音乐系毕业论文模板(10篇)

导言：作为写作爱好者，不可错过为您精心挑选的10篇音乐系毕业论文，它们将为您的写作提供全新的视角，我们衷心期待您的阅读，并希望这些内容能为您提供灵感和参考。

篇1

基金项目：四川省教育厅“地方高校教学系管理水平绩效策略研究”（09SA178）课题阶段性研究成果

教学评估是推动地方高校转变管理职能，突出教学管理，调动高校院（系）教学管理人员遵循高等教育办学规律和教学规律，对整个教学活动、学习实践活动进行计划、组织、指挥、控制、协调和激励的过程。新建地方本科院校虽然完成了专科向本科、单一型向多科型的转变，为我国实现高等教育大众化起到了积极的推动作用。但面对现实，我们应清醒看到：新建地方本科高校在内部管理、绩效水平、思想解放、教育观念和主动适应地方经济建设和地方发展之所需等方面还存在一定问题。如何进一步解放和发展教学生产力，面对社会的快速发展而及时调整专业结构，整合教学资源，强化办学特色，提高本科教学质量是目前地方新建高校面临的主要任务，而加强其内部教学管理绩效水平是重要的解决途径之一。

1 以院（系）为中心，促进教研室、教师教学管理运行机制的形成

地方高校办学的核心是全面提高教育教学质量，提高教学质量的关键是教师，教师的质量体现在教师教学水平，提升教师整体教学水平在教学实践，教学实践运行管理在教研室一级基层管理机构。以四川文理学院音乐系为例，在本科教学合格评估各项指标的具体要求下，音乐系充分发挥教研室的作用，营造出志存高远、追求卓越、竞争向上的教学氛围，提高了教师队伍和教育教学水平，促进了本科教学质量全面提升。

各教研室以活动为载体，开展“内树信心，外树形象”活动，增强教师自信心和责任感，树立良好师德师风，认真履行教师职责。建立科学规范的管理机制，明确《教研室主任岗位职责》，规范了《教研室工作手册》，包含了教研室工作计划、活动开展、教师备课、教学进度、教学质量控制和工作总结等，使教学环节常态化。

教研室以团队建设为中介，开展“向课堂要质量”活动，提高教师整体教学水平。各教研室定期开展“老教师上示范课，中年教师上公开课，青年教师创优质课”活动，公开评课，教师间相互探讨，在研讨与交流中融汇；在法与内容上相互学习，取长补短，切实提升教学水平，确保教育教学质量。

教研室以团队作用为促进，加强教师教改、教研和科研工作，着力提高教师队伍的科研能力，音乐系涌现出了钢琴教研室、声乐教研室、舞蹈教研室、青年教师创新教学团队、青年教师科研团队等优秀团队，声乐教研室被学校授予“优秀教学团队”称号。

2 以专业建设为驱动，促进内涵式发展水平的整体提升

学校应把专业建设作为院系绩效考核的重点项目之一，根据对院（系）专业建设水平进行考核和评价，加大对新专业建设经费投入力度，同时，还要对新专业给予指导，并给新专业适当的优惠政策，切实达到加强新专业建设的目的。以四川文理学院音乐系为例，从2007年来，以音乐学（教师教育）本科专业为依托，为适应地方经济文化建设的需要，紧紧围绕“强专业、育通才、广就业”办学特色。在师范教育中融入非师范教育，在师范性素质教育基础上体现社会舞蹈表演专业的个性教育，注重川东巴渠民间音乐的开发和应用研究，贯穿在培养应用型人才的始终。伴随着专业建设的加强，新专业实验室建设逐步完善，师资队伍数量和结构趋于合理，作为支撑的课程体系已经形成，人才培养方案大胆创新，带动办学内涵的整体提升。为此，我们重点从以下几方面进行了探讨：

2.1 紧密联系专业实际，展开“专业人才培养方案体现应用型人才培养”的讨论，形成科学规范的课程体系

地方高校音乐本科专业办学历史较短、资金缺乏、师资队伍素质发展不均衡等客观原因，普遍存在着生源素质差，课程体系建设基础薄弱等现象。其教学现状与社会对人才的需求之间存在着明显的差异。针对这种情况，首先，我们切合自身实际制订了《音乐学专业“十二五”发展规划》，并展开对本科教学合格评估的核心内容“四个促进，三个基本，两个突出，一个引导”的学习讨论，反复对专业的培养目标、学生的学习定位、教材的选购、教学实践基地建立以及课程设置的科目、开设的时间、时数、学分安排与分配等内容是否对人才培养方案起到了真正的评价标准和激励作用进行论证，从而形成既稳定又富地域特色的课程体系，实现人才培养新格局。将教学计划中的课程创新为“平台+模块”的人才培养模式，分为专业学科课程、专业选修课程、地方特色课程、学生自主课程、艺术实践课程等；以专业基础课程为基础平台，以专业学科课程为专业平台，以专业选修课程为专业发展模块，以地方特色课程为专业特色模块，以学生自主课程、艺术实践课程等为实践教学模块。实现强化实践育人，主动服务地方经济文化建设，为城乡综合一体化建设基层、社区培养“定岗式”应用型音乐艺术人才。

2.2 重视教材选用评估，自编教材初显成效

学院制订了教材选用与评估制度，严格教材选用程序，重点选用符合教学大纲要求的教育部推荐、面向21世纪音乐专业教材、自编教材、实用性强和得到师生广泛认可的教材。在所使用的教材中，师生评价优良的教材达94%。教材编写有了较大的突破，至2012年教师主编教材3部，主编教学参考书3本。

2.3 注重队伍培训提高，管理水平得到不断提升

加大对教学管理人员培训力度，增加教学管理人员培训、进修、交流、学习的机会，使教学管理人员不断开阔视野，更新观念，促进新建应用型高校教学保障体系的研究，学习和借鉴国内外质量保障体系先进理念，并将“教育即服务”的理念贯穿于内部质量保障的各环节，充分体现以育人为本，以学生的成才和发展为本，以教师发展为本，改变单一依靠监督检查进行质量监控的状况。自觉地把高等教育教学管理理论运用于工作，提高理论水平、业务能力和工作执行力之中。

2.4 构建内部质量保障体系，确保教学质量提高

为确保教学的中心地位，建立教学质量监控体系，主要分为校、院系两级。校级监控体系：领导听课、教学指导委员会、教务处质量科；院系级监控体系为：听课评课、教学督导小组和教研室。各主要教学环节质量标准明确具体，教学质量监控和评价体系健全，建立教学质量评估制度、专业教师评议制度、学生意见反馈制度、教学督导制度等，不断完善教学评价体系，激发教师投身教学工作的热情。同时，按照教育部本科教学合格评估的相关要求，完善教学质量评价指标体系和教师分类管理、分类评价办法，以学生评价、教师互评、领导评价和社会评价相结合，在评价方法的运用上做到定性评价与定量评价、动态评价与静态评价相结合。

3 以学生实践能力培养为目标，促进应用型人才培养质量的逐渐提高

地方高校本科人才培养定位其应用型，改革人才培养方案，培养为地方和社会所需的各类应用型人才，追求现代大学“构建主动适应地方和社会对职业能力需要的人才培养模式”的核心内涵，便成了首当其冲的重要工作。制订应用型人才培养方案，以学生专业实践能力培养为目标，从实践教学入手，培养具有创新意识的应用型人才，给学生创造掌握科学方法和提高实践动手能力的重要平台。通过各种艺术表演形式的实训排练，国际交流、校内外交流表演、毕业专业汇报、艺术创作表演等舞台实践，使学生熟练掌握各种专业技能，建立牢固的文艺建设体系和服务意识，从而达到培养学生理论联系实际、学以致用的目的。结合我系实际，重点进行了以下探索：

3.1 以评促改，把课堂教学作为实践教学的第一步

在课堂教学上，教师的示范教学，要求学生唱（奏）教师首先要进行示范，学生再进行现场唱（奏），体现了实践性教学能力的提高首先来自于实践性课堂教学。为锻炼和提高师生的教学与实践能力，设立了学生“个人音乐会”专项基金，新建可容纳400余人音乐厅，为音乐学专业的办学质量提供了有力保证。

3.2 改善实训场地条件，保证实训实习时间

为进一步体现应用型人才培养要求，学校制订并实施《关于进一步加强实践育人工作的实施意见》，依托地缘和专业优势，积极加强与艺术团体合作，引进社会力量，共建共享教育资源，积极探索合作办学、合作育人模式。通过教学评估，配备了琴房、多媒体教室、舞蹈教室、数码钢琴教室、MIDI教室、排练厅、实训室、音乐广场等教学设施，从而满足音乐学专业学生学习实践的需要，确保实训实习的时间。建立稳定的教学实习实践基地15个，其中，人文艺术合作育人创新基地1个，国际文艺交流中心1个。与四川省交响乐团合作签订了“人文艺术合作育人创新基地”协议，在云南丽江合作打造了一台具有典型云南民族特色的节目，形成合作培养音乐与舞蹈艺术人才；与地方教育部门和中小学合作，加强新课改合作研究和培训，服务地方基础教育改革。与此同时，积极向海外拓展合作办学空间和国际交流，与俄罗斯皇家芭蕾舞、韩国草堂大学等开展海外合作交流。

3.3 开展社会实践活动，增强社会适应能力

将社会实践纳入音乐本科教学计划，设置2个学分。学生社会实践活动主要采取集中与分散相结合的办法，学生参加各种层面的社会实践活动，均按照学校的有关规定折算成学分，纳入课程考核。学校重在引导和鼓励学生深入农村、企事业、社区、中小学校等，感受社会的发展变化，增强适应社会能力。每年暑假或集中组织学生参加“三下乡”社会实践活动，分赴基层，开展文化、艺术活动和帮扶活动；或利用周末深入社区、留守儿童之家、义务演出、关爱留守儿童等活动。院（系）还组织学生参加地方大型文艺演出，发挥在当地的文化引领作用，使学生在演出中得到舞台锻炼，音乐系参加历届大学生艺术节得取得优异的成绩。

