通过从“对爱人的思念”到“对过去的回忆”，再到“对未来的幻想”，最后到“面对现实”，细致刻画了女子痴心等待自己的爱人归来，却不得而归的无奈期盼的情景。舞蹈以相思的形式，孤独寂寞的气氛，将女子对爱人的思念表现得淋漓尽致，让观者体会到那份思念的心酸。舞蹈中既没有庞杂的情节，也没有恢宏的场面，更没有绚丽的背景，只有无尽的思念和等待。

一、完美的艺术形态

中国古典舞《红豆》，具有中国汉代女乐舞蹈的形态特征。如：秉承汉代女乐舞者以“纤腰”、“轻身”为美。而舞蹈中，许多吸腿旋转的舞姿都强调了舞者在形态上“拧、倾、圆、曲”，“仰、俯、翻、卷”的曲线美和“刚健挺拔、含蓄柔韧”的内在气质。舞者以肩画圆动律的行走，前探步行走运动中身体的拧倾、含仰、重心的留送等动作，体现了“平圆、立圆、8字圆”三圆的运动轨迹，以及腰部运动为核心的“冲、靠、提、沉、含、仰、移”的动律原则，充分展现了古典舞《红豆》中“S”形的动作体态和中国女性含蓄、温婉之美。

“神”，民族的神韵、神态和气质。这是古典舞《红豆》的内涵。著名京剧教育家钱宝森先生有一句精辟的概括，他说：“形三、劲六、意八、无形者十”，所谓“无形者十”意为舞蹈摆脱了机械化的规格程式而达到“无形之形”才是十全十美的。舞蹈中舞者运用手掌遮住脸部，回避与爱人相遇时，目光相对视的神情，把古代女子那一举手、一投足、一眼神间的娇羞柔媚之情都表现得十分传神。

古典舞《红豆》同样在“劲”这方面也有很明显的表现。在舞蹈的第三部分，在琴、萧等合奏的乐曲声中，编导自己创造发展了一部分流动性极强的步伐，极具代表性，刚劲而柔韧。在整体的“流”中呈现出瞬间的“顿”，通过“流”和“顿”的对比，形成了视觉上的反差。舞蹈中，斜探海舞姿的运用，从动律流动的角度来看，它不是一个单摆浮搁的静态造型，而经由“旁提”的弧线的运动，配合下肢从“摆步”到“大掖步”再到“射雁”的流程来完成舞姿，如此成形的舞姿，便出现了“动”与“静”、“态”与“势”、“虚”与“实”的美感。而这些有着轻重、强弱、缓急、长短、顿挫、附点、切分、延伸等等动作的对比和区别，都是舞者外部动作在节奏符号中的表现。这就是古典舞《红豆》中“劲”的运用。

古典舞《红豆》中有这样一组起、承、转、合较为复杂的动作，正是对“律”的运用。舞者山膀手位单吸腿，身体通过含向左后旁靠来带动向左地划圆，就在欲左的瞬间，身体突然向右起法儿，向左划圆，再经过转身向右划圆，最后转身向左划圆。就这样左右往返，若行云流水，将所有动作在一句唱词中一气呵成，中国古典舞“欲左先右，欲走先留”的含蓄之美，气脉流畅的一招一式同单吸腿、倾肩、歪头形成点、线呼应。无论一气呵成、顺水推舟的顺势，还是相反相成的逆向动势，都体现了中国古典舞《红豆》的圆、游、变、幻之美。

中国古典舞《红豆》中通过运用“形”、“神”、“劲”、“律”的韵律特征，使舞蹈呈现出轻盈飘逸、通达流畅、行云流水般的动态，别具一格的风格特点，形象地展现了女子对出征边塞爱人的思念之情。