3.4 规范毕业论文（设计）管理，强化专业综合训练

音乐本科毕业论文（设计）主要有毕业论文和毕业（设计）音乐会相结合方式。各阶段要求明确，流程清晰，管理规范，对本科生毕业论文（设计）从开题、撰写、指导和答辩等环节均有具体要求，每年举行优秀毕业论文（设计）答辩观摩和优秀毕业论文（设计）评选。按规定确定指导教师，明确指导教师工作职责，大部分学生的毕业论文（设计）选题结合社会实际，来自艺术实践、实习、和社会调查中的毕业论文（设计）比例不断增多。2011届本科专业毕业生毕业论文（设计）来自实践环节的比例平均达到了53%。近三届毕业生有72篇被评选为校级优秀毕业论文（设计）。通过毕业论文（设计）环节的训练，学生综合运用知识的能力和职业技能得到了全面锻炼，达到了培养要求。

4 紧密为地方经济建设服务，促进办学定位的逐步明晰

“服务地方，与地方互动”是绩效考核对院（系）办学定位的基本要求，也是地方本科院校的职责和突破点，近年来，各院（系）积极“找路子”，紧密围绕地方经济文化建设，深入开展合作共建活动。四川文理学院音乐系紧紧围绕学校“立足川东，服务全川，辐射周边省市”的办学思路，突出专业特色，培养适应地方经济建设需要的应用型人才。提出“立足地方，面向基层，服务城乡经济文化建设”的办学定位，狠抓学生职业技能训练，积极引导学生学用结合、学以致用，提高专业实践技能，繁荣了地方文化市场，提高了达州市民的文化艺术修养。近年来，独立承办的各种类型的演出已有数百场，在达州市及周边县市形成了良好的社会效应。比如，2008年参加四川省第十届运动会开幕式“火之歌”；2009年达州市第十届城乡环境综合治理现场会文艺演出；2010年参加达州市元九登高节“大巴山民歌会”；2011年独立承办“巴国情韵”——纪念李依若100周年诞辰文艺晚会等。先后还多次为“留守儿童基金”举行募捐公益演出，并取得了很好的效果。通过依托地方与服务地方相结合，避免了办学定位的“大而空”，已初步形成了自身的办学特色。

参考文献：

篇2

舞蹈艺术欣赏

—— 一门值得我们认真学习的课程

学生姓名：

系 别：

音 乐 系

专 业：

音 乐 学

指导教师：

一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：

20世纪90年代以来，国际经济形势发生了重大变化，呈现了诸多发展趋势，包括：经济全球化、以信息技术为导向的新技术革命、全球经济的市场化以及区域经济一体化等。经济全球化进程的加速发展，人类生存方式、文化价值观念 、文学活动以及艺术文化等也都不可避免地受到了影响 。

我之所以会选择《舞蹈艺术欣赏》课程作为我关注的问题，是因为我觉得，在这个变化多彩的社会中，我们这些正处于毕业阶段的高师音乐系学生应多学习专业以外的多面知识，以不变应这万变的复杂社会。

虽然《舞蹈艺术欣赏》这门课程并不成为我们系的一门必修课程，但这门课程的重要性并不亚于专业课程。“舞蹈艺术欣赏”与其他艺术的关系是如此的紧密，对舞蹈中各种知识的了解与掌握对音乐系不同专业的学习是很有帮助的。从我自身的体会来说，舞蹈艺术欣赏对学习舞蹈专业很有帮助，对舞蹈艺术作品的反复领悟、探究、剖析形式美以及构成美的技法，不仅直接培养了舞蹈艺术欣赏能力，为自己的表演和创作寻找到坐标，而且对舞蹈专业工作者来说，也是一种受教育的过程，是开阔眼界，学习并借鉴他人舞蹈艺术的重要手段之一。

在变化万千的舞蹈世界中不仅要通过自身的实践，还要多看、多听、多鉴赏，因此，《舞蹈艺术欣赏》课程的必要性是不容忽视的，更要成为我们音乐系的一门核心课程。

二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：

基本内容：

一、开头

⒈由学习者在《舞蹈艺术欣赏》这门课程中的课堂表现引发我对学习者的调查;

⒉学习者的态度是由于《舞蹈艺术欣赏》课程本身的几大特殊性所导致，分别是：

① 学习者——本系各个专业学生;

② 课程时间的安排——大四的第一个学期;

③ 课程的性质——非必修(选修)的专业课程;

二、⒈ 舞蹈艺术欣赏的概念;

⒉ 分析舞蹈艺术欣赏与其他艺术的关系;

⒊ 特别提出《舞蹈艺术欣赏》课程对舞蹈专业学生的重要性;

⒋ 从感知方面来谈欣赏舞蹈的三个层面 ：

①形象感觉 ②体验想像 ③探究领悟

⒌舞蹈艺术欣赏的审美价值;

三、结尾

呼吁全系学生要用更为认真的态度来对待《舞蹈艺术欣赏》这门课程。

拟解决的主要问题：

1. 为什么《舞蹈艺术欣赏》课程不能得到重视?

2. 什么是舞蹈欣赏?

3. 舞蹈艺术欣赏与其他艺术有没有关系?

4. 舞蹈艺术欣赏课程对专业学习者有没有作用?

三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：

1、网上、图书馆搜集相关资料;

2、请教指导老师黄平副教授，确定选题方向;

3、与同学共同讨论本课题，互相交流意见;

4、写好开题报告;

5、根据已选题目进一步搜集资料，并拟好论文提纲;

6、论文写作;

7、论文修改并定稿。

进度安排：

1、9月10日——10月30日 依据论文参考选题，作好论文先期搜集工作;

2、11月1日——11月20日 选题，写开题报告;

3、11月24日——05年3月6日 开题报告定稿，接受毕业论文任务书;

4、3月6日——3月20日 论文写作阶段完成初稿并接受论文中期检查;

5、3月20日——5月10日 修改论文阶段;

6、5月10日——5月15日 论文答辩。

四、主要参考文献：

[1] 田静主编 《中国舞蹈名作赏析》 人民音乐出版社 19490-1999

[2] 汪流 《艺术特征论》 北京：文化艺术出版社 1986

[3] 科林伍德 《艺术原理》 北京：中国社会科学出版社 1985

[4] 选自《全国舞蹈教育研讨会文集》中黄小明著《试论高校素质教育中〈舞蹈艺术欣赏〉课程的特殊性 》

[5] 宗白华 《美学散步》 上海人民出版社 1987

[6] 贾作光《贾作光舞蹈艺术文集》文化艺术出版社1992年版

[7] 于平著 《中外舞蹈思想教程》 中国戏剧出版社 1994

[8] 王宏建主编 《艺术概论》 文化艺术出版社 2002

五、指导教师意见：

签名：

六、教研室意见：

签名：

篇3

学生姓名：

系别：音乐系

专业：音乐学

指导教师：

年月日

一、综述国内外对本课题的研究动态，说明选题的依据和意义：

音乐表演是音乐存在的活化机制，无论在任何音乐行为方式中，音乐表演都使整个音乐活动处于激活状态。表演可使作品得到介绍、传播、完善、获得长久的生命力。音乐表演的目的不是引起有声调声觉的声波运动，而是通过内在的情感动态形式的注入，引起深层心理体验，赋予无生命的形式以生命的活力，给人以人性的体验。音乐表演的二度创造，就是通过表演者对音乐的理解、投入感情，再次赋予音响的动态结构以生命的形式，即充满着丰富情态意味的音乐运动。

二、研究的基本内容，拟解决的主要问题：

主要内容：

音乐是一种表演艺术，在表现方式上与非表演艺术很不相同。而音乐表演艺术则不同，他必须通过表演这个环节，才能把艺术作品传达给欣赏者，实现艺术作品的审美价值。而音乐表演中根据艺术表现的需要，使表演者的对于投入的情感能做到呼之即出，挥之即去，达到挥洒自如、变化有序的境界，真正成为音乐表演所需要的情感。他有表演的真实情感作为种子，同时它又是经过提炼，升华了的与音乐中的情感内涵融为一体的。应该说，只有这种艺术化了的情感，才是音乐表演所需要的。

主要问题：

1、什么是音乐表演艺术及意义。

2、音乐的表现与精神性内涵。

3、音乐表演的二度创造本质——情感体验。

4、音乐表演的情感体验——投情。

5、音乐表演—赋予情感以生命。

6、音乐表演中审美情感的体验。

7、对于音乐表演者的技巧与表现统一的要求。

三、研究的步骤、方法、措施及进度安排：

步骤：

1﹑大量阅读古筝方面的文献和著作；

2﹑找出有价值的课题；

3﹑依据论题精确寻找相关资料；

4﹑论文撰写；

5﹑在老师的知道下进行修改；

6﹑定稿并准备论文答辩。

措施：

1﹑在图书馆和上网查阅相关资料文献；

2﹑真理原有资料；

3﹑请教知道老师，与同学交流探讨本论题。

进度安排：

1﹑XX年11月-12月初：查阅相关的资料；

2﹑XX年12月中旬：确定选题；

3﹑XX年12月底：写开题报告并准备开题答辩；

4﹑XX年1月-3月：开始正文协作，完成初稿；

5﹑XX年3月-4月：修改完善文稿；

6﹑XX年5月：论文答辩。

四、主要参考文献：

[1]王次沼著：《音乐美学通论》人民音乐出版社

[2]修海平罗小平著：《音乐美学基础》上海音乐出版社

[3]苏珊郎格：《情感与形式》中国社会出版社

五、指导教师意见：

签名：

篇4

关键词：新课程标准；高师钢琴教学；思考

篇5

概括起来主要特色体现在三个方面：

1.人才培养方面的特色

目前中国朝鲜族专业音乐教育在硕士层次上有音乐学科和中国少数民族艺术学科，主要研究民族音乐理论、民族乐器、民族声乐表演、作曲、中国朝鲜族音乐文化等方向；本科层次上有音乐学、音乐表演、作曲与作曲技术理论三个专业，包括键盘、美声、朝鲜民族声乐、西洋管弦乐与打击乐器、朝鲜民族器乐、音乐教育、作曲与作曲技术理论等7个专业方向。

在人才培养过程中用“创新”、“特色”的理念和“专业教育与人文教育相融合”的总体思路，重视并突出多元文化融合，形成多层次、多类型，又具有独特的中国朝鲜族特色。

课程特色：

为把“民族性”特色转化为培养人才，以朝鲜民族音乐为核心，包容中国音乐、西方音乐种类；教学环节上，构成中专、本科、研究生各层次；各层次又以课程内容的程序化、循序渐进、层层递进和深入来强化其科学性，多类型主要涉及表演、创作、教育、研究等能力的提高来达到全面发展。

以 “20世纪中国朝鲜族音乐文化”等成果为基础理论，从中国音乐史、西方音乐史到增设朝鲜音乐史、韩国音乐史、中国朝鲜族音乐史、民族音乐学概论，以整体的朝鲜民族音乐观为教学与研究的基本方法，构成朝鲜民族音乐的基本理论框架；从原有的主干课程只有朝鲜民族声乐到增设朝鲜族民歌、朝鲜民族器乐演奏（如伽琴、横笛、短笛、杖鼓、奚琴等）、朝鲜民族民俗音乐；从辅助课程只有民间音乐到增设了现代音乐制作、现代作曲技法、乐队组织与排练、民族管弦乐与打击乐、重奏与合奏、四物乐与打击乐，形成了融朝鲜、韩国、中国朝鲜族音乐于一体，融东方音乐和西方音乐文化特色于一身，文化多元、层次交叉、相互渗透、相互支撑的具有中国特色的朝鲜民族音乐课程体系。

为实现“厚基础、强专业、宽方向、重应用、倡研究、求创新”的人才培养目标，增设了朝鲜族戏剧表演、朝鲜族舞蹈表演、计算机基础、思想道德修养与法律基础、计算机程序设计等课程，充分结合相关学科的应用知识，提高学生的综合素质和创新能力的培养。

在具体的课程内容形成上，音乐理论与技能有机结合，音乐理论课程内容以丰富应用基础理论、民族传统基础资料为目标，力求贴近实践；技能课程力求融进民族音乐理论和方法成分，以便使实践课程和大脑思维相融合。

教材特色：

在充分反映中国、朝鲜、韩国的研究成果和学科前沿研究成果的基础上，开发了朝鲜民谣调式、朝鲜族杖鼓演奏法、朝鲜民族音乐教学法、朝鲜族横笛演奏法、朝鲜族声乐等教材，这些教材相继在国内出版，被朝鲜、韩国等高校朝鲜音乐专业采用，提高了本专业在此领域的国际知名度。新的教材在其内容上表现出了对朝鲜、韩国研究成就的包容性和对朝鲜民族音乐整体研究的创新性、系统性、实用性和科学性。

实践特色：

根据“强专业、重应用，求创新”的专业人才培养目标的要求，在实践教学模式的形成上，注重教学与实践相衔接。主要以实践教学形态为主，科学合理地安排了各类实践教学环节，课堂教学、社会实践、艺术实践、毕业创作（演出）、等课程形式共同组合成了较为完整的实践教学体系。

把课堂实践环节的乐队组织与排练、四物乐与打击乐、重唱与合唱、重奏与合奏和创作实践、毕业（创作）演出、毕业论文纳入到计划内实践环节；课外实践环节的演出/作品发表、公演活动、个人演奏会、社会实践纳入到计划外实践环节，构成完整的实践教学模式。这一模式能够灵活地把计划内与计划外、校内与校外相衔接，成为联结课堂和舞台、学校和社会的桥梁，有助于提高学生各方面的实践能力，以便走向社会后尽快适应新的实践环境。

在实践课教学模式的形成上，除了沿用期末进行乐队组织与排练、四物乐与打击乐、重唱与合唱、重奏与合奏汇报会或面向社会进行公演的形式之外，还在本专业教师的具体分工和指导下，发动学生积极开展艺术实践活动，让学生们自己创作音乐作品和课堂排练，鼓励学生参加各种专业比赛和评奖活动，从而激发学生们的学习积极性和自觉性，激活潜在的创造能力，培养学生们的创新精神。灵活机动的“特别讲座”及时补充教学计划的不足和未能反映学科前沿问题的不足，为学生的学习起到导向作用，为课程体系的完善起到很好的补充作用；通过学期、学年、毕业论文的写作实践，学生的选题、开题、研究、答辩能力不断提高，论文写作不断得到规范，论文水平不断提高；每学期还有计划、有目的地组织学生参加国内外的公演活动或参加社会实践活动，使学生在实际应用中得到锻炼和提高。

在不断的尝试和改进下，毕业生的表演、创作、实践能力均比过去有明显提高。学生每年参加大、中型演出平均40场以上，仅近4年，组织各种大中型演出达160场，有些学生还获得“中央电视台青年歌手大奖赛”银奖、“韩国全国西道民谣比赛”金奖、“中国文化艺术政府文华艺术院校第二届民族乐器演奏比赛”金奖、“韩国国乐大赛”最优秀奖、“韩国第五届世界文化艺术大会”民谣大奖、“第四届韩国首尔亚细亚国际音乐比赛”大提琴一等奖、“第二届中国南北民歌擂台赛”最佳歌手奖、“韩国2005年世界韩民族文化展在外同胞传统艺术比赛”银奖、2004年“清逸佳雪杯CCTV西部民歌电视大赛”原生民歌独唱组金奖等。

2.民族音乐研究方面的特色

在中国，朝鲜民族音乐属于中国少数民族音乐体系，是中国五大少数民族音乐的一个组成部分。在中国民间音乐系统内，由于其体系和理论框架的局限，朝鲜民族音乐不能形成相对独立完整的体系。在世界音乐体系内，中国朝鲜族音乐、朝鲜音乐、韩国音乐属于同一个民族音乐，但朝鲜音乐薄古重今，缺乏对传统的继承；韩国音乐存在重古薄今和薄古重今两派，也难以形成完整的朝鲜音乐体系。朝鲜、韩国两国由于长期封闭分隔，不能够开展直接的交流，且又不能互相包容对方的研究成果。

中国朝鲜民族音乐研究人员利用地缘和亲缘优势，有直接参加朝鲜、韩国双边艺术交流和学术交流的便利，从客观的角度涉足中国以及周边国家的相关研究、教学与实践。中国朝鲜族音乐在中国多元文化背景下，把自身独立的朝鲜民族音乐系统与作为同民族的朝鲜―韩国相比较，较完整、系统地保存和发展了近现代朝鲜民族音乐最新成果，具有朝鲜民族音乐整体研究与比较研究的优势。

学科不仅拥有中国朝鲜族音乐领域专家学者队伍、丰富的资料中心和辐射国内外的广泛的信息交流网络，还设有“中国朝鲜族民族艺术研究所”“民族乐器研制中心”等研究机构。

近几年以引进专业人才为突破口，以培养中青年骨干教师为重点，以培养有影响的学科带头人为核心，引进国外留学生14名、外校毕业生12名，选派11人次到平壤音乐舞蹈大学、韩国首尔大学等韩国、朝鲜著名音乐学院进修学习，每年选派3名教师到国内音乐院校学习，以及时掌握朝鲜、韩国以及国内音乐学科专业改革的动向。

多年来，民族音乐研究事业取得了国内外学术界刮目相看的学术成果。其中，“20世纪中国朝鲜族音乐文化”、“中国朝鲜民族艺术论”、“中国朝鲜民族艺术教育史”、“中国朝鲜民族儿童艺术”、“中国朝鲜民族音乐史”、“中国延边朝鲜族管乐发展研究”、“朝鲜族民谣调式等研究”等成果填补了领域空白。“金斗男的生平与东北地区的音乐活动考”、“中国朝鲜族民族音乐现状及对策研究”、“21世纪朝鲜族音乐研究”、“近现代中朝两国学校音乐教育史的比较研究”等国内外科研课题与横向课题，以及“传统音乐在中国(延边)和韩国的灵山会相之比较”、“《乐学轨范》的音乐思考”、“民谣中作曲技法研究――朝鲜民族的民谣为中心”、“中国朝鲜族音乐和传统的问题”、“朝鲜族民谣旋律特点”等科研成果为学科民族音乐研究在二十一世纪长足发展奠定了坚实的基础。

在50年的民族音乐人才培养和音乐研究方面我们始终把握“民族的就是世界的”这一主线，把我们的民族特色贯穿到人才培养和理论研究中。

3.音乐交流方面的特色

为了充分发挥“地域性”优势，不断扩大对外影响，拓宽办学渠道，广泛引进各种办学资源，加快民族艺术教育与国际艺术教育接轨，逐步形成“开放式”办学特色与优势。几年来，先后与朝鲜、韩国、日本、美国、澳大利亚、荷兰等国家和地区的教育机构、文化艺术团体及知名专家、学者建立多种合作与交流关系，共同举办了50多次音乐作品及表演、教学、学术交流活动。通过多种形式的合作与交流活动，不仅引进了资金、设备、图书资料等，而且获得大量的音乐教育信息，学到了宝贵的办学经验，为把音乐学科建设成国内一流、国际上具有较大影响的民族音乐学科迈出了可喜的一步。