二、蕴含的韵律

舞蹈《红豆》是中国古典舞中的典型作品。这个舞蹈不仅仅是靠高难度的技巧的展示，那优美流畅而又一气呵成的动作还蕴含着“呼吸”的韵律。舞蹈开始时漆黑的舞台上亮起一束灯光，在光束中的女子双手相握在腰间静静的向远眺望，她深吸一口气，带动“袖子”的提沉，表现了她等不到出征边塞爱人的心情。接着，用丰富的舞蹈语言配以气息的运用，回忆起以前两人的快乐时光，动作时快时慢，时而延伸时而顿挫，时而小处细描，时而大块渲染，女子心里时而惊喜时而失望，向观众描绘了一幅活灵活现的“相思图”。让观众进一层的欣赏到了中国古代的文化艺术，沉醉在美的享受之中。《红豆》中的动作设计优美流畅，每个动作与动作之间都似有一种不可分割的气韵连接着，第二个动作仿佛从第一个动作中连带而出，自然形成，舞蹈语汇不再是一堆散乱的、随便堆砌的单词碎句，而是一气呵成且声情并茂的语言了。可见的舞蹈动作虽止于一方舞台，那气势，那神韵却给观众带来了远超舞台之外的想象，使观众同舞台上的演出产生了共鸣，不由得进入了作品的意境和情景，在潜移默化之中对中国舞蹈精髓的领会更加真切而又深刻。

在作品中气息的运用也是恰到好处。如舞者一个快速的撩旁腿控制在一百八十度后接瞬间的停顿，气息并没有就此断掉，而是顺手指尖的滑动，慢慢吐气，顺着吐气时重量向下的规律，同时做一个翻身，这一气呵成的动作，准确的表现出了中国古典舞的特点。再如，在舞蹈主旋律出来的时候，舞蹈动作的设计以小幅度的旋转、自由的身法过渡连接及轮换身体的局部松弛为主，呼吸贯穿于动作的始终，使动作顺着身体和力量的走向顺畅展开，运用的力量也是点到即止。舞者对于呼吸恰到好处的控制，使整体动作质感看起来轻盈飘逸，翩然欲飞，充分的表现出了作品的时代色彩。

舞蹈《红豆》中，呼吸的处理就用了慢吸慢呼、快吸快呼、慢吸快吐、快吸慢吐、快吸、停顿、慢吸等多种呼吸方式来描绘作品中人物情绪的变化。舞蹈开始表现的是女子对爱人的思念，动作缓慢。在这部分对于呼吸的处理是：慢速吸气慢速呼出，慢吸、停顿，将女子对爱人的相思充分的表演了出来。在第二部分是女子开始回忆两人从相识、相知、相恋到相守的种种往事。在表现“翻动手掌遮住脸部，回避爱人的目光”的动作时，对呼吸的处理是：先慢吸快吐到快吸慢吐，把女子的羞涩腼腆表现出来。而在舞蹈部分舞者用快速吸气快速呼气的呼吸方式把女子对美好生活的向往充分的表现了出来。现实终究是现实，最后舞者用快速吸气慢慢呼气的呼吸方式，形象地勾勒出了一位女子对爱人思念的景象。

三、古典文化的审美体现

整个舞蹈的语汇刚柔并济，曲线鲜明，集美、韧、刚、曲、古、雅为一体，既有唐代文化特色，又有西方文化的风格，体现了汉唐舞蹈的独特风格和魅力。它又十分准确地把握住了中国古典文化精神，将中国古典舞蹈、诗歌和音乐熔为一体，营造了一个清淡、雅致、高远的意境。在传统调度上，舞蹈的虚实结合，动静结合，强弱结合，对比恰到好处，那一顿、一流动的动作更体现了中国古典舞的神韵，展现了中国古典文化的风姿。

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民歌是我国蒙古族在形成、发展的历史长河中产生的最早的一种语言艺术，原始歌谣同人们的生存斗争直接相关，即或标志征服自然的愿望，或再现狩猎的欢快，或祈祷万物神灵的保佑等等。青海蒙古族的原始民歌也如此，由于历史上的频繁迁徙、征战，青海蒙古族进入了青藏高原，在青藏高原近千年的生存斗争中，不但创造了丰富的物质财富，也创造了独特的精神财富，为青藏高原的经济、社会、文化等发展作出了不可磨灭的贡献。如果把青海蒙古族民歌同我国其他地区的蒙古族民歌歌词在表达方式、修辞手段等方面进行比较，青海蒙古族民歌有以下几个比较显明的特点。