总之，我们把“民族的”、“地域的”、“传统的”贯穿到民族音乐发展思路当中，实施了一些举措，取得了一些成效：①“民族性”特色转化为培养人才、服务社会的真正优势，加快民族音乐教育与国际音乐教育接轨，重视对外交流与合作事业的发展，逐步形成“开放式”办学特色与优势；②充分发挥“地域性”优势，不断扩大对外影响、拓宽办学渠道、广泛引进各种办学资源，获得大量的艺术教育信息，学到了宝贵的办学经验。

但这些远远不够，一所高校是否具有优势、特色直接影响其在高等教育系统内部的重要程度和在激烈竞争中的生存空间。所以，为提高生存发展能力，必须考虑发展特色。要高瞻远瞩、有战略眼光，要根据自身特色，找准定位，找准发展方向。

因此，我们把今后学科专业特色定位为：建立既具有中国朝鲜族特色，又借鉴朝、韩两国特点，且融合中西多元文化特点的学科。音乐学科建设总体目标：在整个中国音乐和世界朝鲜民族音乐两大坐标中，认清自己的地位和作用及相关前沿课题，充分吸收中国以及朝鲜、韩国教学研究成果，拿出具有前瞻性，并有利于培养21世纪民族音乐人才需要的教学内容及课程体系，为中国民间音乐的多元发展和世界朝鲜民族音乐的系统发展做出贡献。

参考文献

①欧以克《民族高等教育学概论》，北京：民族出版社，2005年

②北京大学朝鲜文化研究所编《中国朝鲜民族艺术类专业史》，北京：民族出版社，1994年

③刘邦奇、齐平《现代教学管理系统》，石家庄：河北教育出版社，1997年

④查有梁《教育建模》，南宁：广西教育出版社，1998年

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二、学子——学者

赵塔里木是一位坚韧的学子。新疆素有“湖湘子弟满天山”之说，虽祖籍湖南，自被父母赋与“塔里木”之名，他便被深深烙上了新疆的印记。出生于乌鲁木齐的赵塔里木中学毕业后，远赴博尔塔拉蒙古自治州担任州文工团演员，七年的文艺实践使他浸于蒙古长短调、哈萨克阿肯弹唱以及维吾尔麦西来甫等民间艺术的海洋中，并与当地民族结下了兄弟般的情谊。当今天的赵塔里木袒露他至情至性的一面时，还会用蒙古舞的抖肩击筷来回忆当年的峥嵘岁月。而也正是这段生活，奠定了他与民族民间音乐的不解之缘。1978年，作为恢复高考后的第一批大学生，塔里木进入新疆奎屯师范学院学习，主修理论作曲。两年后转入新疆师范大学音乐系，1982年获得学士学位后留校任教。1982年，随杜亚雄教授考察新疆少数民族音乐，从此走上民族音乐学之路。经过五年的执教和研究生涯，1987年塔里木考入中国音乐学院音乐学系攻读硕士学位，师从耿生廉、杜亚雄教授，研究方向为民族音乐学，于1990年获得硕士学位后返回新疆师范大学任教。再经过五年的执教生涯，1995年考入扬州大学中国文化研究所攻读博士学位研究生，师从王小盾教授，研究方向为“汉民族与少数民族文学艺术的比较研究”，1998年获文学博士学位。

从学士至博士的求学生涯，在上个世纪对于地处新疆的学子而言，无疑是一条充满艰辛而坎坷的道路。更不幸的是，塔里木在博尔塔拉蒙古自治州文工团工作的七年，正处于期间。为了备考，塔里木甚至发明了凿冰洗脸来保持头脑清醒的方法，偏远的博乐小城在冬天动辄就是零下30多度的奇寒天气，可以想见一个年轻人以冰水扑面的惨烈。考入大学后，在钢琴教育家王莲教授，音乐理论家赵梓辉教授，作曲家祝令、马辉教授等名师的指导和自身坚忍不拔的努力下，塔里木打下了坚实的音乐理论基础。1987年考入中国音乐学院攻读硕士学位，是塔里木第一次走出新疆，也是新疆音乐界首位硕士研究生。在中国音乐学院接受了全面而系统的民族音乐学训练后，他深入蒙古族额鲁特部进行了长达半年的田野调查，完成硕士论文《蒙古族额鲁特部民歌特征的鉴别与解释》，论文荣获全国高等艺术院校第二届中国音乐史优秀论文评选研究生组评委奖（1990年）。1990年获得硕士学位后，塔里木回到新疆继续执教。1995年考入扬州大学中国文化研究所攻读博士学位，再次成为新疆音乐界的首位博士研究生。就这样，一个来自大西北中年学子，来到瘦西湖畔的温润环境中，在王小盾教授的悉心指导下，以目不窥园、夙夜不懈之精神，对中国音乐文学的古今典籍进行了深入的阅读和研究。近两年的潜心修造后，塔里木将毕业论文的研究对象投射到了中亚东干人的民歌，之后辗转于吉尔吉斯斯坦、哈萨克斯坦与新疆甘肃等地，完成了洋洋二十余万字的博士论文《在中亚传承的中国西北民歌——东干民歌研究》。

赵塔里木是一位胸怀博大的民族音乐学者。新疆的偏远与相对闭塞，确实使得求学之路充满艰辛曲折，然而正是其多民族文化的丰富资源，为音乐学家提供了肥沃的土壤。塔里木深知，民族音乐学家首先必须植根于民间音乐生态之基底，以坚定信念与毅力向纵深发展，形成立足之本的直根系：其后还须扩展至探寻与音乐共生的文化背景，以求知欲与置疑态度发展出侧根，打通学科壁垒，形成网状分布的须根系；最终从土壤中不断汲取营养，形成伟岸的树干与繁茂的树冠，在人类文明的普照之下进行光合作用，以参天大树的高度来俯瞰世界民族音乐之林——是为直根、须根、树干、树冠的有机关系。因此，民族音乐学研究工作的首要任务就是要深入调查对象的内核，以局内人的身份与该文化生态形成共同体，分享其音乐的审美内质与社会功能，最终再上升至学术层而对其进行理性的把握与诠释。在撰写硕士论文《蒙古族额鲁特部民歌特征的鉴别与解释》时，他深入伊犁昭苏、尼勒克二县的额鲁特部中，与民间艺人共同生活，熟练地掌握了额鲁特语，并记录下一百五十余首额鲁特民歌，对额鲁特民歌共生的文化背景、额鲁特人的音乐观、民歌的分类和流传、额鲁特民歌的歌词特点与音乐特征、额鲁特民歌在社会文化体系中的功能进行了全面系统的研究。该论文是民族音乐学田野调查、系统分析与科学结论的范本之作。

通过《蒙古族额鲁特部民歌特征的鉴别与解释》一文，塔里木展示出作为民族音乐学家所必须具备的扎实根系，而在《少数民族音乐文化价值再认识》（《音乐研究》1989年第3期）一文中，已经看到塔里木伸展出树干的端倪。文中首先通过描述少数民族音乐与其生产活动的联系、在婚礼民俗中的作用、在少数民族宗教活动中的文化意义等方面，揭示了少数民族音乐文化价值的特殊意义，并阐述了少数民族音乐在文化中的“向心”、“规范融合功能”，为“文化价值相对论”的观点摇旗呐喊。文中指出：“任何一种文化，无论处在何种发展阶段的社会环境中，其自身具有的价值体系是其它文化不能取代的。”同时，塔里木也冷静地指出：“在观察异民族音乐文化时，试图采用一种完全中立、超然的态度来摆脱自己的价值观对观察、判断所产生的主观倾向是完全不可能的。但这不意味着放弃文化价值相对观，相反却要提倡和坚持，并作为研究工作的出发点。其根本意义在于：不断向客观逼近。”他还在文中警示“另一种极端倾向是：虽然从“平等音乐观”的愿望出发，最后却得出不平等的结论；从批评“欧洲中心论”出发，却建立起地域、民族的自我中心。”这些观点，在时隔四分之一世纪后的今天看来，依然振聋发聩，这是民族音乐学家面对全球化大潮时应该坚守的原则与座右铭。

正是持有这种科学的民族音乐观，使得塔里木的研究视野愈加开阔起来。以新疆额鲁特部民歌研究为起点，他开始将目光拓展至整个中亚。新疆与中亚存在有哈萨克族、柯尔克孜族、塔塔尔族、乌孜别克族、塔吉克族、蒙古族和俄罗斯族等7个主体在界外的跨界民族、还有维吾尔、回等2个主体在界内的跨界民族。而回族作为一个跨界民族长久以来并没有引起学术界应有的关注，其音乐文化的跨界研究则基本上为空白，塔里木以其敏锐的学术触觉关注到了吉尔吉斯斯坦、哈萨克斯坦与乌兹别克斯坦等中亚国家的东干人音乐文化。1997年1月至5月，他与王小盾教授前往吉尔吉斯斯坦共和国与哈萨克斯坦共和国对东干民歌进行了实地调查，历经辛苦与磨难，终于1998年9月完成了《在中亚传承的中国西北民歌——东干民歌研究》。可以说该篇论文的完成，标志着塔里木作为一个民族音乐学者，正在形成其知识结构的树冠层面。该文对东干民歌的流传分布、民歌概念与分类、传承方式以及唱词格律等进行了全面的调查与研究，并将东干民歌与中国西北回民民歌进行了个案的对比与分析，从而全景式收录了中亚东干民歌的形态、文化背景及其所呈现出鲜明的跨界特征。这篇论文是中国跨界民族音乐文化研究的开篇之作，将为国内跨界民族音乐文化的研究拉开序幕。

中国是一个多民族国家，全国55个少数民族中，有34个跨界民族。对于跨界民族所进行的文化研究，还关系到政治、经济、宗教乃至社会稳定和国家安全等重大问题。20世纪中国的民族音乐学家们，不仅仅要从学术层面上揭示跨界民族音乐文化及其共生文化体系的属性与特征，还要站在公民层面，在探索艺术真理的过程中承担起维系中华民族认同、构建国民文化多元一体格局的重大任务。正是基于这样的认识，塔里木将研究的目光拓展至东南亚民族民间音乐上来。2011年8月，经全国艺术科学规划领导小组各学科规划小组评选审批，塔里木主持申报的科研课题《澜沧江——湄公河流域跨界民族音乐文化实录》，被列为“2011年度国家社会科学基金艺术学重点项目”。澜沧江一一湄公河流域面积约达80余万平方公里，从云南出境，流经缅甸、老挝、泰国、柬埔寨和越南等五个东南亚国家。而云南境内的25个少数民族中，跨国境民族就有16个，东南亚国家从20世纪后期以来是世界公认的经济发展最快的地区之一，同时也充满着政治、经济乃至军事上的不确定因素，因此对这些跨界民族的音乐文化研究，实际上已经远远超越了民族音乐学学科本身，上升至与国家文化安全、经济发展、边界和平等息息相关的重大命题上来。

纵观塔里木的学术研究历程，在其丰硕的研究成果中可以清晰地勾勒出这样一个脉络：从新疆额鲁特民歌解释，至中亚东干人的民歌研究，再至澜沧江——湄公河流域跨界民族音乐文化实录，正是一个民族音乐学家立于民族民间音乐生态中向下植根、网状伸展、登高俯瞰的历程，硕士与博士的研究对象分别从境内单一民族（额鲁特）、拓展至跨界单一民族（回族-东干）、再至跨界民族集群（云南-东南亚五国），昭然揭示出一个胸怀宽广、肩负使命的民族音乐学家的历程。

三、教育家——领航者

“经师易遇，人师难遭”（《后汉纪·灵帝纪》）。以言传者为“经师”，以身教者为“良师”，倘若以思想、智慧与人格的力量为学生树立信念与理想，是为“人师”。本科于师范大学、硕士于音乐学院、博士于综合大学的学习经历，综合大学、艺术学院、专业音乐学院的执教经历，使塔里木对教师这个社会角色有着全面而深刻的理解：以言传身教的“良师”为起点、以照亮学子学术人生的“人师”为目标。塔里木一直如此践行：课堂上的他以严谨缜密而著称，生活中的他则如慈父般地关爱学生，而无论课堂内外，他都用自己的行为、思想与意志影响着学生。在专业方面，塔里木强调必须通过系统地学习与训练，掌握全面而扎实的音乐理论与实践技能功底。在综合素养方面，塔里木强调打通学科分界，人文与科学素养并重，对于音乐学专业的学生而言，还要具备经史子集的古典文献阅读功力，熟练掌握外语来保持对国际学术热点的时刻关注，还要熟练掌握现代科技的研究手段以达到事半功倍的效率。正所谓一手读春秋、一手用科技。最最重要的，做学问即是做人，学品与人品同步、知识和行动合一。令人记忆犹新的是，在新疆师范大学首届本科毕业生典礼上，塔里木在黑板上有力地写下一行大字：“踏踏实实做学，老老实实做人”。这一行朴素无华的文字，整整影响了一代新疆音乐学子，他们坚定地朝着老师所树立的灯塔前行，同时也遵循着着薪火相传的传统来照亮后学的道路。

从上世纪90年代起，塔里木便以民族音乐学家特有的责任感与使命感，对现有的高等音乐教育体系进行了深刻的反思。在其《新疆高师少数民族音乐教育中的一个误区》（《中国音乐》，1996年第2期）一文中，对少数民族班视唱练耳的教学内容与其母语文化割裂、教学方法与其音乐实践过程脱节的现状提出了严重的质疑，认为现有的课程体系中“许多课程的内容基本上是欧洲传统音乐文化的经验总结，而民族音乐文化的知识在这些课程中充其量只是‘民族化’口号下表面的、缺乏实质内容的点缀”，其根源在于“一元音乐价值观的误导”。走出误区则需要“树立多元的音乐文化观、认真研究少数民族的音乐文化特征、探索双重乐感的人材的培养”。从此，新疆师范大学音乐系在塔里木双重乐感人才培养的指导思想下，在课程体系与培养方式上进行了大胆的改革创新，即使在塔里木调入新疆艺术学院工作后，后继者依然沿着这条道路探索进取，终于在十多年后结出了丰硕的成果。

1995年，塔里木调入新疆艺术学院工作。新疆艺术学院是西北地区唯一的综合性高等艺术学府，学院设有音乐系、美术系、影视戏剧系、舞蹈系等，汇集了新疆的歌舞丹青艺术门类，这为塔里木的教学与科研开辟了一片新的天地。在教学方面，塔里木开设了《音乐学基础》、《民族音乐学概论》、《民间音乐田野调查技术》、《计算机音乐概论》等课程，集基础理论、艺术实践及音乐科技各方向的教学于一身。在他的主持下，新疆艺术学院创办了音乐表演专业木卡姆表演方向，并于1996年首次招生，这标志着自古以来民间口传心授的维吾尔木卡姆艺术正式纳入了高等艺术专业教育的体系中。塔里木认为：“当代学校教育己是民众获取知识的主要途径，木卡姆的传承不可完全游离于这个文化传承的主流。如何不失时机地将木卡姆传承纳入学校教育轨道，使其成为活态传承的有机组成部分，这是学校艺术教育必须直面的问题。”经过七年的实践探索与总结，2003年新疆艺术学院木卡姆教学成果被评为新疆维吾尔自治区优秀教学成果一等奖，国家教学成果二等奖。与此同时，赵塔里木领衔的音乐学学科被评为自治区艺术类惟一的重点学科。

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音乐学研究论文是我国在此学科取得成果的最直接体现，也是音乐学学科构建的主体。2012年，我国较为优秀的音乐学研究论文主要刊登于国内音乐专业和艺术类学术刊物上，内容涵盖音乐学子学科所及的不同研究领域。2012年，民族音乐学研究领域发表的论文数量最多，内容丰富多样。以中国民族民间音乐调查与分析为主要内容的代表论文包括：张伯瑜《云南个旧市大屯镇洞经音乐三首套曲分析》、周青青《北京通州运河号子中的山东音乐渊源》、袁静芳《走近藏哇寺》、赵塔里木《蒙古族额鲁特部民歌特征的鉴别与解释》、钱茸《浅析沪剧唱词音声的地域性音乐价值――兼推“双六选点”分析模式》、黄婉《在“挪用”中饰变与创造――文化生态视野下的2012基诺族“特懋克”节》、李明月《“堂名”忆旧：苏州地区十番锣鼓生存现象探微――以常熟辛庄“春和堂”为个例》、杨和平《民间礼俗的音声表达――以蒲城丧葬仪式音乐活态现状调查为例》等。有关民族音乐学方法论的研究论文主要包括：洛秦《“音乐上海学”建构的意义、研究架构及其问题思考》、管建华《东西方音乐的帕斯卡尔式的历史沉思》、《音乐学与音乐人类学的哲学基础之比较――兼及中国传统音乐研究的反思》、薛艺兵《通过田野走进历史――论中国音乐人类学历史研究的途径与方法》、杨民康《音乐民族志书写的共时性平台及其“显―隐”历时研究观――以云南与东南亚跨界族群音乐文化书写为实例》、宋瑾《从“音乐”到“音声”――音乐人类学学科边界问题》等。此类论文凸显作者群体对民族音乐学历史维度的思考，以及鲜明的跨学科倾向。此外，还有部分文章从传统音乐的保护与教学入手展开研究，代表文章包括王耀华《熟、背、析、研――教学体会》、张应华、谢嘉幸《我国当代少数民族音乐教育操作策略的探讨》、沈洽《以人为本的多元―本位音乐教育――基于人类学和民族音乐学视角的思考》、叶松荣《学科发展的瓶颈――关于中国传统音乐理论学位论文写作中的局限性探讨》等。

2012年，西方音乐史研究论文主要集中于巴罗克时期以前的早期音乐上，代表论文包括余志刚《中世纪音乐教学漫议》、姚亚平《欧洲早期音乐传统与20 世纪现代作曲观念》、伍维曦《与中世纪晚期多声部弥撒套曲的体裁特性》、周耀群《关于“文艺复兴时期音乐”的两部断代史的比较》等。这些论文从各位学者的独立研究角度出发，对西方音乐早期历史的不同细节开展研究和思考，试图在理论阐述中深化对音乐史局部细节和音乐历史观念形成的认知，进一步唤起人们对古今历史比较和创作、教育问题的重视。为了迎接即将到来的德国作曲家理查德・瓦格纳诞辰200周年纪念，瓦格纳研究论文亦成为2012年我国西方音乐史研究的重点，代表论文包括：刘经树《“清楚变化了的音乐创造”――瓦格纳的“音乐戏剧”构想》和杨九华《“”的阐释 ――再论瓦格纳乐剧中的婚姻伦理观》。另外，对于经典音乐的审美阐释和音乐流派研究的代表论文可举邹彦《贝多芬（Op.31-2）的标题性内涵》和刘瑾《审美困境与现性重建：对新浪漫主义音乐产生及意义的美学思考》。