（一）词语的地域性特点

青海蒙古族所操的语言，属我国蒙古语卫拉特方言，在语音词汇等方面表现出地域性的特点，如阴性词中的[x]辅音在青海蒙古语里读作[k]，把[d3]读作[dz]等，在词语方面也有许多特点。长期以来，青海蒙古族由于与藏族、汉族等兄弟民族在经济、文化方面的频繁往来，在饮食、服饰以及其他生活资料和生活方式等方面吸取了藏族和其他民族的一些成分。而标记这些成分的词语，除借用以外，主要是用自己语言的构词材料和构词手段独创的一些国内其他地区蒙古语言中所没有的一些地域性很明显的词语，形成了明显的地域性特色，成为有别于国内其他地区蒙古族语言特色和文化特色的重要标志。如《巴音杭盖》这首民歌翻译成汉语就是：把那精灵的枣骝马/拴在了蒙古包的外边/ 和那幼小的兄弟们/ 高高兴兴去会面。其中的“拴住”就是一个方言词，即：arxlna (口语)，arxalan-a (书面语)；还有“外边”：gadza (口语)， gadan-a(书面语)；“幼小”：kendz(口语) ，nilx-a(书面语)。

（二）比喻的地域性特点

青海蒙古族民歌歌词中的比喻十分夸张而形象鲜明，几乎将夸张对象推向了极致；有的表现出了一种既浪漫又滑稽，带有诙谐的讽刺意味；既表达出真情实意的情感特征，又有极强的叙述性，如《嘎斯湖畔的白笈笈草》，翻译成汉语就是：“吹掉毡顶的风，算什么大啊！浸透了皮袄的雨，算什么大啊！叫天鹅迷路的酒壶，不算大啊！叫野骡疲惫的路，不算远啊”。用“风”，“雨”，“酒壶”，“路”等具体事物来比喻满清统治者的恶势力。这种隐喻的比喻手段，使喻体直接在本体的位置上，虽不用比喻词，但寓意形象深刻，能启发听者（读者）的联想，激起蒙古族人民对满清统治者镇压蒙古族人民的愤怒的感情，同时表现了青海蒙古族人民的生存环境的艰苦，求生路途之遥远，更折射出青海蒙古族人民的勇敢和顽强。这首歌曲腔调悲壮，语句短促，节奏低缓，装饰音较少，带有鲜明的渲染性特征。

青海蒙古族民歌经常用珍爱之物作为喻体来表达自己的理想与爱憎的感情。如：马、鸟、树等。通过这些动植物表现他们对生活的追求和向往。在历史上，马是蒙古族人民草原上最基本的交通工具，也是蒙古人最忠诚的终身伙伴。在日常生产和生活中，每个蒙古人都是离不开马的。所以对马的赞美成为青海蒙古族民歌中的重要内容之一。如《蓝色草原的马驹》：“有十匹马的价值/ 是白嘴枣骝马啊/ 有二十匹马的价值/ 是青灰色的马驹啊！”；《百灵鸟》也是一首表达人们愉悦心情的反映蒙古族生活特点的感情热烈的民歌，歌词的汉译是：“百灵鸟唱起歌来/我们该回家了/ 带着幸福和快乐/一路欢笑一路歌”。这是在宴席快结束时最年长者开始唱的，预示着宴席即将结束。

二、衬词的运用及其作用

衬词是一种虚词。它是原始人类在语言产生之前，迸发于胸中的各种情感的外显,当人类的语言更加丰富和发展之后，这种衬词在歌词中却变成为行文优美、活泼，成为表达感情、协调节奏的重要手段。而添加的这些陈词，在歌词中不但起着衬托作用而且成为表达情感不可缺少的语言成分，尽管它是虚词，但它能使歌曲旋律更加生动、优美，更加生活化。如《美丽的马鞍》的歌词汉译是：“咋哪都，它背上有美丽的马鞍/咋哪都,给它五颜六色的光环/在喜庆的日子穿的/咋哪都,有花边的皮袄”。在《左旗的马驹》里唱道：“左旗的马驹/哎达拉马尼是米黄色的一群马/ 左旗的阿哥/哎达拉马尼是我最尊敬的人”这些衬词有不同的节奏和不同的情感表达。从表面来看，衬词在歌词中虽然没有实在的意义，但它在增强歌曲语感，烘托歌曲的气氛,增强感染力方面,有着不可忽视的作用。

三、深沉的内容，明快的表现

民歌是艺术，又是文学作品。在一定的意义上它也承载着民族地域的历史、文化和民俗，所以有非常大的研究价值。青海蒙古族人民长期生活在自然条件十分恶劣的环境里，又承受过历史上的种种社会遭遇，在艰辛的历程中，期盼着平等、平安、吉祥和幸福，而且他们特别重视人与人、人与自然的和谐。不少民歌都体现着这种精神。因此，顺乎自然法则，追求人与自然和谐的思想，成为青海蒙古族民歌的主旋律。