在中国古代音乐史领域，学者们将目光纷纷投向中国与境外音乐交流史，代表文章包括宫宏宇《基督教传教士与晚清中国的盲人音乐教育――以安格妮丝・郭士立、穆瑞为例》、陈应时《唐传日本调名曲名考》、郑祖襄《谈杨荫浏对田边尚雄“中国音乐外来说”的批评》、叶键、黄敏学《18世纪西方传教士的中国音乐研究及其学术史影响》，以及王小盾的系列论文《域外汉文音乐文献述要》。古代音乐史研究的另一个范畴集中于音乐考古，代表论文有：方建军《钟离国编钟编研究》、《音乐考古学的六个课题》、王子初《我们的编钟考古》、武家璧《曾侯乙墓漆画“杂悬”图及其实验心理学解释》。在近现代音乐史领域，2012年的研究论文主要是对近现代音乐家的学术纪念，论文包括：杨和平《论李凌的音乐美学思想》、俞玉姿《略谈老志诚先生的音乐思想――纪念老志诚百年诞辰学术研讨会上的发言》、居其宏《我国新音乐发展战略的设计师和先行者――萧友梅音乐思想与创作教育实践的跨世纪回望》等。中央音乐学院发起的“国家音乐史”研究工作目前主要集中在中国近现代音乐史领域。2012年集中发表的论文包括：吕钰秀《他者对于一个国家音乐想象的建构蓝本》、李淑琴《从研究的政治化走向学术化――对中国近现代音乐史学科建设的回顾与思考》、蒲方《中国近现代音乐历史分期的特殊性及复杂性》等。

2012年，我国音乐美学领域的研究论文首先以评述于润洋教授美学研究贡献为主导，代表文章包括叶松荣《论于润洋西方音乐史学研究中的理论建构》、何宽钊《论于润洋学术研究中的历史意识》、柯扬《承先贤之法，启后生之思――论于润洋对卓菲亚・丽萨音乐美学思想的继承与发展》等。其他论文则是不同学者对音乐美学理论、趋势与应用问题的独立阐发，例如韩锺恩《判断力批判：置疑音乐美学学科语言并及音乐学写作范式》、刘研《审美经验的复兴――理查德・舒斯特曼的实用主义美学观与通俗音乐》、张晶晶《对阿多诺中的一个核心概念“素材”的梳理与解读》等。

二、音乐学专业教育教学

2012年，我国的音乐学专业教育教学向着精英化、集约化和实力化的方向努力迈进。在专业音乐院校和综合大学音乐学院、音乐系的主导下，音乐学专业教学已经形成比较成熟的发展体系。在不同层次音乐学专业招生方面，各个院校和科研机构结合音乐理论研究的现实需求，招生数量略有紧缩，考试难度相对增加。如此举措，不仅维护了音乐学专业精英化教育的传统，同时也对当代大学生的理论基础素质提出了更高要求。在不同层次的学术人才培养上，各个院校特别重视理论培养和艺术实践的结合，鼓励学生将研究重心立足当代、返观历史，积极参与音乐田野调查和音乐表演活动，在亲身实践中锻炼学生的研究能力。各个院校给予学生相对宽松的课程安排，不但要求学生学好音乐理论知识，还不断启发学生对其他艺术领域和更广泛的社会文化产生兴趣，获得更为广博的文化见识，充分增强学生的学术实力。音乐院校采取各种手段对学生的学习进度加以限定和考核，通过论文评比、音乐论坛、大师讲座、理论访谈等多种形式鼓励学生集中精力投入学习，增长自身的学术本领。学生的毕业论文答辩活动日益规范，答辩通过标准相对严格，有效防止学生论文品质和学术素质的整体下滑。

除了各个音乐院校和科研机构的日常教学工作外，音乐学界在2012年还积极开展音乐学教学研讨、论文评奖和专题讲座活动，有力推动音乐学专业教学工作，促进院校间交流合作，增加校园学术氛围。2012年2月，第四届中国音乐评论“学会奖”评选征文活动正式展开。活动向海内外华人征集自2009年正式发表的音乐评论参选，并在中国音乐评论学会第五届年会召开之际集中评审。2012年3月12日至15日，中央音乐学院举办了“中国音乐史学术交流系列专题1：国家音乐史”活动。斯洛伐克音乐学者奥斯卡・艾谢克应邀参加活动，共同探讨“国家音乐史”写作的方法手段和内容选择。2012年10月，上海音乐学院先后组织了“第九届（2012）钱仁康音乐学术讲坛”和“音乐学学术论坛”，以此作为上海音乐学院音乐学系建系30周年的系列活动之一。2012年11月至12月，南京艺术学院百年校庆举办系列学术讲座，邀请资深专家举办专题讲座。

三、音乐学学术会议

2012年，我国音乐学界各类学术会议相继举办，有力推动了同领域专家学者的学术交流，促进专业学术会议向着常态化、正规化的方向迈进。在民族音乐学领域，2012年6月29日，由上海高校音乐人类学E-研究院承办的“当代社会中的传统音乐国际研讨会”在上海音乐学院举行。与会专家以音乐同社会政治、变革的关系为主题，着重讨论当代语境下的民族音乐学研究视角与方法。2012年7月12至15日，中国传统音乐学会第十七届年会在西安音乐学院召开。会议提交论文摘要240余篇，内容涉及黄河流域音乐文化研究、非物质文化遗产保护与传承、音乐生态研究、音乐与科技、跨界族群音乐文化等研究领域，呈现出学科交叉、研究跨界的学科发展趋势。2012年7月18日至25日，中国少数民族音乐学会第十三届年会在新疆师范大学召开。会议围绕中国少数民族音乐研究、中国跨界民族音乐文化研究、高等音乐艺术院校少数民族音乐教学改革研究三个方面议题展开探讨，充分展示了我国近年在少数民族音乐研究成果。2012年10月30日，国际音理会亚洲大洋洲地区音乐学会首届学术研讨会暨亚太民族音乐学会第十七届国际学术研讨会、泰山学术论坛在山东济南举行。来自亚太地区的音乐学家围绕亚洲、大洋洲、太平洋地区民族之间的音乐传播与交流、构建适合于亚太地区各国的传统音乐理论体系等议题做主题发言。

在西方音乐史研究领域，2012年6月21至22日，上海音乐学院举办“2012・上海音乐学院・瓦格纳国际学术论坛”。 论坛聚合国内最优秀的瓦格纳研究学者同国际瓦格纳研究实现对话，提升我国的音乐学研究水平，增进与西方学术界相关领域的交流与合作。由中国西方音乐学会主办，四川音乐学院承办的“2012西方音乐学会青年学者论坛”于9月21日在四川音乐学院举行。 会议由九位西方音乐史专家对11名青年学子的课题发言进行交流点评，旨在促进青年学者的科研工作和学术交流，积极培养理论新秀。在中国音乐史研究领域，9月24至26日，中国音乐史学会第十二届年会暨第七届全国高校学生中国音乐史论文评选“徐小平奖”颁奖大会在沈阳音乐学院举行。会议对“契丹音乐史”、“音乐上海学研究”等新课题给予充分重视，并对中国音乐史新近研究成果加以展示。在音乐美学领域，2012年11月30日至12月1日，“前沿与对话――全国中青年音乐理论家论坛”在华南师范大学举办。论坛邀请全国50名中青年音乐理论家参会，论题涉及多个学科，促进音乐学学科间的相互对话和启迪。2012年12月2日，“2012年中国音乐美学学会笔会”在华南师范大学音乐学院举行。笔会围绕 “音乐美学学科资源考掘” 和 “身体在音乐审美活动中的作用” 两大主题进行研讨。

四、音乐学纪念与交流活动

2012年，中国音乐学界举行了多项学术纪念和交流活动，对于音乐学院系建设和老一辈音乐理论家的学术贡献加以总结，并对中国音乐学的对外推介与交流做出贡献。2012年11月26至27日，上海音乐学院音乐学系迎来了建系30周年纪念。系列纪念活动由学术研讨会、纪念座谈会、学术讲堂系列、学术成果展、学生音乐会等活动组成。全系教师还集体出版了学术研究文集，对上海音乐学院音乐学系的科研成果加以展示。2012年5月12日，中央音乐学院举办“马思聪百年诞辰纪念活动”。 其中的学术研讨会对马思聪的学术造诣、音乐创作、教育教学和学术精神展开深入的讨论和研究。2012年9月15至16日，中央音乐学院隆重举办“春雨润物 学海成洋――于润洋八十春秋学术研讨会”。近30位来自全国各地的专家学者和同事学生围绕他的学术品格、理论特色和历史贡献进行了深入研讨。2012年，恰逢中央音乐学院资深音乐学教授张洪岛先生百年寿辰。中央音乐学院音乐学系对张洪岛教授的学术成就和教学工作进行重点回顾。2012年9月27日，四川音乐学院举行“纪念王光祈先生120周年诞辰学术研讨会”。全国100多位专家学者参加学术研讨会，对王光祈作为中国音乐学开拓者的历史地位和学术成就进行回顾、梳理和阐释。在对外学术交流方面， 2012年12月22日至26日，陈应时、方建军、李玫等中国学者应邀参加第七届东亚律学大会并宣读论文。此次学术交流与研讨活动，引起东亚音乐研究机构对中国律学学者研究成果的密切关注。

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2．新的地方高校钢琴教学评价体系应具备的基本特征

教学必须与评价相匹配，评价应该伴随着教学进行。作为教师，我们的脑袋里要时刻想着真正伟大、有挑战性、相对公正的评价，学生参与其中，他们的学习就会得以深化。关于评价的要求必须是清楚的，原则上要被所有教师和学生所接受，就是说，没有秘密或惊奇，每个人都从一开始就准确知道被期望和要求什么。智能的认知过程比所谓的艺术能力或天赋更为重要。你的主要兴趣应是证明或表现他们的理解力。例如，他们绘制的一幅画是否被认为是“精美艺术”并不是关键。问题的关键在于，“他们通过作品证明了理解力吗?”如果天赋也随之得到开发，那很好，但它不是主要目标[4]。要集中于对学生表现的反馈，并以帮助学生改进并达到更高表现水平为目的。要避免以打分来助长竞争的做法，而使之成为促进自我竞争和进步的动力。学生应该参与到整个评价的过程中，教师应跟在学生后面通过评价来证实他们的学习。如果你得到这样的问题，“你给我打了多少分”或“我可得多少分”，这样的感觉就好像它是一次抽奖，那么，这样的评价肯定就出错了。所设计的评价是要鼓励学生在更高、更复杂的水平上表现自己。要让学生知道，在任何表现活动中，实践就是学习。锻炼学生对音乐功能的理解：学生在态度、价值和行为方面，对音乐的各种影响所获得的领悟；学生在他们的文化、亚文化和个人生活中，对音乐的多样功能知识和体验的习得：发展学生必要的能力，明智地运用对多种类型和风格的音乐的辨别和抉择[5]。

3．对建立新的教学评价体系的探讨

基于对地方高校钢琴教学评价体系应该具备的基本特征的认识，试图建立一种新的钢琴教学评价体系。由于学生进校水平不一样，所以笔者认为在衡量的标准上不能一刀切，统一打分。在教学过程中经常遇到这样的学生，进校时一点基础都没有，但是学习非常努力，可是在学期末考核时，由于他所演奏的作品比较小，所以总是得不到很好的成绩，这样使得他有很强的挫败感，对以后学习不利。所以，新的教学评价体系，必须考虑到个体的差异。高等地方院校的钢琴教师，应该基于学生的钢琴基础，将学生按钢琴水准，分为若干个组别，每个组别处于大致的水准。然后分别对这些组别档次设计具体的细化评分标准。这样，基本上每个学生都有一个弹性的空间，他们可以感觉到通过自己的努力，取得的成绩可以得到肯定。从心理学角度看，一个人所确定的目标任务越容易，完成的可能性和信心就越足，实现的可能性就越大。所以这种弹性分档方法更具人性化和可行性，有利于培养学生的学习兴趣。在钢琴主修生的评分中要增设钢琴教学法考核的项目，要开设钢琴教学法课程。我们必须认识到，音乐教育不仅是知识教育和技术教育，更重要的是一种文化教育[6]。“钢琴教学法”主要研究和阐述钢琴教学的基本内容、基本过程、基本规律、基本原则和基本方法。普通地方高校的钢琴主修生，毕业后大都从事钢琴教学。因此，钢琴教学法对学生将来毕业后的职业适应能力有很重要的现实意义。增加钢琴教学法课程内容，同时将其作为考核的内容之一，一方面改变了传统的“一曲定乾坤”的钢琴技能考核方式，另～方面培养了学生的综合能力，而且，还培养了学生的职业能力。另外，学生既掌握了正确的演奏方法又学会怎样教别人学琴，也就能在这些教学理论的充实下“教学相长”。而且，就钢琴课程而言：“钢琴教学法”内容的引入将在多个层面上起到积极作用。对于那些没有钢琴基础的学生来说，“钢琴教学法”将引导他们准确地把握钢琴学习中最基本、最具共性的知识内容。

并用以指导自己的钢琴的学习。这将使他们在学习过程中充分发挥出自己的主观能动性，从而使学习更有成效，也更有乐趣。还有些学生进校时已具备了较强的钢琴弹奏能力，对于这些学生来说，“钢琴教学法”将帮助他们更加全面而深入地掌握钢琴学习的相关要素，使他们的演奏水平向着更高的层次迈进。增加演奏实践的考核。在主修学生中，为鼓励学生多上台，要在考试中加入10％的比例作为学生平时参加演出实践的分数。舞台实践是钢琴主修学生课程体系中不可替代的一个重要部分。通过舞台实践不仅能够锻炼学生的表演能力，培养学生良好的心理素质，还能使学生具有舞台演出的实践经验，以表现和巩固提高所学的技能，展示学习成果。所以，新的钢琴教学，一方面要多举办各种形式的钢琴演奏会，让学生走上舞台，提高实践能力；另一方面，要将学生在舞台上的表现，进行量化，作为钢琴教育评价的一个指标，计入期末成绩。这样，一方面可改变钢琴教学中的死板、枯燥的模式，增强学生的学习兴趣；另一方面，学生在多样的实践中也获得不同的演奏体验和演奏经验；再者，也可以活跃所在地方高等院校的文艺生活，可谓一举多得。考试成绩以分数和指导性、鼓励性评语同时体现。采取打分和评语相结合的方法更有利于学生的进步。教师根据学生考核中所弹奏作品的情况，给予分数的同时，应给予相应的指导性的评语。这样使得我们的考核就不仅仅是单一的评分，也是学生学习的一个过程。苏霍姆林斯基[7]说：“如果学生因为这样或那样的原因和情况而没有能力掌握知识，我从来不打不及格的分数。

如果学生感到没有努力的：疗向，觉得自己什么也不行，这对他们的精神是最大的压抑”。因此，应采取给予指导性的、鼓励性的语言(即扬长式的教育方式)来评价学生的学习成效，使学生树立自信、自尊，使学习充满乐趣。笔者认为，这样的考核方式，让学生更容易接受，比如有两个学生同时得到79分，但是他们的缺点会完全不同，一个学生可能存在八度技巧掌握不够的问题，另一个学生可能是乐曲感情处理的问题，这样的分数单呈现出来后，一方面使学生认清他所存在的问题，另一方面也体现了同一个分数的不同含义。综上，笔者尝试提出以下考核标准，分为三个层面：普修生钢琴考核成绩的计算：包括平时成绩加上技巧考核的成绩。30％平时成绩+7O％技巧考核成绩主修生钢琴考核成绩的计算：包括平时成绩、技能考核、艺术实践、理论基础四个方面。30％平时成绩+5O％技能考核+10％艺术实践+1O％理论基础。毕业生钢琴考核成绩的计算：包括平时成绩、技能考核、艺术实践、理论基础以及钢琴毕业论文写作五个方面。15％平时成绩+l5％毕业论文十5o％技能考核+1o％艺术实践+10％理论基础。为了验证笔者提出的考核标准，笔者在自己所教授的三个年级的学生中抽取十名学生进行了教学实验。分为甲乙两组，每组五名学生。对甲组采用传统的教学评价考核标准，对乙组采用新的考核标准。经过半年的实践，笔者发现两组学生的差异逐渐的反应出来了：乙组的学生表现出更大的学习热情。其主要表现是学生主动到琴房训练，等待教师上课指导。在课程当中，更多地向教师发问，更多地反馈自己的困惑。

篇9

一、弗雷·勒道尔论调性音乐语法

自何乾三翻译的《音乐的情感与意义》出版以来，伦纳德·迈尔已逐渐成为我国学者较熟悉的美国音乐美学家之一。该著作结合音乐分析、音乐美学、情绪心理学等知识，对音乐的意义及音乐审美过程中的期待心理做了深入剖析，可谓跨学科研究的经典范例。继迈尔之后，仍有一些学者沿着综合音乐分析与心理学的道路继续前行。比如弗雷·勒道尔(Fred Lerdhal)与雷·杰肯多夫(RayJackendoff)，两人因《调性音乐生成理论》一书在音乐分析界享有盛誉。本书综合音乐分析、语言学、认知心理学等知识，探讨了西方调性音乐的语法规则与人的认知心理倾向之间的关系。作者从四个方面对调性音乐语法进行了阐述：(1)节拍结构(Metrical struc-ture)分析，关注音乐的强弱律动关系；(2)群组结构(Grouping structure)分析，关注音乐中动机、乐节、乐段之间的段分关系；(3)时值简化(Time-span reduction)分析，关注音乐横向进行过程中哪些时值单位在听觉上呈现出更重要的意义；(4)延长简化(Prolongational re－duction)分析，关注音乐进行过程中紧张(Tension)与松弛(Release)的关系。作者认为，调性音乐在以上四个方面皆呈现出层级(Hierarchical)特征。如在节拍分析中，弱拍隶属于强拍；在群组分析中，小规模群组隶属于较大规模群组；在延长简化分析中，较具紧张性的音乐单位隶属于较松弛的单位等，种种层级关系皆根源于人类的先天认知倾向。顺着《调性音乐生成理论》的思路，勒道尔在《作曲系统的认知限制》一文中讨论了与音乐创作实践关系密切的问题，即评价现代音乐作品的标准是什么。他认为，音乐中存在两种语法：第一种是“创作的语法”(Compositionalgrammar)，第二种是“聆听的语法”(Listeninggrammar)。根据创作的语法可产生一系列音乐事件，它是组织音乐结构的技术手段，具有人工性，如十二音技术便有其特定的组织逻辑。聆听的语法则使音乐音响在听者的大脑中形成一定的精神表象，它受制于人类听觉的先天认知倾向。在此基础上，勒道尔提出两点关于音乐价值与评价的原则：(1)“最好的音乐充分地运用了我们的认知潜力”。(2)“最好的音乐产生于创作语法和聆听语法的联合”，亦即人工性的技术组织手段必须符合人类听觉心理的组织倾向。某些序列音乐作品，如布列兹的《无主之锤》等，之所以难以为听众所理解，原因便在于它们违背了人类认知心理的天然需求。

以上便是勒道尔的核心观点，其虽主要着眼于音乐音响结构，带有“形式一自律”论倾向，却不是传统意义上的作品分析理论，他将音乐分析学与心理学结合，剖析音乐音响结构得以形成的根本原因，不仅体现了当代音乐分析学的发展趋势之一，也为音乐美学研究带来启发，特别对于“音乐音响结构与审美心理之关系”、“音乐价值与评价”等论题而言，有着不容忽视的意义。