歌词题材主要以歌唱故乡、骏马和英勇的先辈为主，赞美劳动，祈求幸福，也有追求幸福爱情的情歌。歌唱时腔调多变，词语较少，节奏悠长，语言精炼，表现出青海蒙古族人民在追求幸福和美好愿望的激昂情感中蕴含的忧伤、思念、怀古等深沉的思想感情。如《嘎斯湖畔的白笈笈草》、《巴音杭盖》、《百灵鸟》、《查汗赛的柳树》等。

四、形象的比喻表达，质朴的情感诉求

在历史上，马是蒙古族的主要交通工具。蒙古族在游牧生活中离不开它，他们把马当做美好的事物进行歌颂，创作数以万计的赞马歌，在歌中对马的崇拜表现得十分丰富。青海蒙古族民歌的这些基本构思和主题，既是他们崇高的精神境界和美好心灵的自我彰显，反映了他们对美好生活和美好未来的追求，倾诉他们最纯真精神理想和精神世界，也是蒙古族人民生存、发展、鼓励自己和教育后代的最重要的精神养料和动力。青海蒙古族生活在辽阔而高寒的青藏高原的东北部，生态环境脆弱，自然环境严酷，要在那里生活下去，而且要生活的好，必须主动地去适应自然，利用自然。他们的许多民歌就突出地显示出这种思想和情感，而且表现出一种面对困难乐观，豪迈的气魄。如《青云马》的歌词汉译是：“把那心爱的青云马/拴住在蒙古包的门前/从小一起长大的兄弟啊/与你共饮欢歌心相连/ 在多雾的水湾草坪上/绊住了放牧的骏马/ 只有水湾的丰美好牧草/是骏马觅食的地方”。

五、小结

青海蒙古族民歌内容丰富，种类繁多，语调悠长多变，感情深沉、真切，充分展现出蒙古族民歌的语言结构特点和语调跌宕起伏的艺术魄力。而这些特点源于青海蒙古族人民的社会生活实践，并用自己的语言表现出来。因此，才能形成了青海蒙古语言特有的地域性特点的民歌。当我们在聆听民歌手的歌唱时，也会自然而然地受到感染，进入到那种空旷、豪迈的境界中去，体验那种孤寂、安静、悠长而又豪爽、豁达的蒙古族牧民的精神世界的崇高和伟大。

参考文献：

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中国古代较少有纯粹的雕塑艺术品，这也使得一般人不重视中国古代雕塑。西方雕塑发源于古代希腊，古希腊人重视人体，将神塑造成完美的有血有肉的人。他们崇拜神，也崇拜和神一般完美的英雄——战士与运动家。为他们塑造供人膜拜瞻仰的偶像和纪念像。如此形成传统，在西方世代相传，成为一种纯粹的雕塑艺术。中国古代社会的制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊。中国远古时期重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。它们分为两大类，一类是纯粹的工艺品，例如象形器皿和供摆设的小型工艺雕刻。一类为建筑（包括陵墓）装饰雕刻，例如一般欣赏教材中都会列举的南朝王陵石刻辟邪和唐代顺陵石狮。实用性除反映在装饰雕刻上以外，还反映在明器艺术与宗教造像上。明器是随葬用品，其中雕塑品占有重要地位，主要是俑和动物雕塑，一般教材都举秦始皇陵陪葬坑兵马俑和唐三彩俑、马为例。俑是人殉的取代物，动物雕塑也用来代替活体陪葬，它们的实用性很强，并非纯粹的雕塑艺术品。宗教造像也是如此，它们是供信徒顶礼膜拜所用的，以佛教造像最有代表性。欣赏教材多以南北朝和唐代的作品为例，因为这些时代的佛教造像艺术水平普遍较高。宋元和明清也有好作品。

出于上述原因，中国古代雕塑的装饰性相当突出。这是它孕育于工艺美术所带来的胎记，无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都普遍反映着传统悠久的装饰趣味。最显著的例子是欣赏教材中云岗北魏露天坐佛，南朝的辟邪和唐代的石狮。佛像的对称式坐姿和图案化的袈裟衣纹处理，使之显出浓厚的装饰性。

中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画是一对同胞兄弟，都孕育于原始工艺美术。从彩陶时代起，塑绘便互相补充、紧密结合。到二者都成熟之后，仍然“塑形绘质”，在雕塑上加彩（专业术语称作“妆銮”）以提高雕塑的表现能力。现存的历代雕塑，有许多就是妆銮过的泥塑、石刻和木雕。今天的雕塑艺术完全西化了，不再加彩，但民间雕塑仍保持妆銮传统。西方古代雕塑也有加彩，到文艺复兴以后，除宗教神像为求逼真效果，大多继续加彩外，一般雕塑不再加彩。中国塑绘不分家，导致了雕塑与绘画审美要求的一致性。中国雕塑从这一特点历代相沿，至今民间匠师仍然大都先勾人物线描草稿，像人物画白描一般，再复制成雕塑。也有人直接在硬质材料上勾线描稿，再雕而刻之。这样创作雕塑，带有绘画性就可以理解了。中国古代雕塑绘画性强，自有一种东方趣味，符合中国古人的欣赏习惯，他们是从绘画艺术的角度去看待雕塑艺术的。今天我们欣赏古代雕塑，也需要借用中国画的审美眼光，才能把握美感要点。

如果只用西方古典雕塑的艺术标准来指摘中国古代雕塑缺乏雕塑性，那无异于为适履而削足。

中国古代雕塑的另一个特点是意象性。西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。在漫长的几千年间，它们只是工艺美术品的两种装饰手段，这是塑绘不分的主要原因，也是线刻和平面性浮雕——画刻高度结合的中国式造型方法特别发达与持久的主要原因。装饰不求再现，只追求表现物象，因此发育出中国雕塑与绘画的共同品格——不求肖似（高度写实地再现自然），形成了高度的意象性特点。秦始皇陵兵马俑虽然表现出高于其他时代的写实性，但那也仅仅集中在俑的头部刻划上，而且形象也只是分为几种类型，不是每一件都各不相同，身体部分则无一例外是十分写意的。就是比较写实的头部，也不能和西方雕塑同日而语，它只是象中国画有工笔一样，比较深入细微而已，本质上依然属于意象性造型。其他汉唐陶俑、霍去病墓石刻、历代宗教造像无不显示意象性特点。

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1崇尚自然的追求

在人与自然长期相处的过程中，古人慢慢地对自然环境产生了独到的见解，并对其进行升华进而形成了自然美的思想观念。这在后来的很多思想观念中得到了印证，例如，儒家思想中的天人合一，追求的就是一种人与自然之间的和谐相处，这种思想追求与园林景观的构建不谋而合。这种天人合一包含着大自然对生命的养护，和生命与自然的相互依存生生不息。这种精神已经成为传统文化精神的核心组成部分，体现在中国文化发展的各个阶段中，同时它也对各个领域产生着一定程度的影响，在中国古典园林中就能找到它的影子。

我国古典园林较为注重因地制宜，选择园林建筑地点时，通常都会恰如其分地将有利的自然山水地形地貌充分利用起来。然后将建筑物与流水、山石、植被等进行别具匠心的组合布置，实现建筑与自然环境的协调。中国古典园林以自然山水为主题，它以大自然的美感为依据概括和浓缩而成，是自然之美的一个生动缩影，虽然它的建造由人来完成，但其具有的神形都是从自然环境中抽象而来，从这种意义上讲，其创作和自然天性并不冲突，它是以自然的内涵来更好地表达自然。

中国古典园林中山石是其基本元素，将其作为园林的骨架，通常是以天然的土石来砌筑假山，创造出层峦叠嶂的美感。假山造型虽小，但其能传递大山之神，表现出厚重的韵味。同样，中国古典园林中水也是不可或缺的重要元素，它能给园林带来灵气，既是园林的一景，又能够对周边的环境温湿度产生一定的调节作用。在古典园林中，水存在的形式是多样化的，比如溪流、湖泊、瀑布等，不同的形式带来不同的意境，像涓涓的溪流、如镜的湖面、飞流直下的瀑布，这些赋予了中国古典园林的生命。