篇10

德国的音乐教师教育起始于19世纪初期，20世纪60年代后逐渐发展形成完善的音乐教师教育体系，在全国范围内形成了一些音乐教师教育的优良传统。包括：

1　双轨制与分级培养模式

德国的音乐教师教育分为两大类：普通学校音乐教师教育、音乐学校教师以及私人专科音乐教师教育。它们在培训机构、培养模式和就业出路等方面都各不相同，形成了各自的特色，笔者称之为音乐教师教育的“双轨制”。普通学校音乐教师教育采取分级培养：

小学音乐教师(专业名称：LehramtMusik an Grundschulen=L1)：

中学音乐教师(专业名称：LehramtMusk an Haupt-und Realschulen=12)；

高中音乐教师(专业名称：LehramtMusik an Gvmnasien=L3)；

特殊学校音乐教师培养(专业名称：Lehramt an Sonderschulen=L5)

其中L1、L2一般由大学音乐教育系／学院、教育学院音乐系培养，L3由专业音乐学院培养，L5一般由有特殊教育专业的教育学院和专业音乐学院共同培养。它们在内容和结构上类似，但具有不同的学习重点和职业指向。当然这也只是大体分工。在有些州也有例外。

2　“多能”目标与“多专业性”

德国中小学规定，每位教师必须具备执教两门学科的能力。2004年。德国文化部颁布的“教师教育标准”，明确指出学校教师应有“授课、教育、评价、革新”四个方面的能力，不仅要上好课，还要对学校发展做出积极贡献。因此，德国教师教育具有“多能”目标与“多专业性”的培养特点，强调学生在大学学习期间除了第一专业之外，必须再选择至少一门其他学科作为第二专业，小学教师甚至要求有两门副专业。

音乐教师教育也不例外。学生不仅要选择分级的音乐教师专业。还得选择一到两门其他学科，如果是在专业音乐学院就读，后者常常需要到其他大学同时修读。其课程可以分为三大块：音乐以及音乐教育、第二专业、教育科学。其中第一块内容由学生注册的音乐院校执行，其培养目标定位于使未来的音乐教师具有艺术的、学术的和专业教育教学的才能，课程设置围绕着三大块内容，包括表演艺术实践领域、学校音乐教育教学实践领域、音乐基础理论与学术研究领域。

3　严格的国家教师资格制度

德国实行严格的国家教师资格制度，以保证在教育民主下的教育质量。普通学校的音乐教师教育分两阶段进行：(1)大学修业阶段，学习音乐教育专业和另一门自选学科，毕业考试为“第一次国家考试”；(2)作为见习教师的学习阶段。含学校教育教学见习、实习以及在教师指导下的研讨，两年内递交论文并通过教学实践测评和“第二次国家考试”，方可获得教师资格证书，成为正式教师，享受国家公务员待遇。传统的德国教育观念强调学校实践能力在教师工作中的重要性，体现了德国从政府到学生本人对教师职业选择的严肃性――因为教师是培养人的职业，国家的前途与命运维系在教育的成果之上，学生一旦选择教师专业，就得遵从规定，付出比其他大学专业多两年的学习时间。

事实上，德国的教师教育还有第三阶段，即入职后的继续进修。这是学校教师的义务，进修的内容一般包括三个方面：继续强化本学科专业知识、更新教育科学知识以及增进对当前社会新问题的认识。全国也形成了教师进修的完善网络，这些信息通过网页、专业期刊等广而告知，教师可以根据自己的时间和需要自愿选择。

二、当前改革的焦点

德国教师教育领域的改革从20世纪90年代中期就已经开始。在这场历时10多年的全面变革中，音乐教师教育领域的上述优良传统被全面继承下来，各校改革的焦点主要体现在以下几个方面：

1　学制变革

“博洛尼亚进程”要求在欧洲实行统一的“学士、硕士、博士”学位制度，撼动了德国高教体系的核心――德国的高等教育长期以来只有硕士和博士两种学历层次，没有学士学位，学生大学毕业获得第一个学位的学习时间明显长于其他国家。改革意味着要将原有的一贯制的硕士学习分为“学士、硕士”二级学制，主要目的是为了学生就业和继续深造组合的灵活性以及与国际接轨的对等转换。学士学位毕业者具有立即进入就业市场的资格，或者有权选择继续攻读硕士。德国政府与教育界一方面支持学制改革，另一方面坚持认为，为保证教育质量，作为学校教师必须至硕士毕业才能入职。

2　课程重组

新学制的建立。不仅仅在学习时间上有变化，更在学习结构与内容上要有调整。音乐教师教育领域的课程改革具有以下特点：

(1)以“模块化”课程设置使学习计划清晰化。不同课程模块的设计，聚焦于学生作为未来的学校音乐教师必须掌握的各项基本能力，每一个模块由多种不同形式的教学活动组成，有必修和选修课程，其共同目标在于传授与形成某一共同的能力。这样的模块化课程设置，将具有共同能力目标的课程归类，有利于学生能力的形成，也给学生提供更大的空间来相对自由地选课。这些模块按照不同的难易程度设置在不同的学习时段，使学习计划更清晰。

(2)以丰富多样的教学形式保证学生能力的形成。德国高等音乐教育有几种基本的课程形式：个别课、小组课、集体大课、练习课、研讨课。尤其是大量的研讨课，一般采用专题研究的形式，以学生作报告和讨论为授课基础，教师只起指导和补充作用。这种课堂形式对于培养学生独立的研究能力、思辨能力与课堂表达能力大有裨益。

比勒菲尔德大学教授克劳森提出了另外四种教学形式：“理论课”要体现跨学科性，是与音乐学合作的教学形式；“学术性的参观旅行”(例如参观博物馆或音乐节)可以使学生通过亲身经历开阔视野；“工作坊”则让学生亲自尝试与体验各种音乐，可以邀请校外专家或由本校教师主持，以专题的形式集中在某一时段进行，学生至少要根据兴趣选择参加两个；“项目设计”则主要与教育教学挂钩，培养学生的实际操作能力。这些教学形式已经在众多的音乐院校中实行，对于打破

刻板的课堂，调动学生学习兴趣和培养学生的实际能力很有益处。

(3)以“学分”量化课程的学习量。学分取代了德国高校以前的“周学时”(以每门课程每周的上课时间为标准计算)，以学生完成课程学习所需要的总时间为计算标准，一个学分的分值大约相当于30个小时的工作量，包括听课、课前预习和课外作业、图书馆查阅资料以及考试的时间均应计算在内。

音乐教师教育至硕士毕业必须完成最低300学分，包括音乐教育主专业、自选的第二学科、教育科学、实习、毕业论文等。这被视为从以教师的教学为中心向以学生的学习为中心的转变，体现了现代教育理念。

(4)强化学校音乐教育教学实习与加强教育科学理论。学制改革后，“学校音乐教学实习”以及“学科教学法”等模块占有较大的比重，分散在学士学习阶段和硕士学习阶段。例如波茨坦大学音乐教师教育专业的学习章程中规定：学士阶段的实习包括三种形式――在第一或第二学期定期到学校见习、学习教育学／心理学等实习理论、学校短期实习；硕士阶段有四个月的驻校实习，包括教学法、教育学、心理学等理论学习和课堂教学实践。此外，有关教育科学的理论课程也得到了进一步的加强。其出发点在于，未来的教师应当具有坚实的教育科学基础，能够对教育和教学实践问题进行具有教育学术性的思考和论证。

3　国家教师资格考试的变化

教师教育分大学修业和学校见习两阶段的传统在改革中被继承下来。焦点在于音乐教师教育第一阶段与第二阶段的关系及如何改革，以及大学修业期间的专业教学法知识是否切合教师见习期间学校的教育教学实际。学校方面批评高校的知识太过理论化，没有考虑学校工作实际；高校则认为学生在见习教师阶段仅满足于从实践中得来的“Know how”以及被动适应所谓的学校管理，不可能大力推动教育的发展。一个理想的改革蓝图是，学校与高校放弃各自的成见，精诚合作，强调大学修业期间的实践部分以及教育科学、学科教学法的比重，克服教师教育中两阶段完全割裂的缺点，使它们有机结合，使理论与实践紧密结合起来。有音乐教育家预言，尽管在音乐教师教育领域，迄今为止第一阶段被讨论的最多，但随着改革的深化，第二阶段的重要性将更加凸显，随着音乐文化、媒体技术的变化以及终身学习理念的普及，持续的进修也将成为学校音乐教师的必需。

三、启示与借鉴

以上德国音乐教师教育的优良传统以及当前改革中的举措与困惑，对于中国音乐教师教育的改革与发展不无启示。笔者认为主要在以下几方面可以借鉴参考：

1　音乐教师教育的双轨制与分级培养模式使培养目标明确

德国学校音乐教师教育实行分级培养模式是一亮点。这种做法使培养对象确定、培养目标明确，一方面有利于高校分别制定针对性强、清晰可行的培养方案，另一方面有利于学生各取所长。如果严格实行国家教师资格制度，毕业生出路更明确，教师教育的就业市场也将更明朗化。

2　教师教育的“多专业性”规定有利于学生的能力发展与灵活就业

笔者以为，这种“多专业性”的规定将学生修业期间的关注焦点从喜爱的主专业同时引向其他领域，培养了广泛的兴趣，拓展视野，有利于其多方面能力的发展，也为将来的职业生涯提供了多样的可能性。例如在学校教育工作中，如果专职音乐教师开课不满工作量时，也有能力兼任其他课程的教学，而不至于胡乱应付。甚至可能出现由于教师编制问题，以音乐教师为“副业”，其他可执教学科为主业的情况。