中国古典园林的建筑点缀在山水之间，起到修饰的作用，同时它与自然环境相协调和统一。为了能够更好地塑造环境，中国古典园林建筑物的形态也较为丰富，对不同类型的山水环境和地形会辅以相应的园林建筑物对其进行修饰。像在古典园林中，楼阁通常会建造在较高的地方，站在此处既可俯瞰全园的美丽景色，又可眺望远处迷人风光。在亭的布局上既有屹立在山顶的，又有紧贴水畔的，别具匠心的选址让它们与自然环境融为一体浑然天成。

2注重园林的实用性和审美性

中国古典园林是关于环境美化的艺术创作。人们进行房屋的建设是为了能够很好地避免风雨雪的侵袭以及各种野兽对人类的侵犯，这主要是从建筑物的实用性方面来进行考虑。这样就在一定程度上将人和自然环境进行分离，但人类也是大自然的成员，不可能和大自然完全地隔离开，为了能够在建筑物周围留下与大自然交流的空间，人们用栅栏和围墙把大自然的一些空间圈围起来，这样可以在其间进行种植与养殖，人们在这样的环境下，既能与大自然亲近，又不会受到野兽的侵袭，便形成了最原始的园林。而伴随着社会的进步和经济的发展，人们的审美也发生了变化，对环境提出了更高的要求，这就使人们更加注重园林的审美性要求，随着社会不断地发展，中国古典园林逐渐形成。

中国古典园林从其艺术功能看是物质文化的享受，建造的房屋用于居住，山水亭等用于休闲游赏。这与一般的诗画作品存在很大的差异，园林的实用性为人们提供了生活休闲娱乐的空间，同时其优美的布局环境还会让人心旷神怡，陶醉其中与人的心灵相联系。园林在实用性中也蕴含了其独特的审美性及丰富的文化价值。像连绵不断的小山丘，蜿蜒流淌的小溪流，曲径通幽的羊肠小道等这些都恰如其分地在中国古典园林中体现出了曲线之美。这些优美曲线的运用来源于大自然，曲线具有与自然联系最为紧密的特征，从曲线中体现出一种无为的境界和自然的气息。

3空间艺术的创造

园林所创造出来的艺术空间是三维的，这与其它平面的艺术创作有本质的区别，它可以让人们身临其境地去体验和感受更具真实性。同时，园林景观和一般的建筑物艺术相比，其存在的形态也有较大差别，一般的建筑物艺术在建设完成后是固定不变的，但园林景观会因时因季而变化。园林艺术是空间艺术，也是时间艺术。空间布局的不同和季节时间的变化都会对其产生影响，园中的景观应时而生，应时而变。园林的大小虽然具有局限性，但通过山、石、水、木和房屋等的有机组合创造出不同的空间圣景，整个园林空间的开合有致，通过巧妙地运用山、石、水、木等对空间结构进行分隔，同时在其间用亭台楼阁以及回廊等进行联通，这样创造出分中有合、合中有分的空间艺术效果。各种中国古典园林各具特点，像山前山后风格截然不同的北京万寿山，它的山前较为开阔，而山后则比较幽邃，呈现的景色对比分明。在园林的空间布局上要营造出小中有大、虚实结合的感觉，在有限的空间里创造出无限的景观。

4中国古典园林的表现手法

中国古典园林蕴含着自然的人格化的美学思想，将自然景观之美与人的精神思想相联系，人们之所以能够被美丽的山水所陶醉，是由于其蕴含着与人的内心世界所追求的事物具有一致的品性。在进行园林景观的布置时，以保持其自然状态为原则，追求高雅的审美意境，突出其具有的自然属性，真实地展现其韵味。借助园林的植物和山石来表现中国古典园林美，巧妙地利用植物的形态展现其特征并给人们以启发，给人以无限遐想的空间，洗礼人们的内心世界。从古到今，文人们都对植物有特殊的感情，借助它们去表达自己的思想。在中国古典园林中以莲衬景的景观也是较为常见的，像西湖、圆明园这些被人们熟知的美景中都有莲的点缀，而它美丽的花苞所蕴含的出淤泥而不染、濯青莲而不妖的君子品质被后人熟知。另一种运用较为普遍的园林造景植物是竹子，它使我国的园林文化中具有悠久的历史。竹子历经四季的风霜雨雪依然翠绿长青，枝叶繁茂。竹子的结构笔直而中空外坚，虚实一体，这恰恰与中国的传统哲学中的身正坚毅且虚心向上不谋而合。